If you’ve ever been unemployed then you can totally relate to the misadventures of Micky ‘Swifty’, a jobless teenager. Originally published in 2000 AD progs 468 to 499, in 1986, Sooner or Later is as valid now as it was over 30 years ago. Because unemployment still exists today and continues to be a serious problem (taking a look at Spain would be enough to prove my point). And if it’s true that work dignifies man, then it would be easy to understand how undignifying and humiliating can it be for any man or woman, regardless of age or country of origin, to remain unemployed for so many months.![]() |
Swifty |
Mark Kardwell explained the genesis of this series quite adequately in his prolog for The Best of Milligan& McCarthy: “Remember the UK in the 1980s? Times were grim: Thatcher dismantling the country’s industrial heritage […] In 1986, Sooner or Later showed the Milligan / McCarthy team’s empathy for the underdog, with Micky going on a Swiftian journey through a landscape all too familiar to anyone unlucky enough to be young and unemployed and living through Thatcher’s Britain”.
Swifty, the protagonist, doesn’t even realize how bad things are. As he walks through the derelict streets of Camden, he pays no attention to his surroundings: small time crooks stealing car tires, street punks getting drunk, skinheads attacking people, hookers giving handjobs right next to the job center and so on. It wasn’t just a coincidence that Alan Moore, Neil Gaiman, Grant Morrison and Peter Milligan, amongst many other British creators, were against Margaret Thatcher. Instead of reactivating the economy, the Iron Lady seemed determined to ruin the United Kingdom.
Swifty and Clinton, his best friend, discuss their career prospects in their thick Cockney accent: “Idiots wanted to waste their entire lives working for peanuts in local factory. Sense of desperation an advantage”, they say. But they are truly desperate. These lads live in a perpetual state of frustration. In fact, Swifty can’t even get a date, and even if he did, he would still need a few quid. Starting their own business isn’t a realistic possibility, as that would require money none of them has. It’s like a vicious circle: no job, no sex life, no money, no dreams.
And suddenly, things change: Swifty is transported to the future and forced to entertain a wealthy man fascinated by 20th century boys. The bright teen rebels against the situation and breaks free. But he can’t return home, since time travels are very expensive. “I need a job to get the cash to get back to Camden 1988”, he states. And, ironically, he soon finds out that there is still plenty of unemployment in the future. Unemployment and starvation. As a consequence, he ends up raiding the Food Mountains with a group of outcasts. Surely the kid’s only good experience is dancing with Sharon, a beautiful girl who doesn’t seem to care about his lack of money, and that invites him to an amazing party in the 30th century.
However, after his encounter with the Jobfinder, who threatens to interview him to the death, Swifty is offered a once in a lifetime opportunity. It isn’t any job, it’s The Job: a seat in the board of authorities that are in control of the entire nation. This plot twist allows Milligan to express his discontent with political figures in general.![]() |
trapped in the future / atrapado en el futuro |
Have politics become a synonym for lies, treachery and corruption? Here, political power is a farce. A cannibal joins forces with Swifty, after all, for this individual, eating and killing other men is very similar to what regular politicians do. And thus the campaign begins. There are some hilarious moments, like the parody of the presidential speech. Of course, Milligan mocks the typical political debates and ridicules the so-called experts in political science.
Against all odds, Swifty wins the elections. “Not a single person in the entire country has any faith in your abilities!”, he’s told. But he doesn’t give a damn about that, as he has been told the same thing in his era. And now that he is in a position of power he’s willing to prove he’s worthy of The Job. So he decides to visit the board. “The board meeting has been going now for five hundred years”, someone explains to him. No one is allowed into the building, but using all his street savvy, the teen finally makes a triumphal entrance, only to discover that the top authorities of the nation are nothing but dusty skeletons sitting in rusty chairs. And what the clerks and assistants considered as undecipherable orders sent by the board in Morse code was, in fact, the noise produced by the building’s machines.
As usual, Brendan McCarthy’s outlandish designs and psychedelic approach enrich Milligan’s script. McCarthy takes the most far-fetched concepts and the weirdest settings and makes them work perfectly. The future we get to see here is very surrealist, full of color and extravagant images, and that is why Brendan McCarthy and Tony Riot were the ideal artistic team for this project.
In the final pages, Swifty is returned to the 20th century, and he discovers he has only been gone for 2 days. Now he must repeat his old routine. Going to the job center, having terrible job interviews and getting rejected over and over again. But he tells Clinton everything he did and saw in the future, and now he can only think about that beautiful girl that invited him to the party. His friend asks him “So when are you going to the future?”, and Swifty replies full of hopes and with a big smile “Oh, sooner or later”. And only the reader knows that the naïve boy will get to the future, one day at a time, painfully and tediously, and to make matters worse, he will still be looking for a job, to no avail. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Si alguna vez han estado desempleados, entonces podrán identificarse con las desventuras de Micky 'Swifty', un adolescente sin trabajo. Publicado originalmente en “2000 AD” # 468 a 499, en 1986, “Sooner or Later” sigue siendo tan vigente hoy como lo fue hace 30 años. Porque el desempleo sigue existiendo y todavía es un problema grave (un vistazo a España sería suficiente para demostrar la validez de esta premisa). Y si es cierto que el trabajo dignifica al hombre, entonces sería fácil entender lo enervante y humillante que puede ser para cualquier hombre o mujer, independientemente de su edad o país de origen, estar sin trabajo durante tantos meses.![]() |
McCarthy's extravagant designs / los extravagantes diseños de McCarthy |
Mark Kardwell explicó adecuadamente la génesis de esta serie en el prólogo de The Best of Milligan & McCarthy: “¿Recordáis el Reino Unido en la década de 1980? Los tiempos eran sombríos: Thatcher desmantelaba el patrimonio industrial del país [...] En 1986, ‘Sooner or Later’ mostraría la empatía del equipo Milligan / McCarthy hacia los desvalidos, con el Swiftiano viaje de Micky a través de un paisaje muy familiar para cualquiera que tuviese la mala suerte de ser joven y desempleado, y de estar viviendo en la Gran Bretaña de Thatcher”.
Swifty, el protagonista, ni siquiera se da cuenta de lo mal que están las cosas. Mientras camina por las empobrecidas calles de Camden, no presta atención a su entorno: granujas de medio pelo roban neumáticos de los coches, los punks callejeros se emborrachan, los skinheads atacan a la gente, las putas satisfacen manualmente a sus clientes justo al lado del centro de trabajo y así sucesivamente. No es una simple coincidencia que Alan Moore, Neil Gaiman, Grant Morrison y Peter Milligan, entre muchos otros creadores británicos, estuviesen en contra de Margaret Thatcher. En lugar de reactivar la economía, la Dama de Hierro parecía decidida a arruinar al Reino Unido.
Swifty y Clinton, su mejor amigo, hablan de sus perspectivas laborales con su fuerte acento cockney: "Se busca idiotas que quieran desperdiciar toda su vida trabajando en la fábrica local para ganar una miseria. Se dará ventaja a los más desesperados", dicen. Pero ellos están verdaderamente desesperados. Estos muchachos viven en un perpetuo estado de frustración. De hecho, Swifty ni siquiera puede conseguir una cita, e incluso si lo hiciera, igual necesitaría algunas monedas. Un negocio propio tampoco es una posibilidad realista, ya que haría falta dinero que ninguno de ellos tiene. Es como un círculo vicioso: no hay trabajo, no hay vida sexual, no hay dinero, no hay sueños.
Y de repente, las cosas cambian: Swifty es transportado hacia el futuro y obligado a entretener a un acaudalado sujeto fascinado por los chiquillos del siglo XX. El enérgico adolescente se rebela y finalmente escapa. Pero no puede regresar a casa, ya que los viajes en el tiempo son muy caros. “Necesito un trabajo para conseguir el dinero para volver al Camden de 1988”, afirma. Irónicamente, pronto descubre que en el futuro el desempleo abunda. El desempleo y el hambre. A consecuencia de ello, él termina tomando por asalto las Montañas de la comida con un grupo de parias. Seguramente su única buena experiencia es bailar con Sharon, una hermosa chica que no parece preocuparse por su falta de dinero, y que lo invita a una fiesta increíble en el siglo XXX.
Sin embargo, después de su encuentro con el Encuentra-Trabajos, que amenaza con entrevistarlo hasta la muerte, a Swifty le ofrecen una oportunidad única. No se trata de cualquier tipo de empleo, es El Empleo: un puesto en el consejo de las autoridades que controlan toda la nación. Este giro argumental permite que Milligan exprese su descontento con las figuras políticas en general.![]() |
What will be Swifty's future? / ¿Cuál será el futuro de Swifty? |
¿La política se ha convertido en un sinónimo de mentira, traición y corrupción? Aquí, el poder político es una farsa. Un caníbal se alía a Swifty, después de todo, para este individuo, comer y matar a otros hombres es muy similar a lo que hacen los políticos comunes y corrientes. Y así comienza la campaña. Hay algunos momentos hilarantes, como la parodia del discurso presidencial. Por supuesto, Milligan se burla de los debates políticos típicos y ridiculiza a los así llamados expertos en ciencias políticas.
Contra todo pronóstico, Swifty gana las elecciones. “¡Ni una sola persona en todo el país tiene fe en tus habilidades!”, le anuncian. Pero a él no le importa un carajo, porque eso es lo mismo que le habían dicho en su época. Y ahora que está en una posición de poder, está dispuesto a demostrar que es digno de El Empleo. Así que decide visitar al consejo. “La reunión del consejo ha durado 500 años y todavía no termina”, alguien le explica. Nadie puede entrar en el edificio, pero usando toda su sabiduría callejera, el adolescente finalmente hace una entrada triunfal, sólo para descubrir que las máximas autoridades de la nación no son más que esqueletos polvorientos sentados en sillas oxidadas. Y aquello que los secretarios y asistentes consideraban órdenes indescifrables enviadas por el consejo en código Morse era, de hecho, el ruido producido por las máquinas del edificio.
Como de costumbre, los diseños extravagantes de Brendan McCarthy y su enfoque psicodélico enriquecen el guión de Milligan. McCarthy toma los conceptos más inverosímiles y los escenarios más extraños y hace que funcionen perfectamente. El futuro que vemos aquí es muy surrealista, lleno de color y de imágenes extravagantes, por esa razón Brendan McCarthy y Tony Riot eran el equipo artístico ideal para este proyecto.
En las páginas finales, Swifty es regresado al siglo XX, y descubre que sólo se ha ausentado por 2 días. Ahora él debe repetir su vieja rutina. Ir al centro de trabajo, tener horribles entrevistas laborales y ser rechazado una y otra vez. Pero él le cuenta a Clinton todo lo que hizo y vio en el futuro, y ahora sólo puede pensar en esa hermosa chica que lo invitó a la fiesta. Su amigo le pregunta “¿Cuándo vas a ir al futuro?”, Y Swifty responde lleno de esperanzas y con una gran sonrisa: “Oh, tarde o temprano”. Y sólo el lector sabe que el ingenuo chico sólo podrá llegar al futuro un día a la vez, dolorosa y tediosamente, y para empeorar las cosas, todavía estará buscando trabajo, sin éxito alguno.
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Hace 4 años fui al Centro Colich por primera vez, y desde ese entonces este acogedor espacio barranquino pasó a formar parte de mi lista de lugares imprescindibles del circuito artístico limeño. En buena medida, considero que el acierto de Lothar Busse, director del Centro Colich, ha sido alentar la presencia de artistas jóvenes. De hecho, muchos han presentado su primera muestra en los muros de esta casona.
Hace un par de semanas se inauguró la magnífica muestra “Hipnógrafos” de José Gabriel Alegría Sabogal, sin duda una de las mejores que he tenido la oportunidad de ver en el 2015. Además de tener un enorme talento, este artista se ha dedicado por completo a su pasión creadora, y el resultado son obras extraordinarias que rinden homenaje al maestro alemán Durero. Incluso la firma que acompaña cada uno de estos cuadros nos remite a la particular rúbrica del pintor renacentista.![]()
Aunque me gustaría incluir todos los cuadros en este post, por motivos de espacio solamente me limitaré a unos cuantos. Pero así eligiese uno solo, la calidad artística de la propuesta de José Gabriel Alegría Sabogal sería más que evidente. En primer lugar hay que valorar el acercamiento a la técnica del grabado, tal como la entendían Durero o Goya. Es cierto que actualmente se producen grabados interesantes dentro de los esquemas del arte contemporáneo, pero a menudo lo que se puede observar es una primacía excesiva del concepto en detrimento del trabajo en sí.
Por fortuna, lo que podemos ver en “Hipnógrafos” es una adecuada confluencia de conceptos bien planteados y una minuciosa labor pictórica. Personalmente, encuentro fascinante el retorno del imaginario renacentista, reelaborado y reinterpretado para la mirada postmoderna. Tenemos, entonces, escenas que bien podría haber dibujado Durero pero adaptadas al siglo XXI.
Entre los elementos recurrentes que más me han llamado la atención, estarían la muerte, representada mediante esqueletos y cráneos (en algunos casos, el artista de hecho incluye huesos de verdad en el cuadro); la desnudez que reanuda la vertiente tanática con la erótica (en varios cuadros, el miembro viril está en estado de erección mientras el sujeto en sí se encuentra desfalleciente), los insectos (tema también común para Durero), la arquitectura y los mensajes constantes escritos en una mezcla de latín clásico y algún extraño dialecto de las incipientes lenguas romances.
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When I was still in elementary school Judge Dredd was one of my favorite heroes. There was something special about this strict man obsessed with the law, and although back then I wasn’t aware of who wrote or drew the stories I enjoyed so much, I always had a special predilection towards Brian Bolland. I honestly can’t remember when I started noticing his name, but he used to illustrate a great deal of covers, and I remember I would always look for his signature and his characteristic inverted ‘N’ that has become his trademark.
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Judge Death / Juez Muerte |
So in many ways, I learnt to identify different artistic styles thanks to Brian Bolland and the rest of the wonderful pencilers and inkers that were in charge of Judge Dredd. In recent decades, Bolland has become famous as one of the best cover artists in the industry, but for some reason he has stopped doing interior art. Of course, that was not the case back in 1980 when Judge Death and Judge Anderson would make their first appearance on the pages of 2000 AD progs 149 – 151 (in 1981, Bolland would return for the sequel “Judge Death Lives” published in 2000 AD progs 224–228). Both of these Judge Death stories would also be reprinted in full color (courtesy of John Burns) for the American market in the 80s.
Although most of the Judge Dredd adventures are firmly inserted in a post-apocalyptical future and are, therefore, sci-fi oriented, British writer John Wagner never forgot that comic books are the ideal medium to effortlessly combine sci-fi and fantasy. Indeed, these two genres are always separated when it comes to novels, but in comic books there is nothing more common than to see arcane magic and advanced technology coexisting in the same page. And this is exactly what happens in the “Judge Death” saga.
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Judge Anderson |
Perhaps Dredd’s first supernatural adversary, Judge Death is a lifeless creature with the ability to kill everyone he touches. He comes from a parallel dimension in which the judges came to a ghastly conclusion: all crimes are committed by the living, therefore, life itself is a crime. Dredd alone cannot defeat Death, and so he must ask Judge Anderson, the most talented member of the Psi Division, to help him. Judge Cassandra Anderson is Dredd’s antithesis, and I think that is precisely why the readers immediately fell in love with her. She rarely covers her face, unlike Dredd who has never showed his face in over 36 years. She is lively, enthusiastic and open-minded, whereas Dredd is stern, realistic and rigid.
Obviously, she also displays a delightful sense of humor. When they meet for the first time, Anderson reads Dredd’s mind and affirms that he can’t hide his “guilty secrets” from a telepath. Dredd reply is blunt and to the point: “I have no guilty secrets”. That seemingly innocent moment will mark the beginning of Anderson’s subtle flirtations towards Mega-City One’s greatest judge. In fact, a few pages later, Anderson touches Dredd to psychically shield him, and Dredd complaints by asking “Is this absolutely necessary?”.
In the battle against Judge Death, Anderson acts even more heroically than Dredd himself. She is willing to sacrifice her life in order to imprison Death’s mind inside her body. Fortunately, in “Judge Death Lives” Anderson comes back to life, after all, turns out she was only in a state of suspended animation. This time, however, Judge Death is reunited with his 3 sinister allies: Fire, Fear and Mortis. Together, the four Dark Judges (like the Four Horsemen of the Apocalypse) would kill hundreds of Mega-City One citizens, until Dredd and Anderson finally figure out how to stop them. ![]() |
Judge Anderson: dead or alive? / la Jueza Anderson: ¿viva o muerta? |
Brian Bolland’s art is breathtakingly gorgeous. Highly detailed, beautifully balanced and harmonically designed, each one Bolland’s pages set an artistic precedent that very few of his colleagues could surpass. With a unique sense of sequential structure, Bolland always knew how to depict the movement and inner conflicts, from the protagonists to the most insignificant characters. It’s always such an immense joy to behold his panels; everything that makes the 9th art so great can be found there. Bolland’s imagination and visual creativity are unparalleled, and although many can be astonished by his perfectionism and his precise brush, what surprises me the most is that even in 1980 he was already aware of his duty as an artist. Instead of rushing out to meet a deadline he would devote as much time as possible to his work. And that is one of the reasons why we can’t stop admiring him: because of his complete commitment to art. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Cuando todavía estaba en primaria, Judge Dredd era uno de mis héroes favoritos. Había algo especial en este estricto hombre obsesionado con la ley, y aunque en ese entonces no era consciente de quién escribía o dibujaba las historias que tanto disfrutaba, siempre tuve una especial predilección por Brian Bolland. Honestamente, no puedo recordar cuando empecé a notar su nombre, pero él solía ilustrar una gran cantidad de portadas, y recuerdo que buscaba siempre su firma y su característica ‘N’ invertida, que se convertiría en su marca personal.![]() |
Fear, Fire & Mortis |
Así que, en cierto modo, aprendí a identificar diferentes estilos artísticos gracias a Brian Bolland y el resto de los maravillosos dibujantes y entintadores que estaban a cargo de Juez Dredd. En las últimas décadas, Bolland se ha hecho famoso como uno de los mejores portadistas de la industria, pero por alguna razón ha dejado de hacer arte interior. Por supuesto, ese no era el caso en 1980 cuando el Juez Muerte y la Jueza Anderson hacían su primera aparición en las páginas de 2000AD 149 a 151 (en 1981, Bolland volvería para la secuela "El Juez Muerte está vivo", publicada en 2000AD 224 a 228). Estas dos historias de Juez Muerte serían reeditadas a todo color (cortesía de John Burns) para el mercado de Estados Unidos en los años 80.
Aunque la mayoría de las aventuras de Juez Dredd están firmemente insertadas en un futuro post-apocalíptico y son, por lo tanto, de pura ciencia-ficción, el escritor británico John Wagner nunca olvidó que los cómics son el medio ideal para combinar sin esfuerzo la ciencia ficción y la fantasía. De hecho, estos dos géneros siempre están separados cuando se trata de novelas, pero en los cómics no hay nada más común que ver la magia arcana y la tecnología avanzada coexistiendo en la misma página. Y esto es exactamente lo que sucede en la saga de "El Juez Muerte".![]() |
Victims of the Dark Judges / las víctimas de los Jueces Oscuros |
Tal vez el primer adversario sobrenatural de Dredd, el Juez Muerte es una criatura sin vida con la capacidad de matar a todos los que toca. Él viene de una dimensión paralela en la que los jueces llegaron a una conclusión espeluznante: todos los delitos son cometidos por los vivos, por lo tanto, la vida misma es un crimen. Dredd por sí solo no puede derrotar a Muerte, y por ello debe pedirle ayuda a la Jueza Anderson, la integrante más talentosa de la División Psi. La Jueza Cassandra Anderson es la antítesis de Dredd, y creo que precisamente por eso los lectores de inmediato se enamoraron de ella. La jueza rara vez se cubre el rostro, a diferencia de Dredd que nunca ha mostrado su cara en más de 36 años. Ella es vivaz, entusiasta y de mente abierta, mientras que Dredd es severo, realista y rígido. ![]() |
Facing Death / enfrentándose a Muerte |
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the final battle / la batalla final |
Obviamente, ella también muestra un gran sentido del humor. Cuando se encuentran por primera vez, Anderson lee la mente de Dredd y afirma que él no puede ocultarle sus "culposos secretos" a una telépata. La respuesta de Dredd es contundente y al grano: "no tengo secretos culposos". Ese momento, aparentemente inocente, marcará el comienzo de un coqueteo sutil de parte de Anderson que el mayor juez de Mega-City One preferirá ignorar. De hecho, unas páginas más adelante, Anderson toca a Dredd para protegerlo psíquicamente y Dredd se queja preguntando "¿Es esto absolutamente necesario?".
En la batalla contra el Juez Muerte, Anderson actúa aún más heroicamente que Dredd. Ella está dispuesta a sacrificar su vida con el fin de aprisionar la mente de Muerte dentro de su cuerpo. Afortunadamente, en "El Juez Muerte está vivo" Anderson revive, después de todo, resulta que ella sólo estaba en estado de animación suspendida. Esta vez, sin embargo, el Juez Muerte se reúne con 3 siniestros aliados: Fuego, Miedo y Mortis. Juntos, los cuatro jueces oscuros (como los cuatro jinetes del Apocalipsis) matarán a cientos de ciudadanos de Mega-City One, hasta que Dredd y Anderson finalmente encuentran la manera de detenerlos.
El arte de Brian Bolland es de una belleza sobrecogedora. Altamente detalladas, muy bien balanceadas y armónicamente diseñadas, cada una de las páginas de Bolland establecen un precedente artístico que muy pocos de sus colegas podrían superar. Con un sentido único de la estructura secuencial, Bolland siempre supo cómo retratar el movimiento y los conflictos internos, desde los protagonistas a los personajes más insignificantes. Estas viñetas son siempre una inmensa alegría para los ojos; todo lo que hace que el noveno arte sea tan grandioso puede encontrarse allí. La imaginación de Bolland y su creatividad visual son incomparables, y aunque muchos se pueden asombrar por su perfeccionismo y por la precisión de su pincel, lo que más me sorprende es que incluso en 1980 él ya era consciente de su deber como artista. En lugar de apresurarse para cumplir con los plazos de entrega, él dedicaba tanto tiempo como le era posible a su trabajo. Y esa es una de las razones por las que no podemos dejar de admirarlo: por su compromiso total con el arte.
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“Life imitates art far more than art imitates life” seems to be the sort of literary paradox one runs into quite often, either as a reader or a writer. However, when Oscar Wilde wrote about art and life in the 19th century, he wasn’t probably thinking about the implications such a phrase would have in the 21st century.
British author Alan Moore has taken advantage of his encyclopedic knowledge of horror literature, reinterpreting the works of H.P. Lovecraft. Abridging the gap between centuries, Moore reunites the highest exponents of horror and fiction from the past, with the disturbing reality of today’s world.
As we saw in “The Courtyard”, FBI agent Aldo Sax was investigating a series of macabre murders. At first he thinks of logical explanations to make sense of these homicides. He takes into consideration the presence of a satanic cult, a new underground drug and the mysterious figure of Johnny Carcosa. However, when Sax and Carcosa meet in a lugubrious courtyard, something supernatural occurs. Carcosa speaks with Sax in Aklo, an antediluvian inhuman language. Such is the power of this unearthly language that Sax loses his mind, and starts killing people using the same modus operandi of the crimes he was investigating in the first place.
“At the Mansions of Madness”, the first chapter of Alan Moore’s Neonomicon, begins with the investigation of two FBI agents: Merril Brears and Gordon Lamper. After interrogating Aldo Sax, they decide to look for Johnny Carcosa in the sinister Club Zothique. The Federal Bureau of Investigation has assembled a team of experts to finally solve what seems to be an impossible case.
