September 15, 2015, 9:51 am
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September 18, 2015, 11:05 am
I grew up reading Tharg’s Future Shocks and Time Twisters in the pages of 2000 AD. Don’t ask me why, but when I became a serious reader –some would say, a serial reader– in the mid-90s, it wasn’t easy to find new comics here in Lima; so I had the good fortune of reading old ones.
Instead of purchasing Marvel or DC Comics from the 90s (perhaps the only decade in history mocked by comic book fans due to the low quality of titles and the awful artistic styles that were in vogue back then), I was getting 2000 AD progs from the late 70s and early 80s; instead of the electric blue Superman I was enjoying John Byrne’s memorable run; instead of the tight-pants-and-jacket Wonder Woman from the 90s, I was just getting familiar with George Pérez take on the Amazon princess; instead of the big guns and the abundance of pouches that dominated the designs of X-Men costumes in those years, I was being delighted by the elegant and classic look –black and yellow– of the New Mutants. So in a way I was traveling back in time. I wasn’t familiar with any of the current output, but I was an expert in 80s comics. And I’m glad things worked out that way, after all, I had the opportunity to read some of the best comics ever published.
Obviously, now I can’t do that time-traveling trick. I get fresh comics every month and I spend so many hours in comic book related pages that, one way or another, I’m quite familiar with everything that is going on in titles that I don’t even read. Which is why I absolutely love projects like Mark Millar’s Chrononauts. Not only do I get to read a fun and action-packed adventure about time traveling, but I also get to reminisce dozens of classic Tharg’s Future Shocks and Time Twisters.
Chrononauts begins with best pals Corbin Quinn and Danny Reilly, they also happen to be the brightest scientists in their respective fields. Together, they have created the chrono-suits that allow them to travel through the timestream. But instead of a careful and rational exploration of past eras, the two buddies embark upon a destructive journey.
Millar has always had a good sense of humor, and that has been a constant element in previous works. Chrononauts is an amusing and lighthearted series, more action-oriented than character-driven. And that's perfectly fine. However I miss the subversive nature of other Millarworld titles. Kick-Ass was a reinvention / parody of the superhero genre, MPH a social criticism on the risks of uncontrolled capitalism and the bankruptcy of American industries, The Secret Service was a parable about social climbing and overcoming one’s humble origins, Jupiter’s Legacy was a cautionary tale about spoiled kids squandering and disrespecting their parents heritage, Nemesis was an unapologetic tour de force through the most sinister desires of the world’s wealthiest men, Starlight was a homage to old adventurers and how they might deal with retirement and old age and Chosen was an indictment on religious zealousness. Chrononauts, however, seems to be only a celebration of comradery and bromance.
Although a few years ago I had never even heard of him, Sean Gordon Murphy has quickly become one of my all-time favorite artists. His talent shines through the pages of Chrononauts and, as usual, he transmits pure energy and movement; his vibrant pages provide the reader with a unique aesthetic feast. I had already praised his art in “Punk Rock Jesus” but here it looks even better (in part thanks to the spectacular coloring provided by Matt Hollingsworth). As Blake Northcott explains “Chrononauts is pure eye Candy. Few can match the frenetic visual flair of Sean Murphy, who effortlessly brings a sweeping, cinematic style to Millar’s prose”.I love Sean Gordon Murphy’s art and the wonderful Easter eggs he includes in some panels. For instance, in Corbin’s library we can find hardcovers of Kick-Ass, Superior, MPH, Superman Red Son, Wolverine, Civil War and one of my personal favorites: Judge Dredd. There are so many impressive images in this miniseries, for instance, one of my favorites is a double page spread that consists of a dramatic angle that emphasizes Reilly’s vulnerable position facing an endless horde of barbarians; and the last double page spread is also fantastic. There is such a sense of urgency and velocity here that one can’t help but to feel the tension of the moment. As usual Matt Hollingsworth adds a unique chromatic texture to Murphy’s lines. They truly are the ideal artistic team (no wonder they’ve been working together for so long).________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Cuando todavía estaba en el colegio leía los “Tharg's Future Shocks” y “Time Twisters” de las páginas de 2000 AD. No me pregunten por qué, pero cuando me convertí en un lector en serio -algunos dirían ‘en serie’- a mediados de los 90s, no era fácil encontrar cómics nuevos aquí en Lima; así que tuve la suerte de leer cómics viejos.En lugar de comprar Marvel o DC Comics de los 90s (quizás la única década en la historia vilipendiada por los fans del cómic debido a la baja calidad de los títulos y los horribles estilos artísticos que estaban en boga en ese entonces), adquiría ejemplares de 2000 AD de finales de los 70s y principios de los 80s; en lugar del Superman azul eléctrico disfrutaba de la memorable etapa de John Byrne; en lugar de la Wonder Woman de pantalones y chaqueta ajustada de los 90s, me estaba familiarizando con la versión de George Pérez de la princesa amazónica; en lugar de las pistolas grandes y la abundancia de bolsillos que dominaban los diseños de los trajes de los X-Men en esos años, estaba encantado con el look elegante y clásico -negro y amarillo- de los New Mutants. Así que en cierto modo estaba viajando en el tiempo. No estaba familiarizado con la producción contemporánea, pero era un experto en los cómics ochenteros. Y me alegra que haya sido así, después de todo, tuve la oportunidad de leer los mejores cómics.
Obviamente, ahora no puedo hacer ese truco del viaje en el tiempo. Recibo cómics nuevecitos cada mes y me paso muchas horas en las páginas sobre cómics así que, de una u otra manera, estoy muy al tanto de todo lo que está pasando en títulos que ni siquiera leo. Es por eso que me entusiasman los proyectos como “Chrononauts” de Mark Millar. No sólo se trata de una aventura divertida y llena de acción sobre viajes temporales, también es una oportunidad para recordar docenas de clásicos “Tharg's Future Shocks” y “Time Twisters”.
“Chrononauts” comienza con dos grandes amigos, Corbin Quinn y Danny Reilly, científicos brillantes en sus respectivos campos. Juntos, han creado los crono-trajes que les permiten viajar a través de la corriente temporal. Pero en lugar de una exploración cuidadosa y racional de épocas pasadas, los dos colegas se embarcan en un viaje destructivo.
Millar ha tenido siempre un buen sentido del humor, algo que ha sido un elemento constante en obras anteriores. “Chrononauts” es una serie amena y desenfadada, orientada más a la acción que al desarrollo de personajes. Y eso es perfectamente aceptable. Sin embargo, echo de menos la naturaleza subversiva de otros títulos de Millarworld. Kick-Ass fue una reinvención / parodia del género de superhéroes, MPH una crítica social sobre los riesgos del capitalismo descontrolado y la quiebra de las industrias estadounidenses, The Secret Service fue una parábola acerca del ascenso social y los orígenes humildes, Jupiter’s Legacy fue una advertencia sobre los niños mimados que despilfarran irrespetuosamente el patrimonio de sus padres, Nemesis fue un brutal recorrido por los deseos más siniestros de los hombres más acaudalados del mundo, Starlight fue un homenaje a los aventureros ancianos y a la forma en la que se enfrentan a la jubilación y la vejez y Chosen fue una denuncia en contra del fanatismo religioso. “Chrononauts”, sin embargo, parece ser sólo una celebración de la camaradería y la amistad entre hombres.Aunque hace unos años nunca había oído hablar de él, Sean Gordon Murphy se ha convertido rápidamente en uno de mis artistas favoritos. Su talento brilla a través de las páginas de “Chrononauts” y, como de costumbre, él transmite pura energía y movimiento; sus vibrantes páginas proporcionan al lector una fiesta estética sin igual. Ya había elogiado su arte en “Punk Rock Jesus” pero aquí se ve aún mejor (en parte gracias al espectacular coloreado proporcionado por Matt Hollingsworth). Como explica Blake Northcott “Chrononauts es una delicia visual. Pocos pueden igualar el estilo visual frenético de Sean Murphy, quien con gran facilidad aporta un elemento cinematográfico de primer nivel a la prosa de Millar”.Me encanta el arte de Sean Gordon Murphy y los maravillosos detalles que incluye en algunas viñetas. Por ejemplo, en la biblioteca de Corbin podemos encontrar cómics en tapa dura de Kick-Ass, Superior, MPH, Superman Red Son, Wolverine, Civil War y uno de mis favoritos Juez Dredd. Hay tantas imágenes impresionantes en esta miniserie, por ejemplo, una de mis favoritas es una página doble que consiste en un ángulo dramático que hace hincapié en la posición vulnerable de Reilly frente a una horda interminable de bárbaros; y la última doble página es también fantástica. Hay tal sentido de urgencia y velocidad, que uno no puede dejar de sentir la tensión del momento. Como de costumbre Matt Hollingsworth añade una textura cromática única a las líneas de Murphy. Ellos son realmente el equipo artístico ideal (es lógico que hayan trabajado juntos durante tanto tiempo).
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September 21, 2015, 1:28 pm
Without a mask, even without a superhero costume, Wolverine is still the best there is at what he does, and what he does isn’t pretty; Greg Rucka had this in mind when he relaunched the Wolverine ongoing series over a decade ago, effectively returning to the essence of the character. Wolverine isn’t a colorful superhero waiting to save the world in Professor X’s mansion, Wolverine is Logan, a man usually more comfortable with dirty motel rooms and cheap diners, and that’s the starting point of “Brotherhood” (published in Wolverine # 1-6, July to December 2003). Logan meets Lucy, a 17-year old waitress that lives across the hall. At first, they barely nod at each other but as time goes by, Logan talks to this girl and realizes how scared she is. Someone is after her. And sooner or later, they’ll find her. Having Wolverine as her neighbor means that the girl has seen him returning home after a savage brawl, wounded and covered in blood, only to see him completely healed the next morning. She doesn’t know who he is, but she understands that a man capable of enduring beatings night after a night, is strong enough to protect her.In the past, Logan has been a fatherly figure for girls like Kitty Pryde or Jubilee. Despite his feral nature and his troubled past, he made them feel confident and optimistic. This time, however, when “the Brothers” arrive, he can’t save Lucy. The brothers shoot at them. Logan’s wounds are healed by his mutant power, but Lucy dies instantly. She leaves behind a journal, a heartbreaking confession that motivates Logan to find out how she got in trouble in the first place.And thus the clawed mutant delves deep into a reality we often ignore or forget that exists. He visits the gun shows, the armament conventions that congregate hundreds of men and women, sometimes entire families, eager to buy guns. There is nothing far-fetched or fictional here, as Rucka analyzes America’s fascination towards firearms. Logan follows the trail of the bullets he takes out from his own body, and eventually he finds the seller he was looking for. Only problem is, someone else is after that man: Cassie Lathrop, undercover agent from the Bureau of Alcohol, Tobacco, Firearms and Explosives (ATF).
Rucka has always been obsessed with telling stories from the point of view of female police officers: he did it in Gotham Central with officer Renee Montoya, in DC’s 52 again with Renee Montoya, in Batman with Sasha Bordeaux, in Whiteout with marshal Carrie Stetko, in Daredevil with private investigator Dakota North, in Punisher with army sergeant Rachel Cole, in Lazarus with Forever Carlyle, and so on. In fact, many of Rucka’s detractors have suggested that he can’t write a story unless he has a female officer to tell it, but obviously this is an exaggeration as Rucka has proved time and again that he can also write using the voice of a male protagonist. And that’s the case with Wolverine; Logan is clearly the protagonist, and ATF agent Lathrop is a rich and humanizing supporting character that keeps Logan’s animal side in equilibrium.
When Logan finally finds the man responsible for Lucy’s death he also discovers something else. The Brothers of the New World are a religious sect, in which the leader can take as many “brides” as he wishes. The brides are underage girls like Lucy, who are tortured and brainwashed to have sex with the leader. Of course, the depravity doesn’t end here, and as the Canadian hero enters further into the lair of the beast, he’s confronted with a shocking and painful truth. Inspired by the world around him, Rucka succeeds in creating a disturbing place that feels very real, so much in fact that the most horrifying element is how mundane and down-to-earth the members of this sect are.
In the end, Logan loses his temper. He surrenders to his berserker rage, and instead of “doing the right thing” (warning the authorities or capturing the evildoers), he starts killing them in a massacre unlike anything we had seen in a Wolverine title up to this point. The brutal violence is extraordinarily depicted by Darick Robertson, a very talented artist who seems to specialize in ruthless and controversial images. After the massacre, Logan runs away, and agent Lathrop now has an even bigger mystery to solve.
The epilogue, “So. This Priest Walks Into a Bar”, is a poignant and revealing conclusion. Logan can’t come to terms with the fact that he has killed over 20 men in a single night. So he does what every reasonable man would do: he gets drunk in a bar, and he doesn’t stop drinking until Nightcrawler shows up. As a superhero, it is easy for Wolverine (and Nightcrawler) to deal with cosmic threats or megalomaniac villains intent on conquering the world. As a man taking justice in his own hands, however, things are not easy for Logan. And perhaps he’s such a unique and memorable hero because of that, in the end he can just as easily don the superhero mantle or dispose of it, as he sees fit. But regardless of his mission as an X-Man, he always has to deal with the consequences of his acts. Wolverine: Brotherhood may very well be one of my favorite works by Greg Rucka. And what makes this run even more special is Darick Robertson’s amazing art. Years before “The Boys”, the American artist was honing his craft in Marvel Comics. The Logan we get to see here is a man carrying the weight of countless years, he has a bitter expression and enough cruelty in his eyes to scare people away; even when wounded, he looks very dangerous. The battle sequences are absolutely impressive. I particularly love the double page spread in which we see Logan unleashing his rage.
The cover artist is Esad Ribic, winner of the Arion's Achievement Award for Best Cover Artist (among many other recognitions); heir to masters like Frank Frazetta and Alex Ross, Ribic combines photorealism with impressionism, and the result is a premium selection of beautiful and unforgettable covers. Ribic’s Wolverine is a tough guy, but also a respectable warrior; nonetheless, the Croatian artist also plays with the notion of virility often associated to the most popular mutant, as we can see in the last cover, considered by many as the only example of gay porn in a Marvel publication. Ribic provided fans with “A naked Nightcrawler. A crotch-glowering Wolverine”, and as if that weren’t enough, we also have the suspicious “placement of the beer bottle”. Esad Ribic is famous for his “wicked sense of humor”, and this cover proves why. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Sin máscara, incluso sin el traje de superhéroe, Wolverine sigue siendo el mejor en lo que hace, y lo que hace no es algo agradable; Greg Rucka tenía esto en mente cuando relanzó la colección de Wolverine hace más de una década, regresando efectivamente a la esencia del personaje. Wolverine no es un superhéroe colorido a la espera de salvar el mundo en la mansión del Profesor X, Wolverine es Logan, un hombre que usualmente está más cómodo en las habitaciones de moteles sucios y cafetines baratos, y ese es el punto de partida de "Hermandad" (publicado en Wolverine # 1-6, julio a diciembre de 2003).Logan conoce a Lucy, una mesera de 17 años que vive al lado. Al principio, apenas se saludan, pero con el paso del tiempo Logan habla con esta chica y se da cuenta de lo asustada que está. Alguien la persigue. Y tarde o temprano, van a dar con ella. Tener a Wolverine como vecino significa que la chica lo ha visto regresar a casa después de una golpiza salvaje, herido y cubierto de sangre, para luego verlo completamente curado a la mañana siguiente. Ella no sabe quién es él, pero entiende que un hombre capaz de soportar palizas noche tras noche es lo suficientemente fuerte para protegerla.En el pasado, Logan ha sido una figura paterna para muchachas como Kitty Pryde o Jubilee. A pesar de su naturaleza salvaje y su turbulento pasado, él logró que se sintieran confiadas y optimistas. Esta vez, sin embargo, cuando “los Hermanos” llegan, él no puede salvar a Lucy. Los hermanos abren fuego. Las heridas de Logan se curan gracias a su poder mutante, pero Lucy muere al instante. Ella deja un diario, una confesión desgarradora que motiva a Logan a averiguar cómo empezó a meterse en líos.
Y así, el mutante con garras hurga en una realidad que a menudo ignoramos u olvidamos que existe. Él visita las ferias de armas, las convenciones de armamento que congregan a cientos de hombres y mujeres, a veces familias enteras, impacientes por comprar armas. Aquí no hay nada descabellado o ficticio, y es que Rucka analiza la fascinación de Estados Unidos hacia las armas de fuego. Logan sigue el rastro de las balas que ha sacado de su propio cuerpo, y finalmente se encuentra con el vendedor que estaba buscando. El único problema es que alguien más está tras ese hombre: Cassie Lathrop, una agente encubierta de la Oficina de Alcohol, Tabaco, Armas de Fuego y Explosivos (ATF).
Rucka siempre ha estado obsesionado con contar historias desde el punto de vista de policías mujeres: así lo hizo en “Gotham Central” con la oficial Renee Montoya, en “52” nuevamente con Renee Montoya, en “Batman” con Sasha Bordeaux, en “Whiteout” con la alguacil Carrie Stetko, en “Daredevil” con la investigadora privada Dakota North, en “Punisher” con la sargento Rachel Cole, en “Lazarus” con Forever Carlyle, y así sucesivamente. De hecho, muchos de los detractores de Rucka han sugerido que él no puede escribir una historia a menos que tenga una mujer policía para narrarla, pero obviamente esto es una exageración; Rucka ha demostrado que él también puede escribir usando la voz de un protagonista masculino. Y ese es el caso con Wolverine; Logan es claramente el protagonista, y Lathrop, la agente de la ATF, es un personaje secundario rico y humanizador que mantiene el lado animal de Logan en equilibrio.
Cuando Logan finalmente encuentra al hombre responsable de la muerte de Lucy también descubre algo más. Los Hermanos del Nuevo Mundo son una secta religiosa, en la que el líder puede tener tantas “novias”, como desee. Las novias son chicas menores de edad, como Lucy, a las que torturan y les lavan el cerebro para tener relaciones sexuales con el líder. Por supuesto, la depravación no termina aquí, y cuando el héroe canadiense entra en lo más profundo de la guarida de la bestia, se enfrenta a una verdad impactante y dolorosa. Inspirado por el mundo que lo rodea, Rucka logra crear un lugar inquietante que se siente muy verídico; de hecho, el elemento más horroroso es ver lo mundanos y realistas que son los miembros de esta secta.
Al final, Logan pierde el control. Se entrega a su rabia de Berserker, y en vez de “hacer lo correcto” (advertir a las autoridades o capturar a los malhechores), empieza a matarlos en una de las masacres más sangrientas. La violencia brutal es extraordinariamente representada por Darick Robertson, un artista muy talentoso que parece especializarse en imágenes despiadadas y controvertidas. Después de la masacre, Logan huye, y la agente Lathrop tiene ahora un misterio aún mayor por resolver.
El epílogo, “Entonces, un cura entra a un bar”, es una conclusión conmovedora y reveladora. Logan no puede lidiar con el hecho de haber matado a más de 20 hombres en una sola noche. Así que hace lo que todo hombre razonable haría: se emborracha en un bar, y no deja de beber hasta que Nightcrawler aparece. Como superhéroe, es fácil para Wolverine (y Nightcrawler) hacer frente a las amenazas cósmicas o a los villanos megalómanos decididos a conquistar el mundo. Como un hombre que toma la justicia en sus propias manos, sin embargo, las cosas no son fáciles para Logan. Y tal vez él es un héroe tan único y memorable porque al final puede ponerse o quitarse el manto superheroico, si él lo considera conveniente. Pero independientemente de su misión como un Hombre X, siempre tiene que asumir las consecuencias de sus actos.
“Wolverine: Hermandad” bien puede ser una de mis obras favoritas de Greg Rucka. Y lo que hace que esta etapa sea aún más especial es el asombroso arte de Darick Robertson. Años antes de “The Boys”, el artista estadounidense estaba perfeccionando su estilo en Marvel Comics. El Logan que vemos aquí es un hombre que lleva encima el peso de incontables años, tiene una expresión amarga y la suficiente crueldad en los ojos como para asustar a la gente; incluso herido, se ve muy peligroso. Las secuencias de batalla son absolutamente impresionantes. Particularmente me encanta la doble página en la que vemos a Logan desatando su furia.
El artista a cargo de las portadas es Esad Ribic, ganador del Arion's Achievement Award como mejor portadista (entre muchos otros reconocimientos); heredero de maestros como Frank Frazetta y Alex Ross, Ribic combina el realismo fotográfico con el impresionismo, y el resultado es una selección premium de portadas preciosas e inolvidables. El Wolverine de Ribic es un tipo duro, pero también un guerrero respetable; no obstante, el artista croata también juega con la noción de virilidad a menudo asociada al mutante más popular, como podemos ver en la última portada, considerada por muchos como el único ejemplo de porno gay en una publicación de Marvel; Ribic le muestra a los fans "Un Nightcrawler desnudo. Un Wolverine que mira la entrepierna con el ceño fruncido", y como si eso no fuera suficiente, también tenemos la sospechosa “ubicación de la botella de cerveza”. Esad Ribic es famoso por su “retorcido sentido del humor”, y esta portada demuestra por qué.
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September 25, 2015, 7:42 am
Justice for All(The Outcast Book #1)
by P.T. Dilloway
Robin Howe was a normal teenager until her police captain father is killed by henchmen of the evil Madame Crimson. When the justice system won't take any action to avenge her father, Robin takes it upon herself. Except her first attempt leaves her nearly dead and with Madame Crimson's people on her tail.
