Arion's Archaic Art

“And thus we drafted pure and abstract blueprints, free from moral complications, and were architects of dreams”, explains Miracleman. Once the greatest hero of the world, Miracleman has finally embraced his status as a postmodern divinity in “Olympus” (originally published in Miracleman # 16, December 1989), Alan Moore’s final issue.

After defeating Johnny Bates, Miracleman knows that there is no force on Earth and perhaps in the entire galaxy that can subdue him. In many ways, the Olympus saga concluded in “Nemesis”, but this is a very necessary epilogue that wraps up Moore’s groundbreaking take on the superhero genre. In all my years as a comic book reader, I never thought I would find a proposal that could understand so well the roots of the superhero as an archetype, while at the same time exploring the structural fissures of a narrative that was at the risk of becoming stale and predictable before Moore and other British authors revitalized the industry.

Many readers consider “Watchmen” as the ultimate deconstruction of superheroes, however, the seminal series focuses more on the psychological aspects of masked vigilantes (in fact, save for Doctor Manhattan, there are no super-powered individuals in Watchmen); so, in a way, Moore’s Miracleman is the other side of the same coin. Here, Moore delves deep into the notion of power, and its superlative level. The superpower, then, is no longer a deus ex machina that makes it easier for the hero to save the world or escape from peril, but rather what defines and gives form to the superhuman protagonist.

Olympus: Miracleman's home / el Olimpo, hogar de Miracleman

In the 50s, Miracleman was a caped adventurer eager to fight against gaudy supervillains. In the hands of the British author, Miracleman is turned at first into a complex superhero, however, despite his flaws and inner conflicts, in the first chapters we still see him as a Superman or a Captain Marvel. Nonetheless, in subsequent chapters, this changes. At the beginning of the Olympus saga, Miracleman’s divine condition is first suggested and then made evident. As a god that reigns supreme in the heights of Mount Olympus, Miracleman dreams of the world of tomorrow: “I dream insignia, dream lightning flashes, planets, letters, stars […] I dream of cities that old futurists would weep with joy to see”.

Perhaps in the past there was something holding Miracleman down. Maybe his own humanity was his weakness. But now that he is no longer human he is absolute power, and there are no barriers, no limits for the things he can do: his first task is to arrange a meeting with England’s Prime Minister, Margaret Thatcher. In the reunion, Thatcher believes she is there to negotiate, to retain whatever little crumbs of power are still left on the table. However, she’s dealing with an unrelenting individual that has already proven his superiority. Humiliated and in shock, Margaret Thatcher leaves the room, knowing full well that she’ll never be an influential person again. I’m guessing that writing these pages must have been quite therapeutic for Moore (who has always been very open about his anti-Thatcher stance).

Totleben's fascinating architecture / la fascinante arquitectura de Totleben

The next move is taking all nuclear devices and throwing them into the sun. A drastic measure that is explained in the United Nations, in front of leaders that realize how powerless they’ve become. Not satisfied with that, Miracleman decides to eliminate money: “Money is a promise, to redeem the cash of every bearer for its worth in gold or merchandise. An empty promise. Should we all demand at once redemption of our coins, we’d learn such wealth does not exist. Money’s imaginary […] Come summer, money won’t exist… but then, it never did”. Without money, urban crime disappears, but there are still other problems such as hunger and poverty in underdeveloped countries, organized crime, drug cartels and so on, Miracleman finds a way to deal with all that. Society undergoes a radical transformation. The world is no longer recognizable, but Miracleman pushes forward. He has major plans for humanity and he stops at nothing to accomplish them. The concepts developed afterwards are indeed the most delightful fruits that could be harvested from Alan Moore’s creative mind.

the downfall of Margaret Thatcher / la derrota de Margaret Thatcher

Miracleman alone would be enough of an accomplishment to consider Moore a genius, but what is even more remarkable is that at some point he was writing Miracleman, Swamp Thing and Watchmen at the same time. He wasn’t just producing one masterwork after another, he was producing them simultaneously. There is absolutely no one else in the history of the 9th art that has come close to such an achievement.

In the past, superhero comic books could be narrowed down to its most basic components, id est, the eternal fight between good and evil, the everlasting battle between heroes and villains. However, after Watchmen, comic book writers felt the need for a more sophisticated approach, and thus they produced stories that would question the nature of the hero and the villain, replacing an exclusively black and white perspective with much needed shades of gray. What Alan Moore does here is go even further, as he dares answer questions no one had the courage to ask. In every Marvel or DC publication there is always an explanation about why the heroes must uphold the status quo of the world, however unfair it may be. The heroes can never change the course of history, they can never interfere in countries plagued by hunger and misery, they can neither cure cancer nor bestow upon mankind the gift of an advanced technology that is reserved only for their adventures. In short, superheroes can never change the world in any meaningful way, and it sure does make sense from a storytelling point of view. After all, comics are a continuous, never-ending narrative, and in order for them to keep going like this, superheroes must never solve any problem in a definitive way, nor should they deal with an enemy in a matter that would preclude that character from reappearing afterwards. However, in Miracleman, all these rules are broken. And it is precisely for that reason that this stands as one of the greatest contemporary masterpieces.