After raiding the club, Merril Brears and Gordon Lamper arrive to Johnny Carcosa’s house. There they find the corpse of a monstrous woman with a slit throat; some of the officers make a conjecture: she must be Carcosa’s mother. Except that she doesn’t seem to belong to this world. Nor does Carcosa, an individual who has never showed his face to anyone. There is a fascinating moment when agent Merril is about to capture Carcosa. She follows him to a creepy mural in the courtyard, a mural painted in such a way that suggests a third dimension in what is, in fact, a flat wall. Johnny Carcosa stands there and he turns into a drawing inside the mural. Merril and the rest of the agents are absolutely shocked when they touch the mural and find nothing but paint and dust.![]()
The line between reality and fiction is blurred. And this is how it’s meant to be when one writes about Lovecraft. After all, for years, readers suspected that there was an unpublished book written by Lovecraft and titled “Necronomicon”, at the same time, occultists got obsessed with the figure of the American writer, to a point in which fiction started to be considered as reality, life was imitating art after all.![]() |
Carcosa's mother is dead / la madre de Carcosa está muerta |
Nonetheless, in “The Shadow Out of America”, Moore proposes just the opposite. Art imitates life. Everything that has happened in the The Courtyard was linked to Lovecraftian literature. This becomes evident for Merril, who studied 19th century writers in her university years. Every clue in this case has a literary equivalent. And after a while she detects the presence of writers such as Ambrose Bierce, Robert Chambers, Clark Ashton Smith and Arthur Machen, amongst others. “They were all writers who sort of influenced each other. They referred to each other’s works […] It can’t all be coincidence”, explains the FBI agent. And she’s right. Dozens of writers influenced H.P. Lovecraft, in the same way that Lovecraft influenced Alan Moore and an entire generation of contemporary writers.
Merril and Gordon follow a lead to Salem, Massachusetts. There they find a group of pornographers obsessed with the Cthulhu Mythos and the Necronomicon. In an undercover mission, agent Gordon is killed and Merril is captured; consequently she is sexually abused first by men and later on she is raped by a creature that no one else on Earth has ever seen. Barely able to survive this traumatic experience, Merril discovers how to communicate with the monster in “The Language at the Threshold”.
Despite the disturbing scenes (many of which stirred quite a controversy in 2010, when this miniseries was originally published), Alan Moore plays with the intuition of the reader. He lets us guess what lies beneath the surface. Even if there is gore, blood and sexual violence, there are far more terrible and otherworldly things concealed from the human eye. This is a fundamental idea in Lovecraft’s narrative. The notion that the real horror is of a cosmic nature, it’s all around us and is as vast as the universe and as old as the planet itself. “That is not dead which can eternal lie. And with strange aeons even death may die”. Death, of course, has little meaning in the great scheme of the Lovecraftian saga. And Merril understands all this in “The Lurker Within”.![]() |
Johnny Carcosa goes to another dimension / Johnny Carcosa se va a otra dimensión |
This captivating 4-issue miniseries counts again with artist extraordinaire Jacen Burrows. His exquisite compositions and his love for details enhance the complexity of Moore’s scripts. It really is necessary to take a pause and admire each page carefully, because there are hidden clues and unsettling graphic components in every panel. The astonishing creative team of Moore and Burrows is responsible for the darkest and most sinister Avatar limited series I’ve ever read. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________![]() |
the orgy begins / comienza la orgía |
“La vida imita al arte mucho más que el arte imita a la vida” pareciera ser el tipo de paradoja literaria que uno encuentra con bastante frecuencia, ya sea como lector o escritor. Sin embargo, cuando Oscar Wilde escribió sobre el arte y la vida en el siglo XIX, probablemente no estaba pensando en las implicaciones que tal frase tendría en el siglo XXI.
El autor británico Alan Moore ha aprovechado su conocimiento enciclopédico de la literatura de terror, reinterpretando las obras de H.P. Lovecraft. Cerrando la brecha entre siglos, Moore reúne a los más altos exponentes del terror y la ficción del pasado, con la inquietante realidad del mundo de hoy.
Como vimos en “The Courtyard”, el agente del FBI Aldo Sax estaba investigando una serie de asesinatos macabros. Al principio, él piensa en explicaciones lógicas para darle sentido a estos homicidios. Considera la presencia de un culto satánico, una nueva y poco conocida droga, y la misteriosa figura de Johnny Carcosa. Sin embargo, cuando Sax y Carcosa se encuentran en un lúgubre patio, algo sobrenatural ocurre. Carcosa habla con Sax en Aklo, un lenguaje inhumano antediluviano. Tal es el poder de este lenguaje sobrenatural que Sax pierde la cordura, y comienza a asesinar personas con el mismo modus operandi de los crímenes que estaba investigando en primer lugar.![]() |
Merril is captured / Merril es capturada |
“En las mansiones de la demencia”, primer capítulo de Neonomicon de Alan Moore, comienza con la investigación de dos agentes del FBI: Merril Brears y Gordon Lamper. Después de interrogar a Aldo Sax, deciden buscar a Johnny Carcosa en el siniestro Club Zothique. La Oficina Federal de Investigaciones ha reunido a un equipo de expertos a fin de resolver lo que parece ser un caso imposible.
Después de una redada en el club, Merril Brears y Gordon Lamper llegan a la casa de Johnny Carcosa. Allí encuentran el cadáver de una mujer monstruosa con la garganta cortada; algunos de los oficiales hacen una conjetura: ella debe ser la madre de Carcosa. Sólo que ella no parece pertenecer a este mundo. Tampoco Carcosa, una persona que nunca ha mostrado su cara. Hay un momento fascinante cuando la agente Merril está a punto de capturar a Carcosa. Ella lo sigue a un mural espeluznante en el patio, un mural pintado de una manera que sugiere una tercera dimensión en lo que es, de hecho, una pared plana. Johnny Carcosa se queda de pie allí y se convierte así en un dibujo al interior del mural. Merril y el resto de los agentes quedan absolutamente sorprendidos cuando tocan el mural y no encuentran nada más que pintura y polvo.
La línea entre la realidad y la ficción se vuelve borrosa. Y así es como se supone que debe ser cuando uno escribe sobre Lovecraft. Después de todo, durante años, los lectores sospechaban que había un libro inédito escrito por Lovecraft y titulado “Necronomicon”, al mismo tiempo, los ocultistas se obsesionaron con la figura del escritor norteamericano, a tal punto que la ficción comenzó a ser considerada como realidad, la vida estaba imitando al arte después de todo.![]() |
Lovecraft's parallel dimensions / las dimensiones paralelas de Lovecraft |
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an FBI agent versus a monster / una agente del FBI versus el monstruo |
Sin embargo, en “La sombra de América”, Moore propone todo lo contrario. El arte imita la vida. Todo lo que ha sucedido en “The Courtyard” estaba vinculado a la literatura de Lovecraft. Esto resulta evidente para Merril, que estudió a los escritores del siglo XIX en sus años universitarios. Cada pista en este caso tiene un equivalente literario. Y en poco tiempo se detecta la presencia de escritores como Ambrose Bierce, Robert Chambers, Clark Ashton Smith y Arthur Machen, entre otros. “Todos ellos eran escritores que de algún modo ejercían influencias entre sí. Hacían referencias a las obras de los demás [...] No todo puede ser coincidencia”, explica la agente del FBI. Y tiene razón. Decenas de escritores influenciaron a H.P. Lovecraft, de la misma manera que Lovecraft ha influenciado a Alan Moore y a toda una generación de escritores contemporáneos.
Merril y Gordon siguen una pista hasta Salem, Massachusetts. Allí encuentran a un grupo de pornógrafos obsesionados con los Mitos de Cthulhu y el Necronomicon. En esta misión secreta, el agente Gordon es asesinado y Merril es capturada; en consecuencia, ella es abusada sexualmente primero por hombres y luego es violada por una criatura que nadie más en la Tierra ha visto jamás. Apenas capaz de sobrevivir a esta experiencia traumática, Merril descubre cómo comunicarse con el monstruo en “El lenguaje en el Umbral”.
A pesar de las escenas perturbadoras (que causaron toda una polémica en el 2010, cuando esta miniserie fue publicada originalmente), Alan Moore juega con la intuición del lector. Él nos permite adivinar lo que hay debajo de la superficie. Incluso si hay tripas derramadas, sangre y violencia sexual, hay mucho más cosas terribles y monstruosas ocultas al ojo humano. Esta es una idea fundamental en la narrativa de Lovecraft. La idea de que el verdadero horror es de naturaleza cósmica, está a nuestro alrededor y es tan vasto como el universo y tan antiguo como el propio planeta. “No está muerto aquello que puede yacer eternamente. Y en extraños eones, incluso la muerte podría morir”. La muerte, por supuesto, tiene poco significado en el gran esquema de la saga Lovecraftiana. Y Merril comprende todo esto en “El que acecha desde dentro”.![]() |
a creature worthy of Lovecraft / una criatura digna de Lovecraft |
Esta cautivante miniserie de 4 números cuenta nuevamente con el extraordinario artista Jacen Burrows. Sus exquisitas composiciones y su amor por los detalles complementan la complejidad de los guiones de Moore. Realmente es necesario tomar una pausa y admirar cada página con cuidado, porque hay pistas ocultas y componentes gráficos inquietantes en cada viñeta. El asombroso equipo creativo de Moore y Burrows es responsable de la serie limitada más oscura y siniestra de Avatar.
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If “Memory Cloud” was a narrative milestone, then “Century” (published in Planetary # 13, February 2001) is the beginning of a new chapter, one that effortlessly combines the revelations of the present with the secrets of the past.
Warren Ellis has already revealed the truth: Elijah Snow is the Fourth Man. And in the pages of “Century” we finally have access to the missing pieces of the puzzle. Everything begins in 1919, when Snow finds a town that does not appear in any map. In that town there is an abandoned castle, and inside that castle there are dormant horrors awaiting for him.
Artist John Cassaday rescues the alluring characteristics of old horror movies from the 30s and 40s, conveying all this cinematographic magic in striking pages and beautiful panels. Baron Von Frankenstein’s lab, for instance, is a haunting image of sublime beauty; it is so appealing because in addition to an enormous amount of detail, it also includes a thorough reconstruction of Frankenstein’s labs from different movies, turning all of them into a unique and coherent artistic expression.
However, in this new version, Frankenstein didn’t produce just one creature but rather an undetermined number of deformed monsters. Elijah Snow must fight and defeat all of them in order to get to the castle’s library. This sequence, superbly illustrated by Cassaday, combines silent moments with outbursts of violence. In the library, there is a secret map of the world, a map that includes all the uncanny, supernatural and otherworldly findings that a will be investigated by the Archeologists of the Impossible a century later.![]() |
Frankenstein's lab / el laboratorio de Frankenstein |
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the monsters are now awake / ahora los monstruos están despiertos |
It is thanks to this map that Elijah Snow discovers an ancient conspiracy, and he decides to visit one of these conspirators: Sherlock Holmes. And that’s the beginning of one of my favorite moments. Elijah Snow explains to the world’s greatest detective how he was able to track him down. Snow was aware of the existence of John Carter (the Edgar Rice Burroughs hero that visited Mars), Dr. Griffin (the Invisible Man from the H.G. Wells novel), Robur the Conqueror (a Jules Verne creation) and Carnacki (the ghost-finder) and his Sigsand Manuscript (both created by William Hope Hodgson). In the same way that Alan Moore reunited the protagonists of 19th century novels in “The League of Extraordinary Gentlemen”, Ellis explores this marvelous concept, making a few adjustments and modifications to these well-known adventurers.
Sherlock Holmes is under the protection of Count Dracula, but Snow finds the way to defeat the vampire. Then, and only then, Holmes explains how the conspiracy began: “we, the extraordinary, were conspiring to make the world better […] It was our hope to bring our minds to bear upon the problems of human society and construct a brave new world from the remnants of the old”. But as it so often happens, despite their good intentions they eventually forgot their true purpose.
In the end, Sherlock Holmes and Elijah Snow reach an agreement. Holmes will become Snow’s mentor, instructing him in his methods. Decades later, Snow would explain more about this deal: “And so it was that I studied with the world’s greatest detective for five years, until he finally died of old age. To his disgust, I never got rid of the accent in his lifetime. It took another ten years of walking across the world to do that. But I never lost my love of the secrets. And I don’t think I ever will”.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Si “Nube de memorias” fue un hito narrativo, entonces “Siglo” (publicado en Planetary # 13, febrero de 2001) es el comienzo de un nuevo capítulo, que combina sin esfuerzo las revelaciones del presente con los secretos del pasado.![]() |
the fight begins / comienza la pelea |
Warren Ellis ya ha revelado la verdad: Elijah Snow es el Cuarto Hombre. Y en las páginas de “Siglo” por fin tenemos acceso a las piezas faltantes del rompecabezas. Todo comienza en 1919, cuando Snow encuentra un pueblo que no aparece en ningún mapa. En esa pueblo hay un castillo abandonado, y al interior del castillo hay horrores que hibernan a la espera de su llegada.
El artista John Cassaday rescata las atractivas características de las viejas películas de terror de los años 30 y 40, transmitiendo toda esta magia cinematográfica en páginas llamativas y hermosas viñetas. El laboratorio del Barón Von Frankenstein, por ejemplo, es una imagen inquietante de belleza sublime; es tan atractivo porque, además de la enorme cantidad de detalles, también incluye una reconstrucción minuciosa de los laboratorios de Frankenstein de diferentes películas, convirtiéndolos a todos en una expresión artística única y coherente.
Sin embargo, en esta nueva versión, Frankenstein no produjo sólo una criatura, sino más bien un número indeterminado de monstruos deformes. Elijah Snow debe luchar y derrotarlos con el fin de llegar a la biblioteca del castillo. Esta secuencia, magníficamente ilustrada por Cassaday, combina momentos de silencio con estallidos de violencia. En la biblioteca hay un mapa secreto del mundo, un mapa que incluye todos los hallazgos misteriosos, sobrenaturales y cósmicos que serán investigados por los Arqueólogos de lo Imposible un siglo después.![]() |
Sherlock Holmes & Dracula |
Es gracias a este mapa que Elijah Snow descubre una antigua conspiración, y decide visitar uno de estos conspiradores: Sherlock Holmes. Y ese es el comienzo de uno de mis momentos favoritos. Elijah Snow le explica al mejor detective del mundo cómo fue capaz de seguirle la pista. Snow era consciente de la existencia de John Carter (el héroe de Edgar Rice Burroughs que visitó Marte), el Dr. Griffin (el hombre invisible de la novela de H.G. Wells), Robur el Conquistador (una creación Jules Verne) y Carnacki (el busca-fantasmas) y su Manuscrito Sigsand (ambos creados por William Hope Hodgson). De la misma manera que Alan Moore reunió a los protagonistas de las novelas del siglo XIX en “La Liga de los Caballeros Extraordinarios”, Ellis explora este maravilloso concepto, haciendo algunos ajustes y modificaciones a estos famosos aventureros.
Sherlock Holmes se encuentra bajo la protección del Conde Drácula, pero Snow encuentra la forma de derrotar al vampiro. Entonces, y sólo entonces, Holmes explica cómo comenzó la conspiración: "nosotros, los extraordinarios, estábamos conspirando para hacer de este un mundo mejor [...] Era nuestra esperanza utilizar nuestras mentes para aliviar los problemas de la sociedad humana y construir valientemente un nuevo mundo a partir de los restos del antiguo". Pero como sucede a menudo, a pesar de sus buenas intenciones eventualmente ellos olvidaron su verdadero propósito.Al final, Sherlock Holmes y Elijah Snow llegan a un acuerdo. Holmes se convertirá en el mentor de Snow, instruyéndolo en sus métodos. Décadas más tarde, Snow explicará más sobre este acuerdo: "Y así fue que estudié con el mejor detective del mundo durante cinco años, hasta que finalmente murió de viejo. Para su disgusto, nunca me deshice del acento en ese lustro. Me tomó otros diez años de caminar por todo el mundo para lograrlo. Pero nunca perdí mi amor por los secretos. Y creo que jamás lo perderé".
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For the past few years, May has been Marvel’s month, so let’s talk about Joss Whedon’s Avengers: Age of Ultron (2015). I had high expectations, but I can’t say I’m 100% satisfied. This sequel is, indeed, a very entertaining and action-packed blockbuster, but it focuses too much on especial effects and neglects character development. My favorite moments are the party in which everyone takes turns to lift Thor’s hammer and the sequence in Hawkeye’s house. Fortunately, the cast is still as impressive as in the first installment: Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Captain America), Mark Ruffalo (Hulk), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Black Widow), Jeremy Renner (Hawkeye), Aaron Taylor-Johnson (Quicksilver), etc.
Neil Burger directs Divergent (2014), based on Veronica Roth’s novel. In a society in which all teenagers are forced to leave their families, Shailene Woodley (The Spectacular Now) must decide what path to take. She chooses the Dauntless House and that’s how the adventure of a lifetime begins. I love the idea of this dystopian future in which everything has changed, and I also enjoyed the mild political elements interweaved in the narrative. Of course, there are some very memorable sequences. And the cast includes promising young actors such as Miles Teller (Whiplash) and Ansel Elgort. I can’t wait to see the sequel.
By age 21 Xavier Dolan had already proved he was a genius filmmaker with Les Amours Imaginaires (2010). Mommy (2014), written and directed by Dolan is another example of his talent. In an alternative future, Canada has turned into a repressive country in which parents are forced to put their children into special institutions so that they can be constantly under control. Anne Dorval, however, is a very atypical mother that lover her 15-year-old son Antoine-Olivier Pilon. She loves him so very much, in fact, that one could say they have a rather incestuous relationship. Dolan audaciously explores the teenager’s sexuality, from his masturbatory urges to his constant need to touch his mother, even inappropriately. Furthermore, we also get to see the suffering of a single woman who barely manages to survive after losing her crappy job. There are moments of brutal violence between mother and son, but also inspiring and heartfelt scenes that confer an unprecedented level of humanity to these deranged characters. Truly of one of the best films of 2014.
Lars von Trier surprised me with Nymphomaniac Vol. I, and he does it again with Nymphomaniac Vol. II (2013). This time Charlotte Gainsbourg eagerly explores her sadomasochistic tendencies while confronting the difficulties of being a sex addict. Black humor, shocking scenes and clever ideas add value to this erotic production. The cast includes Shia LaBeouf (Bobby), Willem Dafoe (4:44 Last Day on Earth) and Jamie Bell (Billy Elliot).
Jaume Collet-Serra’s Non-Stop (2014) is full of suspense and unsettling circumstances since the opening sequence. Liam Neeson must protect the lives of the passengers in an airplane targeted by terrorists. This one kept me at the edge of my seat. And absolutely I loved to see Julianne Moore (Far From Heaven) in it.
Winter’s Tale (2014) was a big disappointment. Not even a good cast can save this one: Colin Farrell (Fright Night), Jennifer Connelly (Dark City), Finn Wittrock (American Horror Story: Freak Show), etc.
Seth MacFarlane is the writer, director and protagonist of A Million Ways to Die in the West (2014) a very funny comedy about the Old West. What can I say? I always appreciate a bit of vulgarity and bad taste jokes. The cast includes Charlize Theron (The Burning Plain), Liam Neeson and Giovanni Ribisi.
Spike Jonze left me in awe with his Scenes from the Suburbs, and Her (2013) was an outstanding creative exercise that revolves around the impossibility of committing to a relationship. Joaquin Phoenix is a lonely man who falls in love with a computer program, but as pathetic as his life may seem, it’s only a reflection of the depressing future he lives in. The cast includes Amy Adams (American Hustle) and Chris Pratt.
Submarine (2010) is Richard Ayoade’s directorial debut: a fascinating coming of age tale about an awkward teen (Craig Roberts) who tries to find love (or a quick shag) in high school while trying to prevent his parents’ marriage from falling apart. Slightly experimental, very original and extravagant in a good sense, Submarine is a wonderful voyage through the turbulent seas of adolescence. I really recommend it.
Terry Loane’s Mickybo and Me (2004) is a poignant and heartbreaking chronicle about friendship and the horrors of war. Two young Irish boys (John Joe McNeill and Niall Wright) run away from home, trying to emulate their heroes Butch Cassidy and the Sundance Kid. Loane combines the innocence of childhood with the devastation of a war the kids cannot understand. The ending is really moving and unforgettable.
The Shawshank Redemption (1994), directed by Frank Darabont, is an amazing adaptation of a Stephen King’s short story. Tim Robbins is a banker who goes to jail accused of a crime he didn’t commit. There he befriends Morgan Freeman, and as the years go by, he earns the respect of everyone around him. The way he escapes totally blew my mind.
Steven Spielberg’s E.T. the Extra-Terrestrial (1982) is a wonderful all-ages production. Spielberg effortlessly captures the essence of magic, as seen through the eyes of children; and creates a charming story about first encounters, tender aliens and clever kids. Every element here works brilliantly: the cinematography, the music and the acting (Henry Thomas, Robert MacNaughton and Drew Barrymore had very good performances). An undisputed classic from the 80s, E.T. continues to be one of those movies you must see at least twice.
Return of the Living Dead II (1988) is a hilarious comedy about reanimated corpses that want nothing else but to devour the brains of living people. If you want to laugh at zombies you should check this out.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En los últimos años, mayo ha sido el mes de Marvel, así que hablemos de “Avengers: Age of Ultron” (2015) de Joss Whedon. Tenía bastantes expectativas, pero no puedo decir que estoy 100% satisfecho. Esta secuela es, de hecho, un éxito de taquilla muy entretenido y lleno de acción, pero se centra demasiado en los efectos especiales y descuida el desarrollo de los personajes. Mis momentos favoritos son la fiesta en la que todos se turnan para levantar el martillo de Thor y la secuencia en la casa de Hawkeye. Afortunadamente, el elenco sigue siendo tan impresionante como en la primera entrega: Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Captain America), Mark Ruffalo (Hulk), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Black Widow), Jeremy Renner (Hawkeye), Aaron Taylor-Johnson (Quicksilver), etc.
Neil Burger dirige “Divergent” (2014), basada en la novela de Veronica Roth. En una sociedad en la que todos los adolescentes se ven obligados a abandonar sus familias, Shailene Woodley (The Spectacular Now) debe decidir qué camino tomar. Ella elige la Casa de la Osadía y así es como comienza la aventura de su vida. Me encanta la idea de este futuro distópico en el que todo ha cambiado, y también disfruté con los sutiles elementos políticos entrelazados en la narrativa. Por supuesto, hay algunas secuencias muy memorables. Y el reparto incluye a jóvenes actores tan prometedores como Miles Teller (Whiplash) y Ansel Elgort. Estoy impaciente por ver la continuación.
A los 21 años Xavier Dolan ya había demostrado que era un cineasta genial con Les Amours Imaginaires (2010). “Mommy” (2014), escrita y dirigida por Dolan, es otro ejemplo de su talento. En un futuro alternativo, Canadá se ha convertido en un país represivo en el que los padres se ven obligados a poner a sus hijos en instituciones especiales para que puedan estar constantemente bajo control. Anne Dorval, sin embargo, es una madre muy atípica que adora su hijo de 15 años, Antoine-Olivier Pilon. Ella lo ama muchísimo, de hecho, se podría decir que tienen una relación bastante incestuosa. Dolan explora audazmente la sexualidad del adolescente, desde sus urgencias masturbatorias hasta su constante necesidad de tocar a su madre, incluso de manera inapropiada. Además, también podemos observar el sufrimiento de una mujer soltera que apenas logra sobrevivir después de perder su empleo miserable. Hay momentos de violencia brutal entre madre e hijo, pero también escenas inspiradoras y llenas de emoción que confieren un nivel de humanidad sin precedentes a estos personajes trastornados. Una de las mejores películas del 2014, de verdad.
Lars von Trier me sorprendió con Nymphomaniac Vol. I, y lo logra nuevamente con “Nymphomaniac Vol. Vol. II” (2013). Esta vez Charlotte Gainsbourg explora con ansias sus tendencias sadomasoquistas mientras enfrenta las dificultades de ser una adicta al sexo. Humor negro, escenas impactantes e ideas ingeniosas agregan valor a esta producción erótica. El reparto incluye a Shia LaBeouf (Bobby), Willem Dafoe (4:44 Last Day on Earth) y Jamie Bell (Billy Elliot).