To protect Robin, her father's former partner gives her a new identity that sends her to St. Martha's Academy for Young Ladies in rural New Hampshire. There she tries to keep a low profile, which isn't easy when Madame Crimson's spoiled daughter Tonya takes a special interest in making Robin's life there a living hell. Yet when a rival gangster tries to kidnap Tonya, Robin has to embrace her heroic destiny.
Buy the ebook for $3.99 here http://www.amazon.com/gp/product/B0150SJO8U
Or the paperback for $12.99 from Createspacehttps://www.createspace.com/5724918Author bio:Patrick "P.T." Dilloway has been a writer for most of his life. He completed his first story in third grade and received an 'A' for the assignment. Around that time, he was also placed in a local writing contest for a television station, receiving an action figure in lieu of a trophy, thus securing his love with the written word. Since then, he's continued to spend most of his free time writing and editing. In the last twenty years, he's completed nearly forty novels of various genres. When not writing, P.T. enjoys reading and photographing Michigan's many lighthouses. In order to pay the bills, he earned an accounting degree from Saginaw Valley State University in 2000 and for twelve years worked as a payroll accountant in Detroit.
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September 28, 2015, 9:23 am
Aunque no hubo mayores sorpresas en agosto, setiembre en cambio ha sido uno de los mejores meses en el panorama artístico limeño. Además de interesantes exposiciones, este ha sido un mes protagonizado por Juan Acevedo y por el MALI, que celebra por estas fechas su renovado compromiso con el arte.
Empecemos con las muestras del mes, como “Terra” de Marcelo Peirano Blondet, exposición organizada por el Centro Colich. Los cuadros de Peirano están llenos de luz y color, son un torbellino cromático que nos arrastra y nos cautiva. Con un gran dominio del pincel, Peirano ha logrado deslumbrar al público y a la crítica especializada. La noche de la inauguración tuve la suerte de encontrarme con Luis Peirano, quien fuera mi profesor de actuación en la Católica, algunos años antes de ser ministro de cultura del Perú.
En el Centro Cultural Juan Parra del Riego, mi amigo David Rejas organizó la colectiva “Monocromo by Blend”, con artistas como Elias Alayza, Kike Congrains, Santiago Bustamante y Adriana Tomatis. Los cuadros de David me encantaron, y debo decir que quedé muy satisfecho con el alto nivel de esta colectiva.
Dédalo presentó “Blemias” de Jorge Caparó, magnífica muestra de dibujo e ilustración, en la que el artista retrata con gran detalle y soberbio realismo a una serie de animales acéfalos; destacan sobre todo los desnudos masculino y femenino, en gran formato, y el trabajo en acuarela. En todos los cuadros, el trazo preciso y cuidadoso de Caparó marca la pauta.
La Galería Lucía de la Puente cedió su sala principal a Alicia Ehni y sus “Reflejos de piedra”, maravillosa muestra de esculturas realizadas en mármol de Carrara, labor que la artista realizó durante dos años en el sur de Italia. La última vez que Ehni expuso su obra en el Perú fue hace casi veinte años, así que la noche de la inauguración fue doblemente especial.La Galería Cecilia González organizó una colectiva sólo de damas: Carolina Bazo, Nani Cárdenas, Muss Hernández, Luana Letts, Mariu Palacios y Mariana Riveros. En “Camino a Odeón” podemos ver algunas piezas estupendas, pero también otras con conceptos poco inspirados y una ejecución un tanto pobre.La Galería Germán Krüger Espantoso del ICPNA, presenta la mejor retrospectiva del 2015: “Mundo cuy” de Juan Acevedo, un merecido homenaje al más importante autor de cómics del Perú. Con más de 400 originales en exhibición, “Mundo cuy” se convierte en una muestra imprescindible, no solamente del ámbito historietístico nacional sino del arte en general. Cuando yo todavía estaba en el colegio, era un lector apasionado de “El cuy” y “La araña No”, descubrir estas obras significó no solamente un deleite estético muy especial sino también la comprobación de que incluso en un medio tan adverso como el nuestro, un guionista y dibujante de cómics podía abrirse camino. Al llegar a la galería fue inevitable recordar el pasado y admirar con insistencia el maravilloso arte de Juan Acevedo. Recorrí durante 3 horas la sala, y ni siquiera me di cuenta del paso del tiempo. Agradezco al ICPNA por esta magnífica iniciativa. Ya era hora de celebrar el talento de uno de los mejores artistas de nuestro país.
El Museo de Arte Contemporáneo (MAC), por su parte, nos ofrece “El lenguaje universal del diseño italiano – Premio Compasso d'Oro”, curioso ensamblaje de piezas de diseño provenientes de Italia. Aunque, indudablemente, lo mejor del MAC este mes es “Retratos peruanos” de Baldomero Pestana: una selección de inolvidables fotografías de lo que podríamos llamar la edad de oro de las letras y las artes peruanas: reveladoras imágenes de Mario Vargas Llosa, Julio Ramón Ribeyro y Alfredo Bryce Echenique en su juventud, melancólicas tomas de José María Arguedas, Martín Adán y Sebastián Salazar Bondy, y animados encuadres de artistas como Fernando de Szyszlo, Gerardo Chávez, Leslie Lee, Sabino Springett y Herman Braun-Vega. Baldomero Pestana fotografió a los mejores escritores y artistas peruanos en la Lima de aquellos tiempos en la que “ser un artista o un escritor equivalía a ser un marginado, un paria, un loco benigno, alguien pintoresco o acaso excéntrico, pero en cualquier caso condenado a la desconfianza y a la derrota”, como explica nuestro premio Nobel de literatura.
Finalmente, en setiembre el Museo de Arte de Lima abrió las puertas de su segundo piso, totalmente remodelado y restaurado, consolidándose así como uno de los mejores espacios artísticos de todo el país. Si en el primer piso el MALI ya había emprendido notables iniciativas en tan sólo 4 salas de muestra, ya pueden imaginarse todo lo que hay por ver en el segundo piso, con 34 salas recién estrenadas.
El primer piso, como ya es habitual, sigue estando destinado sobre todo al arte peruano contemporáneo. Allí, la mejor propuesta es la de Daniela Ortiz de Zevallos; “97 empleadas domésticas” nos obliga a reflexionar sobre un tipo de racismo que se ha insertado tan firmemente en nuestra sociedad que muchas veces ya ni siquiera somos capaces de reconocerlo. El texto curatorial de la muestra explica muy bien qué es lo que Daniela Ortiz nos quiere decir con estas imágenes: “Concebido en su integridad en base a fotografías descargadas de la red social Facebook, el proyecto 97 empleadas domésticas contiene una mirada penetrante a una de las formas de discriminación social y laboral que caracterizan y dan forma a una parte de la realidad peruana. En base a una cuidada selección de fotos del Facebook, en las que los retratados aparecen en escenas cotidianas o de alguna celebración familiar, Daniela Ortiz devela con sutileza cómo en los encuadres fotográficos y ‘neutrales’ de la auto-representación familiar de las clases pudientes, el personal de trabajo doméstico queda invisibilizado, y dejado cuidadosamente en segundo o tercer plano cuando no directamente en las sombras. Es precisamente en el énfasis de esa invisibilización en la que, a expensas del entorno representativo original y de su propia mirada cotidiana, la artista logra evidenciar un sencillo mecanismo de subalternización, en el que la diferencia étnica y social es obliterada. El resultado es una sutil instalación y una precisa reutilización conceptual del proceso fotográfico que descubre dinámicas latentes en la sociedad limeña contemporánea”. En años anteriores, Daniela Ortiz ya me había sorprendido gratamente, por ejemplo en la muestra “¿Y qué si la democracia ocurre?”, no es la primera vez que ella es la que más destaca en una muestra colectiva, y seguramente no será la última.
Aunque he visitado el MALI con frecuencia, al menos desde el 2010, nunca había tenido oportunidad de visitar el segundo piso. El proceso de adecuación de las salas ha tomado más de 5 años y hoy, por fin, ya es una realidad. Subí al segundo piso y la colección permanente del MALI me dejó deslumbrado. Caminé horas por las 34 nuevas salas del museo, y quedé encantado. Se empieza por el área de arte precolombino, en donde uno puede hacer un repaso por las cabezas clavas Chavín, los huacos Mochica, los telares Nazca, la orfebrería preincaica en oro y en plata, y un sinfín de objetos fascinantes que nos remiten a nuestro rico legado cultural. Luego está el área de la conquista, el virreinato, la república, etc. Cada etapa de nuestra historia está representada con el arte que corresponde a la época. Finalmente, entre fines del siglo XIX y principios del siglo XX encontramos a los primeros grandes maestros de la pintura peruana, con exponentes de la talla de Carlos Baca-Flor o José Sabogal. Pese al recorrido exhaustivo que realicé, me quedé con las ganas de regresar otro día y ver todo con más calma.
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September was a particularly good month for the 7th art. Let’s begin with The Man From U.N.C.L.E. (2015), directed by Guy Ritchie; I absolutely loved this reinvention of the classic spy TV series. This time, Henry Cavill (Man of Steel) is the American spy, Armie Hammer (famous for his role as gay FBI agent in J. Edgar) is the former KGB operative, and Hugh Grant (who became a celebrity after his portrayal of a gay student in Maurice) is the undercover British agent. A clever plot, a good sense of humor, compelling characters, great acting and lavish scenarios turn this into one of the most entertaining action/adventure releases of the year.
Evan Goldberg and Seth Rogen directed The Interview (2014), a hilarious comedy starring James Franco (Oz the Great and Powerful) and Seth Rogen (Neighbors), who set out to interview the supreme leader of North Korea (wonderfully played by Randall Park). I had so much fun with this politically incorrect production; it’s filled with vulgarity and obscenities, and yet it’s surprisingly ingenious and smart. The best comedy of 2014.
James Franco has produced, written and directed 7 gay-themed projects (such as the superb The Feast of Stephen). Interior. Leather Bar (2013), is an experimental recreation of the censored footage of Al Pacino’s “Cruising”. Franco isn’t afraid to show explicit male nudity and sadomasochism sequences, and even non-simulated sex (which is why some critics consider this as pornography). The cast includes Val Lauren and Jake Robbins (famous for his role as a gay boy in Teens Like Phil).
Justin Benson and Aaron Moorhead direct Spring (2014), a melancholic, surreal and very original chronicle about a young man who runs away to Italy, Lou Taylor Pucci (Carriers), and the enigmatic girl he falls in love with. However, this isn’t a romantic tale, as the girl turns out to be an immortal shape-shifting monster.
James Ward Byrkit is the writer and director of Coherence (2013), one of the most mind-blowing and impressive films I’ve seen in years. Due to a strange event, 8 men and women are trapped in a house, and every time they leave the house they find nothing but darkness, and a house identical to the one they’ve just walked away from. Soon, it’s revealed they’re in fact traveling through alternate dimensions, and the more they try to find their original place the more lost they get. The script is absolutely brilliant and I must say I was at the edge of my seat from beginning to end. Captivating, powerful and intelligent, this is a must-see.
Ben Wheatley’s Kill List (2011) is a journey through the nightmares that only hitmen could have. Forced to do one last assignment, two professional killers find ominous signs as they complete their task, until they fall into the hands of a demonic sect. There are some amazing scenes; the ending, however, is very disappointing.
Harmony Korine became famous with Gummo (1997), a grim and raw documentary take on poverty and ignorance in the south.
Terminator 2: Judgment Day (1991) is not only my favorite James Cameron production but also one of the best films I’ve seen in my life (included in my personal top 100). As a sci-fi lover and as a fan of time traveling stories, I would say nothing beats T2. I’ve seen this quite a few times and I never get tired of the brutal fight between two cybernetic organisms sent from the future to find John Connor… one of them to protect the boy, and the other to exterminate him along with the hopes of mankind. A fascinating script full of time paradoxes and interesting ideas about the human condition; high-octane action, pure suspense, outstanding acting and an amazing soundtrack turn this into one of Hollywood’s greatest achievements. The cast includes Arnold Schwarzenegger (Terminator Genisys), Linda Hamilton and Edward Furlong.
Paul Verhoeven had already surprised me with Spetters and he does it again with Total Recall (1990), an exciting sci-fi odyssey based on a Philip K. Dick story. Arnold Schwarzenegger is seduced by the possibility of having the perfect vacations, or rather the artificial memories of an ideal holiday. However, he discovers he’s an undercover agent fighting for the freedom of Mars. Or so it seems. One unexpected plot twist after another, memorable scenes and an inspired take on revolution takes this to a whole new level. I recommend it.
One of the funniest comedies of the 80s, Ghost Busters (1984) reunites Bill Murray (Lost In Translation), Dan Aykroyd, Harold Ramis and Sigourney Weaver amidst a supernatural catastrophe that takes New York by surprise. Director Ivan Reitman makes us laugh over and over again with his ghosts and strange creatures, and also with the unique personalities of each one of the protagonists. Even after 30 years, the fun never ends.
In Home From the Gym (2014), Jake Robbins (famous for his role as a gay hustler in Tonight It’s Me) is a gay kid obsessed with having the perfect body, but at the same time he’s also doomed to be alone.
Henry Alberto writes and directs Rubber Duckie (2012), a disturbing short film about a masochist and a sadist (Max Hambleton and Adam Vaughn), who physically hurt each other as a way of repressing their sexuality.
This month I had a fine selection of international productions, such as Beira-Mar (2015), an evocative coming of age tale written and directed by Filipe Matzembacher and Marcio Reolon. Mateus Almada and Maurício Barcellos are best friends, and as they spend the weekend together at a beach house, they confess things that they had always kept in secret. The filmmakers aptly portray teenage awkwardness and sexual confusion, emphasizing quite realistically the way in which these teens interact with each other, mess up, goof around and, eventually, experience gay sex for the first time. By far, one of the best Brazilian movies I’ve seen in years.
From Germany comes Stefan Butzmühlen’s Lichtes Meer (2015), a serene and down-to-earth take on the lives of a couple of gay seamen: Martin Sznur and Jules Sagot. One of them has a male lover in every port, and the other one demands monogamy. A valid examination of homosexuality and intercultural differences.
Charles Binamé’s Elephant Song (2014) is a riveting drama that confronts psychiatrist Bruce Greenwood with his most unstable patient, Xavier Dolan (famous for his role as a gay teenager in Les amours imaginaires), the only one who has any clues regarding the disappearance of a respected doctor. An intellectual battle takes place between the old man and the disturbed youngster, and as sordid revelations come up, the psychiatrist learns that the patient had been sexually abused by the missing doctor for years. Finally, the patient manipulates everyone to reach his goal: committing suicide. Elephant Song is an unforgettable, sinister and intense Canadian film.
Viharsarok (2014), directed by Ádám Császi, is a poignant Hungarian production with great cinematography, audacious scenes and a heartbreaking script. András Sütö is a young gay man dealing with his homophobic surroundings. First, he masturbates with his friend Ádám Varga, and ends up having anal sex with him, but he also falls in love with Sebastian Urzendowsky (famous for his role as a gay kid in Guter Junge).
Axel Ranisch’s Ich Fühl Mich Disco (2013) is a bittersweet story about Frithjof Gawenda, an obese boy who falls in love with his best (and only) friend, a Romanian kid (Robert Alexander Baer). The complicated discovery of sexuality, the feelings of inadequacy due to his weight and the mixed signals he gets from his friend (who enjoys jerking off in front of him), are enough to confuse the protagonist. But to make matters worse, his mother suffers an accident and now his intolerant father has to learn how to deal with a gay son. Sad, moving and terribly real, this is a remarkable German film that delves deep into the core of adolescence.
And at last, but not least, I was awestruck by Nuovo Cinema Paradiso (1988), written and directed by one of the best Italian directors: Giuseppe Tornatore. This a heartfelt love letter to the 7th art, that begins with a charismatic child (Salvatore Cascio) obsessed with working in the only movie theater of his small town. There, he befriends the projectionist (Philippe Noiret), a kind although reclusive old man that fills the role of his missing father. As the years go by, the kid replaces the old man as the projectionist, and as a teenager (Marco Leonardi) he falls in love with a beautiful girl; and finally moves to Rome to become a filmmaker. The magic of cinema and the hardships of reality are seamlessly intermingled in this tragicomic and deeply emotive film. Tornatore brilliantly captures the essence of cinema, its magic and its ability to touch us and moves us in ways perhaps no other artistic expression could accomplish. A remarkable masterwork. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________Setiembre fue un mes particularmente bueno para el séptimo arte. Empecemos con “The Man From U.N.C.L.E.” (2015), dirigida por Guy Ritchie; Me encantó esta reinvención de la clásica serie de televisión sobre espionaje. Esta vez, Henry Cavill (Man of Steel) es el espía estadounidense, Armie Hammer (famoso por su papel como un agente gay del FBI en J. Edgar) es el ex oficial de la KGB, y Hugh Grant (que se convirtió en una celebridad después de interpretar a un estudiante gay en Maurice) es el agente británico encubierto. Un argumento inteligente, un buen sentido del humor, personajes convincentes, una gran actuación y escenarios fastuosos hacen de esta una de los más entretenidos estrenos de acción/aventura del año.
Evan Goldberg y Seth Rogen dirigen “The Interview” (2014), una hilarante comedia protagonizada por James Franco (Oz the Great and Powerful) y Seth Rogen (Neighbors), quienes se proponen entrevistar al líder supremo de Corea del Norte (maravillosamente interpretado por Randall Park). Me divertí muchísimo con esta producción políticamente incorrecta; está llena de vulgaridades y obscenidades, y sin embargo es sorprendentemente ingeniosa y astuta. La mejor comedia del 2014.
James Franco ha producido, escrito y dirigido 7 proyectos de temática gay (como el soberbio The Feast of Stephen). “Interior. Leather Bar.” (2013), es una recreación experimental de las imágenes censuradas de "Cruising" de Al Pacino. Franco muestra explícitamente la desnudez masculina y secuencias de sadomasoquismo, e incluso sexo no simulado (tanto así que algunos críticos afirman que esto ya es pornografía). El reparto incluye a Val Lauren y Jake Robbins (famoso por su papel como un chico gay en Teens Like Phil).
Justin Benson y Aaron Moorhead dirigen “Spring” (2014), una crónica melancólica, surrealista y muy original acerca de un joven que huye a Italia, Lou Taylor Pucci (Carriers), y la chica enigmática de la que se enamora. Sin embargo, esto no es un cuento romántico, ya que la chica resulta ser un monstruo inmortal que cambia de forma.
James Ward Byrkit es el escritor y director de “Coherence” (2013), una de las más alucinantes e impresionantes películas que he visto en años. Debido a un extraño suceso, 8 hombres y mujeres se encuentran atrapados en una casa, y cada vez que salen de la casa no encuentran nada más que oscuridad, y una casa idéntica a la que acaban de dejar atrás. Luego se revela que ellos, de hecho, están viajando a través de dimensiones alternativas, y por más que tratan de encontrar su lugar de origen, cada vez están más perdidos. El guión es absolutamente brillante y tengo que decir que me mantuvo en vilo de principio a fin. Cautivante, potente, inteligente, y sobre todo imprescindible.
“Kill List” (2011) de Ben Wheatley es un recorrido por las pesadillas que sólo los sicarios podrían tener. Obligados a terminar una última misión, dos asesinos profesionales encuentran signos ominosos mientras completan su tarea, hasta que caen en manos de una secta demoníaca. Hay algunas escenas increíbles; el final, sin embargo, es muy decepcionante.
Harmony Korine alcanzó la fama con “Gummo” (1997), una especie de documental sombrío y crudo sobre la pobreza y la ignorancia en el sur.
“Terminator 2: Judgment Day” (1991) no sólo es mi producción favorita de James Cameron, sino también una de las mejores películas que he visto en mi vida (incluida en mi top 100). Como amante de la ciencia ficción y como fan de las historias de viajes en el tiempo, yo diría que nada supera a T2. La he visto unas cuantas veces y nunca me canso de la lucha brutal entre los dos organismos cibernéticos enviados desde el futuro para encontrar a John Connor... uno de ellos para proteger al muchacho, y el otro para exterminarlo y poner fin a las esperanzas de la humanidad. Un guión fascinante lleno de paradojas temporales e ideas interesantes acerca de la condición humana; acción a raudales, suspenso puro, actuaciones sobresalientes y una banda sonora increíble hacen de este uno de los mayores logros de Hollywood. El reparto incluye a Arnold Schwarzenegger (Terminator Genisys), Linda Hamilton y Edward Furlong.
Paul Verhoeven ya me había sorprendido con Spetters y lo logra nuevamente con “Total Recall” (1990), una emocionante odisea de ciencia ficción basado en un cuento de Philip K. Dick. Arnold Schwarzenegger es seducido por la posibilidad de tener las vacaciones perfectas, o más bien las memorias artificiales de unas vacaciones ideales. Sin embargo, descubre que él es un agente secreto que lucha por la libertad de Marte. O al menos eso parece. Un inesperado giro argumental tras otro, escenas memorables y un inspirado enfoque sobre la revolución colocan a esta cinta bastante por encima del promedio. La recomiendo.
Una de las comedias más divertidas de los 80s, “Ghost Busters” (1984) reúne a Bill Murray (Lost In Translation), Dan Aykroyd, Harold Ramis y Sigourney Weaver en medio de una catástrofe sobrenatural que toma a New York por sorpresa. El director Ivan Reitman nos hace reír una y otra vez con sus fantasmas y criaturas extrañas, y también con las personalidades únicas de cada uno de los protagonistas. Incluso después de 30 años, la diversión nunca termina.