Miracleman & Miraclewoman

It took John Totleben over a year to complete the 32 pages of this last installment (with the exception of a few panels preciously illustrated by Thomas Yeates). And the result is an artistic feat of unprecedented beauty. His designs are impressive and his Olympus is breathtakingly gorgeous: “a vast extravagance of decoration that would shame Versailles or Babylon the Great”. In addition to his exquisite compositions and richly detailed images, Totleben also surprises the readers with several visual experiments: some pages are simply the product of pencils plus inks, others include ink washes and white acrylic; mastering all the artistic techniques one could think of, Totleben paints some pages with tempera, and he excels using oils on canvas. I had praised Totleben’s talent in my Swamp Thing reviews, but his work in Miracleman is even better.

When I finished reviewing Swamp Thing after 2 years, I thought it would take me longer to review Miracleman and I was right. After 3 years, I’m finally done. Here are the rest of my Miracleman reviews. Read them and enjoy them:

Miracleman Book 1: A Dream of Flying:
http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html

Miracleman Book 2: The Red King Syndrome
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html

Miracleman Book 3: Olympus
http://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html
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“Y fue así como bosquejamos planos puros y abstractos, libres de toda complicación moral, y fuimos los arquitectos de los sueños”, explica Miracleman. Alguna vez el héroe más grande del mundo, Miracleman finalmente ha aceptado su condición de divinidad postmoderna en “Olimpo” (publicado originalmente en Miracleman # 16, diciembre de 1989), último número escrito por Alan Moore.

Miracleman: supreme ruler of the world /Miracleman: gobernante supremo del mundo

Después de derrotar a Johnny Bates, Miracleman comprende que no hay fuerza en la Tierra y tal vez en toda la galaxia que pueda someterlo. En muchos sentidos, la saga del Olimpo concluyó en “Némesis”, pero este es un muy necesario epílogo que pone punto final a la innovadora labor de Moore en el género superheroico. En todos mis años como lector de cómics, nunca pensé que iba a encontrar una propuesta capaz de entender tan bien las raíces del superhéroe como arquetipo, y de explorar al mismo tiempo las fisuras estructurales de una narrativa que corría el riesgo de quedarse estancada y volverse predecible antes de que Moore y otros autores británicos revitalizaran la industria.

Muchos lectores consideran “Watchmen”, como la deconstrucción definitiva de los superhéroes, sin embargo, la prestigiosa serie se centra más en los aspectos psicológicos de los vigilantes enmascarados (de hecho, salvo Doctor Manhattan, no hay individuos súper-poderosos en Watchmen); así, en cierto modo, el Miracleman de Moore es la otra cara de la moneda. Aquí, Moore se adentra profundamente en la noción de poder, y a un nivel superlativo. El superpoder, entonces, ya no es el deus ex machina que le permite al héroe salvar al mundo o escapar de un peligro fácilmente, sino más bien lo que define y da forma al protagonista sobrehumano.

Olympus / Olimpo

En los años 50s, Miracleman era un aventurero con capa deseoso de luchar contra llamativos supervillanos. En manos del autor británico, Miracleman se transforma primero en un superhéroe complejo, sin embargo, a pesar de sus defectos y conflictos internos, en los primeros capítulos todavía lo vemos como si fuera un Superman o un Capitán Marvel. No obstante, en los capítulos siguientes, esto cambia. Al comienzo de la saga del Olimpo, la condición divina de Miracleman se sugiere al inicio para luego hacerse más evidente. Como un dios que reina en las alturas del Monte Olimpo, Miracleman sueña con el mundo del mañana: “Sueño con insignias, sueño con rayos destellantes, planetas, letras, estrellas [...] Yo sueño con ciudades que harían llorar de alegría a los viejos futuristas, si pudiesen verlas”.

As a god, is Miracleman doomed to loneliness? / Al ser un dios, ¿Miracleman está condenado a la soledad?