“Non-Stop” de Jaume Collet-Serra (2014) está llena de suspenso y circunstancias inquietantes desde la primera toma. Liam Neeson debe proteger la vida de los pasajeros en un avión amenazado por terroristas. “Non-Stop” me mantuvo en vilo. Y me encantó la participación de Julianne Moore (Far From Heaven).
“Winter’s Tale” (2014) fue una gran decepción. Ni siquiera se salva con un buen reparto: Colin Farrell (Fright Night), Jennifer Connelly (Dark City), Finn Wittrock (American Horror Story: Freak Show), etc.
Seth MacFarlane es el guionista, director y protagonista de “A Million Ways to Die in the West” (2014), una comedia muy divertida sobre el Viejo Oeste. ¿Qué puedo decir? Siempre es agradable ver algo de vulgaridad y bromas de mal gusto. El reparto incluye a Charlize Theron (The Burning Plain), Liam Neeson y Giovanni Ribisi.
Spike Jonze me dejó asombrado con su Scenes from the Suburbs, y “Her” (2013) es un ejercicio creativo sobresaliente que gira en torno a la imposibilidad de comprometerse en una relación. Joaquin Phoenix es un hombre solitario que se enamora de un programa de computadora, pero aunque su vida pueda parecer patética, es sólo un reflejo del futuro deprimente en el que vive. El reparto incluye a Amy Adams (American Hustle) y Chris Pratt.![]() |
my drawing (color version) / mi dibujo (versión a colores) |
“Submarine” (2010) es el debut como director de Richard Ayoade: un fascinante relato sobre lo difícil que es crecer centrado en un adolescente torpe (Craig Roberts) que trata de encontrar el amor (o el sexo) en la secundaria mientras intenta evitar que el matrimonio de sus padres se desintegre. Ligeramente experimental, muy original y extravagante en el buen sentido, “Submarine” es un viaje maravilloso a través de los mares turbulentos de la adolescencia. Realmente la recomiendo.
“Mickybo and Me” (2004) de Terry Loane es una conmovedora y desgarradora crónica sobre la amistad y los horrores de la guerra. Dos niños irlandeses (John Joe McNeill y Niall Wright) huyen de casa, tratando de emular a sus héroes Butch Cassidy y Sundance Kid. Loane combina la inocencia de la infancia con la devastación de una guerra que los chicos no pueden entender. El final es realmente conmovedor e inolvidable.
“The Shawshank Redemption” (1994), dirigida por Frank Darabont, es una asombrosa adaptación de un cuento de Stephen King. Tim Robbins es un banquero que va a la cárcel acusado de un crimen que no cometió. Allí se hace amigo de Morgan Freeman, y conforme pasan los años, se gana el respeto de todos a su alrededor. La forma en que se escapa me tomó por sorpresa.
“E.T. the Extra-Terrestrial” (1982), de Steven Spielberg, es una maravillosa producción para todas las edades. Spielberg captura sin esfuerzo la esencia de la magia, vista a través de los ojos de los niños; y crea una encantadora historia sobre los primeros encuentros, tiernos extraterrestres y niños muy listos. Todos los elementos aquí funcionan brillantemente: la cinematografía, la música y la actuación (Henry Thomas, Robert MacNaughton y Drew Barrymore tenían muy buenos papeles). Un clásico indiscutible de los 80s, E.T. continúa siendo una de esas películas que hay que ver al menos dos veces.
“Return of the Living Dead II” (1988) es una comedia hilarante sobre cadáveres reanimados que no quieren otra cosa que devorar los cerebros de los que están vivos. Si quieren reírse de los zombis véanla.
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“And thus we drafted pure and abstract blueprints, free from moral complications, and were architects of dreams”, explains Miracleman. Once the greatest hero of the world, Miracleman has finally embraced his status as a postmodern divinity in “Olympus” (originally published in Miracleman # 16, December 1989), Alan Moore’s final issue.
After defeating Johnny Bates, Miracleman knows that there is no force on Earth and perhaps in the entire galaxy that can subdue him. In many ways, the Olympus saga concluded in “Nemesis”, but this is a very necessary epilogue that wraps up Moore’s groundbreaking take on the superhero genre. In all my years as a comic book reader, I never thought I would find a proposal that could understand so well the roots of the superhero as an archetype, while at the same time exploring the structural fissures of a narrative that was at the risk of becoming stale and predictable before Moore and other British authors revitalized the industry.
Many readers consider “Watchmen” as the ultimate deconstruction of superheroes, however, the seminal series focuses more on the psychological aspects of masked vigilantes (in fact, save for Doctor Manhattan, there are no super-powered individuals in Watchmen); so, in a way, Moore’s Miracleman is the other side of the same coin. Here, Moore delves deep into the notion of power, and its superlative level. The superpower, then, is no longer a deus ex machina that makes it easier for the hero to save the world or escape from peril, but rather what defines and gives form to the superhuman protagonist.
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Olympus: Miracleman's home / el Olimpo, hogar de Miracleman |
In the 50s, Miracleman was a caped adventurer eager to fight against gaudy supervillains. In the hands of the British author, Miracleman is turned at first into a complex superhero, however, despite his flaws and inner conflicts, in the first chapters we still see him as a Superman or a Captain Marvel. Nonetheless, in subsequent chapters, this changes. At the beginning of the Olympus saga, Miracleman’s divine condition is first suggested and then made evident. As a god that reigns supreme in the heights of Mount Olympus, Miracleman dreams of the world of tomorrow: “I dream insignia, dream lightning flashes, planets, letters, stars […] I dream of cities that old futurists would weep with joy to see”.
Perhaps in the past there was something holding Miracleman down. Maybe his own humanity was his weakness. But now that he is no longer human he is absolute power, and there are no barriers, no limits for the things he can do: his first task is to arrange a meeting with England’s Prime Minister, Margaret Thatcher. In the reunion, Thatcher believes she is there to negotiate, to retain whatever little crumbs of power are still left on the table. However, she’s dealing with an unrelenting individual that has already proven his superiority. Humiliated and in shock, Margaret Thatcher leaves the room, knowing full well that she’ll never be an influential person again. I’m guessing that writing these pages must have been quite therapeutic for Moore (who has always been very open about his anti-Thatcher stance).![]() |
Totleben's fascinating architecture / la fascinante arquitectura de Totleben |
The next move is taking all nuclear devices and throwing them into the sun. A drastic measure that is explained in the United Nations, in front of leaders that realize how powerless they’ve become. Not satisfied with that, Miracleman decides to eliminate money: “Money is a promise, to redeem the cash of every bearer for its worth in gold or merchandise. An empty promise. Should we all demand at once redemption of our coins, we’d learn such wealth does not exist. Money’s imaginary […] Come summer, money won’t exist… but then, it never did”. Without money, urban crime disappears, but there are still other problems such as hunger and poverty in underdeveloped countries, organized crime, drug cartels and so on, Miracleman finds a way to deal with all that. Society undergoes a radical transformation. The world is no longer recognizable, but Miracleman pushes forward. He has major plans for humanity and he stops at nothing to accomplish them. The concepts developed afterwards are indeed the most delightful fruits that could be harvested from Alan Moore’s creative mind. ![]() |
the downfall of Margaret Thatcher / la derrota de Margaret Thatcher |
Miracleman alone would be enough of an accomplishment to consider Moore a genius, but what is even more remarkable is that at some point he was writing Miracleman, Swamp Thing and Watchmen at the same time. He wasn’t just producing one masterwork after another, he was producing them simultaneously. There is absolutely no one else in the history of the 9th art that has come close to such an achievement.
In the past, superhero comic books could be narrowed down to its most basic components, id est, the eternal fight between good and evil, the everlasting battle between heroes and villains. However, after Watchmen, comic book writers felt the need for a more sophisticated approach, and thus they produced stories that would question the nature of the hero and the villain, replacing an exclusively black and white perspective with much needed shades of gray. What Alan Moore does here is go even further, as he dares answer questions no one had the courage to ask. In every Marvel or DC publication there is always an explanation about why the heroes must uphold the status quo of the world, however unfair it may be. The heroes can never change the course of history, they can never interfere in countries plagued by hunger and misery, they can neither cure cancer nor bestow upon mankind the gift of an advanced technology that is reserved only for their adventures. In short, superheroes can never change the world in any meaningful way, and it sure does make sense from a storytelling point of view. After all, comics are a continuous, never-ending narrative, and in order for them to keep going like this, superheroes must never solve any problem in a definitive way, nor should they deal with an enemy in a matter that would preclude that character from reappearing afterwards. However, in Miracleman, all these rules are broken. And it is precisely for that reason that this stands as one of the greatest contemporary masterpieces.![]() |
Miracleman & Miraclewoman |
It took John Totleben over a year to complete the 32 pages of this last installment (with the exception of a few panels preciously illustrated by Thomas Yeates). And the result is an artistic feat of unprecedented beauty. His designs are impressive and his Olympus is breathtakingly gorgeous: “a vast extravagance of decoration that would shame Versailles or Babylon the Great”. In addition to his exquisite compositions and richly detailed images, Totleben also surprises the readers with several visual experiments: some pages are simply the product of pencils plus inks, others include ink washes and white acrylic; mastering all the artistic techniques one could think of, Totleben paints some pages with tempera, and he excels using oils on canvas. I had praised Totleben’s talent in my Swamp Thing reviews, but his work in Miracleman is even better.
When I finished reviewing Swamp Thing after 2 years, I thought it would take me longer to review Miracleman and I was right. After 3 years, I’m finally done. Here are the rest of my Miracleman reviews. Read them and enjoy them:
Miracleman Book 1: A Dream of Flying: http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html
Miracleman Book 2: The Red King Syndromehttp://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html
Miracleman Book 3: Olympushttp://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
“Y fue así como bosquejamos planos puros y abstractos, libres de toda complicación moral, y fuimos los arquitectos de los sueños”, explica Miracleman. Alguna vez el héroe más grande del mundo, Miracleman finalmente ha aceptado su condición de divinidad postmoderna en “Olimpo” (publicado originalmente en Miracleman # 16, diciembre de 1989), último número escrito por Alan Moore.![]() |
Miracleman: supreme ruler of the world /Miracleman: gobernante supremo del mundo |
Después de derrotar a Johnny Bates, Miracleman comprende que no hay fuerza en la Tierra y tal vez en toda la galaxia que pueda someterlo. En muchos sentidos, la saga del Olimpo concluyó en “Némesis”, pero este es un muy necesario epílogo que pone punto final a la innovadora labor de Moore en el género superheroico. En todos mis años como lector de cómics, nunca pensé que iba a encontrar una propuesta capaz de entender tan bien las raíces del superhéroe como arquetipo, y de explorar al mismo tiempo las fisuras estructurales de una narrativa que corría el riesgo de quedarse estancada y volverse predecible antes de que Moore y otros autores británicos revitalizaran la industria.
Muchos lectores consideran “Watchmen”, como la deconstrucción definitiva de los superhéroes, sin embargo, la prestigiosa serie se centra más en los aspectos psicológicos de los vigilantes enmascarados (de hecho, salvo Doctor Manhattan, no hay individuos súper-poderosos en Watchmen); así, en cierto modo, el Miracleman de Moore es la otra cara de la moneda. Aquí, Moore se adentra profundamente en la noción de poder, y a un nivel superlativo. El superpoder, entonces, ya no es el deus ex machina que le permite al héroe salvar al mundo o escapar de un peligro fácilmente, sino más bien lo que define y da forma al protagonista sobrehumano.![]() |
Olympus / Olimpo |
En los años 50s, Miracleman era un aventurero con capa deseoso de luchar contra llamativos supervillanos. En manos del autor británico, Miracleman se transforma primero en un superhéroe complejo, sin embargo, a pesar de sus defectos y conflictos internos, en los primeros capítulos todavía lo vemos como si fuera un Superman o un Capitán Marvel. No obstante, en los capítulos siguientes, esto cambia. Al comienzo de la saga del Olimpo, la condición divina de Miracleman se sugiere al inicio para luego hacerse más evidente. Como un dios que reina en las alturas del Monte Olimpo, Miracleman sueña con el mundo del mañana: “Sueño con insignias, sueño con rayos destellantes, planetas, letras, estrellas [...] Yo sueño con ciudades que harían llorar de alegría a los viejos futuristas, si pudiesen verlas”.![]() |
As a god, is Miracleman doomed to loneliness? / Al ser un dios, ¿Miracleman está condenado a la soledad? |
Tal vez en el pasado había algo que restringía a Miracleman. Quizás su propia humanidad era su punto débil. Pero ahora ya no es humano, él es el poder absoluto, y no hay barreras, no hay límites para las cosas que puede hacer: su primera tarea es organizar una reunión con la primera ministra de Inglaterra, Margaret Thatcher. En la reunión, Thatcher cree que ella está ahí para negociar, para conservar las pocas migajas de poder que todavía quedan sobre la mesa. Sin embargo, ella está lidiando con un implacable individuo que ya ha demostrado su superioridad. Humillada y en estado de shock, Margaret Thatcher sale de la habitación, aceptando que nunca más volverá a ser una persona influyente. Supongo que escribir estas páginas debe haber sido muy terapéutico para Moore (que siempre ha sido muy honesto en cuanto a su postura anti-Thatcher).![]() |
original cover (1989) / portada original (1989) |
El siguiente movimiento es buscar todos los dispositivos nucleares y arrojarlos al sol. Una medida drástica que se explica en las Naciones Unidas, frente a los líderes que se dan cuenta de lo impotentes que son ahora. No satisfecho con eso, Miracleman decide eliminar el dinero: “El dinero es una promesa, para redimir el efectivo de cada portador por su valor en oro o mercancía. Una promesa vacía. Si acaso exigiéramos todos a la vez la redención de nuestras monedas, nos enteraríamos de que esa riqueza no existe. El dinero es imaginario [...] El próximo verano ya no habrá dinero... se trata, claro está, de algo que nunca existió”. Sin dinero, la delincuencia en las ciudades desaparece, pero todavía hay otros problemas como el hambre y la pobreza en los países subdesarrollados, el crimen organizado, los cárteles de la droga y así sucesivamente, Miracleman encuentra una manera de lidiar con todo eso. La sociedad sufre una transformación radical. El mundo es irreconocible, pero Miracleman sigue adelante. Él tiene grandes planes para la humanidad y no se detiene ante nada para llevarlos a cabo. Los conceptos desarrollados a continuación son, de hecho, los frutos más deliciosos que puedan ser cosechados de la mente creativa de Alan Moore.
“Miracleman” es un logro suficiente para considerar a Moore como un genio, pero lo que es aún más notable es que en algún momento él estaba escribiendo “Miracleman”, “Swamp Thing” y “Watchmen” al mismo tiempo. Él no estaba produciendo una obra maestra tras otra, más bien las estaba produciendo simultáneamente. No hay nadie más en la historia del noveno arte que haya logrado algo parecido, ni de lejos.![]() |
John Totleben: oils on canvas / John Totleben: óleos sobre lienzo |
En el pasado, los cómics de superhéroes podían ser reducido a sus componentes más básicos, es decir, la eterna lucha entre el bien y el mal, la inacabable batalla entre héroes y villanos. Sin embargo, después de “Watchmen”, los escritores de cómics sintieron la necesidad de tener un enfoque más sofisticado, y por lo tanto produjeron historias que cuestionaban la naturaleza del héroe y del villano, sustituyendo una perspectiva exclusivamente a blanco y negro por otra con necesarios tonos de gris. Lo que Alan Moore hace aquí es ir aún más lejos, ya que se atreve a responder preguntas que nadie tuvo el coraje de formular. En toda publicación de Marvel o DC siempre hay una explicación acerca de por qué los héroes deben defender el statu quo del mundo, sin importar lo injusto que sea. Los superhéroes no pueden cambiar el curso de la historia, nunca pueden interferir en los países asolados por el hambre y la miseria, no pueden ni curar el cáncer, ni otorgar a la humanidad el don de una tecnología avanzada que está reservada sólo para sus aventuras. En resumen, los superhéroes no pueden cambiar el mundo de una manera significativa, y seguro que tiene sentido desde un punto de vista narrativo. Después de todo, los cómics son una narración continua y sin fin, y para que esto sea así, los superhéroes nunca deben resolver ningún problema de manera definitiva, ni deben deshacerse de sus enemigos quienes, al fin y al cabo, deben reaparecer continuamente. Sin embargo, en Miracleman, todas estas reglas se rompen. Y precisamente por eso es una de las más grandes obras maestras contemporáneas.
John Totleben tardó más de un año para completar las 32 páginas de esta última entrega (con la excepción de unos pocos paneles preciosamente ilustrados por Thomas Yeates). Y el resultado es una hazaña artística de una belleza sin precedentes. Sus diseños son impresionantes y su Olimpo es fastuoso y sobrecogedor: “una gran extravagancia en decoración que dejaría en ridículo a Versalles o Babilonia la Grande”. Además de sus exquisitas composiciones e imágenes ricamente detalladas, Totleben también sorprende a los lectores con varios experimentos visuales: algunas páginas son simplemente el producto de lápices más tintas, otras incluyen tinta lavada y acrílico blanco; dominando todas las técnicas artísticas que uno podría mencionar, Totleben pinta algunas páginas con témpera, y destaca en el uso de óleos sobre lienzo. Ya había elogiado el talento de Totleben en mis reseñas sobre “Swamp Thing”, pero su trabajo en Miracleman es incluso mejor.
Cuando terminé de reseñar Swamp Thing después de 2 años, pensé que iba a necesitar más tiempo para hacer lo mismo con Miracleman, y no me equivoqué. Después de 3 años, por fin he terminado. Aquí están el resto de mis comentarios sobre Miracleman. A Leer y a disfrutar de ellos:Miracleman Book 1: A Dream of Flying: http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html
Miracleman Book 2: The Red King Syndromehttp://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html
Miracleman Book 3: Olympushttp://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html
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La Fundación Euroidiomas, fiel a su compromiso con el arte, presenta la muestra “Goliat” del reconocido artista Marcos Palacios. Conocí a Marcos en el 2010, cuando asistía asiduamente a la Galería Yvonne Sanguineti. Ha pasado mucho tiempo desde entonces, y debo decir que Marcos es uno de los pocos amigos que he conocido en el circuito artístico limeño.
En el 2013, Marcos nos sorprendió gratamente con “Héroes”, y ahora logra deslumbrar aún más al público con una serie de cuadros rebosantes de gracia pictórica, audaces yuxtaposiciones cromáticas y una energía vital que captura nuestra mirada en un instante.![]() |
el artista tuvo la amabilidad de darme su autógrafo |
Hace un par de meses tuve la buena suerte de reencontrarme con Marcos, y él inmediatamente me invitó a esta muestra. Llegué casi a las 8pm a la Calle Libertad 130 (Miraflores) y nuevamente he quedado encantado con la propuesta de Marcos. Utilizando los nombres de dioses de la mitología clásica (sobre todo del panteón romano), el artista crea escenas cautivadoras. Por supuesto, lo primero que hice al llegar fue felicitar a Marcos y pedirle que me firmara el catálogo de la muestra, para continuar así con la tradición que ya quedó establecida desde el 2013.![]() |
Yulia Katkova |
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Robert Mapplethorpe |
Por cierto, la semana pasada Julio Garay Terrazas me invitó a la inauguración de “Erotiqa”, en la Galería del Barrio, ubicada en Chorrillos. Aunque este espacio cultural tiene ya varios años, nunca lo había visitado. Así que aproveché la invitación de Julio para romper un poco con la inercia y emprender el viaje desde Barranco a Chorrillos.
La Galería del Barrio es una pintoresca casona chorrillana, relativamente cerca al malecón, y esa noche estaba repleta a más no poder. Quién se lo hubiese imaginado: el arte erótico llama la atención de todo el mundo. Los 2 cuadros de Julio son un ejemplo de su sentido del humor y de su pasión por los grabados. Esta colectiva también reúne obras de Hugo Alegre, Luz Letts, Andrea Lértora y Yulia Katkova. Finalmente, mi gran amigo Guido Cuadros estuvo a cargo del texto curatorial de la muestra.![]() |
my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color) |
Y antes que me olvide quería mencionar que hasta esta semana, en la Galería Pepe Cobo, se pudo apreciar una magnífica selección de fotos de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Las suyas son imágenes de un erotismo sutil, con un gran énfasis en la composición y un dominio absoluto del blanco y negro.
Es la primera vez que se exhiben en el Perú fotografías de Mapplethorpe, un referente innegable para todo amante de la cámara. Por lo pronto, he elegido 4 de las imágenes más sugerentes, aunque debo decir que hubo muchas otras que me hubiese gustado incluir.
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I’ve been familiar with Jeffrey Burandt’s amazing comics since 2011, when we both collaborated for the same indie anthology. And now, after 4 years, I finally had the chance to talk with him about the thing we love the most: comics!
Welcome to the blog, Jeffrey. I’ll start with my first question: What was your inspiration for Odd Schnozz and the Odd Squad?
When I was first working on it and writing the pitch, I was reading books like Runaways and Ultimate Spider-Man from Marvel, but also Blue Monday, Hopeless Savages and Scott Pilgrim from Oni, so I was trying to combine the big-beat storytelling of mainstream superhero comics with the rock n' roll cool of what Oni was publishing at the time. I also knew if I made it about a band, I could produce a soundtrack for the book in some way and use that as a marketing tool. Otherwise, the characters had been evolving in my mind since college, loosely based on some of my friends and acquaintances in both high school and college.
I think in a way, I’ve also done the same… you wouldn’t believe how many weird friends I have. So is Odd Schnozz your favorite project or are there other comics you’ve done in the past that make you feel just as proud?
Odd Schnozz is the largest project I've worked on so far, so I'm exceptionally proud of it, and now that the first volume is finished, it is my favorite project at the moment! But I'm also proud of the Americans UK comic I self publish with artist Paul Ciaravino, where I get to be a little more experimental and hone my craft. Dean Haspiel and I have a pitch out in the world that I really want someone to pick up. We ran a short story from the property titled Blood + Brains in Image Comics' Creator Owned Heroes and it garnered excellent reviews. It made me happy to have a story that Image put out, at least.
You seem to be involved in a lot of awesome projects. For example, what can you tell me about Panels for Primates?
Troy Maxwell put together a charity anthology of comics and prose for sale via MonkeyBrain Comics, and he reached out to me to write a prose short story for the book, which I did. My story is titled, "Bibi & Cass," and it's about the relationship between a gorilla and a young girl who both become YouTube sensations after the young girl falls into a gorilla pit at the zoo. The best part for me is that I had a story appear in the same collection as a story by Stan Lee! That was very exciting. Proceeds from the anthology go to benefit the Primate Rescue Center in Nicholasville, KY, You can get it here: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1I think is a great idea to have a graphic novel that comes with its own soundtrack. As a writer and a musician, would you say your talents complement each other or not?
Well, it's all writing to me. I can't play an instrument, so I don't really consider myself a musician. I write lyrics and melodies and collaborate with actual musicians to turn them into songs. It's a lot like collaborating with artist for making comics, actually. You get to hand off something you wrote to another person or group of people to interpret and produce.
And talking about collaborators… How long have you been working with Dennis Culver? And how did you decide to do this project together?
I think it took us 5 years to finish the book together? It's a pretty big trade at 168 pages, and some of that time it was being colored and then we had missed Oni's 2014 publishing schedule--which means Dennis was probably working on it for 3 years in between his paying gigs. Oni and I already had a contract for the book, and they brought Dennis aboard, and thankfully, he was the perfect fit!
I think you two make a fine creative team. So are you a fan of comic book conventions? If so, what was the last one you attended?
I probably enjoy the MoCCA Festival in NYC the best, but the last con I attended was NYCC. I'll be at the American Library Association Conference the weekend of June 27th, and then I'll be hanging around the Oni Booths and signing and stuff at San Diego Comic Con in July.I wanted to go to NYCC last year. But I spent all my money on a trip to Uruguay (Don’t ask why). At least in 2014 ComiXology published an entire comic book written by me. Anyway, I wanted to know what authors inspired you to become a writer?
Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.I’m a huge fan of Borges. I think good authors always inspire us to share our work with the public. What was your first published work?
I had a series of comics run in Details Magazine for a few months in 2006 or so as a special promotion for Amstel Light titled, "Adventures In Tasteful Living," with art by Terry Taylor. I put it up on my blog recently if you're interested: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/
That was good. And now, to stay on topic, Could you name the best comics you’ve read in the last couple of years?
Thomas Alsop by Chris Miskiewicz and Palle Schmidt from Boom Studios is excellent. The first trade just came out. I love The Sixth Gun by Bunn and Hurtt from Oni Press. Also, The Bunker by Fialkov and Infurnari is a can't miss series.
I’ve heard nothing but good compliments about the series you mention. How would you describe your experience working with Dean Haspiel for Creator Owned Heroes?
Dino is the man-o. He's a total pro and the most personable, fun dude, all at the same time. He takes his work very seriously, and collaborating on that story and the resulting pitch was a treat. He pushes me to do my best work. If you haven't checked out his collaboration with Mark Waid for Archie's The Fox, I can't recommend it enough, and his hardcover Billy Dogma collections that have been coming out from Z2 Comics are absurd, pulp masterpieces.I’m just curious about this, so humor me. What’s the deal with the mask you’re wearing on your ComiXology and Google profile?
I wore that mask a lot on stage when performing with my sci-fi rock band Americans UK, which is why it's so beat up. My friend Seth Kushner took that photo, and it's one of my favorite pictures of myself, taken by a true master of the camera. We lost Seth recently, and the comics world--hell, the entire world--suffers without him. Fuck cancer.
I never met Seth Kushner but I admired his work. He was so talented. And to wrap this up, what other projects are you planning after Odd Schnozz?
My band Americans UK releases our next high end, sci-fi rock video, "Phenomena-na," at the end of June. If Odd Schnozz vol. 1 sells well enough, I hope I have the opportunity to write another book in the series. I have the bigger story outlined to 3 volumes in total, and I've also written up notes for an Odd Schnozz/Americans UK cross-over that would be amazing, but probably never happen. I'm always generating new pitches and new prose stories otherwise.
Thanks for talking with me, Arcadio!
You’re welcome Jeffrey!________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
He estado familiarizado con los asombrosos cómics de Jeffrey Burandt desde el 2011, cuando ambos colaboramos para la misma antología independiente. Y ahora, después de 4 años, finalmente tengo la oportunidad de hablar con él acerca de lo que más nos encanta: ¡los cómics!
Bienvenido al blog, Jeffrey. Voy a empezar con mi primera pregunta: ¿Cuál fue tu inspiración para “Odd Schnozz and the Odd Squad”?
Cuando empecé a trabajar en ello y mientras escribía la propuesta, estaba leyendo títulos como “Runaways” y “Ultimate Spider-Man” de Marvel, pero también “Blue Monday”, “Savages Hopeless” y “Scott Pilgrim” de Oni, por lo tanto traté de combinar una narración de gran ritmo propia de los cómics de superhéroes con esa frescura de rock n 'roll que publicaba Oni en ese momento. También sabía que si me enfocaba en una banda, podría producir un soundtrack, y de alguna manera usar eso como una herramienta de marketing. Por lo demás, los personajes fueron evolucionando en mi mente desde la universidad, ellos están vagamente basados en algunos amigos y conocidos, tanto de la escuela secundaria como de la universidad.
Creo que de alguna manera, yo también he hecho lo mismo... y vaya que tengo algunas amistades inusuales. ¿Es “Odd Schnozz” tu proyecto favorito o existen otros cómics que has hecho en el pasado que te hacen sentir orgulloso?
“Odd Schnozz” es el proyecto más grande que he hecho hasta ahora, así que estoy excepcionalmente orgulloso de ello, y ahora que el primer volumen está terminado, ¡es mi proyecto favorito actualmente! Pero también estoy orgulloso del cómic “Americans UK” que auto-publiqué con el artista Paul Ciaravino, era un poco más experimental y me ayudó a perfeccionar mi oficio. Dean Haspiel y yo tenemos una propuesta que realmente quisiera que alguien tome en cuenta. Hicimos una historia corta de “Blood + Brains” para “Creator Owned Heroes” de Image Comics y obtuvo excelentes críticas. Me hizo feliz tener una historia publicada por Image, al fin.
Parece que estás involucrado en muchos proyectos sorprendentes. Por ejemplo, ¿qué puedes decirme sobre “Panels for Primates”?
Troy Maxwell armó una antología a través de MonkeyBrain Comics, las ventas eran destinadas a una beneficencia. Él se acercó a mí para que escribiese un relato en prosa para el libro, y así lo hice. Mi historia se titula “Bibi & Cass”, y se trata de la relación entre un gorila y una joven que se convierten en sensaciones de YouTube después de que la chica cae en el foso de los gorilas en el zoológico. ¡La mejor parte para mí es que mi historia aparece en la misma antología que incluye una colaboración de Stan Lee! Eso fue muy emocionante. El dinero obtenido con la antología va a beneficiar al Centro de Rescate de Primates en Nicholasville, KY, y pueden encontrarla aquí: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1Creo que es una gran idea tener una novela gráfica que viene con su propia banda sonora. Como escritor y músico, ¿dirías que tus talentos se complementan entre sí o no?
Bueno, lo mío es la escritura. No puedo tocar un instrumento, por lo que realmente no me considero un músico. Escribo letras y melodías, y colaboro con músicos reales para convertirlas en canciones. Es muy parecido a colaborar con un artista para hacer cómics, en realidad. Tienes la oportunidad de desarrollar algo que escribió otra persona y dárselo a un grupo de personas para que lo interpreten y lo produzcan.
Y hablando de colaboradores... ¿Cuánto tiempo llevas trabajando con Dennis Culver? ¿Y cómo decidieron hacer este proyecto juntos?
Creo que nos tomó ¿5 años terminar el libro juntos? Es un tomo muy grande, de 168 páginas, y parte de ese tiempo estaba siendo coloreado y luego perdimos el calendario de publicaciones de Oni para el 2014 - lo que significa que Dennis probablemente estuvo trabajando en ello durante 3 años alternando esto con otros proyectos de paga. Oni y yo ya teníamos un contrato para el libro, y trajeron a Dennis bordo, y por suerte, ¡era el colaborador perfecto!
Creo que ustedes dos hacen un gran equipo creativo. ¿Eres fan de las convenciones de cómics? Si es así, ¿cuál fue la última a la que asististe?
Probablemente lo que más me gusta es el Festival MoCCA en New York, pero la última convención a la que asistí fue NYCC. Estaré en la Conferencia de la Asociación Americana de Bibliotecas el 27 de junio, y luego voy a estar dando vueltas por el stand de Oni y firmando y esas cosas en San Diego Comic Con, en julio.Yo quería ir a NYCC el año pasado. Pero me gasté todo mi dinero en un viaje a Uruguay (No preguntes por qué). Por lo menos el 2014 ComiXology publicó un cómic enteramente escrito por mí. De todos modos, quería saber ¿qué autores te inspiraron a ser escritor?
Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.Soy un gran fan de Borges. Creo que los buenos autores siempre nos inspiran para compartir nuestro trabajo con el público. ¿Cuál fue tu primer trabajo publicado?
Hice una serie de cómics para “Details Magazine” durante unos meses el 2006, como una promoción especial para Amstel Light titulada “Adventures In Tasteful Living”, con arte de Terry Taylor. Lo puse en mi página hace poco por si te interesa: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/
Eso salió bien. Y ahora, para no irme por las ramas, ¿podrías nombrar los mejores cómics que has leído en los últimos 2 años?
“Thomas Alsop” de Chris Miskiewicz y Palle Schmidt de Boom Studios, es excelente. El primer tomo acaba de salir. Me encanta “The Sixth Gun” de Bunn y Hurtt de Oni Press. Además, “The Bunker” de Fialkov e Infurnari, no te puedes perder esa serie.
He oído muchos elogios sobre la serie que mencionas. ¿Cómo describirías tu experiencia con Dean Haspiel en “Creator Owned Heroes”?
Dino es lo máximo. Él es un profesional total y el tío más agradable y divertido, todo al mismo tiempo. Toma su trabajo muy en serio, y colaborar en esa historia con nuestra propuesta inicial fue una delicia. Él me motiva a hacer mi mejor trabajo. Si no has leído su colaboración con Mark Waid para “The Fox”, en Archie, te la recomiendo, y las ediciones en tapa dura de Billy Dogma que ha estado sacando Z2 Comics son obras maestras del absurdo.Tengo una curiosidad. ¿Cuál es el asunto con la máscara que llevas en tu perfil de ComiXology y Google?
Yo usaba mucho esa máscara en el escenario cuando salía con mi banda de rock y ciencia-ficción Americans UK, y por eso está tan gastada. Mi amigo Seth Kushner tomó esa foto, y es una de mis fotos favoritas, tomada por un verdadero maestro de la cámara. Perdimos a Seth hace poco, y el mundo los cómics -demonios, todo el mundo- se lamenta. A la mierda con el cáncer.
Nunca conocí a Seth Kushner pero admiraba con su trabajo. Era muy talentoso. Y ya para terminar, ¿qué otros proyectos estás planeando luego de “Odd Schnozz”?
Mi banda Americans UK sacará nuestro próximo video de rock de ciencia-ficción de alta gama "Fenómeno-na", a finales de junio. Si Odd Schnozz vol. 1 se vende bien, espero tener la oportunidad de escribir otro libro de la serie. Tengo la historia esbozada para 3 volúmenes en total, y también he escrito algunas notas para un crossover entre Odd Schnozz y Americans UK que sería increíble, pero probablemente nunca sucederá. Siempre estoy generando nuevas propuestas y nuevas historias.¡Gracias por hablar conmigo, Arcadio!
¡De nada Jeffrey!
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It’s easy to remember Franco as the generalissimo of Spain, and it’s even easier to see him as the fascist dictator that wreaked havoc in his own nation. However, it’s quite difficult to understand the consequences of his fascist regime.
That is why we must acknowledge the efforts of Carlos Giménez, an author that delves deep into his memory to openly talk about the horrors of Franco's Spain, focusing not on the civil war and the massacres that would be reported by the media, but rather in everyday life, in the relationship between authoritarian men and underprivileged children in educational institutions, particularly, the homes of social assistance of the Traditionalist Spanish Falange and the Boards of the National Syndicalist Offensive (FET and the JONS) .
Carlos Giménez, perhaps the most representative comic book author in Spain over the past 50 years, embarked upon a very particular adventure with “Paracuellos”. This is a purely autobiographical work, which recounts his experiences as one of the residents in these homes of social assistance. Giménez spent his childhood there, 8 years in total, and when he finally left he was marked by the terrible experiences suffered in that miserable and ferocious place.
From 1977 to 2003, Giménez revealed his past in 6 albums with a total of 600 pages. “I would like to consider these stories, these 6 albums of Paracuellos, not only as the chronicle of some weird and perverse schools, but also as a small part of the history of the Spanish Civil War. Perhaps not a hugely important part, in general terms, but in individual terms, for those who lived through it and for our relatives, a part important enough to be acknowledged”.
I cannot think of any other project of this magnitude and historical accuracy, with the exception of “Maus” by Art Spiegelman; but what should be emphasized here is the proposal of the author from Madrid, the way he rescues the children’s point of view, the innocence of a child who sees everything but is not always able to make sense of the situation or the circumstances. And indeed, as an adult, one would also feel unable to explain how the events described by Giménez were made possible in the first place. A gifted storyteller, a great writer and a remarkable artist, Giménez found in the 9th art the ideal medium to express his concerns. “Paracuellos” is one of the most personal, honest and shocking comics that have been published in Europe.![]() |
about to get punished / a punto de ser castigados |
Obviously, I do not intend to summarize 600 intense and intimate pages about a group of kids struggling to adapt to these homes, but I would like to mention, albeit briefly, the context of their adventures. The homes, far away from the charitable practices they publicized, were cruel institutions in which children would starve all the time, constantly abused by the staff. There are recurring anecdotes in which the boys must dig into the garbage for discarded food, anything that they can take to their mouth, or in extreme cases some of them eat the solid residues found in the vomit of some of their classmates. Water also becomes a precious commodity, especially in stories in which they are so thirsty that they drink the still water in the bathroom sinks, and even if it’s full of soap they drink it as if it were fresh water. They have no choice.
And yet, despite the hardships, the boys always keep a certain optimism, or rather a strange mixture of hope and daydreaming (they all express, again and again, their desire to leave the institution and to return to their families). Facing the painful punishments inflicted by the adults, the little ones manage to endure it; because for them pain isn’t physical, what really hurts them is not having the affection of his parents.
It is moving to see the naiveté of the protagonists and, at the same time, terrible to observe how some of them lose their innocence. Instead of playing, a few become traders, renting comics, accusing their peers in exchange for food, or acquiring spoiled fruit and selling it in parts.
In such a bleak scenario, the protagonist, alter ego of Carlos Giménez, discovers the fascinating world of comics. His mind goes to another place thanks to the drawings in the page, and for a moment he forgets the ugly reality, and that's enough to reinvigorate him. It is admirable and heartbreaking to see how, for months, he sells the bread from his meals, starving, and manages to trade things with other children to get 32 pesetas, the amount of money needed to buy the entire collection of “El cachorro”, the most popular Spanish comic at the time.![]() |
the nurse hits one of his patients / la enfermera golpea a uno de sus pacientes |
Perhaps one of my favorite chapters is precisely “El cachorro, catechism and the young lady from Castellon”. The protagonist receives a package of brand-new, shining comic books and he is so happy that his legs are shaking. After months of sacrifice, he is now holding a treasure. However, while he has eyes only for his new comics, the catechism teacher has a serious fight with her lover. The lesbian relationship between the two women is suggested in an amazing sequence of wordless panels, the Spanish author needs nothing else to humanize an old woman who, at first glance, would seem destined to be abhorred. After the breakup, she is extremely angry, and burns all the comics she finds, including the complete collection of “El cachorro”.
The authority figures in this home of social assistance are not inhuman monsters despite their highly refined cruelty. Giménez has the wisdom of exploring them in all their human dimension. Moreover, once in a while, an adult tries to intercede for the children, but finally ends up surrendering to the power structure that dominates Spain.
Finally, it’s necessary to highlight that in “Paracuellos”, we see how the protagonist devotes more and more time to creative endeavors, starting with simple drawings and then moving on to full comic books, which are enthusiastically read by his friends. I think that this creative passion is what keeps the protagonist alive, it’s precisely the ability to travel to a world of fantasy that allows a helpless child to survive a harsh reality. Perhaps that is Giménez’s most valuable lesson.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
A cualquiera que haya estudiado algo de historia, le resultará fácil recordar a Franco no como “el caudillo de España” sino como el dictador fascista que tantos estragos causó a su propia nación. Sin embargo, lo que resulta más difícil es constatar de primera mano las consecuencias de ese régimen fascista.![]() |
a package full of new comics / un paquete lleno de cómics nuevos |
Por eso, hay que agradecer el esfuerzo de Carlos Giménez, autor capaz de hurgar en lo más profundo de su memoria para narrar sin tapujos los horrores de la España franquista, sin enfocarse en la guerra civil ni las matanzas que serían reportadas por la prensa, sino más bien en la realidad cotidiana, en la relación entre adultos autoritarios y niños desvalidos en las instituciones educativas, más concretamente, los hogares de auxilio social de la Falange Española Tradicionalista y de las Juntas de Ofensiva Nacional Sindicalista (FET y de las JONS).
Carlos Giménez, quizás el autor más representativo del cómic español de los últimos 50 años, se embarcó en una muy particular aventura narrativa con “Paracuellos”. La suya, es una obra netamente autobiográfica, en la que rememora sus experiencias como uno de los internos en estos hogares de auxilio social. Giménez pasó allí toda su infancia, 8 años según él mismo aclara, y al salir, quedó marcado por las terribles experiencias vividas en estos recintos miserables y feroces.
Desde 1977 hasta 2003, Giménez se dedicó a contar su pasado a lo largo de 6 álbumes con un total de 600 páginas. “Me gustaría que estos relatos que se cuentan en los seis álbumes de la serie Paracuellos fueran considerados no solamente como la historia de unos colegios raros y perversos, sino además, también, como una pequeña parte de la historia de la posguerra española. Quizás una parte no muy importante en términos generales, pero en términos particulares, para los que nos tocó vivirla y para nuestros familiares, suficientemente importante como para querer dejar constancia de ella”.
No se me ocurre ninguna otra obra de semejante magnitud y de tanto rigor histórico, con la excepción del “Maus” de Art Spiegelman; pero lo que más se debe destacar en la propuesta del autor madrileño es la forma en la que rescata el punto de vista infantil, la inocencia de la mirada del niño que lo ve todo pero no siempre es capaz de encontrarle sentido ni a la situación ni a las circunstancias. Y de hecho, como adulto, uno mismo a veces también se siente incapaz de explicar cómo llegaron a ser posibles los eventos que Giménez describe. Talentoso narrador, excelente guionista y artista notable, Giménez encuentra en el noveno arte el medio ideal para comunicarnos sus inquietudes. “Paracuellos” es uno de los cómics más personales, honestos y estremecedores que se hayan producido en Europa.![]() |
violence and abuse / violencia y abuso |
Obviamente, no pretendo resumir aquí 600 páginas intensas e íntimas sobre el grupo de chavales que conviven en este peculiar internado, pero sí quisiera mencionar brevemente el contexto en el que se desarrollan las peripecias de los protagonistas. Los hogares, lejos del esquema de caridad que tanto pregonaban, eran instituciones crueles en las que los niños padecían hambre y eran constantemente maltratados por el personal. Son recurrentes las anécdotas en las que los chicos deben rebuscar en el tacho de la basura para llevarse algo de comida desechada a la boca, o incluso casos extremos en los que comen los restos de alimento que encuentran en el vómito de alguno de sus compañeros. El agua también se convierte en un bien preciado, sobre todo en relatos en los que es tanta la sed, que ellos beben el agua estancada en los lavatorios, sucia de jabón, como si se tratase de agua fresca. No les queda otra opción.
Y, sin embargo, a pesar de las penurias, los chicos mantienen siempre el optimismo, o más bien una extraña mezcla de esperanza con ensoñaciones diarias (todos expresan, una y otra vez, su deseo por salir de la institución y poder regresar con sus familias). Frente a los dolorosos castigos impuestos por los adultos, los pequeños logran mantenerse en pie; porque para ellos el mayor dolor no es físico, lo que realmente les duele es no contar con el afecto de sus padres.
Es enternecedor ver la ingenuidad de los protagonistas y, al mismo tiempo, terrible observar cómo algunos de ellos pierden la inocencia. En vez de pensar en juegos, unos pocos se convierten en negociantes, alquilan tebeos, acusan a sus compañeros a cambio de comida, o adquieren fruta en mal estado y la venden por partes: algunos se comen lo malogrado, lo “pocho”, de la fruta, otros la cáscara y algunos afortunados el resto.
Frente a un escenario tan desolador, el protagonista, alter ego de Carlos Giménez, descubre el fascinante mundo de los cómics. Cuando se sumerge en las viñetas, parece olvidar por un momento su entorno, y eso es suficiente para revigorizarlo. Es admirable y casi angustiante ver cómo, durante meses, él vende los panes de la merienda, pasa hambre, y se las ingenia para negociar con los otros niños hasta llegar a reunir 32 pesetas, la cantidad necesaria para comprarse la colección completa de “El cachorro”, el cómic español más popular de la época. ![]() |
two different worlds: adults and children / dos mundos diferentes: adultos y niños |
Tal vez uno de mis capítulos favoritos es, precisamente, “El cachorro, el catecismo y la señorita de Castellón”. El protagonista recibe su paquete lleno de cómics nuevecitos, impecables, y él está tan feliz que le tiemblan las piernas. Han sido meses de sacrificio, pero finalmente tiene entre sus manos el preciado tesoro. Sin embargo, mientras él está ensimismado con su colección de tebeos, la maestra de catecismo tiene una grave pelea con su amante. La relación lésbica entre ambas mujeres está sugerida en una asombrosa secuencia muda de varias viñetas, el autor madrileño no necesita más para humanizar a una vieja solterona que, a simple vista, pareciera diseñada para convertirse en un personaje detestable. Frente a la decepción amorosa, sobreviene un exabrupto de ira, y la monja quema todos los tebeos que encuentra, incluyendo la colección íntegra de “El cachorro”.
Las figuras autoritarias del hogar de auxilio social no son monstruos inhumanos a pesar de sus actos de refinadísima crueldad. Giménez tiene el acierto de mostrárnoslos en toda su dimensión humana. Además, una que otra vez, algún adulto intenta interceder por los niños, pero finalmente termina rindiéndose frente a la estructura de poder que domina a España. Incluso, la forma de ser corrompidos y de aceptar sobornos adquiere, en ellos, un aire de naturalidad que inmediatamente nos hace entrar en contacto con nuestra propia realidad.
Finalmente, es necesario señalar que en el transcurso de “Paracuellos”, vemos cómo el protagonista se dedica cada vez más a la creación, empezando con simples dibujos hasta pasar a dibujar historietas completas que son leídas con avidez por sus amigos. Creo que es esa pasión creadora lo que mantiene con vida al alma del protagonista, es justamente la posibilidad de abstraerse y viajar a un universo de fantasía, lo que le permite a ese niño indefenso sobrevivir a una dura realidad. Acaso sea esa la lección más valiosa que nos deja Giménez.
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Hi everyone!
Today, instead of reviewing someone else’s work, I’m focusing on my own comic book: Un-American Chronicles, 4 stand-alone stories in one special issue: The Outsider (a horror story about a group of immoral kids that punish a defenseless woman with cruelty), It's Always the Statue of Liberty (an urban tale about 9/11; and about how, in fiction, a destroyed Statue of Liberty usually symbolizes the downfall of the US), Who Said It Was Easy? (a romantic comedy about a metamorphic woman who tries to seduce the guy next door) and Park (an erotic adventure in a public place…).
You can get the comic in the following link:https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418
It’s only 1 dollar, and if you buy it you can win comics. That’s right, it’s sweepstakes time! I’ve decided to give away Marvel digital codes to 2 lucky winners (everyone who buys my comic from June 21 to July 21 is eligible). The first prize includes digital codes valued at $19.98, and the second prize includes codes valued at $10.99. This is a magnificent opportunity to support independent comic books while taking a look at some well-known Marvel titles.
All codes are to be redeemed through Marvel’s official website: https://marvel.com/redeem/
All you have to do to participate is buy Un-American Chronicles and rate it (from 1 to 5 stars). Once you’ve rated it on ComiXology’s website, you can send an email to atlantis2006@lycos.com with the words Un-American Chronicles Sweepstakes and that’s it. On July 21 I’ll send the codes to the winners via email. Good luck!________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
¡Hola a todos!
El día de hoy, en lugar de hablar de otros autores, me voy a enfocar en mi propio cómic: Un-American Chronicles, 4 historias auto-conclusivas en un sólo ejemplar: The Outsider (una historia de terror sobre un grupo de chiquillos inmorales que atormentan cruelmente a una mujer indefensa), It's Always the Statue of Liberty (un relato urbano sobre el 11 de setiembre, y sobre cómo, en la ficción, una Estatua de la Libertad destruida, por lo general, simboliza la caída de los Estados Unidos), Who Said It Was Easy? (una comedia romántica sobre una mujer metamórfica que trata de seducir al chico de al lado) y Park (una aventura erótica en un lugar público...).
Pueden encontrar el cómic en el siguiente link:https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418
Está a sólo 1 dólar, y si lo compran se pueden ganar algunos cómics. Así es, es la hora del sorteo. He decidido regalar códigos digitales de Marvel a 2 afortunados ganadores (podrán ganar todos los que compren mi cómic del 21 de junio al 21 de julio). El primer premio incluye códigos digitales valorizados en $19.98, y el segundo premio incluye códigos valorizados en $10.99. Esta es una magnífica oportunidad para apoyar a los cómics independientes mientras le dan un vistazo a algunos de los títulos más conocidos de Marvel.