En “Home From the Gym” (2014), Jake Robbins (famoso por su papel como un homosexual que se prostituye en Tonight It’s Me) es un chico gay obsesionado con tener el cuerpo perfecto, pero al mismo tiempo también está condenado a la soledad.
Henry Alberto escribe y dirige “Rubber Duckie” (2012), un cortometraje inquietante sobre un masoquista y un sádico (Max Hambleton y Adam Vaughn); ambos se lastimen físicamente entre sí como una forma de reprimir su sexualidad.
Este mes disfruté de una insuperable selección de producciones internacionales, como “Beira-Mar” (2015), una narración sobre la difícil etapa de la adolescencia, escrita y dirigida por Filipe Matzembacher y Marcio Reolon. Mateus Almada y Maurício Barcellos son grandes amigos, y al pasar el fin de semana juntos en una casa de playa, confiesan cosas que siempre habían mantenido en secreto. Los cineastas acertadamente retratan la torpeza adolescente y la confusión sexual, enfatizando con bastante realismo la forma en que estos muchachos interactúan entre sí, metiendo la pata, haciendo tonterías y, eventualmente, teniendo su primera experiencia de sexo gay. De lejos, una de las mejores películas brasileñas que he visto en años.
De Alemania llega “Lichtes Meer” (2015) de Stefan Butzmühlen, un vistazo sereno y firme sobre la vida de un par de marineros gay: Sznur Martin y Jules Sagot. Uno de ellos tiene un amante masculino en cada puerto, y el otro exige monogamia. Una examinación válida de la homosexualidad y las diferencias interculturales.
“Elephant Song” (2014) de Charles Binamé es un cautivador drama que enfrenta al psiquiatra Bruce Greenwood con su paciente más inestable, Xavier Dolan (famoso por su papel como un adolescente gay en Les amours imaginaires), el único que tiene alguna pista respecto a la desaparición de un respetado doctor. Una batalla intelectual se desarrolla entre el viejo y el perturbado joven, y mientras el asunto se torna más sórdido, el psiquiatra se entera de que el paciente había sido abusado sexualmente durante años por el doctor ausente. Finalmente, el paciente manipula a todos para alcanzar su objetivo: suicidarse. “Elephant Song” es una película canadiense inolvidable, siniestra e intensa.
“Viharsarok” (2014), dirigida por Ádám Császi, es una conmovedora producción húngara con gran cinematografía, escenas audaces y un guión desgarrador. András Sütö es un joven homosexual que debe sobrevivir en un entorno homofóbico. Al principio, se masturba con su amigo Ádám Varga, y termina teniendo sexo anal con él, pero luego se enamora de Sebastian Urzendowsky (famoso por su papel como un chico gay en Guter Junge).
“Ich Fühl Mich Disco” (2013) de Axel Ranisch es una agridulce historia sobre Frithjof Gawenda, un chico obeso que se enamora de su mejor (y único) amigo, un chiquillo rumano (Robert Alexander Baer). El complicado descubrimiento de la sexualidad, los sentimientos de inadecuación debido a su peso y las señales contradictorias que recibe de su amigo (que disfruta masturbándose delante de él), son suficientes para confundir al protagonista. Pero para empeorar las cosas, su madre sufre un accidente y ahora su padre intolerante tiene que aprender a lidiar con un hijo gay. Triste, enternecedora y terriblemente real, este es un notable film alemán que se sumerge profundamente en el corazón de la adolescencia.
Y por último, pero no menos importante, quedé deslumbrado con “Nuovo Cinema Paradiso” (1988), escrita y dirigida por uno de los mejores directores italianos: Giuseppe Tornatore. Esta una espléndida carta de amor al séptimo arte, que comienza con un carismático niño (Salvatore Cascio) obsesionado con trabajar en la única sala de cine de su pequeña ciudad. Allí se hace amigo del proyeccionista (Philippe Noiret), un hombre mayor amable aunque un tanto solitario que le sirve como figura paterna. Conforme pasan los años, el niño reemplaza el viejo en su labor como proyeccionista, y ya de adolescente (Marco Leonardi) se enamora de una hermosa chica; finalmente, se traslada a Roma para convertirse en cineasta. La magia del cine y las dificultades de la realidad se entremezclan a la perfección en esta película tragicómica y profundamente emotiva. Tornatore capta magistralmente la esencia del cine, su magia y su capacidad para impactarnos y conmovernos en formas que quizá ninguna otra expresión artística podría lograr. Una notable obra maestra.
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Laughing out loud is always revitalizing. But when it comes to comic books, such a simple pleasure seems to be uncommon these days. It’s a funny thing, isn’t it? We still say comics although 90% of American titles are anything but comical. I’ve always enjoyed comedy in comic books. For me, humor should be an important narrative element, even if it isn’t the most prominent one.
The right equation ought to be drama plus humor; nevertheless, it seems as if most writer find that hard to balance, and they choose the former over the latter. And thus we have a panorama ruled by the ‘grim and gritty’ tone established in the mid-80s. But we can’t discard a healthy laughter, can we? Since the beginning of his career, Alan Moore was a very versatile author. Moore can write dramatic and tragic works such as Watchmen, V For Vendetta and From Hell but he can also write the most hilarious stories such as The Bojeffries Saga, D.R. & Quinch and Abelard Snazz, the Man of the Two-Storey Brain.
In the early 80s, Moore was still a relatively unknown writer. And despite his frequent collaborations for 2000 AD he wasn’t the biggest name in the British scene. At this point Moore was writing mostly Tharg’s Future Shocks (standalone sci-fi adventures), honing his craft and gratifying his readers with amazingly creative concepts boiled down to its very essence. Abelard Snazz would prove to be a tremendously popular character, and 6 additional episodes were written. I had the chance to re-read them a couple of months ago and I just couldn’t stop laughing at this egocentric double-brained genius (heir to the galaxy’s worst luck).
“Final Solution” (originally published in 2000 AD # 189-190, 1980) is Abelard Snazz’s first failure. In a world in which crime has spiraled out of control, Snazz decides to create an army of police robots that take law very seriously, so much in fact that they end up arresting innocent citizens after the most insignificant infractions. The artist here is Steve Dillon, long before he developed his signature style. Dillon’s elegant lines and classic approach give this introductory chapter a warmth and delightful texture.
“The Return of the Two-Storey Brain!” (2000 AD # 209, 1981) is one of my favorites. Abelard Snazz and his faithful android Edwin try to help Hoolio Moolabar, a man who has lost all his money in a famous galactic Casino and is afraid to return home, to an angry wife that will not take the news kindly. Snazz comes up with a tiny time machine that allows him to go back in time 60 seconds; so he will know which ones are the winning numbers in the roulette, in the cards and in all the casino games. Snazz and Hoolio win millions of credits in a single night, but at the end, Snazz’s hubris makes him fall into the hands of a professional scammer, who takes away all his money. The art by Mike White is absolutely top notch. White really knows how to design some wonderfully weird aliens, and he makes each panel unique and amusing.
In “The Double-Decker Dome Strikes Back” (2000 AD # 237-238, 1981), Moore embraces the absurd as a narrative resource. Instead of far-fetched sci-fi concepts, this time Moore plays with fantasy, while mocking religions and theological virtues such as compassion and hope. This time Snazz must reactivate the economy of an entire planet while saving them from a black hole. Mike White once again conveys the right artistic mood; and the cameos of characters from previous Moore’s Future Shocks are priceless.
“Halfway to Paradise” (2000 AD # 245, 1982) allows Moore to further explore the nature of deities, as Abelard Snazz gets lost in a black hole and ends up meeting the gods from ancient cultures. Washed-up and powerless after losing their worshippers thousands of years ago, Zeus, Thoth and Odin finally accept Snazz’s help, as he promises to create a public relations campaign that will make gods popular again. The talented John Cooper creates pretty impressive sequences, while making the gods look better than ever.
After a lifetime of imprisonment in the Dimension of Bleak Desolation, Snazz is finally rescued by Amnesty Intergalactic in “The Multi-Storey Mind Mellows Out!” (2000 AD #254, 1982). In a world in which all problems have been solved and people live a never-ending holyday, Snazz gets bored, until he comes up with a terrible invention. Paul Neary, still a rookie, does a good job here, especially with the hippy community.
Finally, in “Genius is Pain” (2000 AD # 299, 1983), illustrated again by White, Abelard Snazz faces the Manager of the Galaxy, an omnipotent figure that bestows upon him a unique gift. Greedy as ever, Snazz thinks he’ll get the biggest treasure in the cosmos, but he gets the one thing he’s been trying to get rid of for years: his faithful robot Edwin. In these great 6 episodes, Moore makes all readers laugh out loud; and for that, we should be thankful. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Reír a carcajadas siempre es revigorizante. Pero cuando se trata de cómics, actualmente este placer tan simple parece ser poco común. Es algo curioso, ¿no es así? Todavía los llamamos cómics aunque el 90% de los títulos estadounidenses son cualquier cosa menos cómicos. Siempre me ha gustado la comedia en los cómics. Para mí, el humor debería ser un elemento narrativo importante, así no sea el más prominente.
La ecuación correcta debe ser drama más humor; sin embargo, pareciera que a la mayoría de escritores les cuesta mantener el equilibrio. Y de este modo tenemos un panorama dominado por el tono 'sombrío y áspero' establecido a mediados de los 80s. Pero no podemos descartar las risas, ¿verdad? Desde el comienzo de su carrera, Alan Moore fue un autor muy versátil. Moore podía escribir obras dramáticas y trágicas como “Watchmen”, “V de Vendetta” y “From Hell” pero también podía escribir las historias más hilarantes como “The Bojeffries Saga”, “D.R. & Quinch” y “Abelard Snazz, el hombre con el cerebro de dos pisos”.
A principios de los años 80, Moore era todavía un escritor relativamente desconocido. Y a pesar de sus frecuentes colaboraciones para “2000 AD”, él no era el nombre de más peso en la escena británica. En esos tiempos, Moore estaba escribiendo principalmente “Tharg’s Future Shocks” (aventuras auto-conclusivas de ciencia ficción), perfeccionando su oficio y gratificando a sus lectores con conceptos increíblemente creativos y contundentes. Abelard Snazz demostraría ser un personaje tremendamente popular, y 5 episodios adicionales fueron escritos. Tuve la oportunidad de releerlos hace un par de meses y no pude dejar de reír gracias a este egocéntrico genio con dos cerebros (heredero de la peor suerte de la galaxia).
“Solución final” (publicado originalmente en “2000 AD” # 189-190, 1980) es el primer fracaso de Abelard Snazz. En un mundo en el que la delincuencia se ha disparado fuera de control, Snazz decide crear un ejército de robots policías que se toman muy en serio la ley, tanto que terminan arrestando a ciudadanos inocentes tras las infracciones más insignificantes. El artista aquí es Steve Dillon, mucho antes de que desarrollara su estilo característico. Las elegantes líneas de Dillon y el enfoque clásico le dan a este capítulo introductorio calidez y una deliciosa textura.
“¡El regreso del cerebro de dos pisos!” (“2000 AD” # 209, 1981) es uno de mis favoritos. Abelard Snazz y su fiel androide Edwin tratan de ayudar a Hoolio Moolabar, un hombre que ha perdido todo su dinero en un famoso casino galáctico y tiene miedo de regresar a casa, a una mujer enojada que no recibirá la noticia amablemente. A Snazz se le ocurre ensamblar una máquina del tiempo diminuta que le permita retroceder en el tiempo hasta 60 segundos; de ese modo sabrá cuáles son los números ganadores en la ruleta, en las cartas y en todos los juegos del casino. Snazz y Hoolio ganan millones de créditos en una sola noche, pero al final, la arrogancia de Snazz le hace caer en manos de un estafador profesional, que le quita todo su dinero. El arte de Mike White es asombroso. White sabe muy bien cómo diseñar alienígenas, y cómo hacer que cada viñeta sea única y amena.
En “El cerebro doble ataca de nuevo” (“2000 AD” # 237-238, 1981), Moore asimila lo absurdo como un recurso narrativo. En vez de rebuscados conceptos de ciencia ficción, esta vez Moore juega con la fantasía, a la vez que se burla de las religiones y de las virtudes teologales como la compasión y la esperanza. En esta ocasión Snazz debe reactivar la economía de todo un planeta, y también salvarlos de un agujero negro. Mike White, una vez más, capta muy bien los estados de ánimo; y los cameos de personajes de anteriores “Future Shocks” de Moore son un lujo.
“A medio camino del paraíso” (“2000 AD” # 245, 1982) le permite a Moore explorar más a fondo la naturaleza de las deidades; cuando Abelard Snazz se pierde en un agujero negro, termina conociendo a los dioses de las culturas antiguas. Fracasados e impotentes después de haber perdido a sus adoradores hace miles de años, Zeus, Thoth y Odín finalmente aceptan la ayuda de Snazz; él promete crear una campaña de relaciones públicas que hará que los dioses sean populares otra vez. El talentoso John Cooper crea secuencias bastante impresionantes, y sus dioses se ven estupendos.
Después de toda una vida de reclusión en la Dimensión de la Desoladora Miseria, Snazz es finalmente rescatado por Amnistía Intergaláctica en “¡La mente de múltiples pisos se relaja!” (“2000 AD” # 254, 1982). En un mundo en el que todos los problemas han sido resueltos y las personas viven unas vacaciones eternas, Snazz se aburre, hasta que se le ocurre un terrible invento. Paul Neary, todavía un novato, hace un buen trabajo aquí, especialmente con la comunidad hippy.
Por último, en “Ser genio duele” (“2000 AD” # 299, 1983), ilustrado nuevamente por White, Abelard Snazz confronta al gerente de la galaxia, una figura omnipotente que le otorga un regalo único. Codicioso como siempre, Snazz piensa que obtendrá el mayor tesoro del cosmos, pero recibe la única cosa de la que ha estado tratando de deshacerse durante años: su fiel robot Edwin. En 6 fabulosos episodios, Moore hace que todos sus lectores se rían a carcajadas; razón de más para quedar agradecidos.
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October 9, 2015, 10:14 am
After death, comes mourning. And after the assassination of Lucifer, comes a bright new morning. But not for everyone. Laura is still frustrated, anxious and melancholic. For her, instead of the devil, Lucifer was a friend and a source of inspiration, as we saw in The Wicked + The Divine Vol. 1. “Human Trash” (published in The Wicked + The Divine # 6, December 2014) begins a month after Lucifer’s demise. Laura finds out that Inanna, perhaps the most flamboyant divinity of the pantheon, is investigating the murder. As usual, Jamie McKelvie’s art is quite spectacular. And it is also a bit different from what we have seen in the previous volume. McKelvie recovers the playfulness and freedom that made his Young Avengers run so memorable. “I can’t think of any other creative team that uses everything the medium offers to tell the story better than [Gillen and McKelvie]” affirms Peter Swanson, and I agree with him. In “Awkward Conversation” Kieron Gillen turns the typical comic convention into a celebration of divinity. Instead of a pantheon we have a fantheon, instead of readers we have worshippers, and instead of variant covers we have merchandise from the gods, including fast food franchises with the name of each one of the deities (Baal-You-Can-Eat-Buffet, Inanna and Out Burgers, Bap-O-Meat, The Val-Cakery, etc.). It’s quite revealing to see that ceremonies have been replaced by mere consumerism, and religious items have been substituted by good offers. If spirituality can be used as currency, then it loses all its meaning. However, this situation doesn’t seem to worry the young gods.As a side note, I would like to mention Alison Sampson’s ludic guide to London’s Fantheon; more than a simple map, this is quite a creative narrative device that allow us to see how things are arranged in the Excell Centre giving us, at the same time, a sneak peek into Laura’s state of mind. The 12th god of the pantheon arrives in “Fear and Loathing in Eternity”, a charming chapter that finally sheds some lights on the origin of the gods and most especially Ananke’s role. Surprisingly, Baphoment unleashes his homicidal tendencies in “Not Her Story”.Of course, visual experimentation continues in “Night of the Living Godheads”, which emphasizes McKelvie’s audacity and innovative approach to storytelling. “Welcome to the party at the end of the world”, exclaims Dionysus. Laura has been invited by the god of wine to a youthful celebration in a place in which everything is permitted. Limits, then, are the ticklish subject here. Not only in terms of breaking the laws or being as irresponsible as only young people can be, but also in terms of physical resistance. For Laura, several hours of partying with the gods is more than her body can take. And thus, at some point, she must stop. Dionysus, suffering from sleep deprivation, admits that the party has been going on during two uninterrupted months. That sums up quite nicely Jacques Lacan’s imperative of jouissance –Enjoy! – enjoy without respite, enjoy to the death if you must, but enjoy. The imperative of jouissance also defines Inanna’s behavior: “Inanna’s after-parties are legendary. People kill for an invite. Sex with the volume turned up”. In these wild orgies, joy is taken to the extreme, until it becomes the painful preamble of death. Finally, in “It Was Never Going to Be Okay”, Ananke turns Laura into the goddess Persephone, but instead of a blessing this will be a dangerous curse. In fact, I must say the ending was completely unexpected. And I’m sure that volume 3 of WicDiv will have even greater surprises.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Después de la muerte, viene el luto. Y después del asesinato de Lucifer, llega un nuevo día. Pero no para todos. Laura sigue frustrada, ansiosa y melancólica. Para ella, en lugar del diablo, Lucifer era una amiga y una fuente de inspiración, como vimos en The Wicked + The Divine Vol. 1. “Basura humana” (publicado en “The Wicked + The Divine” # 6, diciembre de 2014) comienza un mes después del deceso de Lucifer. Laura descubre que Inanna, tal vez la divinidad más extravagante del panteón, está investigando el asesinato.
Como de costumbre, el arte de Jamie McKelvie es bastante espectacular. Y también es un poco distinto a lo que vimos en el volumen anterior. McKelvie recupera la ingeniosidad y la libertad que hicieron tan memorable su etapa en Young Avengers. “No puedo pensar en ningún otro equipo creativo que utilice todo lo que ofrece el medio para contar una historia mejor que [Gillen y McKelvie]” afirma Peter Swanson, y estoy de acuerdo con él.
En “Conversación incómoda” Kieron Gillen convierte a la típica convención de cómics en una celebración de la divinidad. En lugar de un panteón tenemos un fanteón, en lugar de lectores tenemos adoradores, y en lugar de portadas variantes tenemos mercancía de los dioses, incluyendo franquicias de comida rápida con los nombres de cada una de las deidades (Buffet todo-lo-que-Baal-puede comer, Hamburguesas Inanna and Out, Bap-O-Meat, The Val-Cakery, etc.). Es muy revelador ver que las ceremonias han sido reemplazadas por mero consumismo y los artículos religiosos han sido sustituidos por las buenas ofertas. Si la espiritualidad se puede utilizar como una moneda, entonces pierde todo su significado. Sin embargo, esta situación no parece preocupar a los jóvenes dioses.
Como nota al margen, me gustaría mencionar la guía lúdica de Alison Sampson del Fanteón de Londres; más que un simple mapa, este es un creativo recurso narrativo que nos permite ver la ubicación y disposición del Centro Excell; y al mismo tiempo vemos de reojo el estado mental de Laura. El decimosegundo dios del panteón llega en “Miedo y asco en la eternidad”, un encantador capítulo que finalmente arroja algunas luces sobre el origen de los dioses y, muy especialmente, sobre el papel de Ananké. Sorprendentemente, Baphoment desata sus tendencias homicidas en “No es su historia”.Por supuesto, la experimentación visual continúa en “La noche de los dioses vivientes”, la audacia de McKelvie aumenta y su enfoque visual es innovador. “Bienvenidos a la fiesta en el fin del mundo”, exclama Dionisio. Laura ha sido invitada por el dios del vino a una celebración juvenil en un lugar en el que todo está permitido. Los límites, entonces, son un tema espinoso. No sólo en términos de romper las leyes o ser tan irresponsable como sólo los jóvenes pueden llegar a ser, sino también en términos de la resistencia física. Para Laura, varias horas de fiesta con los dioses es más de lo que su cuerpo puede aguantar. Y así, en algún momento, ella debe tomar una pausa. Dionisio, que sufre de insomnio crónico, admite que la fiesta ha durado durante dos meses ininterrumpidos. Eso resume bastante bien el imperativo al goce de Jacques Lacan -¡Goza! Goza sin descanso, goza hasta la muerte si es necesario, pero goza.
El imperativo al goce también define el comportamiento de Inanna: “las juergas de Inanna son legendarias. La gente mata por una invitación. Es sexo con el volumen al máximo”. En estas orgías salvajes, el goce es llevado al extremo, hasta que se convierte en el preámbulo doloroso de la muerte. Por último, en “Las cosas nunca iban a salir bien”, Ananké convierte a Laura en la diosa Perséfone, pero en lugar de una bendición esta será una peligrosa maldición. De hecho, debo decir que el final fue completamente inesperado. Y seguramente en el volumen 3 de “WicDiv” habrá aún mayores sorpresas.
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October 12, 2015, 3:02 pm
Writers like Edgar Allan Poe and H. P. Lovecraft continue to inspire many comic adaptations, not only in the US but also in Europe and the rest of the world. Lovecraft, in particular, seems to be the epitome of horror and a major figure that paves the way for those who want to delve into this genre.