Tal vez en el pasado había algo que restringía a Miracleman. Quizás su propia humanidad era su punto débil. Pero ahora ya no es humano, él es el poder absoluto, y no hay barreras, no hay límites para las cosas que puede hacer: su primera tarea es organizar una reunión con la primera ministra de Inglaterra, Margaret Thatcher. En la reunión, Thatcher cree que ella está ahí para negociar, para conservar las pocas migajas de poder que todavía quedan sobre la mesa. Sin embargo, ella está lidiando con un implacable individuo que ya ha demostrado su superioridad. Humillada y en estado de shock, Margaret Thatcher sale de la habitación, aceptando que nunca más volverá a ser una persona influyente. Supongo que escribir estas páginas debe haber sido muy terapéutico para Moore (que siempre ha sido muy honesto en cuanto a su postura anti-Thatcher).

original cover (1989) / portada original (1989)

El siguiente movimiento es buscar todos los dispositivos nucleares y arrojarlos al sol. Una medida drástica que se explica en las Naciones Unidas, frente a los líderes que se dan cuenta de lo impotentes que son ahora. No satisfecho con eso, Miracleman decide eliminar el dinero: “El dinero es una promesa, para redimir el efectivo de cada portador por su valor en oro o mercancía. Una promesa vacía. Si acaso exigiéramos todos a la vez la redención de nuestras monedas, nos enteraríamos de que esa riqueza no existe. El dinero es imaginario [...] El próximo verano ya no habrá dinero... se trata, claro está, de algo que nunca existió”. Sin dinero, la delincuencia en las ciudades desaparece, pero todavía hay otros problemas como el hambre y la pobreza en los países subdesarrollados, el crimen organizado, los cárteles de la droga y así sucesivamente, Miracleman encuentra una manera de lidiar con todo eso. La sociedad sufre una transformación radical. El mundo es irreconocible, pero Miracleman sigue adelante. Él tiene grandes planes para la humanidad y no se detiene ante nada para llevarlos a cabo. Los conceptos desarrollados a continuación son, de hecho, los frutos más deliciosos que puedan ser cosechados de la mente creativa de Alan Moore.

“Miracleman” es un logro suficiente para considerar a Moore como un genio, pero lo que es aún más notable es que en algún momento él estaba escribiendo “Miracleman”, “Swamp Thing” y “Watchmen” al mismo tiempo. Él no estaba produciendo una obra maestra tras otra, más bien las estaba produciendo simultáneamente. No hay nadie más en la historia del noveno arte que haya logrado algo parecido, ni de lejos.

John Totleben: oils on canvas / John Totleben: óleos sobre lienzo

En el pasado, los cómics de superhéroes podían ser reducido a sus componentes más básicos, es decir, la eterna lucha entre el bien y el mal, la inacabable batalla entre héroes y villanos. Sin embargo, después de “Watchmen”, los escritores de cómics sintieron la necesidad de tener un enfoque más sofisticado, y por lo tanto produjeron historias que cuestionaban la naturaleza del héroe y del villano, sustituyendo una perspectiva exclusivamente a blanco y negro por otra con necesarios tonos de gris. Lo que Alan Moore hace aquí es ir aún más lejos, ya que se atreve a responder preguntas que nadie tuvo el coraje de formular. En toda publicación de Marvel o DC siempre hay una explicación acerca de por qué los héroes deben defender el statu quo del mundo, sin importar lo injusto que sea. Los superhéroes no pueden cambiar el curso de la historia, nunca pueden interferir en los países asolados por el hambre y la miseria, no pueden ni curar el cáncer, ni otorgar a la humanidad el don de una tecnología avanzada que está reservada sólo para sus aventuras. En resumen, los superhéroes no pueden cambiar el mundo de una manera significativa, y seguro que tiene sentido desde un punto de vista narrativo. Después de todo, los cómics son una narración continua y sin fin, y para que esto sea así, los superhéroes nunca deben resolver ningún problema de manera definitiva, ni deben deshacerse de sus enemigos quienes, al fin y al cabo, deben reaparecer continuamente. Sin embargo, en Miracleman, todas estas reglas se rompen. Y precisamente por eso es una de las más grandes obras maestras contemporáneas.

John Totleben tardó más de un año para completar las 32 páginas de esta última entrega (con la excepción de unos pocos paneles preciosamente ilustrados por Thomas Yeates). Y el resultado es una hazaña artística de una belleza sin precedentes. Sus diseños son impresionantes y su Olimpo es fastuoso y sobrecogedor: “una gran extravagancia en decoración que dejaría en ridículo a Versalles o Babilonia la Grande”. Además de sus exquisitas composiciones e imágenes ricamente detalladas, Totleben también sorprende a los lectores con varios experimentos visuales: algunas páginas son simplemente el producto de lápices más tintas, otras incluyen tinta lavada y acrílico blanco; dominando todas las técnicas artísticas que uno podría mencionar, Totleben pinta algunas páginas con témpera, y destaca en el uso de óleos sobre lienzo. Ya había elogiado el talento de Totleben en mis reseñas sobre “Swamp Thing”, pero su trabajo en Miracleman es incluso mejor.