Todos los códigos serán procesados a través de la web oficial de Marvel:https://marvel.com/redeem/
Todo lo que tienen que hacer para participar es comprar Un-American Chronicles y darle una calificación (de 1 a 5 estrellas). Una vez que hayan efectuado la calificación en la página web de ComiXology, pueden enviar un email a atlantis2006@lycos.com con las palabras Sorteo Un-American Chronicles y eso es todo. El 21 de julio enviaré los códigos a los ganadores por email. ¡Buena suerte!
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May is always one of my favorite months, and I think it is because I get free comics. I’m talking, of course, about Free Comic Book Day, and now, for third year in a row, my favorite was 2000AD, with 48 thrilling pages plus free digital comics, this certainly has been the most generous offering of the season. Another great FCBD title was Mercury Heat, I’ll certainly be reading the next issue in a month or so. And I loved Alex Ross cover for Secret Wars! Jupiter’s Circle continues to impress me, but perhaps the biggest surprise this time was All-New X-Men #40, an issue that made it into the headlines of every comic news website, the reason? Bobby Drake, AKA Iceman, founding member of the X-Men, admits that he’s gay, we owe this wonderful coming-out-of-the-closet issue to Brian Michael Bendis. Finally, the best issue of the month was Alan Moore’s Providence. And now, without further ado, here are May comics as per solicitations:
ALL-NEW X-MEN #40 BRIAN MICHAEL BENDIS (W) MAHMUD ASRAR (A) ANDREA SORRENTINO (CA) Who are the Utopians? And what secret do they hold that pertains to the future of mutantkind? The All-New X-Men may regret finding out!
CHRONONAUTS #3 (MR)(W) Mark Millar (A/CA) Sean Murphy. From ancient Rome to the roaring twenties to the 1980s music scene, Corbin and Danny-the world's first time travelers-continue to wreak havoc with the time-stream, and get into more hijinks with some of history's most notorious figures! And it's all happening while the world-and their bosses-are watching!
FCBD 2015 SECRET WARS #1 Prepare yourself for the final days of the Marvel Universe as you know it as the march to the biggest comic event of the year continues! From the ashes of a decimated cosmos rises…Battleworld! Amid the strange, patchwork realm, refugees from thousands of obliterated universes struggle for survival. Even if they can endure the horrors of Battleworld - the home they knew has been destroyed! Time has run out, and the opening salvo of Secret Wars has been fired. But can anything restore the Marvel Universe that once was?
FCBD 2015 2000 AD SPECIALThe galaxy's greatest Eisner-nominated SF anthology returns to Free Comic Book Day with a 48 page zarjaz line-up of stories. In Through the Out Door, a brand new story from Matt Smith and Norm Breyfogle, Judge Dredd uses the iron fist of the law to settle a block dispute; in 3000 AD some jobs are murder, as proved by The Traveller from Mick McMahon; galactic frontiersman Ajax Bloodthirsty meets his match on the astronomical object of oblivion known as the Death Rock in a new tale from Ben Willsher and Barry Krishna; the Grand Master of Termight is sickened to find that his final resting place has been defiled by the legendary alien freedom fighter, Nemesis the Warlock in Tomb of Torquemada by Pat Mills and Kevin O'Neill; wizened master of the occult, Doctor Sin returns to pass on his mantle (and battle a demon) in Don't Call It A Comeback by Rob Williams and Luca Pizzari; pilot of the future, Dan Dare, discovers an alien satellite in Star Slayer by Dave Gibbons and Gerry-Finley Day; Celtic warrior Sláine acquaints more enemies with his axe in A Simple Killing by Pat Mills and Simon Davis; Judge Dredd upholds the law in some classic Dredd newspaper strips by John Wagner, Alan Grant and Ron Smith; and Prepare your mind to be melted by Tharg's Alien Invasions from supreme craz-o-naut Henry Flint. If this wasn't enough each strip comes with a FREE digital story attached!
FCBD 2015 LADY JUSTICE Back in print for the first time in two decades! Lady Justice FCBD edition reprints issue #1 of Neil Gaiman's lost comics classic.
FCBD 2015 LEGENDARY COMICS SAMPLER Working with industry-leading talent such as Grant Morrison, Frazer Irving, Matt Wagner, Simon Bisley, Judd Winick, Geoff Shaw, Jonathan Hennessey and Shane Davis, we've created an ever-growing library of thrilling sagas including Annihilator, Epochalypse, A Town Called Dragon, The Harvester, The Tower Chronicles: DreadStalker and more, alongside cinematic tie-ins such as Godzilla: Awakeningand the best-selling Pacific Rim: Tales from Year Zero. Join us this Free Comic Book Day as we unveil an exclusive first look at the exciting next chapter of Legendary Comics.
FCBD 2015 MERCURY HEAT DEBUT (MR) Kieron Gillen blasts into Free Comic Book Day with an exclusive preview introduction to his all-new sci-fi series, Mercury Heat! Over the last few years, Gillen's work has gained a massive following from titles like Uber, The Wicked and the Divine, and Iron Man. Now Gillen takes you to Mercury, a slow turning planet where you can outrun the sunrise. Along with the blistering heat it brings. This is the new frontier of space, where humanity's insatiable need for energy is being fueled by Mercury. It's a tough environment and it attracts a rough crowd. So Luiza is bringing her own heat as a cop on Mercury, since she's just a bit too intense to be one on Earth. This special issue features the first chapter of this ongoing saga, a special introduction to the World of Mercury Heat, and a look at the ships, designs, and making of this epic. The future is here with this primer and first chapter of 2015's biggest sci-fi title!
INVINCIBLE #111 (MR) (W) Robert Kirkman (A/CA) Ryan Ottley. THE WALKING DEAD CREATOR ROBERT KIRKMAN WRITES INVINCIBLE!!! A new beginning for INVINCIBLE as things take a turn down a dark path. Everything changes as Invincible is betrayed by one of his own. You won't want to miss this explosive issue #1... 1... 1! It packs the punch of THREE relaunched number one issues! IN ONE BOOK!
JUPITER'S CIRCLE #2 (MR)(W) Mark Millar (A) Wilfredo Torres (CA) Frank Quitely. It's 1958 America, and Dr. Richard Conrad is a superhero and celebrated surgeon...with another identity that he struggles to keep hidden from his trusted teammates. When the director of the FBI threatens to reveal his secret, Richard is forced to make an impossible decision, all while his team battles to keep the world safe.
PROVIDENCE #1 (of 12) (MR)(W) Alan Moore (A/CA) Jacen Burrows. The most important work of 2015 begins here with the long-awaited arrival of Alan Moore's breathtaking epic PROVIDENCE with his artistic partner Jacen Burrows. In his most carefully considered work in decades, Moore deconstructs all of Lovecraft's concepts, reinventing the entirety of his work inside a painstakingly researched framework of American history. Both sequel and prequel to NEONOMICON, PROVIDENCE begins in 1919 and blends the mythical visions of HPL flawlessly into the cauldron of racial and sexual intolerance that defined that era on the East Coast of America. Every line from artist Jacen Burrows is perfectly honed to complete this immersive experience. The result is a breathtaking masterpiece of sequential art that will define modern horror for this generation. Invoking a comparison it to a prior literary masterpiece is not something to be handled lightly, but in scope, importance and execution: Providence is the Watchmen of horror. Moore has designed every cover, every single page, and every nuance of this work to create his most fully-realized vision to date. There are no ads, all 32 pages are written by Moore, and Jacen Burrows has spent the past two years slaving over the finest detail possible on the pages. The entire work is already written, intricately crafted to tie the most nuanced threads together over the breadth of the series. Painstakingly researched, meticulously produced, this is a sequential masterpiece that will serve as important a call to the next generation of comic book writers as Watchmen did 30 years ago: this is a definitive demonstration of just how good a comic book can be. Available with Regular, Pantheon, Portrait, Dreamscape Wraparound, Women of HPL, and a special Ancient Tome Incentive cover, all by collaborator Jacen Burrows.
SANDMAN OVERTURE #5 (MR) (W) Neil Gaiman (A/CA) J. H. Williams. The fate of the entire universe hangs in the balance when Dream finally gets his mother's full attention. Magic, joy, war and heartbreak are brought to life on the pages with epic luminosity in the penultimate issue of THE SANDMAN: OVERTURE. This issue is also offered as a combo pack edition with a redemption code for a digital download of this issue.
STAR WARS #4(W) Jason Aaron (A/CA) John Cassaday. THE GREATEST SPACE ADVENTURE OF ALL TIME CONTINUES! • Luke Skywalker is NOT a Jedi-not yet, at least. • He's only ever met one Jedi in his life...and he died. • So, Luke's quest leads him back to Obi-Wan's hut...on Tatooine. Rated T Star Wars © Lucasfilm Ltd. & TM. All rights reserved. Used under authorization. Text and illustrations for Star Wars are © 2015 Lucasfilm Ltd.
STAR WARS #5(W) Jason Aaron (A/CA) John Cassaday. • The Empire is rounding up fugitive Alderaanians... • ...that doesn't sit well with their Princess. • But what can one woman do against an Empire?
THE WICKED + THE DIVINE #10 (MR) (W) Kieron Gillen (A/CA) Jamie McKelvie, Matthew Wilson. Ragnarock is finally here. The show to end all shows promises to be a lovely experience for all the gods... wait. Oh noes! Jamie and Matt have drawn Baphomet drenched in blood on the cover. What a hilarious internal communication error. I'm sure it's a mistake and nothing to do with the story whatsoever.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Mayo es siempre uno de mis meses favoritos, y creo que es porque recibo cómics gratis. Estoy hablando, por supuesto, del Free Comic Book Day, y ahora, por tercer año consecutivo, mi favorito ha sido “2000AD”, con 48 emocionantes páginas y además cómics digitales gratuitos, sin duda este ha sido el ofrecimiento más generoso de la temporada. Otro gran título del FCBD es “Mercury Heat”, de todas maneras leeré el próximo número en un mes, más o menos. ¡Y me encantó la portada de Alex Ross para “Secret Wars”! “Jupiter’s Circle” continúa asombrándome, pero tal vez la mayor sorpresa en esta ocasión fue All-New X-Men #40, un número que apareció en los titulares de todas las páginas web de cómics, ¿la razón? Bobby Drake, también conocido como Iceman, miembro fundador de los X-Men, admite que es gay, le debemos esta tremenda salida del closet a Brian Michael Bendis. Por último, el mejor número del mes fue “Providence” de Alan Moore. Y ahora, sin más preámbulos, aquí están los cómics de mayo:![]()
ALL-NEW X-MEN #40 ¿Quiénes son los Utópicos? ¿Y cuál es su secreto?
CHRONONAUTS #3 (MR)Desde la antigua Roma hasta los vibrantes años 20, pasando por la escena musical ochentera, los primeros viajeros temporales continúan causando desastres en la corriente temporal, y se meten en problemas con algunas de las más notorias figuras históricas. Y eso no es todo.
FCBD 2015 SECRET WARS #1De las cenizas de un cosmos diezmado se alza… Mundo-Batalla. En este extraño reino, refugiados de miles de universos aniquilados luchan para sobrevivir. El tiempo se acaba, y la primera ráfaga de las Guerras Secretas ha sido disparada. Pero, ¿podrá el universo ser restaurado?
FCBD 2015 2000 AD SPECIALJUDGE DREDD de Matt Smith y Norm Breyfogle, THE TRAVELLER de Mike McMahon, AJAX BLOODTHIRSTY de Ben Willsher and Barry Krishna, NEMESIS THE WARLOCK de Pat Mills y Kevin O'Neill, DON'T CALL IT A COMEBACK de Rob Williams y Luca Pizzari, DAN DARE de Gerry-Finley Day y Dave Gibbons, SLÁINE de Pat Mills y Simon Davis, más JUDGE DREDD de John Wagner, Alan Grant y Ron Smith, y THARG'S ALIEN INVASIONS de Henry Flint.
FCBD 2015 LADY JUSTICE El clásico perdido de Neil Gaiman.
FCBD 2015 LEGENDARY COMICS SAMPLERANNIHILATOR, EPOCHALYPSE, A TOWN CALLED DRAGON, THE HARVESTER, THE TOWER CHRONICLES: DREADSTALKER y más obras de Grant Morrison, Frazer Irving, Matt Wagner, Simon Bisley, Judd Winick, etc.
FCBD 2015 MERCURY HEAT DEBUT (MR)Mercurio, un planeta que gira lentamente, donde no puedes dejar atrás al atardecer. Junto con el intenso calor. Esta es la nueva frontera del espacio, donde Mercurio satisface la insaciable necesidad de energía de la humanidad. Es un ambiente duro y atrae a hombres rudos. LUIZA es policía en Mercurio, porque es demasiado feroz para serlo en la Tierra.
INVINCIBLE #111 (MR)Un nuevo comienzo: las cosas dan un vuelco hacia un camino oscuro. Todo cambia cuando INVINCIBLE es traicionado por uno de los suyos.
JUPITER'S CIRCLE #2 (MR)Estados Unidos. 1958. El doctor Richard es un superhéroe y un afamado cirujano… pero tiene otra identidad que debe ser ocultada a sus colegas. Cuando el director del FBI amenaza con revelar su secreto, Richard se ve obligado a tomar una imposible decisión sin pensar en sus camaradas.![]() |
my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color) |
PROVIDENCE #1 (of 12) (MR)Deconstrucción de los conceptos de H.P. Lovecraft, reinventando su obra a lo largo de una historia de los Estados Unidos meticulosamente investigada. Todo empieza en 1919, al combinar las míticas visiones de H.P. con un escenario de intolerancia racial y sexual que definieron una era.
SANDMAN OVERTURE #5 (MR)El destino de todo el universo pende de una balanza. Sueño finalmente recibe toda la atención de su madre. Magia, alegría y guerra son llevados a la vida en las luminosas páginas de este penúltimo capítulo.
STAR WARS #4LUKE SKYWALKER aún no es un JEDI. Sólo ha conocido a un JEDI en su vida. La búsqueda de Luke lo llevará al hogar de OBI-WAN en TATOOINE.
STAR WARS #5El Imperio está capturando a los fugitivos de Aldebarán… y eso no le gusta a la Princesa. Pero, ¿cómo puede ella enfrentarse al Imperio?
THE WICKED + THE DIVINE #10El RAGNAROCK finalmente está aquí. El show definitivo que promete ser una experiencia adorable para todos los dioses… esperad. Oh no. Han dibujado a BAPHOMET todo ensangrentado en la portada. Qué hilarante error interno de comunicación. Seguramente es un error y no afecta la historia.
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In “Century”, we had the opportunity to see Elijah Snow meddling in the affairs of the Extraordinary, a group comprised of supernatural creatures (Count Dracula), men with superhuman abilities (the Invisible Man) and even a genius like Sherlock Holmes.
Although “Zero Point” (published in Planetary # 14, June 2001) is also an adventure that takes place in the past, in this opportunity we’re no longer in the 19th century but rather in the more recent year of 1995. Everything begins in the laboratory of one of Elijah Snow’s allies. The scientist has made a startling discovery: a seemingly ordinary stick is, in fact, a powerful weapon of the Four. In the same way that Dr. Donald Blake hits his walking stick against the floor to transform it into Mjolnir, and therefore, to become the mighty Thor, the object analyzed by the scientist can also be transformed into a hammer of indescribable power.
As I have pointed out many times in previous reviews, Warren Ellis has been paying homage to different cinematographic and literary genres and, most especially, to the conventions and traditions of superhero comic books. This hammer of Thor is, indeed, a weapon unlike anything mankind could produce, and it belongs to the Four.
A true Archeologist of the Impossible, Elijah Snow travels to the Four’s armory. The arsenal of Randall Dowling is so vast that an entire planet is needed to contain it. Snow is overwhelmed by the sight, row upon row of weapons extend as far as the eye can see. And as he walks through the infinite corridors of this arsenal, he steps onto countless skeletons. To make room for his weaponry, Dowling exterminated an entire world.![]() |
The hammer of the Four / el martillo de los Cuatro |
What happens next is a clever inversion of the usual rules of superhero comics. Certainly, as seasoned readers, we find it common for the Fantastic Four to be trapped by Dr. Doom or any other villain, only to use their wit and abilities to escape and defeat their enemy. In “Zero Point”, however, the opposite happens. After all, the hero is still Elijah Snow and the ultimate villains are the Four. Nevertheless, Snow prepares an ambush for William Leather and Kim Süskind (the equivalents of the Human Torch and the Invisible Woman).
So we get to see these characters, so similar to the classic creations of Stan Lee and Jack Kirby, under a whole new perspective. And, just as it so often happens in Fantastic Four, the supreme intelligence of Randall Dowling (Mr. Fantastic’s counterpart) is enough to defeat Snow and his Planetary team. Dowling performs an experimental procedure on Snow, erasing his memory. “We are old and powerful and bore easily. We enjoy the game Planetary represents. But we cannot allow ourselves to lose, Mr. Snow”, explains Dowling.
Of course, I cannot end this review without mentioning John Cassaday’s outstanding artistic contributions. From the exquisite design of the hammer of the god of thunder, to the elegant and yet dramatic composition of the Four’s arsenal. Cassaday excels in both, quiet scenes and action-packed sequences (like the fight between Leather and Jakita Wagner). I think there’s a reason why before 2001 Cassaday was still relatively unknown, it is in the pages of Planetary where the artist proves to be the most talented of that decade.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En “Siglo”, tuvimos la oportunidad de ver a Elijah Snow interviniendo en los asuntos de los Extraordinarios, un grupo compuesto por criaturas sobrenaturales (Conde Drácula), personas con habilidades sobrehumanas (el Hombre Invisible) e incluso genios como Sherlock Holmes.![]() |
the secret arsenal of the Four / el arsenal secreto de los Cuatro |
Aunque “Punto cero” (publicado en Planetary # 14, junio de 2001) es también una aventura que ocurre en el pasado, en esta oportunidad ya no estamos en el siglo XIX, sino más bien en un año más reciente: 1995. Todo comienza en el laboratorio de uno de los aliados de Elijah Snow. Un científico ha hecho un descubrimiento sorprendente: una vara de madera aparentemente normal es, de hecho, una poderosa arma de los Cuatro. De la misma manera que el Dr. Donald Blake golpea su bastón contra el suelo para transformarlo en Mjolnir, y por lo tanto, para convertirse en el poderoso Thor, el objeto analizado por el científico también se puede transformar en un martillo de poder indescriptible.![]() |
William Leather versus Jakita Wagner |
Como he señalado muchas veces en críticas anteriores, Warren Ellis ha rendido homenaje a diferentes géneros cinematográficos y literarios y, muy especialmente, a las convenciones y tradiciones de los cómics de superhéroes. Este martillo de Thor es, de hecho, un arma diferente a cualquier objeto producido por la humanidad, y pertenece a los Cuatro.
Elijah Snow, un verdadero Arqueólogo de lo Imposible, viaja a la armería de los Cuatro. El arsenal de Randall Dowling es tan grande que se necesita un planeta entero para contenerlo. Snow está abrumado por lo que ve, fila tras fila de armas se extienden hasta donde alcanza la vista. Y mientras camina por los pasillos infinitos de este arsenal, pisa innumerables esqueletos. Para hacer espacio para su armamento, Dowling exterminó un mundo entero.
Lo que sucede después es una astuta inversión de las reglas habituales de los cómics de superhéroes. Ciertamente, como lectores experimentados, nos resulta común que los Cuatro Fantásticos sean capturados por el Dr. Doom o cualquier otro villano, sólo para usar su ingenio y habilidades hasta escapar y derrotar a su enemigo. En "Punto Cero", sin embargo, ocurre lo contrario. Después de todo, el héroe sigue siendo Elijah Snow y los villanos definitivos son los Cuatro. No obstante, Snow prepara una emboscada para William Leather y Kim Süskind (los equivalentes a la Antorcha Humana y la Mujer Invisible).
Así que vemos a estos personajes, tan similares a las creaciones clásicas de Stan Lee y Jack Kirby, bajo una nueva perspectiva. Y, del mismo modo que sucede a menudo en los Cuatro Fantásticos, la inteligencia suprema de Randall Dowling (contraparte de Mr. Fantástico) es suficiente para derrotar a Snow y al equipo de Planetary. Dowling realiza un procedimiento experimental en Snow, borrándole la memoria. “Somos viejos y poderosos y nos aburrimos fácilmente. Disfrutamos el juego que Planetary representa. Pero no podemos darnos el lujo de perder, señor Snow”, explica Dowling.![]() |
Elijah Snow has been defeated / Elijah Snow ha sido derrotado |
Por supuesto, no puedo terminar esta reseña sin mencionar las notables contribuciones artísticas de John Cassaday. Desde el exquisito diseño del martillo del dios del trueno, hasta la composición elegante pero dramática del arsenal de los Cuatro. Cassaday sobresale tanto en las escenas tranquilas como en las secuencias llenas de acción (por ejemplo, la lucha entre Leather y Jakita Wagner). Creo que hay una razón por la que Cassaday seguía siendo relativamente desconocido antes del 2001, y es que es en las páginas de Planetary donde el artista demuestra por qué es el más talentoso de esa década.
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The Autumnlands make us remember the land of eternal twilight: Fairie. That mythical place where fables live. Although the Autumnlands are actually a fantastic territory in a world inhabited by animals of anthropomorphic nature. This is a world ruled by the laws of magic, a world in which the fantastic can be all too real and even mundane. Everyday life has always been a fundamental component in Busiek’s proposal (present in the superhero universe in works like “Astro City” or “Marvels” as well as in more mythological setups like “Kirby Genesis”).
“It was morning in Keneil, westernmost of the Seventeen Cities Above the Plain. The sun’s rays angled up from the east, and strong winds whistled down from the north, batering and buffeting at the shield spells, but only a few gentle breezes made it through to flutter banners and creak at the proud wickerwork of the city’s towers”. There, Dunstan, the young and inexperienced son of a powerful canine wizard learns the secrets of his era.![]() |
2: Alex Ross [] 3: Skottie Young |
Magic is failing. It has been weakening for over two centuries. And should it vanish from the Autumnlands, then all lives would be affected by its loss. In this scenario, Gharta of Daiir reunites 16 wizards to perform a complicated and dangerous spell. Their goal: to rescue the legendary Great Champion from the past in order to regenerate magic.
The Great Champion turns out to be an unknown furless, fangless and wingless species. Revolting for some, and merely peculiar for others, the champion is indeed a human being. But he doesn’t have magical powers, as folktales had suggested. He has access to highly advanced technology, which can easily be mistaken by magic.
After the destruction of the floating city of Keneil, the rivalry between Gharta and Sandorst increases. Simultaneously, Dunstan considers Goodfoot the Trader as a suspicious character. He’s right, as Goodfoot is plotting against them and a confrontation with the bison tribes is imminent. I have really enjoyed reading about the power games, the political intrigues and the backstabbing concerning the leaders: Gharta and Sandorst; and although theirs is more of a contest of wits, the final battle between the Great Champion and Seven Scars is brutally physical.![]()
In addition to the aforementioned conflicts, Busiek also inserts chapters of fictitious books written by authors from the Autumnlands. This is a narrative resource that I find most alluring, as it isn’t disruptive at all and further enriches the main plot. For instance, this is how we learn that the Great Champion comes from the distant future (he’s a soldier fighting in an unknown alien planet). The American writer knows how to appropriately combine fantasy and sci-fi elements in one sweeping narrative. The result, of course, is impressive. ![]() |
Gharta |
Busiek creates a fascinating world, rich in details and unique in its design. This is the beginning of a fantasy epic that deserves our attention. The wonderful art by Benjamin Dewey is a celebration of beauty and visual harmony (just a quick look to his gorgeous wraparound covers will prove my point). He has a unique talent when it comes to infuse the animal characters (owls, giraffes, dogs or coyotes) with proper facial expressions; a truly gifted penciler and inker, Dewey instills in them a warmth and a liveliness that are the ideal fit for such a splendid title. At last, but not least, I must say that Jordie Bellaire does a magnificent job with the coloring. Winner of the 2014 Arion's Achievement Award for Best New Series The Autumnlands: Tooth & Claw is certainly a great Image title that I would recommend for lovers of the fantastic genre.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________![]() |
Dunstan |
Las Tierras Otoñales nos hacen recordar a la región del eterno crepúsculo: Fairie. Ese lugar mítico donde viven las fábulas. Aunque las Tierras Otoñales son en realidad un territorio fantástico en un mundo habitado por animales de naturaleza antropomórfica. Se trata de un mundo regido por las leyes de la magia, un mundo en el que lo fantástico puede ser muy real e incluso mundano. La vida cotidiana siempre ha sido un componente fundamental en la propuesta de Busiek (presente en el universo de los superhéroes en obras como “Astro City” o “Marvels”, así como en trabajos más mitológicos como “Kirby Genesis”).