For over 20 years, Antonio Segura Cervera and Jaime Brocal Remohí, the best comic book authors from Valencia, decided to create a very special series titled “The other Necronomicon”, an obvious reference to the sinister and always elusive book often mentioned in the works of Lovecraft.
Initially, the tandem Brocal-Segura keep up the suspense and the shocking outcomes in standalone episodes, set in the late 19th century. In fact, even Lovecraft makes an appearance in one of these short stories; away from Providence, the novelist is tracking down an ancient book, a rarity that is preceded by strange legends. Anyone who owns such volume will be forever doomed. Lovecraft, of course, does not believe in such superstitions, and finds the owners of this arcane volume: a group of deformed individuals who perform at the local circus, as part of the Freak Show. Lovecraft is not impressed by the horrific features of this men and women, but after spending the evening with them, he ends up discovering their secret. The owner of the cursed book has been transformed into one of the oldest and primordial creatures, and when this monstrosity is finally released it devours everyone. Lovecraft barely manages to escape.
One of the most interesting elements of “The Other Necronomicon” is the way in which its creators introduce metafiction in the plot. A century after the death of Lovecraft, the other Necronomicon falls into the hands of Alberto Breccia, renowned artist from Argentina. In fact, Breccia himself gives the book to his friends Segura and Brocal as a gift, warning them about the pages of this ancient manuscript, which terrified even Lovecraft himself with "events that he dared not write about [...] abominations that no even him would dare to disclose".Excited at such a proposal, the editor of Creepy's Spanish edition, Josep Toutain, gives carte blanche to the creative team from Valencia to do a comic book about all this. Thus, the standalone episodes are complemented with stories that combine fantasy and reality. This is how the men in black (as drawn by Breccia in “Mort Cinder”, in the 60s), appear first in fiction, and then in the "real" life of Antonio Segura and Jaime Brocal; they both become protagonists of their own story (even Toutain has a supporting role here). The ominous presence of the men in black is frightening, but as Segura and Brocal keep telling stories about the other Necronomicon, the supernatural occurrences start invading their lives. Finally, besieged by dark forces and evil entities, Segura and Brocal decide to quit, refusing to continue with this project.
Nonetheless, they leave behind a fine selection of extraordinary and shocking stories: the chronicle of an asylum in which the old men organize pagan rites to invoke the primordial beings described by Lovecraft; the transformation of men into beasts due to a demonic melody transcribed in the corpse of a man with stitched lips and severed hands; a perfume expert who uses ingredients suggested in some ancient scrolls, creating a hellish smell able to transform the most peaceful man into the wildest animal; and so on.
The epilogue is a nod to the reader. Breccia himself, in his native Argentina, dismayed by what has happened to his Spanish colleagues, is harassed by a girl of angelic features and a wicked smile. The girl takes him to a bar for blind people, and promises him eternal youth in exchange for the Necronomicon. The sex scene between a rejuvenated Breccia and an inhuman female creature amidst the blind men is worthy of praise.
Antonio Segura was one of the best Spanish writers of the 80s. Segura was lucky enough to work with the most talented artists and Brocal is one of them. With a great understanding of black and white, the artist comes up with eerie and spooky images. At the same time, he is able to pay homage to Breccia's artistic style. The violent scenes are particularly shocking, and the visual rhythm is intense. Certainly, “The other Necronomicon” is one of the greatest horror stories ever produced in Spain.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Autores como Edgar Allan Poe y H.P. Lovecraft han inspirado infinidad de adaptaciones al cómic, no solamente en Estados Unidos sino también en Europa y en el resto del mundo. Lovecraft en particular parece ser el santo grial de la literatura de terror y el maestro al que debe rendirse homenaje, sobre todo por aquellos que aspiren a hacerse un sitial en este concurrido género.
Hace ya más de 20 años, Antonio Segura Cervera y Jaime Brocal Remohí, máximos exponentes del panorama comiquero de Valencia, decidieron crear una muy particular serie titulada “El otro Necronomicón”, en obvia alusión al siniestro y siempre elusivo libro a menudo mencionado en la obra de Lovecraft.
Al inicio, el tándem Segura-Brocal garantiza el suspenso y la sorpresa a través de historias auto-conclusivas, breves pero muy contundentes, ambientadas a fines del siglo XIX. De hecho, el mismo Lovecraft hace acto de aparición en uno de estos relatos; lejos de Providence, el novelista rastrea un libro antiquísimo, una rareza que viene precedida de extrañas leyendas. Todo aquel que posea ese volumen, estará condenado para siempre. Lovecraft, desde luego, no cree en semejantes supersticiones, y encuentra a los propietarios más recientes del aciago volumen: un grupo de individuos deformes, que se ganan la vida en un circo de “Freak Shows”. Lovecraft no se impresiona ante las horrorosas facciones de este grupo de miserables, pero al pasar la velada con ellos, termina descubriendo el secreto que ocultan. El propietario del libro maldito se había estado transformando, poco a poco, en una criatura primordial, más antigua que la raza humana, y esa monstruosidad finalmente se libera y devora a todos los que lo rodean. Lovecraft a duras penas logra escapar.
Uno de los elementos más interesantes de “El otro Necronomicón” es la forma en la que sus creadores recurren a la metaficción. Porque el otro Necronomicón, un siglo después de la muerte de Lovecraft, cae en las manos de Alberto Breccia, reconocido artista argentino. De hecho, es el mismo Breccia quien obsequia el tomo maldito a sus amigos Segura y Brocal, advirtiéndoles que las páginas de ese vetusto manuscrito espantaron al mismísimo Lovecraft con “hechos que no se atrevió a novelar […] abominaciones que ni él se atrevió a divulgar”.
Entusiasmado ante semejante propuesta, el editor de la edición española de “Creepy”, Josep Toutain, les da carta blanca a la dupla valenciana para que conviertan los horrores del libro en un cómic. De esta forma, los episodios auto-conclusivos se van alternando con relatos que mezclan magistralmente fantasía y realidad. Así, los hombres de negro (tal como los dibuja Breccia en “Mort Cinder”, en los 60s), aparecen primero en la ficción, y luego en la vida de Antonio Segura y Jaime Brocal; ambos se convierten, paulatinamente, en protagonistas de su propio relato (incluso Toutain tiene desempeña un papel secundario). La ominosa presencia de los hombres de negro es ya de por sí aterradora, pero conforme Segura y Brocal siguen narrando historias del otro Necronomicón, lo sobrenatural empieza a imponerse en sus vidas. Finalmente, asediados por las fuerzas oscuras y por la maldad en estado puro, Segura y Brocal renuncian y se niegan a seguir con este proyecto.
En el camino, no obstante, dejan una selección de extraordinarias y espeluznantes historias: la crónica de un asilo en el que los ancianos organizan ritos arcanos para invocar a los seres primordiales descritos por Lovecraft; la transformación de hombres en bestias a causa de las notas de una melodía demoníaca transcrita en un cadáver con los labios cosidos y las manos cercenadas; el especialista en perfumes que al utilizar las recetas de unos arcanos pergaminos, crea un aromo propio del infierno, capaz de transmutar al individuo más pacífico en el más sanguinario salvaje; y así sucesivamente.
El epílogo, sin duda, es un guiño al lector. El propio Breccia, en su Argentina natal, consternado por lo que le ha ocurrido a sus colegas españoles, es a su vez acosado por una muchacha de rostro angelical y sonrisa perversa. Una chica que lo lleva a un bar para ciegos, y le promete la juventud eterna a cambio del otro Necronomicón. La escena de sexo entre un rejuvenecido Breccia y la inhumana criatura con forma de hembra en medio del bar de ciegos es, simplemente, de antología.
Como ya he señalado antes, Antonio Segura fue uno de los mejores guionistas españoles de la época del boom del cómic adulto. Segura tuvo la suerte de trabajar siempre con los artistas más talentosos, y Brocal es uno de ellos. Con un gran manejo de la tinta china, el blanco y negro adquiere, en manos de este artista, un acento sobrecogedor y tenebroso. Al mismo tiempo, Brocal es capaz de homenajear, cuando hace falta, el estilo de maestros como Breccia. Las escenas violentas son especialmente impactantes, y el ritmo narrativo y visual es insuperable. Sin duda, “El otro Necronomicón” es una de las grandes historias de terror del cómic español.
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October 16, 2015, 6:43 am
In September I had the opportunity to enjoy the work of two of my favorite British writers: Neil Gaiman with his classic (and long out of print) Miracleman run on and Alan Moore with his impressive take on Lovecraft, in fact, Providence # 4 was the best issue of the month. Rick Remender and Sean Murphy gave me a most pleasant surprise with the first issue of Tokyo Ghost. I must also praise Brubaker (Velvet) and Vaughan (We Stand on Guard), who continue to write some of the finest comics I’ve seen from Image lately. Although technically it isn’t a September release, Midnighter # 1 was amazing, by far the best new title I’ve seen from DC in 2015. And now, without further ado, here are September comics as per solicitations:
AVENGERS #43(W) Jonathan Hickman (A) Stefano Caselli (CA) Bryan Hitch IN TWO MONTHS…TIME RUNS OUT!
BATMAN FUTURES END #1(W) Scott Snyder, Ray Fawkes (A) Aco (CA) Jason Fabok. It's five years later and Bruce Wayne is using dangerous science to help him continue his war on crime. What is it, and what forced Bruce to resort to such extremes?
MIDNIGHTER #1(W) Steve Orlando (A/CA) Aco. Spinning out of GRAYSON comes a solo series starring the man who can predict your every move… but no one will be able to predict what he'll do next! A theft at the God Garden has unleashed a wave of dangerous biotech weapons on the world, and Midnighter intends to put that genie back in the bottle by any means necessary. But something else was stolen from the Garden as well…the secret history of Lucas Trent, the man Midnighter once was!
MIRACLEMAN BY GAIMAN & BUCKINGHAM #1 (W) Neil Gaiman (A/CA) Mark Buckingham. • Neil Gaiman and Mark Buckingham's Age of Miracles begins! • Two years have passed since the decimation of London. Miracleman presides over mankind's Golden Age from atop Olympus. Pilgrims climb its miles-high peak to petition their new god. Each carries hopes that are pure. The motives they conceal, however… • Miracleman explores Infraspace in the opening chapter of 'Retrieval,' but just what, or who, is he looking for? • Including material originally presented in MIRACLEMAN (1985) #17, plus bonus content. Parental Advisory.
MIRACLEMAN BY GAIMAN & BUCKINGHAM #2 (W) Neil Gaiman (A/CA) Mark Buckingham. • John Gallaway rejected Miracleman's new world, rejected companionship, rejected love - until the night Miraclewoman visited him… • The schoolyard rebels strut their stuff and debate the teenage idol of The Golden Age, Johnny Bates, in 'Trends.'• Miracleman explores deeper into Infra-Space in 'Retrieval.'• Including material originally presented in MIRACLEMAN (1985) #18, plus bonus content. Parental Advisory
PHONOGRAM: THE IMMATERIAL GIRL #2 (of 6) (MR)(W) Kieron Gillen (A/CA) Jamie McKelvie, Matthew Wilson. You will never look at A-Ha's 'Take On Me' video in the same way ever again.
PROVIDENCE #4 (of 12) Dreamscape Wrap Cvr (MR) (W) Alan Moore (A/CA) Jacen Burrows. Alan Moore's horror event of the year continues to push the limits of the comic book medium with an incredible ad-free 40 page fourth issue! Robert Black's journey into the heart of the USA in 1919 continues as he finds the citizens of Salem to be most interesting. This work has been researched and developed by Moore and Burrows over the course of several years. The end result is an amazing tome of Lovecraftian influenced nightmares where Moore has written every cover, every single page, and every nuance of this work to create his most fully-realized vision to date. Fans of Moore's immersive style and meticulous grasp of storytelling will be thrilled to add this essential piece of comics history to their collections! Available with Regular, Pantheon.
TOKYO GHOST #1 (MR)(W) Rick Remender (A) Sean Murphy, Matt Hollingsworth (CA) Sean Murphy. The Isles of Los Angeles 2089: Humanity is addicted to technology, a population of unemployed leisure seekers blissfully distracted from toxic contamination, who borrow, steal, and kill to buy their next digital fix. Getting a virtual buzz is the only thing left to live for. It's the biggest industry, the only industry, the drug everyone needs, and gangsters run it all. And who do these gangsters turn to when they need their rule enforced? Constables Led Dent and Debbie Decay. This duo is about to be given a job that will force them out of the familiar squalor of Los Angeles to take down the last tech-less country on Earth: The Garden Nation of Tokyo. Bestselling writer RICK REMENDER (BLACK SCIENCE, DEADLY CLASS) and superstar art team SEAN MURPHY (CHRONONAUTS, Punk Rock Jesus) and MATT HOLLINGSWORTH (WYTCHES, Hawkeye) examine our growing addiction to technology while thirsting for a nature we continue to destroy.
VELVET #9 (MR)(W) Ed Brubaker (A/CA) Steve Epting, Elizabeth Breitweiser Velvet walks a deadly path into the past for answers, as her story takes its darkest turn yet!
WE ARE ROBIN #1(W) Lee Bermejo (A) Rob Haynes, Khary Randolph (CA) Lee Bermejo Spinning out of the pages of BATMAN! The teenagers of Gotham City have adopted the 'R' and made it their own. A new Robin? No, HUNDREDS of new Robins! Don't miss the start of this new series from rising star writer Lee Bermejo (JOKER, SUICIDERS), who also provides the covers!
WE STAND ON GUARD #3 (MR) (W) Brian K. Vaughan (A/CA) Steve Skroce. What will torture look like in the future?________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En setiembre tuve la oportunidad de disfrutar con las obras de dos de mis escritores británicos favoritos: Neil Gaiman con su clásica etapa en Miracleman y Alan Moore con su impresionante reinterpretación de Lovecraft, de hecho, Providence # 4 fue lo mejor del mes. Rick Remender y Sean Murphy me dieron una agradable sorpresa con el primer ejemplar de Tokyo Ghost. También debo elogiar a Brubaker (Velvet) y Vaughan (We Stand on Guard) quienes continúan escribiendo algunos de los más logrados cómics de Image. Aunque técnicamente no es un ejemplar de setiembre, Midnighter # 1 fue asombroso, de lejos el mejor nuevo título de DC del 2015. Así que sin mayores preámbulos, aquí están los cómics de setiembre:
AVENGERS #43En dos meses… el tiempo se termina.
BATMAN FUTURES END #1Bruce Wayne está utilizando una peligrosa tecnología para continuar su guerra contra el crimen. ¿Qué lo obligó a llegar a este extremo?
MIDNIGHTER #1Él es un hombre capaz de predecir todos tus movimientos, pero nadie puede predecir los suyos. Un ladrón en el Jardín de los Dioses ha soltado una peligrosa arma de biotecnología en el mundo, y MIDNIGHTER intentará revertir esta situación, por cualquier medio necesario. Pero algo más también fue robado en el Jardín de los Dioses… la historia secreta de MIDNIGHTER.
MIRACLEMAN BY GAIMAN & BUCKINGHAM #1Comienza la Edad de los Milagros. Han pasado dos años desde la destrucción de Londres. Miracleman preside el Siglo de Oro de la humanidad desde lo alto del Olimpo. Los peregrinos suben a su elevada cima para hacer peticiones a su nuevo dios. Cada uno lleva esperanzas puras, sin embargo ocultan sus motivos... Miracleman explora el Infra-espacio en el primer capítulo de 'Recuperación', pero ¿a qué o a quién está buscando? Material presentado originalmente en Miracleman (1985) # 17, incluye contenido adicional.
MIRACLEMAN BY GAIMAN & BUCKINGHAM #2Algunos rechazan el nuevo mundo de Miracleman, rechazan el compañerismo, rechazan el amor - hasta la noche en la que MIRACLEWOMAN los visita... En 'Tendencias', los rebeldes del patio escolar se pavonean y debaten sobre el ídolo adolescente de La Edad de Oro, Johnny Bates. Material presentado originalmente en Miracleman (1985) # 18, incluye contenido adicional.
PHONOGRAM: THE IMMATERIAL GIRL #2 (of 6) (MR)Nunca volverás a ver ese video de la misma manera.
PROVIDENCE #4 (of 12) (MR)Continúa el viaje de Robert Black por el corazón de los Estados Unidos en 1919; él considera que los ciudadanos de Salem son los más interesantes. Este trabajo ha sido investigado y desarrollado por Moore y Burrows en el transcurso de varios años. El resultado final es un increíble tomo de pesadillas influido por Lovecraft. Los fans del estilo envolvente de Moore y de su comprensión minuciosa de la narración estarán encantados de añadir esta pieza esencial de la historia de los cómics a sus colecciones.
TOKYO GHOST #1 (MR)Las islas de Los Ángeles 2089: La humanidad es adicta a la tecnología; una población de buscadores de ocio desempleados felizmente distraídos por la contaminación tóxica, piden prestado, roban y matan para comprar su próxima dosis digital. Las drogas virtuales y digitales lo son todo. Es la única y más grande industria; todos necesitan drogas, especialmente los pandilleros. Y ¿a quiénes recurren estos mafiosos cuando necesitan hacer cumplir sus reglas? A dos alguaciles. Este dúo está a punto aceptar un trabajo que los obligará a abandonar la miseria típica de Los Ángeles para arrasar el último país sin tecnología de la Tierra: La Nación Jardín de Tokio.
VELVET #9VELVET emprende un peligroso recorrido por la ruta del pasado, en busca de respuestas, y pronto su historia dará un inesperado giro.
WE ARE ROBIN #1Los adolescentes de GOTHAM CITY han adoptado la ‘R’ y la han hecho suya. ¿Un nuevo Robin? No, ¡centenares de nuevos Robin!WE STAND ON GUARD #3 (MR)¿Cómo es la tortura en el futuro?
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October 18, 2015, 10:29 pm
Comic books appear in our lives exactly at the right time, when we need them the most. I didn’t become a serious reader until I run into an issue of Byrne’s Superman. I had been reading comics for a long time but it was thanks to Byrne that I suddenly experienced a sense of urgency. Comics stopped being a simple distraction and became an obsession that would only be strengthened in subsequent years.
I remember I was familiar with the Pre-Crisis Superman, as I had checked out a few old stories from the late 70s, but I found them perhaps too tamed for my tastes, too clean-cut and simplistic. I had to wait until the mid-90s, to read Byrne’s Superman for the first time, long after he had left the title and even DC Comics.
The 80s were a magical decade for DC Comics. Alan Moore was writing Swamp Thing and Watchmen, and revolutionizing the industry, and at the same time Frank Miller was writing The Dark Knight Returns and Batman: Year One, two seminal takes on the caped crusader that are still ranked amongst the very best Batman stories of all times. After Crisis on Infinite Earths, DC had embarked on a very interesting project: revitalizing their properties, thus reinvigorating heroes that had been languishing both creatively and economically.
The man in charge of resurrecting the Superman franchise was one of America’s most legendary and respected creators from that era: John ‘Big’ Byrne. Editor Dick Giordano had very clear goals: “to return Superman to his rightful place in the universe”, to make him again one of the most recognizable heroes in the world, to reestablish this iconic character so that it would continue influencing entire generations of readers. As Byrne himself explains in the epilogue “DC Comics has hired me to guide the reshaping of the Superman Legend […] To try to make Superman of today as exciting in his own right as was that primal Superman of yesterday […] And who knows, maybe in thirty years or so someone will sit down at a word processor and write about how Superman began with a miniseries called The Man of Steel, which was an introduction to a world of wonder and fascination that lasted a lifetime. And maybe that someone will be you”. And it’s an honor for me to write about it now, 30 years after Man of Steel was released; this is the only Superman I’ve cared about it and the only one that still reminds me how exciting and amazing comics can be.
Published biweekly between July and September 1986, Man of Steel was a miniseries that redefined Superman. It was a passion project for Byrne, and it shows. A fan of the character since childhood, the British-Canadian author wrote and illustrated some of the best stories of his career in the pages of Superman. And that effort paid off: Man of Steel # 1 was a huge success, in fact, it was the highest selling comic book of 1986, as well as one of the most popular first issues ever printed. Byrne’s bold new reinterpretation of the world’s greatest superhero took everyone by surprise, so it’s no wonder that even today fans still talk about this comic. Sure, there were many debates, especially back in the day, as some readers thought the changes introduced by Byrne were too radical. Byrne actually streamlined the character, with a “back to the basics” approach. He eliminated all the redundant and superfluous baggage that had been cluttering the pages of the comic for years. Byrne decided that Superman would be the sole survivor of Krypton; and he wasn’t a god, he was a man, and despite his superpowers, Byrne found the way to humanize Superman like no other writer before him.
“From Out the Green Dawn” (Man of Steel # 1), retells the origin of Superman. The planet Krypton was a metaphor for sterility. And amidst an emotionless and decadent society, Kal-El is born, son of Jor-El and Lara; he is sent to Earth in a spaceship, moments before the core of the planet explodes, thus annihilating all the Kryptonian race. Raised by Jonathan and Martha Kent, a couple of farmers from Kansas, the young Clark Kent spends his childhood and adolescence in Smallville, until he decides to leave the small town and travel around the world. In his first “official” appearance, Superman has no superhero costume, and it’s Lois Lane, a famous reporter from the Daily Planet, who bestows upon him the sobriquet of “Superman”. For 21 pages, Byrne focuses on the man, and we don’t get to see Superman until the very last page.“I should never use my special abilities to make myself better than other people -- to make other people feel useless”, explains Superman. And that sentence is the essence of America’s first superhero. He is noble, and although other writers have failed at communicating this idea, Byrne nails it. Superman is the embodiment of an ideal, and perhaps his greatest strength is his ability to not be corrupted by power.
Byrne rebuilds Superman’s supporting cast from the ground up. And thus Lois Lane is the true protagonist of “The Story of the Century!” (Man of Steel # 2), a fast-paced adventure in which Lois literally hunts down Superman to get an interview… to no avail, as Clark Kent is the one who comes up with the definitive article on the Man of Steel. “One Night in Gotham City” (Man of Steel # 3) is a reexamination of the relationship between Superman and Batman. After Miller’s Dark Knight Returns it was obvious that the days of friendship between these two heroes were over. And so their first encounter is an open confrontation, and if it doesn’t turn into a fight it’s because Batman outsmarts Superman. Byrne explores the rivalry between two characters that are as day and night, each one a reflection of their particular cities: the bright Metropolis and the dark Gotham City.
In “Enemy Mine” (Man of Steel # 4) we get to know the new Lex Luthor. No longer a mad scientist, Luthor is the epitome of greed, ambition and cruelty. Of course, now he is a businessman, the second or third richest man in the world. He owns Metropolis, and the entire economy of the city depends on him. So the arrival of Superman affects his ego. No longer deemed as the most powerful man in the city, Luthor tries to bribe Superman and insists on hiring him as one of his employees, offering him vast amounts of money. Superman, of course, rejects Luthor’s offers. And when Luthor steps out of line, the Man of Steel arrests him. Luthor cannot deal with such a humiliation, and immediately after being rescued by his lawyers, he starts planning Superman’s downfall. One of Luthor’s first plans is the creation of a clone, which takes place in “The Mirror, Crack’d” (Man of Steel # 5). Luthor’s technology is unable to clone Superman’s alien body, and the result is a deformed version of the hero: Bizarro.
“The Haunting” (Man of Steel # 6) is one of my favorite chapters. Clark Kent spends a weekend in Smallville and is forced to confront his alien heritage; at the same time, he also has a revealing conversation with Lana Lang, his high school girlfriend. Once again, Byrne emphasizes the elements that make Superman a more relatable character. The Man of Steel struggles with his Kryptonian past and his human present, with the possibility of love and his responsibilities with the world.
Obviously, I could talk at length about all the things that I love about this miniseries, but then this would be a never-ending post. However, I do want to express my admiration for Byrne’s art. In the 80s, after his critically-acclaimed runs in X-Men and Fantastic Four, Byrne was one of the most prominent creators in the American industry. In Superman, Byrne was clearly at the top of his game; years of experience converge in these pages, and his talent shines in each one of them. So I’ve had a particularly difficult time choosing which pages I should post here. In the end I’ve kept the dramatic sequence of Jor-El and Lara saying goodbye to their only son (Byrne’s extraordinary designs remain just as fresh even decades later); Superman’s first flight in costume is also a remarkable and unforgettable splash page; Lois Lane talking to the reader (and Perry White) while Superman flies off in the background is a magnificent example of Byrne’s visual creativity (even the details are revealing: note Calvin Klein’s underwear ad that establishes a semantic correlation with Superman’s famous red trunks). In order to portray Batman, Byrne chose different perspectives and innovative compositions that really made his pages stand out; spot-on facial expressions add depth to Luthor’s scene, while the fight with Bizarro is very dynamic. Byrne wrote and penciled this miniseries, Dick Giordano inked it and Tom Ziuco colored it. Together, they gave us the ultimate version of the Man of Steel.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Los cómics aparecen en nuestras vidas exactamente en el momento adecuado, cuando más los necesitamos. Me convertí en un lector empedernido gracias a un ejemplar del Superman de Byrne. Había estado leyendo cómics desde hacía mucho tiempo, pero fue gracias a Byrne que de pronto experimenté una sensación de urgencia. Los comics dejaron de ser una simple distracción y se transformaron en una obsesión que sería reforzada en años subsiguientes.Recuerdo que estaba familiarizado con el Superman Pre-Crisis, y había ojeado algunas historias de fines de los 70s, pero me parecieron muy edulcoradas para mi gusto, demasiado ingenuas y simplonas. Tuve que esperar hasta mediados de los 90s para leer el Superman de Byrne, por primera vez, mucho después de que él abandonara el título e incluso a DC Comics.
Los 80s fueron una década mágica para DC Comics. Alan Moore estaba escribiendo “Swamp Thing” y “Watchmen”, y revolucionando la industria, al mismo tiempo Frank Miller escribía “The Dark Knight Returns” y “Batman: Año Uno”, dos influyentes sagas que todavía son consideradas entre las mejores historias de Batman de todos los tiempos. Después de las “Crisis en Tierras Infinitas”, DC se había embarcado en un proyecto muy interesante: revitalizar sus propiedades, revigorizando a héroes que habían estado languideciendo tanto creativa como económicamente.
El hombre a cargo de la resurrección de la franquicia de Superman fue uno de los creadores más legendarios y respetados de Estados Unidos en aquella época: John 'Big' Byrne. El editor Dick Giordano tenía objetivos muy claros: “devolver a Superman a su legítimo lugar en el universo”, lograr que fuese una vez más uno de los héroes más reconocidos del mundo, restablecer a este icónico personaje de modo que siguiese influenciando a generaciones enteras de lectores. Como el propio Byrne explica en el epílogo “DC Comics me ha contratado para guiar la reforma de la Leyenda de Superman [...] Para tratar de hacer al Superman de hoy tan emocionante, por derecho propio, como lo fue ese Superman primigenio del ayer [...] ¿Y quién sabe , tal vez en treinta años, más o menos, alguien se sentará en un procesador de texto y escribirá acerca de cómo Superman comenzó con una miniserie llamada “El Hombre de Acero”, que fue la introducción a un mundo de asombro y fascinación que duró toda una vida. Y tal vez ese alguien seas tú”. Y es un honor para mí ser el que escribe ahora sobre “Man of Steel”, 30 años después de ser publicado; este es el único Superman que valoro y el único que todavía me recuerda lo emocionantes y sorprendentes que pueden ser los cómics.
Publicado entre julio y setiembre de 1986, “Man of Steel” fue una miniserie que redefinió a Superman. Fue un proyecto en el que Byrne puso toda su pasión. Un fan del personaje desde la infancia, el autor británico-canadiense escribió e ilustró algunas de las mejores historias de su carrera en las páginas de Superman. Y ese esfuerzo valió la pena: Man of Steel # 1 fue un gran éxito, de hecho, fue el cómic más vendido de 1986, así como uno de los cómics más populares en décadas. La nueva y audaz reinterpretación de Byrne tomó a todos por sorpresa, por ello no es inusual que, incluso hasta el día de hoy, los fans todavía hablen de este cómic. Claro, hubo muchos debates, sobre todo en ese entonces, ya que algunos lectores pensaban que los cambios introducidos por Byrne eran demasiado radicales. Byrne en realidad modernizó el personaje a la vez conservó sus raíces. Eliminó todo el bagaje redundante y superfluo que había estado estorbando al mundo supermaniano durante años. Byrne decidió que Superman sería el único superviviente de Krypton; y no sería un dios, sino un hombre; a pesar de los superpoderes, Byrne encontró la manera de humanizar a Superman, algo que nadie más había conseguido hasta ese momento.
“Desde el alba verde” (Man of Steel # 1), vuelve a contar el origen de Superman. El planeta Krypton es una metáfora de la esterilidad. Y en medio de una sociedad fría y decadente, nace Kal-El, hijo de Jor-El y Lara; él es enviado a la Tierra en una nave espacial, momentos antes de la explosión del planeta y la aniquilación de los kryptonianos. Criado por Jonathan y Martha Kent, una pareja de granjeros de Kansas, el joven Clark Kent pasa su infancia y adolescencia en Smallville, hasta que decide irse del pueblito para viajar por todo el mundo. En su primera aparición “oficial”, Superman no tiene traje de superhéroe, y es Lois Lane, la famosa periodista del Daily Planet, quien le otorga el sobrenombre de “Superman”. Durante 21 páginas, Byrne se centra en el hombre, y recién vemos al superhombre en la última página.
“Nunca debería usar mis habilidades especiales para estar por encima de los demás - para hacer que otras personas se sientan inútiles”, explica Superman. Y esa frase es la esencia del primer superhéroe de Estados Unidos. Byrne da en el clavo, resaltando esta nobleza que otros autores han fracasado en comunicar. Superman es la encarnación de un ideal, y tal vez su mayor fortaleza es su capacidad para no ser corrompido por el poder.
Byrne reconstruye el entorno de Superman desde cero. Y de este modo Lois Lane es la verdadera protagonista de “¡La historia del siglo!” (Man of Steel # 2), una aventura trepidante en la que Lois literalmente acecha a Superman para conseguir una entrevista ... en vano, ya que Clark Kent es el que obtiene el artículo decisivo sobre el Hombre de Acero. “Una noche en Gotham City” (Man of Steel # 3) reexamina la relación entre Superman y Batman. Después del “Dark Knight Returns” de Miller era obvio que los días de amistad entre estos dos héroes habían terminado. Y por ello, este primer encuentro es una confrontación abierta, y si no se convierte en una pelea es porque Batman le gana en astucia a Superman. Byrne explora la rivalidad entre dos personajes que son como el día y la noche, cada uno de ellos es un reflejo de sus respectivas ciudades: la luminosa Metrópolis y la oscura Gotham City.
En “Enemigo mío” (Man of Steel # 4) conocemos al nuevo Lex Luthor. Ya no es un científico loco, ahora Luthor es el epítome de la codicia, la ambición y la crueldad. Por supuesto, es un empresario, el segundo o tercer hombre más rico del mundo. Es dueño de Metrópolis, y toda la economía de la ciudad depende de él. Así que la llegada de Superman afecta su ego. Ya no es considerado el hombre más poderoso de la ciudad, así que Luthor intenta sobornar a Superman e insiste en contratarlo como uno de sus empleados, ofreciéndole grandes cantidades de dinero. Superman, claro está, rechaza estas ofertas. Y cuando Luthor se pasa de la raya, Superman lo arresta. Luthor no puede hacer frente a tal humillación, e inmediatamente después de ser rescatado por sus abogados, empieza a planear cómo vencer al Hombre de Acero. Uno de los primeros planes de Luthor es la creación de un clon, tal como vemos en “El espejo se ha quebrado” (Man of Steel # 5). La tecnología de Luthor no es capaz de clonar el cuerpo alienígena de Superman, y el resultado es una versión deforme del héroe: Bizarro.
“La evocación” (Man of Steel # 6) es uno de mis capítulos favoritos. Clark Kent pasa un fin de semana en Smallville y se ve obligado a enfrentarse a su legado extraterrestre; al mismo tiempo, también tiene una reveladora conversación con Lana Lang, su enamorada de secundaria. Una vez más, Byrne hace hincapié en los elementos que nos permiten identificarnos con Superman. El Hombre de Acero lucha con su pasado kryptoniano y su presente humano, con la posibilidad del amor y con sus responsabilidades en relación al mundo.Obviamente, podría hablar largo y tendido sobre lo mucho que me encanta esta miniserie, pero entonces este sería un texto interminable. Sin embargo, quiero expresar mi admiración por el arte de Byrne. En los 80s, después de sus aclamadas etapas en X-Men y los Cuatro Fantásticos, Byrne era uno de los creadores más destacados de la industria estadounidense. En “Superman”, Byrne estaba claramente en su mejor momento; años de experiencia convergen en estas páginas, y su talento brilla en cada una de ellas. Así que me ha resultado particularmente difícil elegir qué páginas incluir aquí. Al final me he quedado con la dramática secuencia de Jor-El y Lara al despedirse de su único hijo (los extraordinarios diseños de Byrne permanecen igual de novedosos incluso 3 décadas más tarde); el primer vuelo de Superman usando su traje es también una página notable e inolvidable; Lois Lane hablando con el lector (y con Perry White), mientras que Superman vuela en el fondo es un magnífico ejemplo de la creatividad visual de Byrne (incluso los detalles son reveladores: el aviso de ropa interior de Calvin Klein establece una correlación semántica con los famosos calzoncillos rojos de Superman). Con el fin de retratar a Batman, Byrne eligió diferentes perspectivas y composiciones innovadoras que realmente hacen que sus páginas se destaquen; las expresiones faciales precisas añaden profundidad a la escena de Luthor, mientras que la lucha con Bizarro es sumamente dinámica. Byrne escribió y dibujó a lápiz esta miniserie, Dick Giordano la entintó y Tom Ziuco la coloreó. Juntos nos dieron la versión definitiva del Hombre de Acero.
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October 26, 2015, 8:48 am
Conocí a Renzo Farje de la Torre hace años en las aulas de la facultad de literatura de la PUCP. En ese entonces, ambos llevábamos los mismos cursos, siempre con los mismos profesores, circunstancia del todo comprensible si se tiene en cuenta que la nuestra es una facultad pequeña. Sin embargo, no fue sino hasta el 2008 cuando sentí que por fin empezaba a conocer realmente a este chico de gafas eternas y mirada soñadora. Porque uno conoce más a los demás no por lo que dicen sino por lo que escriben. Entonces yo tenía 24 años y él apenas 21, pero como era de esperarse, coincidimos en el taller de poesía de Rossella Di Paolo, y allí, las tardes grises y monótonas de San Miguel por fin recobraban vida y color. Entre diversas y muy desiguales voces, la suya destacaba claramente, no sólo por la dicción cuidadosa y esmerada sino sobre todo por el contenido de cada estrofa y cada verso. Renzo era un poeta nato, e incentivado por Rossella, empezaba ya a dar riendas sueltas a ese fuego interno que todos los escritores comparten.
Recuerdo haberme quedado deslumbrado con los poemas que Renzo Farje escribía y compartía con nosotros, y aunque siempre quise quedarme conversando con él, después de la clase, mi responsabilidad de buen trabajador, buenamente explotado, imperaba por encima de todo. En esa época trabajaba a medio tiempo contestando llamadas de estadounidenses iracundos en un call center del Centro de Lima, y cumplía rigurosamente con el horario, eso significaba salir volando apenas terminaban las clases con Rossella y tomar un micro (todavía no existía el Metropolitano) hasta llegar a la cuadra 6 de la avenida Tacna; desde allí, tenía que trotar lo más rápido posible hasta la cuadra 2 del jirón Miró Quesada. Un minuto de tardanza significaba un descuento sustancial en un sueldo ya de por sí bastante magro, así que yo tenía todo cronometrado al milímetro. En el medio año que trabajé allí jamás llegué tarde. En ese tiempo, sin embargo, nunca pude permitirme ni siquiera un par de minutos para quedarme conversando con Renzo, sobre poesía, sobre literatura o sobre la vida en general.
No lo volví a ver hasta octubre del 2013, en la inauguración de una muestra en Dédalo. Tengo un muy buen recuerdo de esa noche. Además de conversar con Pedro Casusol y Sheila Alvarado, también conocí al poeta Jorge Alejandro Vargas Prado, tanto él como Renzo estaban haciendo una breve escala en Dédalo. Para ellos, la actividad central de esa noche era un festival de poesía, también en Barranco, y mientras conversaba con Renzo, comprendí que él había logrado mantener incólume su pasión por la escritura. Mientras yo me abría paso en PlusTV, el 2012, y me acomodaba en la revista COSAS, el 2013, él seguía siendo fiel a la literatura y, casualmente, también terminó trabajando en el Centro de Lima, en la Casa de la Literatura Peruana; allí emprendió múltiples y muy originales iniciativas. Para los que quieran un poco más de información al respecto, pueden visitar el blog de mi amigo Pedro Casusol.
El día de hoy, exactamente 2 años después de la última vez que nos vimos, constaté con tristeza que para él ya no habría más poemas. No nos volvería a deleitar con sus versos, ni nos volvería a sorprender con proyectos como el mapa literario de Lima. Llegué a la facultad de literatura temprano, para entregar la versión corregida de mi tesis. Mientras ojeaba rápidamente un ejemplar de la revista “Buen Salvaje”, hice lo que siempre hago desde que abandoné la revista COSAS, leí el postón, esa página a la que casi nadie presta atención, en la que salen en letras diminutas los nombres de los directores, editores, fotógrafos, diagramadores y demás colaboradores. Uno puede aprender más de las movidas editoriales leyendo el postón en 15 segundos que soplándose la revista entera en una hora; leyendo periódicamente el postón de COSAS es como, por ejemplo, todos los meses me entero de quiénes han sido despedidos (o “desvinculados” como decía la eufemística jefa de capital humano) de la revista, o quiénes se han hartado y renunciado, quiénes son los nuevos, los recién llegados, los reciclados de años anteriores, etc. No leí ningún artículo del “Buen Salvaje”, pero sí le presté mucha atención al postón. El ejemplar en cuestión estaba dedicado a la memoria de Renzo Farje. Y para mí ese fue un impacto tremendo, un golpe inesperado.
“Es difícil saber todo lo que uno quisiera. Una manera de medirlo suele ser llevando la cuenta de los libros leídos, pero, sobre todo, la cuenta de los libros que, por falta de tiempo, no se alcanzan a leer. La lista de los pendientes es siempre más larga, por supuesto. A diferencia de las imposibilidades literarias del escritor, las del lector están materializadas en una larga lista o en largos anaqueles que pueden observarse con entusiasmo o con resignación, pero nunca al punto de renunciar a ella. Lo bueno del humanista, o del literato, es que siempre quiere saber más, es un apetito que forma parte de nuestra naturaleza, y, en ese sentido, siempre habrá algo que no sepamos. Eso es justamente lo que nos mueve: el ansia por descubrir, por desenmarañar, por explicar y compartir lo que generan nuestras lecturas” - Renzo Farje.
Ya cumplí 30 años. Renzo Farje nunca alcanzará esa edad. Ahora, en octubre, se cumple un mes de su fallecimiento. Habrá tantos proyectos que ya nunca completará y tantos poemas que ya no podrá compartir ni conmigo ni con nadie más. Me queda la imagen de ese chico sumamente talentoso, lleno de ideas, de trato siempre amable y tranquilo, y de voz tan cálida. Ojalá pudiera regresar en el tiempo, y volver a estar en la clase de poesía de Rossella. Entonces, sin pensarlo dos veces, me quedaría conversando con él… sobre poesía, sobre literatura, sobre la vida en general.
Arcadio Bolaños Acevedo.
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October 28, 2015, 1:57 pm
“This is just as good as most mainstream titles, and better than many self-published ones”.
P.T. DillowayGoodReads
https://www.goodreads.com/author_blog_posts/9106615-un-american-chronicles
“Full disclosure, some can be quite bloody, some fantasy and surrealism; it's totally up my street though and may well be something you didn't expect to be interest in”.
Oliver BlissOliverBliss
http://oliverbliss.blogspot.com/2015/06/shout-out-for-arions-archaic-art.html
“A new web comic that I'm sure many of you will be interested in”.
KidCrivens!Comics&Stuff
http://kidr77.blogspot.com/2015/06/arions-un-american-chronicles.html
“This looks amazing!”
Writer Salmagundi
http://quiethands.blogspot.com/2015/07/un-american-chronicles-now-available.html
“A horror story about a group of immoral kids that punish a defenseless woman with cruelty”.
SoulkillerRebelRogue
http://soulkiller-rebel-rogue.blogspot.com/2015/06/un-american-chronicles-available-now-in.html
Un-American Chronicles available now on ComiXology:https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418
At last! The first dozen of reviews are in and I couldn’t be more thrilled about it. It’s one thing for me to say that you should check out my comic and something else entirely to hear that from such a fine group of reviewers and comic book fans. I can only say THANK YOU! I really appreciate the fact that you took the time to read my work and, more importantly, decided to write about it. That means a lot to me. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
“Una compilación de historias que juegan con nuestro lado más mórbido o nos retratan escenas cotidianas de una sociedad no necesariamente en decadencia pero envuelta en una vorágine en la que los valores morales o las diferencias entre unos y otros se desvanecen al trascurrir las páginas”.
Alberto CórdovaNeoverso
http://www.neoverso.com/2014/07/un-american-chronicles-1.html
“Un relato urbano sobre el 11 de setiembre, y sobre cómo, en la ficción, una Estatua de la Libertad destruida, por lo general, simboliza la caída de los Estados Unidos”.
YotaNuestrosComics
http://nuestroscomics.com/un-american-chronicles-una-obra-de-autores-espanoles-a-la-venta-en-comixology/
“Horror un poco surrealista [...] Enfoque personal de una tragedia nacional [...] Disfruté mucho leyéndolo”.
Alex S.AlexReBooted
http://alexrebooted.blogspot.com/2015/06/recomendacion-un-american-chronicles-1.html
“Una serie de 'minihistorias' con mucho trasfondo moral; alguna de ellas te pondrá los pelos de punta”.
Asen NavaAhabconBlog
http://ahabconblog.blogspot.com.es/2015/06/comic-un-american-chronicles-n1.html
“Historias urbanas autoconclusivas [...] tiene muy buena pinta”.