“Clareaba el alba en Keneil, la más occidental de las Diecisiete Ciudades Sobre la Llanura. Los rayos del sol caían en ángulo desde el este, y fuertes vientos silbaban desde el norte, azotando y dando embates al escudo de hechizos, pero sólo unas pocas suaves brisas pudieron atravesarlo, para hacer revolotear los estandartes y crujir ante la orgullosa cestería de las torres de la ciudad”. Allí, Dunstan, el joven e inexperto hijo de un poderoso mago canino aprende los secretos de su era.
La magia está fallando. Se ha debilitado durante más de dos siglos. Y en caso de que desapareciera de las Tierras Otoñales, todas las vidas se verían afectadas por dicha pérdida. En este escenario, Gharta de Daiir reúne a 16 magos para realizar un hechizo complicado y peligroso. Su objetivo: rescatar al legendario Gran Campeón del pasado con el fin de regenerar la magia.![]() |
Dunstan and his father / Dunstan y su padre |
El Gran Campeón resulta ser una especie desconocida, sin pelaje, sin colmillos y sin alas. Repulsivo para algunos, y meramente peculiar para otros, el campeón es de hecho un ser humano. Pero él no tiene poderes mágicos, como sugerían las leyendas populares. Tiene acceso a una tecnología muy avanzada, que puede ser fácilmente confundida con magia.![]() |
the Great Champion / el Gran Campeón |
Después de la destrucción de la ciudad flotante de Keneil, la rivalidad entre Gharta y Sandorst aumenta. Al mismo tiempo, Dunstan considera a Goodfoot el comerciante como un personaje sospechoso. Tiene razón, ya que Goodfoot está conspirando contra ellos y una confrontación con las tribus de los bisontes es inminente. Realmente he disfrutado leyendo sobre los juegos de poder, las intrigas políticas y las puñaladas por la espalda en relación a los líderes: Gharta y Sandorst; y aunque el suyo es más bien un concurso de ingenio, la batalla final entre el Gran Campeón y Siete Cicatrices es brutalmente física.![]() |
Seven Scars / Siete Cicatrices |
Además de los conflictos antes mencionados, Busiek también inserta capítulos de libros ficticios escritos por autores de las Tierras Otoñales. Este es un recurso narrativo que me parece sumamente atractivo, ya que no representa interrupción alguna y además enriquece la trama principal. Por ejemplo, así es como descubrimos que el Gran Campeón proviene de un futuro lejano (él es un soldado luchando en un desconocido planeta alienígena). El escritor estadounidense sabe cómo combinar adecuadamente la fantasía y la ciencia ficción en una narrativa sobrecogedora. El resultado, por supuesto, es impresionante.
Busiek crea un mundo fascinante, rico en detalles y único en su diseño. Este es el comienzo de una fantasía épica que merece nuestra atención. El maravilloso arte de Benjamin Dewey es una celebración de la belleza y la armonía visual (sólo un rápido vistazo a sus magníficas portadas dobles demuestran lo que estoy afirmando). Él tiene un talento único cuando se trata de infundir a los personajes animales (búhos, jirafas, perros o coyotes) con expresiones faciales adecuadas; un dibujante y un entintador con un don especial, Dewey inculca en ellos un calor y una vivacidad que son el toque ideal para este espléndido título. Por último, pero no menos importante, debo decir que Jordie Bellaire hace un magnífico trabajo con el coloreado. Ganadora del Arion's Achievement Award 2014 a Mejor nueva serie “The Autumnlands: Tooth & Claw” es, sin duda, una gran serie de Image que recomendaría a los amantes del género fantástico.
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I got a dozen of wonderful comics in July. There were a few first issues that I found fascinating: Waid’s Strange Fruit (good story and impressive art), Vaughan’s We Stand On Guard (which deserves its own review) and Gillen’s Mercury Heat (smart sci-fi plus lots of action scenes). Garth Ennis continues to crack me up with his All Star Section 8, it’s just so much fun. And Airboy also made me laugh out loud, amazing mini by James Robinson. It’s safe to say that in July, the best books come from Avatar, in fact, my favorite comic of the month is Moore’s Providence # 2. And now, without further ado, here are July comics as per solicitations.
AIRBOY #2 (of 4) (MR) (W) James Robinson (A) Greg Hinkle. To be announced.
ALL-STAR SECTION 8 #2 (of 6) (W) Garth Ennis (A) John McCrea. It's Green Lantern's turn in the barrel as Sixpack's quest for the eighth Section Eighter continues. But what does GL himself think about all this? Why is Sixpack hearing voices? And can Bueno Excellente really have found love? Find out in part two of the miniseries the creative team themselves are calling an unprecedented masterpiece.
CROSSED PLUS 100 #6 (MR)(W) Alan Moore (A/CA) Gabriel Andrade. The final issue of the first story arc comes to a dramatic and powerful conclusion! The truth about the Crossed outbreak and the resurgence of the miserable tribe of maniacs is revealed to Future Taylor. Alan Moore's incredible story of the inevitable conclusion to the Crossed outbreak will shock and stun you like no other tale. This multi-layered story delivers a new brand of horror to Crossed fans at the hands of the scribe that redefined the comics medium. All the covers for the series have been planned out by Alan Moore, with the images enriching and expanding on the series. Clues and glimpses of what came before, and what might be, are found throughout the variant covers. Available with Regular, American History X Wraparound, Crossed Culture, Future Tense, as well as Retailer Incentive covers of Red Crossed and Design Sketch. Also, the New World Order Wraparound (Bagged for your safety). Due to all these special protective measures this edition is strictly limited to initial orders. Don't miss out on the ultra-rare CGC Numbered Edition as well!
GRANT MORRISON'S 18 DAYS #1 From legendary creator Grant Morrison (All-Star Superman, Batman & Robin, The Invisibles), comes the first chapter in his newest creation. 18 Days is the story of three generations of super-warriors, meeting for the final battle of their age, a climactic war that concludes the age of the gods and begins the age of man. 'This is not a Lord of the Rings or a Star Wars where the good guys win because they are right. The good guys in 18 Days are forced to cheat and lie and break rules to win. Although it has fantastic, mythic trappings, this is a very modern story of realpolitik and the failure of ideals in the face of harsh truth.' - Grant Morrison. Main covers by Jeevan Kang and Mukesh Singh. Also available with Cosmic Krishna and Oracle variant covers, each limited to 1,000 copies.
JUPITER'S CIRCLE #4 (MR)(W) Mark Millar (A) Wilfredo Torres (CA) Frank Quitely. To be announced.
MERCURY HEAT #1(W) Kieron Gillen (A) Omar Francia. Blasting out of the incredible Free Comic Book Day Mercury Heat Debut comes Kieron Gillen's World-building space epic! This ongoing monthly is pure Gillen, Mercury Heat introduces the sci-fi world of the future where individuals are identified by genetic markers and personality types to fill roles in society, the troublemakers end up on Mercury. Luiza wanted to help people, she wanted with all her heart to be a police officer. But the automated Grapevine system had other plans for her. There are only a few legal options for someone branded with her neuroprofile. As an adult Luiza's dream came true - just on Mercury where she enforces laws with extreme prejudice as a bounty agent in a world of hard-as-nails miners and cyborgs. Available with Regular, Wraparound, Art Nouveau, Excessive Force, and a special Designs Incentive Cover by series artist Omar Francia. This first issue also has a Black Leather cover, limited to just 750 copies!
PROVIDENCE #2 (of 12) Portrait Cvr (MR) (W) Alan Moore (A/CA) Jacen Burrows. In this giant-size, ad-free, second issue, Alan Moore's breathtaking epic PROVIDENCE continues to weave a complex tapestry of modern horror. With his artistic partner Jacen Burrows, they lead the main character Robert Black on the first leg of his exploration of the seedy underbelly of America. Moore has designed every cover, every single page, and every nuance of this work to create his most fully-realized vision to date. There are no ads, with all 40 pages written by Moore. Painstakingly researched, meticulously produced, this is a sequential masterpiece that will serve as important a call to the next generation of comic book writers as Watchmen did 30 years ago: this is a definitive demonstration of just how good a comic book can be. Available with Regular, Pantheon, Portrait, Dreamscape Wraparound, Women of HPL, and a special Ancient Tome Incentive cover, all by collaborator Jacen Burrows.
SECRET WARS #1 (W) Jonathan Hickman (A) Esad Ribic (CA) Alex Ross.
SILVER SURFER #9(W) Dan Slott (A) Michael Allred. This is the moment everything changes. • There is no coming back from this. SILVER SURFER VS. GALACTUS! Don't read this comic alone. You're going to need someone close by. Rated T+
STRANGE FRUIT #1 (W) Mark Waid (A) J. G. Jones. What's to Love: Two of the industry's most respected and prolific creators come together for the first time in a deeply personal passion project. J.G. Jones (52, Wanted, Y: The Last Man) and Mark Waid (Irredeemable, Superman: Birthright, Kingdom Come) take on a powerful, beautifully painted story set during the Great Mississippi Flood of 1927. Strange Fruit is a challenging, provocative examination of the heroic myth confronting the themes of racism, cultural legacy, and human nature through a literary lens, John Steinbeck's classic novel, Of Mice and Men. What It Is: It's 1927 in the town of Chatterlee, Mississippi, drowned by heavy rains. The Mississippi River is rising, threatening to break open not only the levees, but also the racial and social divisions of this former plantation town. A fiery messenger from the skies heralds the appearance of a being, one that will rip open the tensions in Chatterlee. Savior, or threat? It depends on where you stand. All the while, the waters are still rapidly rising…
WE STAND ON GUARD #1 SAGA writer BRIAN K. VAUGHAN teams with artistic legend and MATRIX storyboard artist STEVE SKROCE for an action-packed military thriller that will have everyone talking. 100 years from now, a heroic band of Canadian civilians must defend their homeland from invasion...by the United States of America! The hyper-detailed combat between badass freedom fighters and giant f***ing robots begins with a spectacular 40-PAGE FIRST ISSUE for the regular price of just $2.99!
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En julio recibí una docena de maravillosos cómics. Hubo varios primeros números que me parecieron fascinantes: “Strange Fruit” de Waid (buena historia e impresionante arte), “We Stand On Guard” de Vaughan (que merece su propia reseña) y “Mercury Heat” de Gillen (ciencia ficción inteligente y mucha acción). Garth Ennis me ha hecho reír a carcajadas con “All Star Section 8” (divertidísimo). Y “Airboy”, la asombrosa miniserie de James Robinson, también me ha hecho reír una y otra vez. Es justo afirmar que en julio, los mejores títulos vienen de Avatar, de hecho, mi cómic favorito del mes es “Providence” # 2 de Moore. Y ahora, sin más preámbulos, aquí están los cómics de julio.
AIRBOY #2 (of 4) (MR)(W) James Robinson (A) Greg Hinkle.
ALL STAR SECTION 8 #2 (of 6)Es el turno de GREEN LANTERN, mientras la búsqueda de SIXPACK continúa. Pero ¿qué es lo que GL piensa sobre esto? ¿Por qué SIXPACK escucha voces? ¿Y podrá Bueno Excelente encontrar el amor?
CROSSED PLUS 100 #6 (MR)La dramática y poderosa conclusión del primer arco argumental. Taylor descubre la verdad sobre los infectados y la resurgencia de las miserables tribus de maniáticos. Un relato impactante e increíble.
GRANT MORRISON'S 18 DAYS #1“18 días” es la historia de tres generaciones de súper-guerreros, reunidos para la batalla final de su era, una guerra que concluirá la edad de los dioses y dará comienzo a la era del hombre. 'Esto no es un Señor de los Anillos o una Guerra de las galaxias, donde los buenos ganan porque tienen razón. Los buenos en “18 días” se ven obligados a engañar y mentir y romper las reglas para ganar. Aunque tiene atavíos fantásticos y míticos, esta es una historia muy moderna sobre la política real y el fracaso de los ideales al ser enfrentados a la dura verdad' - Grant Morrison.
JUPITER'S CIRCLE #4(W) Mark Millar (A) Wilfredo Torres (CA) Frank Quitely.
MERCURY HEAT #1Esta nuevo título nos acerca al mundo de la ciencia ficción en un futuro en el que los individuos se identifican mediante marcadores genéticos y tipos de personalidad para desempeñar sus roles en la sociedad, los alborotadores terminan en Mercurio. LUIZA quería ayudar a la gente, y quería con todo su corazón ser un agente de policía. Pero el sistema automatizado GRAPEVINE tenía otros planes para ella. Sólo hay unas pocas opciones legales para alguien marcada con ese perfil neurológico. En la edad adulta, su sueño se hace realidad - en Mercurio donde ella hace cumplir las leyes con violencia extrema al ser una caza-recompensas en un mundo duro.
PROVIDENCE #2 (of 12) (MR)La épica de Alan Moore sigue tejiendo un complejo tapiz de terror moderno, conduciendo al protagonista Robert Black en los primeros pasos de su exploración por el lado sórdido de Estados Unidos. Moore ha diseñado todas las portadas, cada página, y todos los matices de esta obra para hacerle justicia a su visión. No hay anuncios, y todas las 40 páginas están escritas por Moore. Cuidadosamente investigada, meticulosamente producida, esta es una obra maestra secuencial que será tan importante para la nueva generación de escritores de cómics como lo fue Watchmen hace 30 años: se trata de una manifestación definitiva de lo bueno que puede ser un comic book. Disponible con portada regular, Panteón, Retrato, Dreamscape Wraparound, Mujeres de HPL, y una portada especial de tomos antiguos, todas de Jacen Burrows.
SECRET WARS #1(W) Jonathan Hickman (A) Esad Ribic (CA) Alex Ross.
SILVER SURFER #9Este es el momento en el que todo cambia. Y no habrá vuelta atrás. El duelo definitivo: SILVER SURFER versus GALACTUS.
STRANGE FRUIT #1¿Qué más se puede pedir? Dos de los creadores más respetados y prolíficos de la industria se reúnen por primera vez en un proyecto que los apasiona profundamente. J. G. Jones (“52”, “WANTED”, “Y: THE LAST MAN”) y Mark Waid (“IRREDEEMABLE”, “SUPERMAN: BIRTHRIGHT”, “KINGDOM COME”) narran una poderosa historia, maravillosamente pintada y ambientada durante la gran inundación de Mississippi de 1927. Una examinación retadora y provocativa del mito heroico que enfrenta los temas de racismo, legado cultural y la naturaleza humana a través del lente literario de la novela clásica de John Steinbeck “De ratones y hombres”. Es 1927 en el pueblo de CHATTERLEE, Mississippi, inundado por las fuertes lluvias. El río Mississippi está aumentando, amenazando con romper no sólo los diques, sino también las divisiones raciales y sociales de esta antigua plantación. Un feroz mensajero de los cielos anuncia la aparición de un ser que hará estallar las tensiones en el pueblo. ¿Salvador o amenazador? Depende de dónde está uno parado. Al mismo tiempo, las aguas siguen subiendo rápidamente...
WE STAND ON GUARD #1100 años en el futuro, una heroica banda de civiles canadienses debe defender a su patria de la invasión... ¡de los Estados Unidos de América! El combate híper-detallado entre los luchadores de la libertad y los robots gigantea comienza con una espectacular primera edición de 40 páginas.
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I think we’re all familiar with martial arts movies. For decades, entire generations of moviegoers have enjoyed the classic fights and the dance-resembling combats between Kung-Fu and/or Karate masters. If in previous issues Warren Ellis had reinterpreted Godzilla movies, pulp novels, B movies from the 50s and countless other elements from pop culture, this time the main plot revolves around the Eastern warrior named Hark.
As we saw on “All Over the World”, Hark along with Doc Brass and other heroes were the equivalent of the Justice League in the 40s. Hark fell in battle protecting mankind, and as was described in “The Good Doctor”, Hark’s daughter took her father’s inventions and created a very profitable company: the Hark Corporation. This dark corporation would later on follow the guidelines of Randall Dowling (leader of the Four), and thus the once honorable name of Hark would get involved in concentration camps and in the slaughter of hundreds of men, as seen in “The Day the Earth Turned Slower”.
“Hark” (published in Planetary # 16, October 2003), is a pivotal point in the Planetary saga for two reasons: first, it marks a hiatus of two years between this and the previous issue (Planetary # 15, from 2001), which was much longer than the usual pause of 3 or 4 months between issues. A high-caliber artist like Cassaday could not, and should not, churn out 22 pages a month; for someone like Cassaday, time is a precious commodity, and the longer he takes to complete a project, the better it looks in the end. As I’ve pointed out in every review, Planetary works so well because of Cassaday’s art. I don’t think any other artist in the American industry could have been better suited for Ellis’ ambitious series.![]() |
martial arts movies / películas de artes marciales |
The second reason why this is such a meaningful chapter is because the British writer finally confronts us with the Hark legacy. Everything begins with an impressive fighting choreography that reminds us of the fantasy and magical elements in films such as Ang Lee’s “Crouching Tiger, Hidden Dragon” and Yimou Zhang's “Curse of the Golden Flower”. The sequence, beautifully illustrated by Cassaday, is an example of graceful movements, dynamism and visual strength.
In the final pages, Elijah Snow, as defiant as ever, shows up in Anna Hark’s office. She explains why she decided to make an alliance with the Four, as she believed they could never be defeated. But now that Snow has recovered his memory and his powers, things are about to change. Anna Hark affirms that she has “managed to give the world things, despite the Four”. And Snow replies harshly “crumbs, from a very rich table”. Once again, Ellis reminds us of the vast knowledge, the groundbreaking technology and the access to unlimited resources that have become an exclusive privilege of the Four. Like an evil version of the Fantastic Four, these quartet of dictators would rather annihilate humankind before sharing their treasures. Finally, with the help of Jim Wilder, Anna Hark promises to support Snow and the Planetary team.
In addition to Cassaday’s brilliant art, colorist Laura Martin (Laura Depuy in earlier issues), helps create a unique atmosphere with a subtle and yet rich color palette. Award-winning letterer Richard Starkings also does an outstanding job. Lettering has always been an important factor in the series, as each cover has a completely different design from the previous one, everything from the logo to the title’s fonts changes from one issue to the next, showing the commitment of this creative team when it comes to producing innovative material without recycling, not even once, any of their former designs.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________![]() |
extraordinary fighting sequence / extraordinaria secuencia de pelea |
Creo que todos estamos familiarizados con las películas de artes marciales. Durante décadas, generaciones de espectadores han disfrutado con las peleas clásicas y el combate semejante a una danza entre maestros del Kung-Fu y/o del Karate. Si en ediciones anteriores Warren Ellis había reinterpretado las películas de Godzilla, las novelas pulp, las películas de serie B de los años 50 y un sinnúmero de elementos de la cultura pop, esta vez la trama principal gira en torno al guerrero oriental llamado Hark.
Como vimos en “Por todo el mundo”, Hark junto con Doc Brass y otros héroes eran el equivalente de la Liga de la Justicia en los años 40. Hark muere en batalla, protegiendo la humanidad, y como se describe en “El buen doctor”, la hija de Hark tomó los inventos del padre y creó una empresa muy rentable: Hark Corporation. Esta corporación oscura terminaría siguiendo las directrices de Randall Dowling (líder de los Cuatro), y por lo tanto el alguna vez honorable nombre de Hark se involucraría en campos de concentración y en la masacre de cientos de hombres, como vimos en “El día que la Tierra se volvió más lenta”.
"Hark" (publicado en Planetary # 16, octubre de 2003), es un momento fundamental en la saga de Planetary por dos razones: en primer lugar, marca un paréntesis de dos años entre este y el número anterior (Planetary # 15, de 2001), una pausa mucho más larga que la habitual de 3 o 4 meses entre ejemplares. Un artista de alto calibre como Cassaday no podía, y no debería, producir mecánicamente 22 páginas al mes; para alguien como Cassaday, el tiempo es un bien muy preciado, y cuanto más tiempo se tarda en completar un proyecto, mejor se ve al final. Como he señalado en todas las reseñas, Planetary funciona tan bien gracias al arte de Cassaday. No creo que ningún otro artista en la industria estadounidense podría haber sido más adecuado para la ambiciosa serie de Ellis.![]() |
Snow & Hark |
La segunda razón que hace de este un capítulo tan significativo es que el escritor británico finalmente nos confronta con el legado Hark. Todo comienza con una impresionante coreografía de lucha que nos recuerda la fantasía y los elementos mágicos en películas como “El Tigre y el Dragón” de Ang Lee y “La maldición de la flor dorada” de Yimou Zhang. La secuencia, bellamente ilustrada por Cassaday, es un ejemplo de movimientos gráciles, dinamismo y fuerza visual.
En las páginas finales, Elijah Snow, tan desafiante como siempre, se presenta en la oficina de Anna Hark. Ella explica por qué decidió hacer una alianza con los Cuatro, al creer que nunca podrían ser derrotados. Pero ahora que Snow ha recuperado su memoria y sus poderes, las cosas están a punto de cambiar. Anna Hark afirma que ha “logrado darle cosas al mundo, a pesar de los Cuatro”. Y Snow responde con dureza “migajas de una mesa muy rica”. Una vez más, Ellis nos recuerda el vasto conocimiento, la tecnología innovadora y el acceso a ilimitados recursos que se han convertido en un privilegio exclusivo de los Cuatro. Como una versión malvada de los Cuatro Fantásticos, este cuarteto de dictadores preferiría aniquilar a la humanidad antes de compartir sus tesoros. Finalmente, con la ayuda de Jim Wilder, Anna Hark promete apoyar a Snow y al equipo de Planetary.![]() |
Jim Wilder |
Además del brillante arte de Cassaday, la colorista Laura Martin (Laura Depuy en números anteriores), ayuda a crear una atmósfera única, con una paleta de colores sutiles y a la vez ricos. El galardonado rotulista Richard Starkings también hace un trabajo excepcional. El rotulado siempre ha sido un factor importante en la serie, ya que cada portada tiene un diseño completamente diferente al del número anterior, todo, desde el logotipo hasta las fuentes de letras cambia de un ejemplar al otro, mostrando el compromiso de este equipo creativo a la hora de producir material innovador y sin reciclar, ni siquiera una vez, diseños pasados.
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September 2, 2015, 7:59 am
In August, while moviegoers were attending film festivals, I had a festival of my own. So let’s begin with While We're Young (2014), Noah Baumbach’s return to greatness (especially after a couple of somewhat irregular productions). Ben Stiller (Greenberg) and Naomi Watts (The Impossible) are turning 40 and they refuse to accept society’s demands; they’ll feel revitalized when they meet a young couple, Adam Driver (Girls) and Amanda Seyfried (Les Misérables). Deeply introspective and meaningful, Baumbach’s proposal echoes the concerns of many intellectuals. I, for one, was absolutely fascinated by the way the filmmaker explores the nature of documentaries, the generational gap and the lack of communication in a hyper-connected world. The cast also includes talented young actor Brady Corbet (famous for his role as a sexually abused kid on Mysterious Skin).