Pedro LópezCreeLoQueQuieras
http://creeloquequieras.blogspot.com/2015/07/un-corto-y-un-comic.html
Un-American Chronicles está disponible en ComiXology:https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418
¡Por fin, la primera docena de reseñas! Me alegra mucho observar cómo mi trabajo ha sido recibido con tanto entusiasmo, y espero que esta selección, tanto en inglés como en español, sea solamente el preámbulo de un número mayor de reseñas. Aunque he intentado publicitar mi cómic, siempre es algo legitimador ver a otros haciendo lo mismo. Agradezco a todos los que se tomaron la molestia de escribir sobre mi cómic; realmente valoro mucho el gesto.
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November 1, 2015, 9:03 pm
Just like last month, October turned out to be a celebration of filmic diversity (and hopefully next year I’ll celebrate Halloween with a proper horror marathon). So let’s begin with The Martian (2015), based on Andy Weir's novel and directed by Ridley Scott, one of the most extraordinary sci-fi blockbusters of the year. Matt Damon (Liberace’s gay lover in Behind the Candelabra) is an astronaut stranded on Mars, and he must figure out how to survive until a rescue mission arrives. Focusing heavily on the science, this is the kind of fiction that feels absolutely realistic. It is an inspired homage to Nasa and to the greatest achievements of mankind, and a tale full of intensity, that portrays the struggle of one man against unsurmountable odds, thus highlighting the fascination we all feel for space travels and cutting-edge technology. I highly recommend this dramatic and fascinating odyssey.
Directed by Robert Zemeckis and based on Philippe Petit's autobiographical book, The Walk (2015), is a deeply poignant and captivating chronicle of a man brave enough to defy heights and accomplish an impossible feat: walking on a wire on top of the highest buildings in the world in 1974: the Twin Towers of the World Trade Center. Joseph Gordon-Levitt (famous for his role as a gay teenager in Mysterious Skin) is the charismatic protagonist, a funambulist so audacious that many would consider crazy. Zemeckis really hits a home run with this beautifully crafted story about the pursuit of a seemingly unrealizable dream. Impressive and touching, The Walk reminded me too well of that feeling of vertigo I myself experienced when I visited the WTC, 15 years ago. The cast includes Ben Kingsley (Gandhi), Charlotte Le Bon and César Domboy.
Dracula Untold (2014) was a failed attempt at resurrecting our love for the vampire subgenre. Luke Evans (The Hobbit: the Battle of the Five Armies) gives a convincing performance, but despite a few good moments (mostly at the beginning), this was a huge disappointment, poorly directed and full of plot holes.
I must say I was very satisfied with Steven Quale’s Into the Storm (2014). A man-versus-nature approach is strengthened by compelling characterization, good action sequences and some truly suspenseful moments. The cast includes young actors such as Max Deacon, Nathan Kress and Jeremy Sumpter.
Jemaine Clement and Taika Waititi are the directors, writers and protagonists of What We Do in the Shadows (2014), a superb and truly hilarious mockumentary about vampires living in today’s world. Black humor, irreverence and witty dialogs turn this into one of the best horror parodies I’ve seen in years. I couldn’t stop laughing from the opening scene until the end, and I just hope they make a sequel, it really is that good.
Co-written, co-produced, directed and starred by Matt Johnson and Owen Williams, The Dirties (2013) is one of the finest independent productions I’ve seen lately. The subject of bullying continues to be an open wound that not many know how to deal with. Fortunately, these young filmmakers completely understand what it feels like to be ostracized teenagers, fantasizing about revenge. The problem, however, is when fantasy starts seeping into reality, becoming the prelude of a school shooting. The ending is tremendously shocking and brutal.Stanley Kubrick was a brilliant director, and Eyes Wide Shut (1999) was his last masterpiece. Tom Cruise (The Last Samurai) and Nicole Kidman (The Others) are happily married, but underneath the comfortable life they’ve forged for themselves, there are many hidden passions and secrets. Motivated by jealousy, the protagonist ends up exploring a sinister cult and witnesses their hedonistic activities and their depravity. However, his intervention does not go unnoticed. Kubrick creates a unique feel of paranoia and fear with the constant presence of ominous details. An excellent film that delves deep into the darkest corners of the human mind.
54 (1998), written and directed by Mark Christopher, is a thorough reconstruction of the party scene in New York, back in the psychedelia years. Ryan Phillippe (The Lincoln Lawyer) is a handsome bus boy that works in 54, the coolest club in the city, eventually he ends up prostituting himself to obtain money and favors, having sex with many men as well as women. An honest depiction of drug-addiction, alcoholism, broken dreams and corrupted youth. The cast includes Salma Hayek (Lonely Hearts), Breckin Meyer (Garfield), Mike Myers (Austin Powers) and Neve Campbell (Scream), and a Michael Pitt (Hannibal) cameo.Based on real life events, Matias Lira’s El bosque de Karadima (2015) brings to light the case of one of Chile’s most popular priests, a well-connected religious figure who sexually abused countless of boys for decades. Pedro Campos (famous for his role in the gay-themed short film Blokes) is a naïve teenager, who is frequently fondled and even masturbated by the old man; however, the manipulative priest soon starts getting more sexually aggressive with his victim, and this situation goes on for years until the boy, now a traumatized adult, finally finds the courage to take his case to the court. Bertrand Bonello’s Saint Laurent (2014) is a wonderful biopic about Yves Saint Laurent, one of France’s greatest fashion icons. Gaspard Ulliel (famous for his role as a gay boy in Paris, je t'aime) is fantastic as the fashion designer, aptly portraying the behavior of a gay young man who, despite his creativity, is also plagued by his addictions and neurotic obsessions. The cast includes very talented actors such as Jérémie Renier (mostly known for his role as a closeted gay boy in Les amants criminels), Louis Garrel (famous for his role as a bisexual young man in Les Chansons d’Amour), Brady Corbet (who achieved celebrity status after playing a sexually confused boy in Mysterious Skin), Helmut Berger (once again an old homosexual man, the same role he had in Blutsfreundschaft), Ernst Umhauer (famous for his role as a bisexual boy in the remarkable Dans la maison) and Léa Seydoux (famous for his lesbian role in La vie d'Adèle).
Also from France comes Little Gay Boy (2013), written and directed by Antony Hickling, an experimental project without a coherent narrative. Gaëtan Vettier, an attractive young man, is sexually abused by several men, in very surreal environments; there are many scenes of incest, fetishism, bondage and sadomasochism.
From Sweden comes Hannes Holm’s Himlen är oskyldigt blå (2010). Bill Skarsgård and Adam Pålsson (famous for his role as a gay teenager in Torka Aldrig Tårar Utan Handskar) are high school friends, eagerly awaiting the arrival of the summer vacations. However, while one of them enjoys the luxurious life-style of his wealthy family, the other one is desperate to get a job and earn enough money. That’s how this kid ends up in the hands of a sinister old man, who takes a special interest in the youngster. A superb coming of age tale that explores teenage sexuality as well as the Swedish criminal underworld.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Al igual que el mes pasado, octubre resultó ser una celebración de la diversidad fílmica (y con suerte el próximo año celebraré Halloween con un súper maratón de terror). Así que empecemos con “The Martian” (2015), uno de los más extraordinarios éxitos de ciencia ficción del año, basado en la novela de Andy Weir y dirigido por Ridley Scott. Matt Damon (el amante gay de Liberace en Behind the Candelabra) es un astronauta varado en Marte, que debe encontrar la forma de sobrevivir hasta que llegue una misión de rescate. Centrándose en gran medida en la ciencia, este es un tipo de ficción absolutamente realista; además de ser un inspirado homenaje a la NASA y a los más grandes logros de la humanidad, esta es una historia llena de intensidad, que retrata la lucha de un hombre contra obstáculos insuperables, destacando así la fascinación que todos sentimos por los viajes espaciales y la tecnología de vanguardia. Recomiendo con insistencia esta dramática y fascinante odisea.
Dirigida por Robert Zemeckis y basada en el libro autobiográfico de Philippe Petit, “The Walk” (2015), es una crónica profundamente conmovedora y fascinante sobre un hombre con la valentía necesaria para desafiar las alturas y llevar a cabo una hazaña imposible: caminar sobre un alambre entre los edificios más altos del mundo en 1974: las torres gemelas del World Trade Center. Joseph Gordon-Levitt (famoso por su papel como un adolescente gay en Mysterious Skin) es el carismático protagonista, un equilibrista tan audaz que muchos considerarían loco. Zemeckis realmente da en el clavo con esta historia bellamente ensamblada sobre la búsqueda de un sueño aparentemente irrealizable. Impresionante y conmovedora, "The Walk" me hizo recordar esa sensación de vértigo que yo mismo experimenté cuando visité las torres, hace 15 años. El reparto incluye a Ben Kingsley (“Gandhi”), Charlotte Le Bon y César Domboy.
“Dracula Untold” (2014) fue un intento fallido de resucitar nuestro aprecio por el subgénero de los vampiros. Luke Evans (The Hobbit: the Battle of the Five Armies) actúa convincentemente, pero a pesar de algunos buenos momentos (sobre todo al principio), esta cinta fue una gran decepción, mal dirigida y llena de huecos argumentales.
Debo decir que quedé muy satisfecho con “Into the Storm” (2014) de Steven Quale. El enfoque del hombre contra la naturaleza se ve reforzado por caracterizaciones interesantes, buenas secuencias de acción y algunos momentos con mucho suspenso. El reparto incluye a jóvenes actores como Max Deacon, Nathan Kress y Jeremy Sumpter.
Jemaine Clement y Taika Waititi son los directores, escritores y protagonistas de “What We Do in the Shadows” (2014), un pseudo-documental en clave de farsa, verdaderamente hilarante, sobre vampiros que viven en el mundo de hoy. Humor negro, irreverencia y diálogos ingeniosos la convierten en una de las mejores parodias de terror que he visto en años. No pude dejar de reír desde la escena inicial hasta la última, y espero que hagan una secuela, realmente vale la pena.
Co-escrita, co-producida, dirigida y protagonizada por Matt Johnson y Owen Williams, “The Dirties” (2013) es una de las mejores producciones independientes que he visto últimamente. El tema del abuso escolar sigue siendo una herida abierta que no muchos saben cómo tratar. Afortunadamente, estos jóvenes cineastas entienden completamente lo que sienten los adolescentes marginados, que fantasean con la venganza. El problema, sin embargo, llega cuando la fantasía comienza a filtrarse en la realidad, convirtiéndose en el preludio de una matanza. El final es tremendamente impactante y brutal.Stanley Kubrick era un director brillante, y “Eyes Wide Shut” (1999) fue su última obra maestra. Tom Cruise (The Last Samurai) y Nicole Kidman (The Others) están felizmente casados, pero debajo de la vida acomodada que han forjado para sí mismos, hay muchas pasiones y secretos ocultos. Motivado por los celos, el protagonista termina adentrándose en una secta siniestra y es testigo de sus actividades hedonistas y depravadas. Sin embargo, su intervención no pasa desapercibida. Kubrick crea una sensación única de paranoia y miedo mediante la presencia constante de detalles ominosos. Una excelente película que penetra profundamente en los rincones más oscuros de la mente humana.“54” (1998), escrita y dirigida por Mark Christopher, reconstruye el escenario de las fiestas en New York, allá por los años de la psicodelia. Ryan Phillippe (The Lincoln Lawyer) es un atractivo camarero que trabaja en 54, el club más popular de la ciudad, con el tiempo termina prostituyéndose para obtener dinero y favores, teniendo relaciones sexuales con muchos hombres y también con mujeres. Un retrato honesto de la drogadicción, el alcoholismo, los sueños rotos y la juventud corrompida. El reparto incluye a Salma Hayek (Lonely Hearts), Breckin Meyer (“Garfield”), Mike Myers (“Austin Powers”) y Neve Campbell (“Scream”), y un cameo de Michael Pitt (“Hannibal”).
Basada en hechos reales, “El bosque de Karadima” (2015), de Matías Lira, saca a la luz el caso de uno de los sacerdotes más populares de Chile, una figura religiosa con muchas influencias que abusó sexualmente de incontables chicos durante décadas. Pedro Campos (famoso por su papel en el cortometraje de temática gay Blokes) es un adolescente ingenuo, que es manoseado con frecuencia e incluso masturbado por el viejo cura; Sin embargo, el manipulador sacerdote pronto empieza a ser sexualmente más agresivo con su víctima, y esta situación continúa durante años hasta que el chico, ahora un adulto traumatizado, finalmente encuentra el coraje para llevar su caso a la corte. “Saint Laurent” (2014), de Bertrand Bonello, es una maravillosa película biográfica sobre Yves Saint Laurent, uno de los grandes íconos de la moda en Francia. Gaspard Ulliel (famoso por su papel como un chico gay en Paris, je t'aime) está fantástico como el diseñador de moda, y retrata acertadamente el comportamiento de un joven gay que, a pesar de su creatividad, también está plagado de adicciones y obsesiones neuróticas. El reparto incluye actores muy talentosos como Jérémie Renier (conocido sobre todo por su papel como un muchacho gay en Les Amants criminels), Louis Garrel (famoso por su papel como un joven bisexual en Les Chansons d’Amour), Brady Corbet (quien pasó a ser una celebridad luego de su interpretación de un chico sexualmente confundido en “Mysterious Skin”), Helmut Berger (una vez más un viejo homosexual, papel que ya había hecho en Blutsfreundschaft), Ernst Umhauer (famoso por su papel como un chico bisexual en la notable Dans la maison) y Léa Seydoux (famosa por su papel lésbico en -“La vie d'Adèle”).
También desde Francia llega “Little Gay Boy” (2013), escrita y dirigida por Antony Hickling, un proyecto experimental sin una narrativa coherente. Gaëtan Vettier, un apuesto joven, es abusado sexualmente por varios hombres, en ambientes muy surrealistas; hay muchas escenas de incesto, fetichismo, bondage y sadomasoquismo.
Desde Suecia llega “Himlen är oskyldigt blå” (2010) de Hannes Holm. Bill Skarsgård y Adam Pålsson (famoso por su papel como un adolescente gay en Torka Aldrig Tårar Utan Handskar) son amigos del colegio, y esperan ansiosamente la llegada de las vacaciones de verano. Sin embargo, mientras uno de ellos goza el lujoso estilo de vida de su adinerada familia, el otro está desesperado por conseguir un trabajo y ganar suficiente dinero. Así es como este chiquillo termina en las manos de un viejo un tanto siniestro, que tiene un especial interés en el jovencito. Un magnífico relato sobre lo difícil que es crecer, en el que se explora la sexualidad adolescente, así como el submundo criminal sueco.
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November 5, 2015, 6:36 am
It’s been over a decade since I last read The Legion, and yet, I find myself immediately transported to distant galaxies and alien worlds, and more importantly to an idea of how the future should be. Much like the United Federation of Planets, Gene Roddenberry’s proposal for Star Trek, the creators of the Legion of Super-Heroes shared a similar notion, the noble ideal of countless extraterrestrial civilizations forging an alliance and defending an intergalactic peaceful coexistence.
That dream has been put at risk more than once. Thus, secession from the United Planets becomes a major threat in “After Dark” (published in The Legion # 24, November 2003). Talok VIII, Umbra’s planet, has secluded itself from the rest of the solar system. Constantly enshrouded by shadows, the darkfield, the same force that gives Umbra her extraordinary powers, has literally taken the entire planet as a hostage. Against all odds, Umbra fights for the freedom of her world and reclaims her title as the champion of Talok VIII. Steve Lightle is the guest artist of this wonderful standalone adventure. Lightle is perhaps one of the most revered Legion artists, famous for his run in the title during the 80s. With a dynamic and very appealing cover and absolutely amazing interior art, Lightle proves why, even decades later, he’s still an outstanding artist; his creative designs and the otherworldly architecture of Talok VIII are only the preamble of a game of shadows and hand-to-hand combat, effortlessly portrayed by this talented veteran.
It’s interesting to observe how the original concept of The Legion of Super-Heroes has evolved through the decades. 1958 marked the debut of the young heroes from the future and, in 2003, Dan Abnett and Andy Lanning celebrated the Legion’s 45th anniversary with a memorable giant-size issue, which would modernize some of the core concepts of the book while remaining faithful to the essence of the characters. “Foundations” (published in The Legion # 25, December 2003) is the beginning of one of the most ambitious sagas written by the British creative duo, and this first chapter is an evocative tour through the history of the heroes of the 31st century. The opening sequence recreates the legionnaires’ first appearance (as seen on Adventure Comics #247). In Smallville, a young Clark Kent is visited by 3 peculiar teens who take him to the future. This splendid “retro” scene is illustrated by Eric Wight, an artist capable of combining the innocence of simpler times with the expressiveness of classic comics.
Of course, in the 50s, there was only one possible future, but as sci-fi became more complex in subsequent years, it made perfect sense to talk about multiple timelines and alternative futures, and that will be the initial premise of “Foundations”. As the story progresses, we get to see the legionnaires welcoming the first recruits of the Legion Cadet Program. Once again, Abnett and Lanning are boldly going where no Legion writer has gone before; indeed, they’re turning Legion World into something far more useful than a simple headquarter, they are turning it into the only place in the solar system in which all alien species are encouraged to coexist peacefully and learn from each other. Regular penciler Chris Batista put a lot of effort designing the cadets as well as the habitats contained in Legion World, and all that extra work sure pays off; it’s always gratifying to see such a good selection of images.
Simultaneously, Brainiac 5, Kid Quantum, Cosmic Boy, Shikari and Apparition must rescue the spaceship of Earth’s president while preventing a dimensional rift that could affect the world of Braal. This time, the artist is the multiple times Eisner award nominee Tony Harris, who also happens to be the cover artist. Harris’ striking drawings rely on sleek lines and a very unique aesthetic.
Another interesting moment takes place between Ayla Ranzz (Spark) and his brother, Mekt Ranzz, a rehabilitated villain formerly known as Lightning Lord. Mekt is a lonely man trying to come to terms with his dark past, as we saw in the Legion Worlds miniseries. The penciler here is legendary artist Dave Cockrum (famous for redefining the X-Men, back in the mid-70s), another well-known figure for Legion fans, who contributed with mind-blowing costume redesigns for the legionnaires, in the early 70s. Cockrum passed away in 2006, so these 5 pages were the last work he ever did for DC.Evidently, this anniversary issue is also a convergence point. The history of the Legion of Super-Heroes is thoroughly explored by Abnett and Lanning, and in the process we also get to reminisce about more recent sagas, such as Legion Lost. Indeed, in what may very well be my personal favorite sequence, we have a deeply touching retelling of Element Lad’s final fate: “He was so scared. So lost. So… lonely […] He was so desperate to save us. It must have been an awful experience. The aching solitude. The unbearable responsibility […] His powers rendered him immortal in the practical sense. He survived. More alone than ever, now. Thousands of years, millions, passed him by. He was castaway in a young universe where life had to appear”. As I’ve said before, I would rank Legion Lost amongst the finest superhero miniseries ever published, and the main reason would be the way Abnett and Lanning transform Element Lad. Because, in the end, superpowers are nothing, what makes these characters humans is the interaction with others, much in the same way that each alien civilization in the Legion universe is enrichened by the presence of other cultures. Without the presence of the other, we cannot define ourselves. As Element Lad, Jan Arrah was the noblest and kindest of the entire Legion, but millions of years of solitude turned him into a genocidal demigod. These breathtakingly beautiful pages are the work of Paul Rivoche, a very talented artist who perfectly captures the spirit of Jan Arrah, showing us the evolution of the character from one page to the next one. Rivoche pencils, inks and colors this chapter, and the result is absolutely impressive. I was left in awe when I first saw these pages, over 10 years ago, and that feeling of wonder continues to increase, even after so many years. Long Live the Legion!________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Ha pasado más de una década desde la última vez leí “The Legion”, y no obstante, me encuentro inmediatamente transportado a galaxias distantes y mundos alienígenas y, sobre todo, a una idea de cómo debería ser el futuro. Al igual que la Federación Unida de Planetas, la propuesta de Gene Roddenberry para “Star Trek”, los creadores de la “Legión de Súper-Héroes” compartían una noción similar, el noble ideal de innumerables civilizaciones extraterrestres forjando una alianza y defendiendo una coexistencia pacífica intergaláctica.Ese sueño ha estado en riesgo más de una vez. Así, la separación de los Planetas Unidos se convierte en una grave amenaza en “Después de la oscuridad” (publicado en The Legion # 24, noviembre de 2003). Talok VIII, el planeta de Umbra, se ha aislado del resto del sistema solar. Constantemente envuelto en las sombras, el campo oscuro, la misma fuerza que le otorga a Umbra sus extraordinarios poderes, ha tomado literalmente al planeta entero como rehén. En contra de insuperables obstáculos, Umbra lucha por la libertad de su mundo y recobra su título como campeona de Talok VIII. Steve Lightle es el artista invitado de esta maravillosa aventura auto-conclusiva. Lightle es quizás uno de los artistas más respetados de la Legión, famoso por su etapa en la colección durante los 80s. Con una portada dinámica y muy llamativa, y un arte interior absolutamente asombroso, Lightle demuestra por qué, incluso décadas después, sigue siendo un artista sobresaliente; sus diseños creativos y la arquitectura alienígena de Talok VIII son sólo el preámbulo de un juego de sombras y de un combate cuerpo a cuerpo, retratados con mucha solvencia por este talentoso veterano.Es interesante observar cómo el concepto original de la Legión de Súper-Héroes ha evolucionado a lo largo de las décadas. El debut de los jóvenes héroes del futuro fue en 1958 y, en el 2003, Dan Abnett y Andy Lanning celebran el 45 aniversario de la Legión con un memorable ejemplar de tamaño gigante, en el que modernizan algunos conceptos claves sin dejar de ser fieles a la esencia de los personajes. "Fundaciones" (publicado en The Legion # 25, diciembre de 2003) es el comienzo de una de las sagas más ambiciosas escritas por el dúo creativo británico, y este primer capítulo es un evocador recorrido a través de la historia de los héroes del siglo XXXI. La secuencia inicial recrea la primera aparición de los legionarios (en Adventure Comics # 247). En Smallville, un joven Clark Kent es visitado por 3 adolescentes peculiares que lo llevan al futuro. Esta espléndida escena “retro” es ilustrada por Eric Wight, un artista capaz de combinar la inocencia de tiempos más simples con la expresividad de los cómics clásicos.Por supuesto, en los 50s, sólo había un futuro posible, pero a medida que la ciencia ficción se hizo más compleja en años subsiguientes, tenía mucho más sentido hablar de múltiples líneas temporales y futuros alternativos, y esa será la premisa inicial de “Fundaciones”. A medida que la historia avanza, vemos a los legionarios dando la bienvenida a los primeros reclutas del Programa Cadetes de la Legión. Una vez más, Abnett y Lanning van audazmente donde ningún otro escritor de la Legión ha ido antes; de hecho, convierten a Mundo Legión en algo mucho más útil que un simple cuartel general, lo convierten en el único lugar en el sistema solar en el que se alienta a todas las especies extraterrestres a coexistir pacíficamente y a aprender unos de otros. El dibujante Chris Batista puso mucho esfuerzo en el diseño de los cadetes, así como en los hábitats que contiene Mundo Legión, y todo ese trabajo extra da óptimos resultados; siempre es gratificante ver una selección tan buena de imágenes.