Doug Liman’s Edge of Tomorrow (2014) is an action-packed, sci-fi adventure about time travels and alien invasions. Tom Cruise (The Last Samurai) is a soldier doomed to relive the same day over and over, constantly defeated by the aliens, until he meets Emily Blunt (Wild Target). I just loved all the alternative timelines and the complex plan the protagonists must come up with to win. This one really kept me on the edge of my seat. It’s that good.
Luc Besson writes and directs Lucy (2014), a sci-fi odyssey about humanity and the power of the mind. Scarlett Johansson (Lost in Translation) unwillingly receives an experimental drug that exponentially enhances her brain capacity, and in her quest for answers she runs into Morgan Freeman (The Shawshank Redemption). There are some very interesting concepts here and some remarkable scenes, but Lucy isn’t nearly as good as Léon or The Fifth Element.
Randall Miller’s CBGB (2013) is a wonderful biopic about Hilly Kristal, masterfully played by Alan Rickman (Gambit), founder of a very peculiar bar in one of the poorest areas of New York in the 60s. Against all odds, the bar becomes a magnet for talented musicians, and many famous bands start playing there. CBGB is hilarious, wild and heartbreaking too. Like the best music, CBGB is something you feel in your guts instead of something you simply watch. The cast includes a lot of famous young actors such as Kyle Gallner (Red State), Rupert Grint (Harry Potter) and Keene McRae.
Seven Psychopaths (2012) is an explosion of humor, blood and viscera, courtesy of director and screenwriter Martin McDonagh. Colin Farrell (Fright Night) is an alcoholic writer trying to finish his latest script about 7 dangerous psychopaths. He’s assisted by Sam Rockwell (The Way Way Back), antagonized by Woody Harrelson (True Detective), accompanied by Christopher Walken (Jersey Boys) and ignored by Michael Pitt (Boardwalk Empire). Clever ideas, very emotive moments and original narrative resources turn this into a must-see.
It’s A Disaster (2012) is a dark comedy written and directed by Todd Berger. Julia Stiles (Dexter) goes to a friend’s house for a Saturday brunch. Dysfunctional couples, bickering and jealousies are the preamble for something far more sinister: the end of the world. I really enjoyed Berger’s highly satirical production.
Jean-Pierre Jeunet’s Micmacs à tire-larigot (2009) is French surrealism at its finest. Dany Boon, a homeless man, is befriended by a group of clochards and misfits. Together they fight against weapons manufacturers. Although impeccably filmed and creatively crafted, Micmacs would’ve been better with a more solid script.
The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover (1989) is a remarkable British film written and directed by Peter Greenaway. A very sophisticated mise-en-scène, impressive soundtrack and exquisite costumes by Jean-Paul Gaultier come together in this shocking and brutal portray of the vilest aspects of society as seen from the perspective of a crime boss, played by Michael Gambon (Harry Potter), and his tormented wife, Helen Mirren (Woman in Gold). The acting is magnificent and the scenes are truly unforgettable. I definitely recommend this one.
Steven Spielberg’s Raiders of the Lost Ark (1981) was a fan-favorite hit, and although I had fond memories of it, watching it again after 20 years or so just proves that some movies do not age well. There are so many plot holes and bad moments here, but despite all that Harrison Ford (Cowboys & Aliens) makes the movie work.
This month I also had the chance to watch a dozen of short films: Surprise (2015) is a sweet and funny story about coming out of the closet, focusing on high school student Austin Fryberger and his mother.
Written and directed by Samuel Leighton-Dore, Showboy (2014) is an astonishing Australian short film. Lucas Pittaway (famous for his role as a rape victim in Snowtown) is a teenager constantly abused by Matt Levett (who was also a rape victim in Grammar Boys), but despite all the beatings and physical pain, he still manages to sneak away from home to perform at a drag queens show. The protagonist faces homophobia but he’s a strong fighter, relentless and courageous; and that’s the spirit of this cruel and yet subtle story.
Christopher R. Brown writes and directs Remission (2014), a somber post-apocalyptical tale (set in England) about a gay couple (Cai Brigden and Teddy Nicholas) trying to survive after a deadly virus has infected the population. When the two guys find Antony De Liseo, a seemingly defenseless boy, everything changes. And what was once harmless becomes lethal. I’d consider this an innovative approach to LGBT cinema. Good Morning (2014), directed by Stephen Dunn and Peter Knegt, is a revealing chronicle about loneliness, immaturity and homosexuality centered on Peter Knegt, a 30-year old man that wakes up next to Oliver Skinner, an underage teenager. Insightful and spontaneous, Knegt aptly depicts the concerns of his protagonist.
Dominic Haxton had already surprised me with We Are Animals. Tonight It’s Me (2014) is another example of Haxton’s ability to titillate and scandalize. Jake Robbins (Teens Like Phil) is a kid trapped in the prostitution business; he lives a miserable life until one day, after cleaning his cum-covered t-shirt, he falls in love with a transgendered client. Here, sex exploitation is dramatic and at the same time thought-provoking.
Philip J. Connell’s Kissing Drew (2013) is a lighthearted take on high school crushes. Eden Ocean Sanders is constantly daydreaming about kissing his classmate Ben Hargreaves. An amusing and cheerful tale about early gay romance.
From the Netherlands comes Uitgesproken (2013), written and directed by Dylan Tonk and Lazlo Tonk. Joël Mellenberg is a heterosexual boy who discovers his friends Josha Stradowski and Leendert de Ridder are actually gay; at first he rejects them, but in the end he understands why he must be tolerant. Skillfully filmed and superbly acted, this is the kind of short film I value the most. Anna Nolskog writes and directs Boygame (2013). Charlie Gustafsson and Joakim Lang are a couple of horny teenagers who can’t wait to lose their virginity, unfortunately, girls don’t seem to pay attention to them. So they decide to “practice” on each other; they go from mutual masturbation to fellatio until they’re ready (or at least they think they are) to have anal sex. Nolskog explores the notion of friendship, sexual confusion and innocence in a delightful, honest and highly erotic manner. An outstanding Swedish production.Ett sista farväl (2013) also comes from Sweden. Director Casper Andreas shares with us a moving story about old age and the need for a last farewell, and it cuts right to the chase, avoiding unnecessary melodrama.
Diego Carvalho Sá’s Antes de palavras (2013) is a very creative Brazilian retelling of the boy meets boy storyline. Maurício Destri and Henrique Larré are high school students who slowly start feeling attracted to each other. Too shy to strike up a conversation, they eventually meet at the school library.
From Argentina comes Lucas Mac Dougall’s Anochecer (2012), an intimate reinterpretation of friendship and sexuality. Leandro Gauto and Juan Yarcho are two teenagers that spend the night together, except that instead of sleeping they end up doing something else. The final scene is delicate and tender. I liked it.At last, but not least, from France comes Mon copain Rachid (1998), written and directed by Philippe Barassat. Jonathan Reyes (famous for his role as a gay teen in Juste un peu de réconforte) is a young boy who becomes obsessed with the penis of his best friend, Nordine Mezaache (who, in exchange for money, allows himself to be touched). The pains of growing up are paired with feelings of inadequacy in this short film that seems to pay homage to Lacan’s concept of the phallus and the floating signifier. Sexually suggestive and provocative at times, this is one of the best French short films I’ve seen in a long time.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En agosto, mientras algunos asistían al festival de cine, yo organicé mi propio festival. Así que empecemos con “While We're Young” (2014), de un Noah Baumbach nuevamente en forma (especialmente después de un par de producciones algo irregulares). Ben Stiller (Greenberg) y Naomi Watts (The Impossible) son un par de cuarentones que se niegan a aceptar las demandas de la sociedad; ambos se sienten revitalizados al conocer a una pareja de jóvenes, Adam Driver (“Girls”) y Amanda Seyfried (“Les Misérables”). Profundamente relevante e introspectiva, la propuesta de Baumbach hace eco a las preocupaciones de muchos intelectuales. Yo, por ejemplo, me sentí absolutamente fascinado por la forma en la que el cineasta explora la naturaleza de los documentales, la brecha generacional y la falta de comunicación en un mundo híper-conectado. El reparto también incluye al joven y talentoso actor Brady Corbet (famoso por su papel como un chico abusado sexualmente en Mysterious Skin).
“Edge of Tomorrow” (2014), de Doug Liman, es una aventura de ciencia ficción sobre viajes temporales e invasiones alienígenas, con mucha acción. Tom Cruise (The Last Samurai) es un soldado condenado a revivir el mismo día una y otra vez, constantemente derrotado por los extraterrestres, hasta que conoce a Emily Blunt (Wild Target). Me encantaron todas las líneas temporales alternativas y el complejo plan urdido por los protagonistas; todo esto me mantuvo en vilo. Y eso siempre es bueno.
Luc Besson escribe y dirige “Lucy” (2014), una odisea de ciencia ficción sobre la humanidad y el poder de la mente. Scarlett Johansson (Lost in Translation) recibe involuntariamente una droga experimental que aumenta exponencialmente su capacidad cerebral, y en su búsqueda de respuestas se encuentra con (The Shawshank Redemption). Hay algunos conceptos muy interesantes aquí y algunas escenas notables, pero “Lucy” no está al mismo nivel de cintas como “Léon” o “The Fifth Element”.“CBGB” (2013), de Randall Miller, es una estupenda biografía de Hilly Kristal, magistralmente interpretado por Alan Rickman (Gambit), fundador de un bar muy peculiar en una de las zonas más pobres de New York en los 60s. Contra todo pronóstico, el bar se convierte en un imán para los músicos talentosos, y muchos grupos famosos empiezan a tocar allí. “CBGB” es hilarante, salvaje e incluso desgarradora. Al igual que la mejor música, “CBGB” retumba en las entrañas. El reparto incluye a una gran cantidad de reconocidos actores jóvenes como Kyle Gallner (Red State), Rupert Grint (Harry Potter) y Keene McRae.“Seven Psychopaths” (2012) es una explosión de humor, sangre y vísceras, cortesía del director y guionista Martin McDonagh. Colin Farrell (Fright Night) es un escritor alcohólico que intenta terminar su último guión acerca de 7 psicópatas peligrosos. Él es ayudado por Sam Rockwell (The Way Way Back), antagonizado por Woody Harrelson (“True Detective”), acompañado por Christopher Walken (Jersey Boys) e ignorado por Michael Pitt (“Boardwalk Empire”). Ideas ingeniosas, momentos muy emotivos y recursos narrativos originales hacen que esta película sea imprescindible.
“It’s A Disaster” (2012) es una comedia negra escrita y dirigida por Todd Berger. Julia Stiles (Dexter) va a la casa de una amiga para un brunch sabatino. Las parejas disfuncionales, las riñas y los celos son el preámbulo de algo mucho más siniestro: el fin del mundo. Disfruté mucho esta producción sumamente satírica.
“Micmacs à tire-larigot” (2009), de Jean-Pierre Jeunet, es una buena dosis de surrealismo francés. Dany Boon, un hombre sin hogar, se hace amigo de un grupo de clochards e inadaptados. Juntos luchan contra los fabricantes de armas. Aunque está impecablemente filmada y creativamente elaborada, Micmacs hubiese sido mejor con un guión más sólido.“The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover” (1989) es una notable película británica escrita y dirigida por Peter Greenaway. Una mise-en-scène de gran sofisticación, impresionante banda sonora y exquisitos trajes de Jean-Paul Gaultier convergen en este retrato impactante y brutal de los aspectos más viles de la sociedad, vistos desde la perspectiva de un jefe del crimen, interpretado por Michael Gambon (Harry Potter), y su atormentada esposa, Helen Mirren (Woman in Gold). La actuación es magnífica y las escenas son realmente inolvidables. Definitivamente la recomiendo.
“Raiders of the Lost Ark” (1981), de Steven Spielberg, fue un éxito en su momento, y aunque tenía buenos recuerdos del Arca perdida, mirándola nuevamente después de 20 años demuestra que algunas películas no envejecen bien. Hay tantos huecos argumentales y momentos flojos, pero a pesar de todo Harrison Ford (Cowboys & Aliens) hace que la película funcione.
Este mes también tuve la oportunidad de ver una docena de cortometrajes: “Surprise” (2015) es una dulce y graciosa historia sobre "salir del closet", centrándose en un estudiante de secundaria, Austin Fryberger, y su madre.
“Showboy” (2014), escrita y dirigida por Samuel Leighton-Dore, es un asombroso cortometraje australiano. Lucas Pittaway (famoso por su papel como un muchacho violado en Snowtown) es un adolescente constantemente abusado por Matt Levett (quien también fue víctima de una violación en Grammar Boys), pero a pesar de todas las palizas y el dolor físico, él se las arregla para escabullirse de casa y presentarse en un espectáculo de drag queens. El protagonista se enfrenta a la homofobia, pero es un peleador fuerte, incansable y valiente; y ese es el espíritu de esta historia cruel y a la vez sutil.
Christopher R. Brown escribe y dirige “Remission” (2014), un sombrío relato post-apocalíptico (que transcurre en Inglaterra) sobre una pareja gay (Cai Brigden y Teddy Nicholas) que intentará sobrevivir luego de que un virus mortal ha infectado a la población. Cuando los dos hombres encuentran a Antony De Liseo, un muchacho aparentemente indefenso, todo cambia. Y lo que antes era inofensivo se convertirá en algo letal. Considero que este es un enfoque innovador para el cine LGBT. “Good Morning” (2014), dirigida por Stephen Dunn y Peter Knegt, es una crónica reveladora sobre la soledad, la inmadurez y la homosexualidad centrada en Peter Knegt, un hombre de 30 años que se despierta al lado de Oliver Skinner, un adolescente menor de edad. Con perspicacia y espontaneidad, Knegt representa adecuadamente las preocupaciones de su protagonista.Dominic Haxton ya me había sorprendido con We Are Animals. “Tonight It’s Me” (2014) es otro ejemplo de la capacidad de Haxton para incitar y escandalizar al público. Jake Robbins (Teens Like Phil) es un chiquillo atrapado en el negocio de la prostitución; vive una vida miserable hasta que un día, después de limpiar su camiseta embarrada de semen, se enamora de un cliente transexual. Aquí, la explotación sexual es dramática y al mismo tiempo invita a la reflexión.
“Kissing Drew” (2013), de Philip J. Connell, aborda de manera desenfadada los enamoramientos colegiales. Eden Ocean Sanders fantasea constantemente con besar a su compañero de clases, Ben Hargreaves. Una historia divertida y alegre sobre el romance a temprana edad.
“Uitgesproken” (2013), escrita y dirigida por Dylan Tonk y Lazlo Tonk, fue producida en los Países Bajos. Joël Mellenberg es un muchacho heterosexual que descubre que sus amigos Josha Stradowski y Leendert De Ridder son gays; en un primer momento él los rechaza, pero al final entiende por qué tiene que ser tolerante. Hábilmente filmada y con actuaciones de primer nivel, este es el tipo de cortometraje que siempre valoro.Anna Nolskog escribe y dirige “Boygame” (2013). Charlie Gustafsson y Joakim Lang son un par de adolescentes cachondos que están impacientes por perder su virginidad; desafortunadamente, las chicas no les prestan atención. Así que ellos deciden "practicar" el uno con el otro; van desde la masturbación mutua a la felación hasta que están listos (o al menos creen estarlo) para tener sexo anal. Nolskog explora la noción de la amistad, la confusión sexual y la inocencia de una manera agradable, honesta y erótica. Una producción sueca excepcional.“Ett sista farväl” (2013) también es de Suecia. El director Casper Andreas comparte con nosotros una conmovedora historia sobre la vejez y la necesidad de un último adiós, y va directo al grano, evitando melodramas innecesarios.
“Antes de palavras” (2013), de Diego Carvalho Sá, reinterpreta el argumento "chico conoce a chico". Maurício Destri y Henrique Larré son estudiantes de secundaria que poco a poco comienzan a sentirse atraídos el uno por el otro. Demasiado tímidos para entablar una conversación, eventualmente se reúnen en la biblioteca de la escuela. Un creativo cortometraje de Brazil.
Desde Argentina llega “Anochecer” (2012), de Lucas Mac Dougall, una mirada íntima a la amistad y la sexualidad. Leandro Gauto y Juan Yarcho son dos jovencitos que pasan la noche juntos, excepto que en lugar de dormir terminan haciendo otra cosa. La escena final es delicada y tierna. Vale.Por último, pero no menos importante, “Mon copain Rachid” (1998), escrita y dirigida por Philippe Barassat. Jonathan Reyes (famoso por su papel como un adolescente gay en Juste un peu de réconforte) es un chico que se obsesiona con el pene de su mejor amigo, Nordine Mezaache (quien, a cambio de dinero, acepta ser tocado). El paso de la infancia a la adolescencia se combina con sentimientos de inadecuación en este cortometraje que parece homenajear el concepto de Lacan del falo y del deslizamiento del significante. Sexualmente sugerente y cautivador, este es uno de los mejores cortometrajes franceses que he visto en mucho tiempo.
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September 3, 2015, 4:02 pm
The 80s sure were a milestone for American comic books, and in the same decade Spain would proudly celebrate the so-called boom of adult comics. Childish publications and imitations of foreign material would disappear, and a proper comic industry of the highest quality would start taking form. However, a decade later, the Spanish crisis left comic companies in bankruptcy. That's why now, 30 years after this golden era, readers have barely heard of great authors like Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura and many others.
Josep Maria Beà i Font, an author from Barcelona, rose to fame with “Tales from the galactic tavern” (published in “1984”, a science fiction magazine edited by Josep Toutain). However, he always had a preference for surrealism and fantasy (in a Salvador Dali-meets-comics sort of way). “Josep M Beà's peculiar philosophy, the way he analyzes life, his intellectual and critical sense of humor and his human values, which are reflected in these works, turn this author into one of the most unusual comic creators of the world”. Indeed, these are the elements that are channelized in "The Wall" (serialized in 1983 and published as a trade paperback in 1987), a delicious graphic novel full of metaphors, thoughts and surrealism in its purest form.
Cat, the protagonist of the story is a feline trapped in a huge ship built out of stone that navigates through a nonexistent ocean. Countless individuals of different animal or humanoid species are in the ship. They all experience a slow and agonizing journey in which nothing seems to make sense. In this incredible setting, Cat misses his family and remembers nostalgically his past and the Spanish society, still recovering from Franco's dictatorship.![]() |
Cat in a fight / Gato en una pelea |
Cat remembers the hypocrite priests from his religious school, sadistic men who would find pleasure instilling fear into the kids hearts, describing hell and making them feel guilty for all the “sins” of the flesh. However, despite this bleak context, there is a prevailing good mood, a sardonic tone, a knowing wink as well as the author's ironic laughter. Challenging, yet honest, Josep Maria Beà reveals how perverted these priests actually were; and at the same time he underlines the cleverness, the slyness and the ingenuity of school students.
While the stone ship continues its voyage, the crewmen begins to lose their calm and their sanity. Cat, at some point, must fight to preserve his life. Of course, there will be all kinds of unexpected problems on board, such as the inexplicable appearance of a beautiful woman, the only one in the vessel, a very horny female that demands from Cat the kind of sexual intercourse that would be inadmissible in any other story: the feline-human carnal union. Finally, Cat and the rest of the crew abruptly land on a strange jungle. Hidden behind the vegetation, Cat will find the mysterious wall that, so far, no one has been able to cross alive.![]() |
Cat is easily seduced / Gato es fácilmente seducido |
Josep Maria Beà shows here all his talent not only as a writer but also as a penciler and an inker. With fine and delicate lines, the Catalan artist gives his characters -mostly anthropomorphic cats- great expressiveness, while giving free rein to his imagination with insane designs that consolidate the atmosphere of this graphic novel. Finally, Beà is also in charge of lettering and coloring, making an effort with the use of watercolors and hand-painted panels. Undoubtedly, this is a spectacular work that deserves to be read over and over again.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Mientras que los años 80 fueron un hito de innegable importancia para el panorama estadounidense de cómics, en esa misma década España celebraría el así llamado Boom del cómic adulto. Atrás quedaba la época de publicaciones infantiloides o remedos de material extranjero, y se empezaba a consolidar una industria de primer nivel, que no tenía nada que envidiarle a ningún vecino europeo o del otro lado del Atlántico. Sin embargo, una década más tarde, la crisis española dejó en la bancarrota a las editoriales de cómics. Es por eso que ahora, 30 años después de aquella edad de oro, hay lectores que no conocen ni recuerdan a los grandes autores de antaño, como Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura, entre otros. ![]() |
Buying a sex doll / comprando una muñeca inflable |
El autor barcelonés Josep Maria Beà i Font alcanzó la fama con “Historias de la taberna galáctica” (publicada en “1984”, la revista pionera de ciencia ficción de Josep Toutain). Sin embargo, siempre tuvo una predilección por la fantasía de corte surrealista (al mejor estilo de un Salvador Dalí en versión viñetas). “La curiosa filosofía con que Josep M Beà analiza la vida, su intelectual y crítico sentido del humor y sus valores humanos, que se proyectan en sus obras, convierten a este autor en uno de los más insólitos creadores del cómic mundial”. Precisamente, son estos los elementos que convergen en “La muralla” (serializada en 1983 y publicada en formato álbum en 1987), una deliciosa novela gráfica cargada de metáforas, reflexiones y surrealismo en su estado más absurdo y puro.
Gato, el protagonista de la historia, es un felino atrapado en un inmenso navío de piedra que surca un océano inexistente. Innumerables individuos de diversas especies animales o humanoides lo acompañan en un viaje lento y agónico en el que nada parece tener sentido. En este increíble escenario, Gato añora a su familia y recuerda lleno de nostalgia su pasado, firmemente anclado a una sociedad española todavía muy marcada por los rezagos del franquismo. ![]() |
A surrealistic landscape / un paisaje surrealista |
Ahí están los curas hipócritas del colegio religioso en el que se educó, los párrocos sádicos que se saciaban al instaurar en los chavales el miedo al infierno y al recriminarles por todos los “pecados” del cuerpo. Sin embargo, pese a este contexto que podría parecer desolador, impera el humor, el tono sardónico, el guiño cómplice y la carcajada irónica del autor. Desafiante y a la vez honesto, Josep Mª Beà nos revela qué tan perversos podían ser estos representantes del clero; y, al mismo tiempo, subraya la picardía, la astucia y el ingenio de los alumnos escolares.
Mientras el barco de piedra continúa su travesía, la tripulación empieza a perder la calma y la cordura. Gato, en algún momento, deberá luchar para preservar su vida. Desde luego, también habrá todo tipo de enredos inesperados a bordo, como la inexplicable aparición de una bella mujer, la única en toda la nave, que muy cachonda le exige a Gato una unión carnal que en cualquier otra historia sería inadmisible: el coito felino-humano. Finalmente, Gato y el resto de la tripulación encallan en una jungla extraña. Escondida tras la vegetación, se encuentra la misteriosa muralla, que hasta ahora ningún ser vivo ha podido cruzar.
Josep Mª Beà demuestra aquí todo su talento no sólo como guionista sino también como dibujante a lápiz y entintador. Con trazos finos y delicados, el artista catalán otorga a sus personajes –la mayoría felinos antropomorfos– una gran expresividad, a la vez que da rienda suelta a su imaginación con diseños demenciales que consolidan la atmósfera de esta novela gráfica. Finalmente, Beà también está a cargo del rotulado y del coloreado, esmerándose en el empleo de acuarelas, y pintando a mano viñeta por viñeta. Sin duda, se trata de una obra espectacular que merece ser leída una y otra vez.
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September 7, 2015, 4:13 pm
Post-apocalyptic stories appeal to our survival instincts. Although in real life we may have a comfortable existence, there’s always a primitive, irrational fear in the back of our heads. The fear of things getting out of control, the fear of our own extinction. Perhaps, then, the essence of the post-apocalyptic narrative reinstates in us a sense of urgency long lost in our postmodern world. In Garth Ennis’ “Crossed” we are confronted with the efforts of countless men and women with one simple goal: surviving.
Survival, however, is not always guaranteed, and yet, we hold our breath until the very last page, hoping that the protagonists will be able to avoid a gruesome death. “Crossed”, as Ennis himself explains, combines action and horror in equal measure, without forgetting “its roots in the zombie genre”. And like most zombie productions, “Crossed” deals with the infectious outbreak and its catastrophic, worldwide consequences. ![]()
Nevertheless, unlike most zombie movies or other post-apocalyptic sagas, Alan Moore’s Crossed Plus One Hundred takes place a century after the outbreak. For those asking if it is possible for humanity to survive against seemingly impossible odds, the answer is ‘yes’. However, mankind as we know it has disappeared. In a hundred years, people’s greatest success has been mere survival. Most of the technological vestiges of the 21st century are gone, as well as luxuries such as television broadcasting, canned food and internet. Science and culture have been abandoned, as people had to focus on how to adapt to a hostile environment. ![]()
After 100 years things seem to be stable enough. The Crossed have languished and perished, or so everyone thinks. Human basic needs have been covered. And once you no longer need to fight for food and shelter, the interest for culture and history awakens. The protagonist of this miniseries is Future Taylor, an archivist, a historian of sorts, a passionate young woman who wants to discover the origin of the outbreak and recover mankind’s historical legacy. While others scavenge the ruins of the cities, Future Taylor and her team look for abandoned libraries and any other place where they could find books and documents from the past.![]()
The first chapter (published in Crossed Plus One Hundred # 1, November 2014) has a numerical title that must be read phonetically “124C41+” equals “One to foresee for one more”; certainly, the introduction to this devastated future is absolutely captivating. The British author gives us a complex world, brimming with dramatic possibilities. Moore’s incursion into humanity’s darkest era reminds me of my favorite post-apocalyptic sagas, such as “The Helltrekkers” (by Wagner, Grant, Ortiz & Lalia), “Hombre” (by Segura and Ortiz) or novels such as Cormac McCarthy’s “The Road”.
Moore carefully explores the notions of change. For instance, sexuality has freed itself from labels and taboos, embracing Foucault’s principle of “bodies and pleasures”. In this future, it’s normal to see a mature woman openly discussing her desire for sexual intercourse with a teenage boy, what might be considered as pedophilia nowadays and thus legally and morally reprehensible, is completely normal in the future.
Of course, language has evolved too. From simple things such as names (Future Taylor, Forward Dietrich, etc.) to actual grammar structures. Verbs now have different conjugations, and words that would be common to us have been replaced by others. The dialect of Future Taylor and her comrades is multifaceted and prolific, and these words set up a unique atmosphere, much like Anthony Burgess’ Nadsat does in “A Clockwork Orange”.
The second chapter (published in Crossed Plus One Hundred # 2, December 2014), aptly titled “Return of the King”, is an obvious reference to J.R.R. Tolkien’s Lord of the Rings. Future Taylor and her comrades go all the way to Graceland, home of Rock’n Roll King, Elvis Presley, and there they find an unsolvable archeological mystery.
In “Glory Road” (Crossed Plus One Hundred # 3, February 2015), we focus on the evolution of the infection; the Crossed are still out there, and they still pose a very real threat to normal human beings. Furthermore, we get a look at Chooga, Future’s settlement, where the primitive and yet complex life of the survivors is unveiled. In a few pages, we witness the interactions, the organization and the resources of people who had survival as their only goal for so long that now, that they are finally making plans for a better tomorrow, they’re still numbed by a tradition of violence and destruction.![]() |
First encounter / primer encuentro |
“A canticle for Leibowitz” (Crossed Plus One Hundred # 4, March 2015) builds on the previous premises. It's quite impressive to see how much the world has changed in one century. But perhaps is even more interesting to observe how mankind has finally let go of the terrible ideologies and religions that defined its past. There are no political powers. No nationalities. Sexuality is no longer a taboo. And people have modified old religions, adapting them to their new reality. In Murfreesboro the Muslims live a healthy existence and women are as respected and valued as men. For Future things are clear: “Our believes never helped us when bad things actualed. They just made it not our responsible. They stopped us from skulling everything was randomed”.
In “Tyger, Tyger” (Crossed Plus One Hundred # 5, May 2015), Future Taylor and her team set foot on a Crossed settlement unlike anything they’ve ever seen: “It’s almost like they did fuck more culture than us”, they affirm. While humans have been busy, a new and more lethal breed of the Crossed has been planning how to destroy the last remnant of mankind. Moore takes us to 2008, when the world’s most dangerous psychopath and serial killer feels at home after the initial outbreak; infected by the Crossed virus, this man however manages to retain his mental capacities, and he starts training a new generation of the Crossed, superior in every way to their mindless and savage predecessors. Able to communicate, reason and make plans, as well as control the more inferior breeds, they become a formidable enemy. ![]() |
Future Taylor and her team / Future Taylor y su equipo |
The logical conclusion comes in “Foundation and Empire” (Crossed Plus One Hundred # 6, June 2015), as the Crossed finally make their move, slaughtering the people of Chooga. Future and her friends arrive to their hometown too late to warn them. There are truly scary scenes here, and the suspense keeps on increasing from page to page. I won’t spoil the ending but I will say this: Crossed Plus One Hundred has been, hands down, the best title I’ve read in 2015.![]() |
Taylor's home: Chooga / el hogar de Taylor: Chooga |
Gabriel Andrade’s art is absolutely spectacular. He had already impressed me a while ago in Avatar’s “Ferals”, but in this miniseries his creativity reaches a whole new level. Unhindered by the constraints of the present, Andrade designs a very dark and creepy future, a world in which technology is built upon the raggedy remains of what has been rescued, refurbished or recycled. Andrade’s characters also have a very realistic anatomy, each one of them having distinctive features and a particular body language. There is a special graphic appeal in the ruins and the destroyed relics of the past. Beautifully detailed and harmonic, Andrade’s art makes real the wildest and craziest concepts of the British writer.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Las historias post-apocalípticas apelan a nuestros instintos de supervivencia. Aunque en la vida real tengamos una existencia cómoda, siempre hay un miedo primitivo, irracional, en algún rincón de nuestra mente. El temor a que las cosas se salgan de control, el miedo a nuestra propia extinción. Quizás, entonces, la esencia de la narrativa post-apocalíptica es restablecer en nosotros ese sentido de urgencia que se perdió hace mucho tiempo en nuestro mundo postmoderno. En “Crossed” de Garth Ennis, vemos los esfuerzos de innumerables hombres y mujeres que tienen un único objetivo: sobrevivir.![]() |
The origin of Chooga / el origen de Chooga |
La supervivencia, sin embargo, no siempre está garantizada, y aun así contenemos la respiración hasta la última página, con la esperanza de que los protagonistas serán capaces de evitar una muerte espantosa. “Crossed”, como explica el propio Ennis, combina acción y horror en cantidades iguales, sin olvidar “sus raíces en el género zombi”. Y como muchas producciones de zombis, “Crossed” aborda el brote infeccioso y sus catastróficas consecuencias en el mundo.
No obstante, a diferencia de la mayoría de las películas de zombis y otras sagas post-apocalípticas, “Crossed Plus One Hundred” de Alan Moore ocurre un siglo después del brote infeccioso. Para aquellos que se preguntan si es posible que la humanidad sobreviva, la respuesta es ‘sí’. Sin embargo, la humanidad tal como la conocemos ha desaparecido. Dentro de cien años, el mayor éxito de la gente ha sido únicamente la supervivencia. La mayor parte de los vestigios tecnológicos del siglo XXI se han desvanecido, así como lujos tales como la televisión, la comida enlatada o el internet. La ciencia y la cultura fueron abandonadas, ya que la gente debía centrarse en cómo adaptarse a un entorno hostil.
Después de 100 años las cosas parecen estar más o menos estables. Los Crossed han languidecido y perecido, o al menos eso es lo que todos creen. Las necesidades básicas de las personas han sido cubiertas. Y una vez que ya no hace falta luchar por los alimentos o los refugios, se despierta el interés por la cultura y la historia. El protagonista de esta miniserie es Future Taylor, una archivadora, es decir, una historiadora, una joven apasionada que quiere descubrir el origen del brote infeccioso y recuperar el legado histórico de la humanidad. Mientras que otros saquean las ruinas de las ciudades, Future Taylor y su equipo buscan bibliotecas abandonadas y cualquier otro lugar donde podrían encontrar libros y documentos del pasado.![]() |
Future's lover, in Murfreesboro / el amante de Future, en Murfreesboro |
El primer capítulo (publicado en Crossed Plus One Hundred # 1, noviembre de 2014) tiene un título numérico que debe leerse fonéticamente “124C41+” es igual a “Uno debe prever para uno más” en inglés; sin duda, la introducción de este devastador futuro es absolutamente cautivadora. El autor británico nos ofrece un mundo complejo, cargado de posibilidades dramáticas. La incursión de Moore en la era más oscura de la humanidad me recuerda a mis sagas post-apocalípticas predilectas, como “The Helltrekkers” (de Wagner, Grant, Ortiz y Lalia), “Hombre” (de Segura y Ortiz) o novelas como “La carretera” de Cormac McCarthy.![]() |
The secret lair of the Crossed / la guarida secreta de los Crossed |
Moore explora cuidadosamente las nociones del cambio. Por ejemplo, la sexualidad se ha liberado de las etiquetas y los tabúes, abrazando el principio de Foucault de “cuerpos y placeres”. En este futuro, es normal ver a una mujer madura hablar abiertamente de su deseo de tener relaciones sexuales con un adolescente, lo que podría considerarse como pedofilia en la actualidad, y por lo tanto legal y moralmente reprobable, es completamente normal en el futuro.
Por supuesto, el lenguaje también ha evolucionado. Desde cosas simples, tales como nombres (Future 'Futuro' Taylor, Forward 'Anticipación' Dietrich, etc.) a las estructuras gramaticales. Los verbos tienen ahora diferentes conjugaciones, y las palabras que serían comunes para nosotros han sido sustituidas por otras. El dialecto de Future Taylor y sus compañeros es multifacético y prolífico, y estas palabras crean un ambiente único, tal como sucede con el Nadsat en “La naranja mecánica” de Anthony Burgess.
El segundo capítulo (publicado en Crossed Plus One Hundred # 2, diciembre de 2014), acertadamente titulado “El Retorno del Rey”, es una referencia obvia a “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien. Future Taylor y sus compañeros van a Graceland, hogar del Rey del Rock'n Roll, Elvis Presley, y allí encuentran un misterio arqueológico irresoluble.
“Camino a la gloria” (Crossed Plus One Hundred # 3, febrero de 2015) se centra en la evolución de la infección; los Crossed todavía están por ahí, y siguen representando una amenaza muy real para los seres humanos normales. Además, aquí también vemos a Chooga, el asentamiento de Future, y observamos la vida primitiva y no obstante compleja de los sobrevivientes. En pocas páginas, somos testigos de las interacciones, la organización y los recursos de personas que tuvieron como su único objetivo la supervivencia durante tanto tiempo que ahora, cuando finalmente están haciendo planes para un mañana mejor, todavía están entumecidos por una tradición de violencia y destrucción.![]() |
Remembering the past (2008) / recordando el pasado (2008) |
“Cántico para Leibowitz” (Crossed Plus One Hundred # 4, marzo de 2015) continúa con las premisas mencionadas. Es impresionante ver lo mucho que el mundo ha cambiado en un siglo. Pero quizás es aún más interesante observar cómo la humanidad por fin ha dejado de lado las terribles ideologías y religiones que definieron su pasado. Ya no hay poderes políticos. No hay nacionalidades. La sexualidad ya no es un tabú. Y la gente ha modificado las religiones antiguas, adaptándolas a su nueva realidad. En Murfreesboro los musulmanes viven una existencia saludable y las mujeres son tan respetadas y valoradas como los hombres. Para Future las cosas son claras: “Nuestras creencias nunca nos ayudaron cuando las cosas malas actualizaban. Sólo hicieron que no fueran de nuestra responsable. Nos impidieron cranear que todo estaba azar”.
En “Tigre, tigre” (Crossed Plus One Hundred # 5, mayo de 2015), Future Taylor y su equipo llegan a un asentamiento de los Crossed diferente a todo lo que han visto en su vida: “Es casi como si hicieron más jodida cultura que nos”, afirman. Mientras que los seres humanos han estado ocupados, una nueva y más letal raza de los Crossed ha estado planificando cómo destruir los últimos restos de la humanidad. Moore nos lleva al 2008, cuando el psicópata y asesino en serie más peligroso del mundo se siente como en casa después del brote inicial; infectado por el virus de los Crossed, este hombre se las arregla para conservar sus capacidades mentales, y comienza a entrenar a una nueva generación de los Crossed, superior en todos los sentidos a sus predecesores salvajes y sin mente. Capaz de comunicarse, razonar y hacer planes, así como controlar a las especies inferiores, se convierten en un enemigo formidable.![]() |
The army of the Crossed / el ejército de los Crossed |
La conclusión lógica llega en “Fundación e Imperio” (Crossed Plus One Hundred # 6, junio 2015), cuando los Crossed por fin se lanzan al ataque, masacrando a la gente de Chooga. Future y sus amigos llegan a su ciudad natal demasiado tarde para advertencias. Hay escenas verdaderamente escalofriantes aquí, y el suspenso sigue aumentando de una página a otra. No revelaré qué pasa al final, pero diré lo siguiente: “Crossed Plus One Hundred” ha sido, sin duda, la mejor colección que he leído en el 2015.![]() |
The people of Chooga is slaughtered / la gente de Chooga es masacrada |
El arte de Gabriel Andrade es absolutamente espectacular. Él ya me había impresionado tiempo atrás con “Ferals” de Avatar, pero en esta miniserie su creatividad llega a un nivel superior. Sin trabas ni limitaciones, Andrade diseña un futuro muy oscuro y espeluznante, un mundo en el que la tecnología está construida sobre los restos destrozados de lo que se ha rescatado, re-ensamblado o reciclado. Los personajes de Andrade también tienen una anatomía muy realista, cada uno de ellos con características distintivas y un lenguaje corporal particular. Hay un atractivo gráfico especial en las ruinas y las reliquias destruidas del pasado. Bellamente detallado y armónico, el arte de Andrade hace realidad los conceptos más salvajes y demenciales del escritor británico.
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September 11, 2015, 10:51 am
Dan Abnett and Andy Lanning, as most British writers did, first rose to fame in the pages of 2000 AD. But I didn’t know they were from the United Kingdom when I picked up The Legion # 22, over a decade ago. I read it, I loved it and after a couple of months I had already bought all the previous back issues and I kept buying the new ones. I had been a fan of the Legion of Super-Heroes for a long time, thanks to Levitz’s well-remembered run from the 80s (which I read in the late 90s), but I had sort of lost track of it all.![]() |
Brainiac 5 (Tony Harris) |
So after years of being disconnected to the young heroes of the 31st century, I landed right in the middle of “Dream Crime” a 5-issue arc (published in issues 19 through 23 of The Legion, from June to October 2003). Abnett and Lanning were so good at introducing new characters, revolutionizing the status quo and keeping everything fresh that I had no problems adapting to this new iteration of the Legion.
I didn’t know it at the time, but “Dream Crime” also represented a pivotal turning point for the title. Olivier Coipel was no longer the Legion artist, and the editors had decided to modernize the Legion logo and the cover design starting from issue # 19, choosing a streamlined aesthetic that was, perhaps, too cold and simplistic compared to the previous one.
Coipel’s sudden departure from DC Comics would leave The Legion in a delicate situation. Although penciler Chris Batista and inker Mark Farmer had been recruited as the new artistic team, they faced a tough challenge. It wasn’t easy to replace the talented French artist, and it’s possible that The Legion’s readership started to decline for this reason.
“Dream Crime”, nevertheless, was an outstanding saga that took advantage of the best sci-fi elements of the Legion while accomplishing what I would like to call the “simultaneous threat factor”. This time, the British writers would focus on the female legionnaires: Saturn Girl, Dreamer, Sensor and Shikari, splitting the storyline in two parts: first, Saturn Girl and Dreamer in Titan, and then Sensor and Shikari in Steeple. In Titan, Saturn Girl and Dreamer are kidnapped by Universo, a classic villain that appeared for the first time in Adventure Comics #349 (1966). Instead of a simple master of hypnotism, Abnett and Lanning turned him into a powerful telepath, able to harness and reuse all the raw psychic energy present in the Titanet Communication System. As a result, he’s able to subdue Saturn Girl capturing her inside her own mind. ![]() |
Saturn Girl & Universo (Tony Harris) |
Universo places Saturn Girl’s consciousness into a fictitious reality. That is one of the most fascinating aspects of this saga, as we get to see Saturn Girl having a normal life, as a shy waitress in a modest diner. But her unconscious mind is too powerful to be contained, and as she continues to serve coffee and burgers to her customers (all of them legionnaires and close friends), she suspects that there is something wrong going on. Finally, when there is a gang attack on the diner, she stops being afraid and fights back; the precision of her movements and her ferocity in battle prove that she isn’t simply a waitress. And that’s when she wakes up. Or at least that’s what she thinks. She’s now stuck in her past, marooned in a faraway galaxy as we saw in Legion Lost. Garth, her boyfriend, is still alive, and she seeks consolation in his arms. The illusion of love is strong enough to keep her captive. “He gave me all I ever wanted. He gave me Garth back”, she will confess later on. Now that I’ve reread this issue I found it just as impressive as I did all those years ago. Superpowers become inconsequential, and all that matters is the protagonist’s desire, even if what she sees isn’t real.![]() |
Dreamer & Karate Kid (Tony Harris) |
While Saturn Girl is reliving romance, Dreamer, with her precognitive abilities, has detected the presence of an ancient and evil power, a dark god that terrorized the heroes of the 21st century: Darkseid, ruler of Apokolips. After conquering Titan, Universo seizes Legion World. In a spectacular action sequence, Universo deceives the legionnaires, making them believe they’re fighting against Darkseid and an army of parademons from Apokolips. In the end, only Sensor and Shikari manage to escape from Legion World. They travel across the galaxy to find Ferro and Karate Kid in the isolated world of Steeple. In addition to Darkseid and Universo, the authors also weave a complex web of subplots, each one representing an impending menace for the legionnaires, thus reinforcing the simultaneous threat factor. ![]() |
Saturn Girl as a shy waitress (dream or nightmare?) / Saturn Girl como una tímida mesera (¿sueño o pesadilla?) |
Batista’s style is quite expressive, and his clean lines are enhanced by Farmer’s inks; Jason Wright does a fine job as a colorist, but perhaps the most striking component here would be Tony Harris covers. My favorite is probably the first one, which perfectly captures the essence of Brainiac 5, but the Saturn Girl and Dreamer covers also great. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Dan Abnett y Andy Lanning, al igual que muchos escritores británicos, alcanzaron cierta fama en las páginas de “2000 AD”. Pero yo no sabía que provenían del Reino Unido cuando adquirí The Legion # 22, hace más de una década. Lo leí, me encantó, y después de un par de meses ya me había comprado todos los números anteriores y empecé a seguir la colección desde ese momento. Había sido un fan de la Legión de Súper-Héroes desde hacía mucho tiempo, gracias a la celebrada etapa de Levitz en los 80s (que yo leí a fines de los 90s, o sea un poquito tarde).![]() |
Fulfillment of desire: Saturn Girl and Garth / el deseo cumplido: Saturn Girl y Garth |
Así que después de años de estar desconectado de los jóvenes héroes del siglo XXXI, aterricé justo en el medio de “Crimen de sueño”, un arco de 5 capítulos (publicado en los números 19 al 23 de “The Legion”, de junio a octubre de 2003). Abnett y Lanning eran tan buenos introduciendo nuevos personajes, revolucionando el statu quo y manteniendo todo fresco que no tuve problemas para adaptarme a esta nueva reencarnación de la Legión. ![]() |
Apokolips versus Legion World |
Yo no lo sabía en ese momento, pero “Crimen de sueño” también representaba un decisivo punto de inflexión para el título. Olivier Coipel ya no era el artista de “The Legion”, y los editores habían decidido modernizar el logotipo de la Legión y el diseño de la portada a partir del ejemplar # 19, eligiendo una estética simplificada que era, tal vez, demasiado fría y reduccionista en comparación con la anterior.
La repentina partida de Coipel dejaría a “The Legion” en una situación delicada. Aunque el dibujante Chris Batista y el entintador Marcos Farmer habían sido contratados como el nuevo equipo artístico, se enfrentaron a un complicado reto. No fue fácil reemplazar al talentoso artista francés, y es posible que la lectoría de “The Legion” comenzara a disminuir por esta razón.
Crimen de sueño, no obstante, fue una saga excepcional que aprovechó los mejores elementos de ciencia ficción de la Legión a la vez que alcanzaba lo que me gustaría denominar el “factor de amenaza simultánea”. Esta vez, los escritores británicos se centrarían en las legionarias: Saturn Girl, Dreamer, Sensor y Shikari, dividiendo la historia en dos partes: primero, Saturn Girl y Dreamer en Titán, y luego Sensor y Shikari en Steeple. En Titán, Saturn Girl y Dreamer son secuestradas por Universo, un villano clásico que apareció por primera vez en Adventure Comics # 349 (1966). En lugar de un simple maestro del hipnotismo, Abnett y Lanning lo convirtieron en un telépata poderoso, capaz de aprovechar y reutilizar todo la energía psíquica presente en el Sistema de Comunicación Titanet. Como resultado, él es capaz de someter a Saturn Girl y capturar su mente.
Universo atrapa a Saturn Girl en una realidad ficticia. Ese es uno de los aspectos más fascinantes de esta saga, ya que podemos ver a Saturn Girl teniendo una vida normal, como una mesera tímida en un modesto cafetín. Pero su mente inconsciente es demasiado poderosa para ser contenida, y mientras continúa sirviendo café y hamburguesas a sus clientes (todos ellos legionarios y amigos cercanos), sospecha que algo raro sucede. Finalmente, cuando hay un ataque de pandilleros en el cafetín, ella deja de tener miedo y se defiende; la precisión de sus movimientos y su ferocidad en la batalla demuestran que ella es más que una simple mesera. Y es entonces cuando se despierta. O al menos eso es lo que ella piensa. Ahora es prisionera de su pasado, abandonada en una galaxia lejana, como vimos en Legion Lost. Garth, su enamorado, aún está vivo, y ella busca consuelo en sus brazos. La ilusión del amor es lo suficientemente fuerte como para mantenerla cautiva. “Él me dio todo lo que alguna vez quise. Él trajo de vuelta a Garth”, confesará ella misma. Ahora que he releído este cómic me ha gustado tanto como la primera vez que lo leí hace ya tantos años. Los superpoderes se vuelven intrascendentes, y lo único que importa es el deseo de la protagonista, incluso si aquello que ve no es real.![]() |
Universo has mentally subdued the entire Legion / Universo somete mentalmente a toda la Legión |
Mientras Saturn Girl revive el romance, Dreamer, con sus habilidades premonitorias, ha detectado la presencia de un poder antiguo y malévolo, un dios oscuro que aterrorizó a los héroes del siglo XXI: Darkseid, amo de Apokolips. Después de conquistar Titán, Universo se apodera del mundo de la Legión. En una espectacular secuencia de acción, Universo engaña a los legionarios, haciéndoles creer que están luchando contra Darkseid y un ejército de parademonios de Apokolips. Al final, sólo Sensor y Shikari logran escapar. Viajan por toda la galaxia para encontrar a Ferro y a Karate Kid en el aislado mundo de Steeple. Además de Darkseid y Universo, los autores también urden una compleja maraña de argumentos secundarios, y cada uno representa una amenaza inminente para los legionarios, reforzando así el factor de la amenaza simultánea.
El estilo de Batista es muy expresivo, y sus líneas limpias se ven reforzadas por las tintas de Farmer; Jason Wright hace un buen trabajo como colorista, pero quizás el componente más llamativo en este caso serían las portadas de Tony Harris. Mi favorita es probablemente la primera, que capta perfectamente la esencia de Brainiac 5, pero las portadas de Saturn Girl y Dreamer también son estupendas.
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