Simultáneamente, Brainiac 5, Kid Quantum, Cosmic Boy, Shikari y Apparition deben rescatar la nave espacial de la presidenta de la Tierra, y a la vez deben prevenir una grieta dimensional que podría afectar al mundo de Braal. En esta ocasión, el artista es Tony Harris, nominado al premio Eisner en varias ocasiones, quien además es el portadista. Los impactantes dibujos de Harris se apoyan en líneas pulidas y una estética muy singular.
Otro momento interesante ocurre entre Ayla Ranzz (Spark) y su hermano, Mekt Ranzz, un villano rehabilitado antes conocido como Lightning Lord. Mekt es un hombre solitario tratando de lidiar con su oscuro pasado, como vimos en la miniserie de Legion Worlds. Aquí el dibujante es el legendario artista Dave Cockrum (famoso por redefinir a los X-Men, a mediados de los 70s), otra figura bien conocida para los fans de la Legión, que contribuyó con los alucinantes rediseños de los uniformes de los legionarios, a principios de los 70s. Cockrum falleció en 2006, así que estas 5 páginas fueron el último trabajo que hizo para DC.Evidentemente, este ejemplar de aniversario es también un punto de convergencia. La historia de la Legión de Super-Héroes es explorada a fondo por Abnett y Lanning, y en el proceso también repasamos sagas más recientes, como Legion Lost. De hecho, tal vez mi secuencia favorita sería el relato profundamente conmovedor sobre el destino final de Element Lad: “Él estaba tan asustado. Tan perdido. Tan... solo [...] Él estaba tan desesperado por salvarnos. Debe haber sido una experiencia horrible. La dolorosa soledad. La responsabilidad insoportable [...] Sus poderes lo volvieron inmortal en el sentido práctico. Sobrevivió. Ahora más solo que nunca. Transcurrieron miles de años, millones. Él había naufragado en un universo joven donde la vida aún no había aparecido”. Como he dicho antes, considero a “Legion Lost” como una de las mejores miniseries de superhéroes alguna vez publicadas, y la razón principal sería la forma en la que Abnett y Lanning transforman a Element Lad. Porque, al final, los superpoderes no son nada, lo que hace que estos personajes sean humanos es la interacción con los demás, de la misma forma en la que cada civilización extraterrestre en el universo de la Legión se enriquece por la presencia de otras culturas. Sin la presencia del otro, no podemos definir quiénes somos. Como Element Lad, Jan Arrah había sido el más generoso y el más noble de toda la Legión, pero millones de años de soledad lo convirtieron en un semidiós genocida. Estas páginas de impresionante belleza son obra de Paul Rivoche, un artista muy talentoso que captura perfectamente el espíritu de Jan Arrah, y que nos muestra la evolución del personaje de una página a la siguiente. Rivoche está a cargo de los lápices, las tintas y los colores, y el resultado es absolutamente espectacular. Quedé asombrado cuando vi por primera vez estas páginas, hace más de 10 años, y esa sensación de asombro continúa aumentando, incluso después de tanto tiempo. ¡Larga vida a la Legión!
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November 8, 2015, 9:02 pm
I would love to read comics from every country in the world, but language and many other factors turn this into an impossible aspiration. Sometimes we don't even know what's going on in the European market. For instance, when we think about the Belgian comic scene, we will surely remember the famous “Tintin”, by Hergé, and perhaps that'll be all. But we'd be forgetting that during the past 50 years, Belgium has proudly produced a wide array of top notch comics.
Undoubtedly, one of the best Belgian authors would be Didier Comès, heir to Hergé's “ligne Claire”, but also faithful to Hugo Pratt's realism and Jacques Tardi's expressiveness. In 1980, Casterman published “Ergün the Wanderer: the Living God” as a graphic novel, which would win an award at the Lucca Festival (Yellow Kid award, 1980). This encouraged Spanish editors to translate it, and that is the edition I now hold in my hands.
Moncho Cordero explains in the prologue that “Comès' works are all imbued with mystery, magic, parallel events, a mosaic of spooky surprises, dreams, and a sincere naiveté”. The Belgian author certainly is more comfortable with a classical conception of adventure as genre, and his sole purpose is to entertain the reader.
Of course, the art is most impressive. Comès is an absolute master of forms, and a lover of details. He understands storytelling and movement in ways other pencilers could only dream of. The creativity of this great Belgian artist is evident on every page, from the striking design of his characters, to architectural elements. The throne room of the living god is an example of how someone can combine baroque textures with Gothic structures, while preserving an absolute symmetry. Comès conveys pure dynamism in action scenes, as we can see in the fight between the protagonist and a butterfly man, an alien race from the planet Ergün has landed on.Comès proves his amazing talent in a simple walk towards the dungeon, which becomes a spectacular and daunting exercise in perspective. The final two pages included here are two of my favorites, Ergün walks down a corridor guarded by giant skeletons, clad in macabre armors, and it is such a haunting image. Finally, the Earth's space capsule on top of the temple is a masterful touch, splendidly linking reality and fantasy; even the mummified astronauts add tension and mystery to this outstanding page.Definitely, I should talk about more Belgian artists in future posts, but today I wanted to give priority to the great Didier Comès. Too long have I been postponing this post. Publish or perish, they say. And it must be true, especially if we observe how sometimes writers and artists seem to wither after a long period of inactivity. Although in 2012 the Musée des beaux-arts de Liège paid a fitting tribute to Comès, the fact is that he hadn't published anything in years; after a presentation of his originals in 2013, at the Festival d'Angoulême, Comès departed from our world prematurely. A great loss for the 9th art.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Por más que uno quisiera, resulta difícil acceder a cómics de otras latitudes. A veces cuestiones tan simples como el idioma o simplemente la falta de difusión de obras emblemáticas, causan consecuencias graves: terminamos pasando por alto el trabajo no solamente de los países vecinos sino también del viejo continente. Por ejemplo, cuando pensamos en el cómic belga, seguramente nos vendrá a la mente el famosísimo “Tintin” de Hergé, y quizá uno que otro título más. Pero olvidamos que Bélgica se ha destacado desde hace más de medio siglo por presentar orgullosamente una gran variedad de cómics creados por guionistas y dibujantes de primer nivel.
Indudablemente, uno de los mejores autores belgas es Didier Comès, heredero de la “ligne claire” de Hergé, pero también cultivador de un realismo que nos recuerda a Hugo Pratt y de una expresividad que nos remite a Jacques Tardi. En 1980, la editorial belga Casterman publicó “Ergün el errante: el dios viviente” en formato álbum, y gracias a la buena acogida y a los premios obtenidos en el Festival de Lucca (premio Yellow Kid 1980), en la península ibérica se animaron a sacar una edición en castellano, que es la que hoy tengo en mis manos.
Como anuncia Moncho Cordero en el prólogo de esta edición española “las obras de Comès están todas ellas impregnadas de misterio, de magia, de sucesos paralelos, de todo un mosaico de sorpresas escalofriantes, de sueños, y de una candorosa ingenuidad”. El autor belga, ciertamente, se circunscribe a una concepción clásica de la aventura, en la que el único fin es el entretenimiento del lector; quizás por ello, algunas de las peripecias de Ergün no resistan un análisis narrativo concienzudo, pero eso no disminuye en nada el enorme encanto de este cómic.
Desde luego, lo más impresionante de esta obra es el arte. Comès es un maestro absoluto de las formas, y hace gala de un trazo minucioso, desbordante de detalles y, sobre todo, una insuperable comprensión de la secuencialidad y la representación del movimiento. La creatividad de este magnífico artista belga se hace evidente en cada página, desde el llamativo diseño de sus personajes, hasta la arquitectura. Una mirada al salón del trono del dios viviente es suficiente para observar cómo, en una sola viñeta, pueden confluir el barroquismo de antaño con elementos arquitectónicos góticos, las líneas sinuosas y la simetría absoluta. Comès transmite un gran dinamismo en las escenas de acción, como podemos ver en la pelea entre el protagonista y un hombre mariposa, peculiar raza alienígena del planeta en el que ha aterrizado Ergün. Comès es capaz de demostrar su increíble talento en un simple recorrido en dirección al calabozo, que se convierte en un espectacular y sobrecogedor ejercicio de perspectiva. Las dos páginas finales que incluyo a continuación son dos de mis favoritas, la caminata de Ergün por un corredor flanqueado de esqueletos gigantescos, enfundados en tétricas armaduras, es una imagen realmente alucinante. Y, finalmente, la cápsula espacial terráquea, en la cima del templo, es un toque magistral, que conjuga la realidad con la fantasía de una manera inigualable; incluso la viñeta con los astronautas momificados añade tensión y misterio a una página ya de por sí sumamente evocadora. Definitivamente, queda pendiente hablar sobre otros artistas belgas en el futuro, pero de todos modos, hoy he querido darle prioridad al gran Didier Comès. Hacía ya mucho tiempo que había ido aplazando este post. Publicar o perecer, afirma un conocido adagio. Y algo de verdad debe tener, sobre todo si nos fijamos en escritores o dibujantes que no parecen ser capaces de sobrevivir a un largo periodo de inactividad. Aunque el 2012 el Musée des beaux-arts de Liège le rindió un merecido homenaje a Comès, lo cierto es que él hacía años que ya no publicaba nada; luego de una presentación de sus originales el 2013, en el Festival d’Angoulême, Comès abandonó prematuramente nuestro mundo. Sin duda, una enorme pérdida para el noveno arte.
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November 13, 2015, 12:46 pm
My October comics will arrive a little bit late, so in the meantime I thought it would be a good idea to share with you the selection process that allows me to choose the most promising titles each month. First of all, everything begins with the monthly solicitations.
I check each and every one of them, and I make a quick list of those titles that immediately capture my attention. So let’s start in alphabetical order:
AVATAR PRESS - I’m picking up Providence # 5 (the only difficult part here is choosing which one of the 6 variant covers I like the most). If I had a bigger budget I would definitely include Mercury Heat and Crossed + 100 Hundred.
BOOM! STUDIOS - I’m adding Strange Fruit #3 to my list. I would really like to check out Rowans Ruin #1 and Fiction Squad TP.
DARK HORSE COMICS - I love anthologies so Creepy Comics and Dark Horse Presents would be on my list. If I had some extra money I would buy Osamu Tezuka's Astro Boy Omnibus, The EC Archives: Weird Science Volume 1 HC and Nexus: Into the Past and Other Stories TP. I would also give Barb Wire, Past Aways, Power Cube and Fight Club a try.
DC COMICS - I’m interested in Vertigo’s new series, such as The Twilight Children #1 and especially Art Ops #1. I would also consider buying the following comics: Midnighter #5, All-Star Section Eight #5 and Astro City #28. If I had a larger budget, then I would get my hands on Luthor TP, Batman Illustrated By Neal Adams Omnibus HC, The League Of Extraordinary Gentlemen: Kevin O’Neill Gallery Edition HC and Swamp Thing: Darker Genesis TP.
DYNAMITE ENTERTAINMENT - The Spirit looks interesting. Again, if I had a bigger budget perhaps I would include A Train Called Love.
IDW PUBLISHING - D4VE2 #2 looks good, and if I had some extra dollars I’d get League of Extraordinary Gentlemen: Nemo Trilogy Slipcase Edition.
IMAGE COMICS - I’m definitely buying We Stand On Guard #4 and Paper Girls #1. I might check out Axcend and Black Magic. Things I would get if I had a larger budget: Injection, Vol. 1 TP, Island Magazine #4, Sex Criminals #15, CBLDF Presents Liberty Annual 2015, Phonogram: The Immaterial Girl #3 and Tokyo Ghost #2.
MARVEL COMICS - I’m getting two comics for sure: Doctor Strange #1 and Miracleman By Gaiman & Buckingham #3. If I had some extra money I would get these as well: Marvel Masterworks: Daredevil Vol. 10 HC, Marvel Masterworks: The Champions Vol. 1 HC, The Uncanny X-Men Omnibus Vol. 3 HC, Moon Knight Epic Collection: Shadows Of The Moon TPB and Silver Surfer Epic Collection: Freedom TPB.
Of course, at some point I actually have to sit down and do all the math. And the numbers don’t add up. I mean, they would, if I had more money in my account. So out of the 15 trade paperbacks and hardcover editions I mentioned I end up getting 0, and out of the 31 issues I talked about I end up with the staggering amount of 6 issues. Go figure. Story of my life.
Last month, when I was checking Marvel’s solicitations I stumbled upon a big surprise: Marvel Universe By John Byrne Omnibus HC. “Enjoy Byrne's definitive takes on icons like Captain America, the Hulk, the Avengers, Wolverine and the Silver Surfer, as well as Black Widow and her fellow Champions! Plus: Watch as Byrne helps build the legend of Star-Lord, unite Luke Cage and Iron Fist, and introduce an astonishing new Ant-Man! Collecting CHAMPIONS #11-15, MARVEL PREVIEW #11, AVENGERS (1963) #164-166 and #181-191, POWER MAN #48-50, MARVEL PREMIERE #47-48, CAPTAIN AMERICA (1968) #247-255, SILVER SURFER (1982) #1, INCREDIBLE HULK (1968) #314-319, WOLVERINE (1988) #17-23, and material from MARVEL FANFARE (1982) #29”.
I immediately looked online for all the issues that would be reprinted in this massive hardcover. I looked for the cheapest editions available. The Avengers issues range from $1.35 to $21.50; Captain America issues range from $1.35 to $6; Champions issues go from $2.80 to $8.60; The Incredible Hulk issues don’t go over $2.80; however, the 2 issues of Marvel Premiere sell for about $70 in total; the situation is even worse with Marvel Preview, that goes for at least $50; Marvel Fanfare is only $1.35, though; Power Man issues range from $35 to $45; Silver Surfer is only $3; and finally Wolverine issues go from $1.35 to $2.60. So if I were to buy all the original issues I would have to pay $407.71. That’s a huge amount of money. But guess what? The Marvel Omnibus has a cover price of only $125. That means that for a fraction of what I would spend elsewhere I get to enjoy all those hidden John Byrne stories that I’ve never had the chance to read. So I’m seriously considering getting this omnibus, it will be the first one in my collection. Will it fit into my shelves? Will it be too heavy to hold it in my hands while I read it?
So now my final question is… how do you make your budget work? How do you decide which comics to buy?
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November 15, 2015, 9:03 pm
I wasn’t even born when legendary writer Dennis O’Neil introduced Ra’s Al Ghul as a worthy antagonist, or when he redefined Green Lantern and Green Arrow. Curiously, the very first O’Neil comic I read was issue 1 of “Batman: Sword of Azrael” in the 90s. Even 20 years after his first emblematic run on Batman, this veteran author was still creating brand new characters. I guess that’s the deal with truly creative people, they can still surprise us year after year, decade after decade. Obviously, I became an O’Neil fan right away. And I just had the need to find some of his earlier works.
So I decided to start with “Shaman” (published in Legends of the Dark Knight # 1-5, from November 1989 to March 1990), the inaugural arc of a new title that DC released to commemorate Batman’s 50th anniversary. Nowadays with dozens of Batman-related books on the shelves, it’s actually quite difficult to believe that back in the late 80s, there were only 2 titles: Detective Comics and Batman. Legends of the Dark Knight became the third ongoing series, and clearly DC made an extra effort in putting together the best creative teams for unique and memorable stand-alone arcs. And who could’ve been better suited than Dennis O’Neil to start the ball rolling?
Building upon the premises established by Frank Miller in “Batman: Year One”, O’Neil came up with a fascinating saga about a young and inexperienced Bruce Wayne. In the initial chapter, Bruce is still training to become the world’s greatest detective, and his quest takes him to Alaska. In a lonely mountain, Bruce Wayne fights against a dangerous adversary, and barely manages to escape: “It’s cold. Probably 30 below. Fifty, with the wind chill. I have no food, no matches, no radio or flares, and very little clothing. I’m somewhere in north Alaska. The nearest village is a day’s trek away. The storm will hit soon”.
There is a reason why we may connect with Batman better than with other superheroes. Although he is able to accomplish impossible feats, at the end of the day he’s nothing more than a human being. But he is the best we can ever hope to be. He has trained for years to master all fighting techniques, honing his abilities, perfecting both body and mind in the process. And his human capacity, taken to the extreme, is what we find so captivating. Against impossible odds, Batman will figure out a way to succeed. Or he will die trying. “Shaman” exemplifies this notion. Surviving in low temperatures without equipment becomes a tough challenge for Bruce Wayne. But he knows he cannot give up. He must keep walking. The cold is the enemy, and if he stops, even for a second, he’ll freeze to death. O’Neil describes Bruce Wayne’s agonizing march in such a manner that we can almost feel the drop in temperature. In the end, Bruce Wayne is rescued by a shaman and his daughter, he knows he owes them his life, but he’s still an immature young man who believes that giving money away will prove his gratitude. And that’s a mistake that triggers a dramatic sequence of events.
Bruce Wayne goes back to Gotham, and a couple of years later, he starts patrolling the streets at night as Batman. Of course, he’s assisted by Alfred Pennyworth; in the past he was simply a supporting character and now, in the hands of O’Neil, he’s a more complex and appealing co-protagonist. Alfred’s “sardonic wit” and British irony are now the most well-known personality traits of the most famous butler in comics’ history, and it’s all thanks to O’Neil. In subsequent chapters, a series of seemingly unrelated events start pointing out at a connection between Alaska, shamanism, pagan rites and a new adversary powerful enough to defeat Batman on their first confrontation. I don’t think it’s a good idea to spoil the ending, so I won’t get into details. But I will mention a couple of my favorite moments. The first one is Bruce Wayne’s return to Alaska, who discovers that the money he had given to the tribe through the Wayne Foundation has corrupted their way of living, turning the aborigines into alcoholics or drug-addicts; the saddest part is when Bruce finds the shaman that saved his life, and sees him performing cheap tricks for tourists and degrading himself for a bottle of liquor. That’s the kind of scene I don’t think we could ever get to see in a DC book nowadays, not because the editors wouldn’t allow it but mainly because our generation genuinely believes that all the problems in the world can be solved with money.Another extraordinary moment takes place when the shaman’s daughter explains Bruce Wayne that, to become who he really is, he does not have to wear a mask, he as to become the mask. That is the leitmotif throughout this arc. Batman isn’t a masked hero in a conventional manner, he doesn’t stop being Batman the minute he takes off his costume. He remains Batman, under all circumstances, always. The covers of these 5 issues, gorgeously illustrated by Ed Hannigan and George Pratt (with a great logo design by Dean Motter), certainly support this idea. The interior art is also spectacular, thanks to Ed Hannigan’s pencils and John Beatty’s inks; they’re both faithful to the groundbreaking style introduced by David Mazzucchelli in Year One and yet innovative in their own way. Hannigan’s “figures are a nice merging of realism and dynamic anatomy. His flair for layout is among the best in the business. The storytelling flows quickly and smoothly, combining beautiful establishing shots with intriguing, cinematic angles”, affirms Michael Christiansen, and I totally agree with him. O’Neil and Hannigan set a high standard for what would unquestionably become one of the best DC ongoing series.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Yo ni siquiera había nacido cuando el legendario escritor Dennis O'Neil presentó por primera vez a Ra's Al Ghul como un digno antagonista, o cuando redefinió a Green Lantern y Green Arrow. Curiosamente, el primer comic de O'Neil que leí fue el número 1 de “Batman: la espada de Azrael” en los 90s. Incluso 20 años después de su emblemática etapa en Batman, este veterano autor seguía creando nuevos personajes. Supongo que ese es el asunto con las personas verdaderamente creativas, nos siguen sorprendiendo año tras año, década tras década. Obviamente, me convertí en un fan de O'Neil de inmediato. Y tuve la necesidad de encontrar algunos de sus trabajos previos.Así que decidí comenzar con “Shaman” (publicado en Legends of the Dark Knight # 1-5, de noviembre de 1989 a marzo de 1990), el arco inaugural de un nuevo título que DC preparó para conmemorar el 50 aniversario de Batman. Hoy en día, con docenas de colecciones vinculadas con Batman, cuesta creer que a fines de los 80s sólo había 2 títulos: “Detective Comics” y “Batman”. “Legends of the Dark Knight” se convirtió en la tercera serie mensual, y claramente DC se esforzó en elegir a los mejores equipos creativos para estas nuevas y memorables sagas. ¿Y quién podría haber sido más adecuado que Dennis O'Neil para dar inicio a este proyecto?Apoyándose en las premisas establecidas por Frank Miller en “Batman: Año Uno”, O'Neil se centraría en un joven e inexperto Bruce Wayne. En el capítulo inicial, Bruce todavía está entrenando para convertirse en el mejor detective del mundo, y es así como llega a Alaska. En una montaña solitaria, Bruce Wayne lucha contra un peligroso adversario, y apenas logra escapar: “Hace frío. Probablemente 30 bajo cero. Cincuenta, con las ráfagas de viento gélido. No tengo comida, ni fósforos, ni radio, ni luz de bengala, y llevo muy poca ropa. Estoy en algún lugar en el norte de Alaska. El pueblo más cercano está a una caminata de un día de distancia. La tormenta llegará pronto”.
Conectamos con Batman mejor que con otros superhéroes por una razón: a pesar de que es capaz de lograr hazañas imposibles, al final del día no es más que un ser humano. Pero él es lo mejor que podríamos aspirar a ser. Él ha entrenado durante años para dominar todas las técnicas de lucha, perfeccionando sus habilidades, entrenando el cuerpo y la mente. Y su capacidad humana, llevada al extremo, es lo que encontramos tan cautivadora. Contra viento y marea, Batman encontrará la manera de triunfar. O morirá en el intento. “Shaman” ejemplifica esta noción. Sobrevivir a bajas temperaturas sin equipamiento alguno se convierte en un reto difícil para Bruce Wayne. Pero él sabe que no puede darse por vencido. Debe seguir caminando. El frío es el enemigo, y si se detiene, siquiera por un segundo, morirá congelado. O'Neil describe la marcha agonizante de Bruce Wayne de tal manera que casi podemos sentir el descenso de la temperatura. Al final, Bruce Wayne es rescatado por un chamán y su hija; él sabe que les debe la vida, pero sigue siendo un joven inmaduro que cree que al regalar dinero demostrará su gratitud. Y ese es un error que desencadena una dramática secuencia de eventos.
Bruce Wayne regresa a Gotham, y un par de años más tarde, en las noches, comienza a patrullar las calles como Batman. Por supuesto, es ayudado por Alfred Pennyworth; en el pasado, él era simplemente un personaje secundario y ahora, en manos de O'Neil, es un co-protagonista más complejo y encantador. El “ingenio sarcástico” de Alfred y su ironía inglesa son ahora los rasgos de personalidad más conocidos del mayordomo más respetado de los cómics, y es todo gracias a O'Neil. En los capítulos siguientes, una serie de eventos aparentemente no relacionados señalan una conexión entre Alaska, el chamanismo, los ritos paganos y un nuevo adversario lo suficientemente poderoso como para derrotar a Batman en su primer enfrentamiento. No creo que sea una buena idea revelar el desenlace, así que no entraré en detalles. Pero sí mencionaré un par de mis momentos favoritos. El primero es el retorno a Alaska; allí Bruce Wayne descubre que el dinero que donó a la tribu mediante la Fundación Wayne ha corrompido su modo de vida, convirtiendo a los aborígenes en alcohólicos o drogadictos; la parte más triste es cuando Bruce encuentra al chamán que le salvó la vida, y lo ve realizando trucos baratos para los turistas y degradándose a sí mismo por una botella de licor. Ese es el tipo de escena que no creo que podríamos llegar a ver en un cómic de DC hoy en día, no porque los editores lo impidiesen, sino sobre todo porque nuestra generación realmente cree que todos los problemas del mundo se pueden resolver con dinero.Otro momento extraordinario tiene lugar cuando la hija del chamán le explica a Bruce Wayne que, para aceptarse a sí mismo, él no tiene que usar una máscara, él debe convertirse en la máscara. Ese es el hilo conductor de este arco. Batman no es un héroe enmascarado a la manera convencional, no deja de ser Batman al momento de quitarse el traje. Él sigue siendo Batman, bajo cualquier circunstancia, siempre. Las portadas de estos 5 ejemplares, magníficamente ilustradas por Ed Hannigan y George Pratt (con un logo diseñado por Dean Motter), sin duda dan sustento a esta idea. El arte interior también es espectacular, gracias a los lápices de Ed Hannigan y las tintas de John Beatty; ambos son fieles al estilo innovador introducido por David Mazzucchelli en “Año Uno”, y al mismo tiempo aportan un toque novedoso. “Las figuras de Hannigan son una buena combinación de realismo y anatomía dinámica. Su gusto por el diseño le da una gran ventaja en la industria. La narración fluye rápidamente y sin problemas, combinando bellas tomas panorámicas con ángulos cinematográficos intrigantes”, afirma Michael Christiansen, y estoy totalmente de acuerdo con él. O'Neil y Hannigan fijaron un alto estándar para lo que sería indudablemente una de las mejores series de DC.
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November 20, 2015, 12:22 pm
Most of the time, we write about human beings. Writing about animals, aliens or sentient plants is a tough challenge, but one I believe a good writer should have no problem dealing with. After creating Judge Dredd, one of the most legendary characters of the UK, John Wagner didn’t slow down, not even one bit. Back in the late 70s, the pages of the sci-fi anthology 2000 AD were the ideal scenario to come up with fresh concepts and innovative storylines, and Wagner had a tremendous amount of ideas. In addition to Dredd, the British author would also be the creator of Strontium Dog (one of my favorite comics ever!) and, of course, Robo-Hunter Sam Slade.
“By rights no robot should go wrong. They were programmed never to go wrong. But they always did. I should know. I’ve made my living catching them for forty years” explains Slade in the initial chapter of “Verdus” (originally published in 2000 AD progs 76-84 and 100-112, from August 1978 to May 1979). The notion of robots turning against their human masters has usually been the inspiration for very dramatic tales, but Wagner would concentrate instead on the humoristic side with excellent results.
“When they get Slade, they stay slayed”, is the protagonist’s motto. The job of a bounty hunter specialized in rogue robots isn’t an easy one. But years of experience, street savvy and unflinching ingenuity are enough to turn this antihero into a very charismatic man. At the beginning of this saga he’s dispatched to Verdus, an entire planet colonized by robots, waiting to receive humans. But when humans arrive they never report back to Earth. Something fishy is going on, and Slade is the right man to find out the truth.
With an entire planet of robots to play with, Wagner gives us some really hilarious sequences. One of my favorites is the one that takes place in an apartments building. Robots have been waiting the arrival of people for decades, but due to their faulty programming, they were unable to recognize humans, and thus the people from Earth had been labeled as Sims (simulated humans), and sentenced to a life of imprisonment. When Sam Slade arrives to Verdus, his first mission isn’t to rescue the humans or find out how things got out of control, his first and sole goal is to survive through the day. Besieged and attacked by robots in every street and every corner of Verdus, he ends up looking for temporary shelter in an abandoned residence. Except that there is no such thing as abandoned homes in Verdus, they’re all inhabited by robotic house appliances and even robotic furniture. The discussion between the robots is a celebration of absurdity taken to the extreme; indeed, while some of them admit being “bored out of my circuits”, waiting for humans that never arrive, others aren’t sure about how to determine if Slade is the real deal or just another Sim. “After due consideration we’ve come to a decision […] our decision is that we are undecided”. However Boots, the cleverest robot of the bunch, decides to take Slade to SJ1, alias Smoking Joe, the first robot sent to Verdus, and the only robot in this planet that knows humans. After a long series of misadventures and extremely amusing confrontations, Sam Slade figures out what must be done. In the process we also get to know the robots so intimately that we can’t help it but to relate to them. Certainly, Wagner is such a brilliant writer that all his characters, humans and robots, are equally fascinating. One of my favorites is Commander Kidd, the 1-year-old pilot that smokes and swears constantly, and the only one that instead of solving problems actually wreaks havoc everywhere he goes; then there’s Cutie, Slade’s robometer, a devoted ally who detects robots and analyzes their weaknesses, while also talking very seductively to its human master; and how could I forget Smoking Joe? An old robot who acts like a harmless grandpa, constantly complaining about the new robotic generation, it may be a slow and clumsy machine, but one with a big heart inside his circuitry. There are many other memorable characters, such as B.O., a robot from the sewers who has been isolated for half a century, “accompanied” by its divided personality (the way it speaks to itself reminds us of creatures like Gollum, from The Lord of the Rings). Big Brain, the most powerful and highly evolved robot on Verdus, is also a flawed character ultimately overcome by its inner contradictions. And I could go on for hours. I must confess this isn’t the first time I’m reading Verdus. In fact, when I was in high school I used to re-read all of my 2000 AD comics at least once a year, and the issues got so worn-out that a few years ago I had to get rid of the old ones and buy a complete new set (in this case, the Eagle reprints of 1984). So obviously I’m a little bit biased here. Robo-Hunter has a lot of sentimental value to me. But, at the same time, re-reading it now, after so many years, I couldn’t stop laughing out loud over and over again, and as it so often happens with truly awesome literary works, I discovered things that I hadn’t noticed when I was a kid. And in the process my admiration for Wagner has increased considerably.Sam Slade’s co-creator is Ian Gibson (although Jose Ferrer also collaborated in the first chapter). Gibson had already proved he was a very talented artist in Judge Dredd and other 2000 AD stories, but in these pages he really unleashes all his imagination. He designed literally hundreds of different robot models, and he created a futuristic architecture of massive scale and even greater appeal. Furthermore, his commitment with the project was so strong that he became the only Sam Slade artist for years, even at the frenzy rhythm of this weekly publication, he managed to meet every deadline without neglecting the quality of his artwork. Together, Wagner and Gibson were responsible for this unique and charming creation.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
La mayor parte del tiempo, escribimos sobre seres humanos. Escribir sobre animales, alienígenas o plantas pensantes es un reto difícil, pero creo que un buen escritor no debería tener problemas afrontando semejante desafío. Después de crear a Juez Dredd, uno de los personajes más legendarios del Reino Unido, John Wagner no se durmió en sus laureles. A fines de los 70s, las páginas de la antología de ciencia ficción “2000 AD”, eran el escenario ideal para crear nuevos conceptos e historias innovadoras, y Wagner tenía una enorme cantidad de ideas. Además de Dredd, el autor británico también sería el creador de “Strontium Dog” (¡uno de mis cómics favoritos!) y, por supuesto, “Robo-Hunter Sam Slade”.“Definitivamente ningún robot debería estropearse. Fueron programados para nunca estropearse. Pero siempre se estropean. Lo sé muy bien. Durante cuarenta años me he ganado la vida capturándolos”, explica Slade en el capítulo inicial de “Verdus” (publicado originalmente en 2000 AD # 76-84 y 100-112, desde agosto de 1978 a mayo de 1979). La noción de robots que se enfrentan contra sus amos humanos ha sido usualmente la inspiración para relatos muy dramáticos, pero Wagner se concentró en el aspecto humorístico con excelentes resultados.
“Cuando Slade les cae encima, ya nunca vuelven a levantarse”, es el lema del protagonista. El trabajo de un caza-recompensas especializado en robots renegados no es una tarea fácil. Pero años de experiencia, astucia callejera y un ingenio inquebrantable son suficientes para convertir a este antihéroe en un hombre muy carismático. Al comienzo de esta saga es enviado a Verdus, un planeta entero colonizado por robots, que están a la espera de recibir a los humanos. Pero cuando los humanos llegan pierden toda comunicación con la Tierra. Algo raro está pasando, y Slade es el único hombre capaz de descubrir la verdad.
Con todo un planeta de robots a su disposición, Wagner nos entrega algunas secuencias realmente hilarantes. Una de mis favoritas ocurre en un edificio de apartamentos. Los robots han estado esperando la llegada de la gente desde hace décadas, pero debido a su programación defectuosa, no fueron capaces de reconocer a los seres humanos, y por lo tanto la gente de la Tierra había sido etiquetada como Sims (humanos simulados), y condenados a ser prisioneros de por vida. Cuando Sam Slade llega a Verdus, su primera misión no es rescatar a los seres humanos o averiguar cómo las cosas se salieron de control, su primer y único objetivo es sobrevivir. Asediado y atacado por robots en cada calle y cada esquina de Verdus, él termina buscando refugio temporal en una residencia abandonada. Excepto que no hay tal cosa como casas abandonadas en Verdus, todas están habitadas por electrodomésticos robóticos e incluso muebles robóticos. La discusión entre los robots es una celebración de lo absurdo llevada al extremo; de hecho, mientras algunos de ellos admiten su aburrimiento esperando a los seres humanos que nunca llegan, otros no están seguros acerca de cómo determinar si Slade es de verdad o simplemente otro Sim. “Después de la debida consideración hemos llegado a una decisión [...] nuestra decisión es que estamos indecisos”. Sin embargo Botas, el robot más listo del grupo, decide llevar a Slade a SJ1, alias Fumador Joe, el primer robot enviado a Verdus, y el único que conoce a los humanos.
Después de una larga serie de desventuras y enfrentamientos sumamente amenos, Sam Slade se da cuenta de lo que debe hacer. En el proceso también conocemos a los robots tan íntimamente que no podemos evitar identificarnos con ellos. Ciertamente, Wagner es un escritor tan brillante que todos sus personajes, humanos y robots, son igualmente fascinantes. Uno de mis favoritos es el Comandante Kidd, de 1 año de edad, un piloto que fuma y suelta groserías constantemente, y el único que en lugar de resolver problemas causa estragos dondequiera que va; luego está Cutie, la robómetro de Slade, una aliada fiel que detecta robots y analiza sus debilidades, mientras habla muy seductoramente con su amo humano; ¿y cómo podría olvidar a Fumador Joe? Un viejo robot que actúa como un abuelo inofensivo, quejándose constantemente de la nueva generación robótica, es una máquina lenta y torpe, pero con un gran corazón en medio de sus circuitos. Hay muchos otros personajes memorables, como B.O. un robot de las alcantarillas que ha estado aislado durante medio siglo, “acompañado” por su doble personalidad (la forma en la que se habla a sí mismo nos recuerda a criaturas como Gollum, de “El señor de los anillos”). El Gran Cerebro, el robot más poderoso y evolucionado en Verdus, es también un personaje defectuoso, vencido por sus contradicciones internas. Y podría seguir durante horas.
Debo confesar que esta no es la primera vez que leo “Verdus”. De hecho, cuando estaba en el colegio solía releer todos mis cómics de “2000 AD” por lo menos una vez al año, y los ejemplares quedaron tan gastados que hace unos años tuve que deshacerme de ellos y comprar un nuevo set completo (en este caso, las reimpresiones de Eagle de 1984). Así que, obviamente estoy un poco parcializado. Robo-Hunter tiene un gran valor sentimental para mí. Pero, al mismo tiempo, al volver a leerlo ahora, después de tantos años, no pude dejar de reírme a carcajadas una y otra vez, y como sucede tan a menudo con las obras literarias verdaderamente asombrosas, descubrí cosas que había pasado por alto cuando era niño. Y en el proceso, mi admiración por Wagner ha aumentado considerablemente.El co-creador de Sam Slade es Ian Gibson (aunque José Ferrer también colaboró en el primer capítulo). Gibson ya había demostrado que era un artista muy talentoso en Juez Dredd y otras historias de 2000 AD, pero en estas páginas realmente desata toda su imaginación. Diseñó literalmente cientos de diferentes modelos de robots, y creó una arquitectura futurista de gran escala y de aun mayor atractivo. Por otra parte, su compromiso con el proyecto fue tan fuerte que se convirtió en el único artista de Sam Slade durante años; incluso al ritmo frenético de esta publicación semanal, se las arregló para cumplir con todos los plazos de entrega sin descuidar la calidad de su trabajo. Juntos, Wagner y Gibson fueron los responsables de esta creación única y encantadora.
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November 25, 2015, 8:31 am
Dawn of the Undead is finally here! A comic book especially designed to satisfy even the most demanding readers. In addition to my first foray into the zombie genre, this book includes the first chapter of a wonderful sci-fi odyssey, plus a fine selection of stand-alone stories. And you can have it all for only $1.99. That’s right, 28 pages of content, no ads, and at half the price of a DC or Marvel comic. So what are you waiting for? Get it here:
https://www.comixology.com/Dawn-of-the-Undead-1/digital-comic/308622
Putting this book together has been such an amazing experience. I started this project in April, when Irapuan Luiz sent me the penciled pages of the second chapter of Dawn of the Undead. I needed an inker and I began a selection process that took me entire weeks, I must have interviewed approximately 30 or 35 inkers, from places as varied as Austria, Spain, Russia, Mexico, Chile and the United States. Finally, I chose the American inker Mike Lawler, who did a terrific job and in record time! Simultaneously I got in touch with my friend and longtime collaborator Juan Alarcón, who drew the greatest cover ever, and who also submitted the gorgeous pages of The Old System, a story we created back in 2011 and that had been on standby until now.
My next task was to find colorists, so again I conducted a selection process that would turn out to be quite fruitful: Alberto Aguado, Christian Castellanos, César Hernández-Meraz and Alex Segura B. did an impressive job. Finally, and running against the clock, Alberto Aguado and Jude Terror helped me out with the lettering (and since deadlines were so tight, I actually had to do some lettering myself). Juggling dozens of emails each day and coordinating with creators from different continents (and therefore different time zones) was hard enough, but let’s add to that the fact that during those months I was also writing my thesis (my dissertation will be on December 14th, so all the hard work paid off!), and you can imagine I had way more than a full plate…
It was a pleasure to work with writers such as Chris Lewis, Jason Snyder, Dylan Faraday and Aaron Beepat. I can’t thank them enough. Without them, this book would have been considerably thinner. And having artist Adrián Gutiérrez illustrating one of my stories was a very good experience, and one I hope to repeat soon.
Of course this project wouldn’t have been possible without the generosity and unwavering support Kenny Smith, who was also responsible for the successful completion of Un-American Chronicles (available now on Comixology: https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418)________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
¡Dawn of the Undead por fin está aquí! Un cómic especialmente diseñado para satisfacer a los lectores más exigentes. Además de mi primera incursión en el género zombi, este cómic incluye el primer capítulo de una maravillosa odisea de ciencia-ficción, además de una estupenda selección de historias autoconclusivas. Y todo a tan sólo $1.99. Así es, 28 páginas de contenido a la mitad del precio de un cómic de DC o Marvel. ¿Qué están esperando? Adquiéranlo aquí:
https://www.comixology.com/Dawn-of-the-Undead-1/digital-comic/308622Editar este cómic ha sido una experiencia increíble. Empecé este proyecto en abril, cuando Irapuan Luiz me envió las páginas a lápiz del segundo capítulo de “Dawn of the Undead”. Necesitaba un entintador y comencé un proceso de selección que demoró semanas enteras, debo haber entrevistado a unos 30 o 35 entintadores, de lugares tan variados como Austria, España, Rusia, México, Chile y Estados Unidos. Finalmente, elegí al entintador estadounidense Mike Lawler, quien hizo un trabajo de primera ¡y en tiempo récord! Simultáneamente, me puse en contacto con mi amigo y colaborador frecuente Juan Alarcón, que además de dibujar una portada realmente espectacular, también me entregó las magníficas páginas de “The Old System”, una historia que creamos en el 2011 y que se había quedado en el limbo hasta ahora.
Mi siguiente tarea fue encontrar coloristas, así que de nuevo realicé un proceso de selección que terminaría siendo muy fructífero: Alberto Aguado, Christian Castellanos, César Hernández-Meraz y Alex Segura B. hicieron un trabajo impresionante. Por último, y corriendo contra el reloj, Alberto Aguado y Jude Terror me ayudaron con el rotulado (y como la fecha límite se acercaba, al final me recluté a mí mismo como rotulador). Hacer malabares para contestar docenas de emails todos los días y coordinar con autores de diferentes continentes (y por lo tanto de diferentes usos horarios) fue bastante difícil, pero añadamos a eso el hecho de que durante esos meses también estaba escribiendo mi tesis (mi sustentación será el 14 de diciembre, ¡así que todo el esfuerzo valió la pena!), y ya se pueden imaginar que andaba ocupadísimo...
Fue un placer trabajar con escritores como Chris Lewis, Jason Snyder, Dylan Faraday y Aaron Beepat. Les doy las gracias. Sin ellos, este cómic habría sido considerablemente más breve. Y el artista Adrián Gutiérrez ilustró una de mis historias, fue una muy buena experiencia, y espero que se repita pronto.
Por supuesto, este proyecto no hubiese sido posible sin la generosidad y el apoyo inquebrantable de Kenny Smith, quien también fue responsable del éxito de “Un-American Chronicles” (disponible ahora en Comixology: https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418)
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