Cuando terminé de reseñar Swamp Thing después de 2 años, pensé que iba a necesitar más tiempo para hacer lo mismo con Miracleman, y no me equivoqué. Después de 3 años, por fin he terminado. Aquí están el resto de mis comentarios sobre Miracleman. A Leer y a disfrutar de ellos:

Miracleman Book 1: A Dream of Flying:
http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html

Miracleman Book 2: The Red King Syndrome
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html

Miracleman Book 3: Olympus
http://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html

La Fundación Euroidiomas, fiel a su compromiso con el arte, presenta la muestra “Goliat” del reconocido artista Marcos Palacios. Conocí a Marcos en el 2010, cuando asistía asiduamente a la Galería Yvonne Sanguineti. Ha pasado mucho tiempo desde entonces, y debo decir que Marcos es uno de los pocos amigos que he conocido en el circuito artístico limeño.

En el 2013, Marcos nos sorprendió gratamente con “Héroes”, y ahora logra deslumbrar aún más al público con una serie de cuadros rebosantes de gracia pictórica, audaces yuxtaposiciones cromáticas y una energía vital que captura nuestra mirada en un instante.

el artista tuvo la amabilidad de darme su autógrafo

Hace un par de meses tuve la buena suerte de reencontrarme con Marcos, y él inmediatamente me invitó a esta muestra. Llegué casi a las 8pm a la Calle Libertad 130 (Miraflores) y nuevamente he quedado encantado con la propuesta de Marcos. Utilizando los nombres de dioses de la mitología clásica (sobre todo del panteón romano), el artista crea escenas cautivadoras. Por supuesto, lo primero que hice al llegar fue felicitar a Marcos y pedirle que me firmara el catálogo de la muestra, para continuar así con la tradición que ya quedó establecida desde el 2013.

Yulia Katkova

Robert Mapplethorpe

Por cierto, la semana pasada Julio Garay Terrazas me invitó a la inauguración de “Erotiqa”, en la Galería del Barrio, ubicada en Chorrillos. Aunque este espacio cultural tiene ya varios años, nunca lo había visitado. Así que aproveché la invitación de Julio para romper un poco con la inercia y emprender el viaje desde Barranco a Chorrillos.

La Galería del Barrio es una pintoresca casona chorrillana, relativamente cerca al malecón, y esa noche estaba repleta a más no poder. Quién se lo hubiese imaginado: el arte erótico llama la atención de todo el mundo. Los 2 cuadros de Julio son un ejemplo de su sentido del humor y de su pasión por los grabados. Esta colectiva también reúne obras de Hugo Alegre, Luz Letts, Andrea Lértora y Yulia Katkova. Finalmente, mi gran amigo Guido Cuadros estuvo a cargo del texto curatorial de la muestra.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color)

Y antes que me olvide quería mencionar que hasta esta semana, en la Galería Pepe Cobo, se pudo apreciar una magnífica selección de fotos de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Las suyas son imágenes de un erotismo sutil, con un gran énfasis en la composición y un dominio absoluto del blanco y negro.

Es la primera vez que se exhiben en el Perú fotografías de Mapplethorpe, un referente innegable para todo amante de la cámara. Por lo pronto, he elegido 4 de las imágenes más sugerentes, aunque debo decir que hubo muchas otras que me hubiese gustado incluir.

I’ve been familiar with Jeffrey Burandt’s amazing comics since 2011, when we both collaborated for the same indie anthology. And now, after 4 years, I finally had the chance to talk with him about the thing we love the most: comics!

Welcome to the blog, Jeffrey. I’ll start with my first question: What was your inspiration for Odd Schnozz and the Odd Squad?

When I was first working on it and writing the pitch, I was reading books like Runaways and Ultimate Spider-Man from Marvel, but also Blue Monday, Hopeless Savages and Scott Pilgrim from Oni, so I was trying to combine the big-beat storytelling of mainstream superhero comics with the rock n' roll cool of what Oni was publishing at the time. I also knew if I made it about a band, I could produce a soundtrack for the book in some way and use that as a marketing tool. Otherwise, the characters had been evolving in my mind since college, loosely based on some of my friends and acquaintances in both high school and college.

I think in a way, I’ve also done the same… you wouldn’t believe how many weird friends I have. So is Odd Schnozz your favorite project or are there other comics you’ve done in the past that make you feel just as proud?

Odd Schnozz is the largest project I've worked on so far, so I'm exceptionally proud of it, and now that the first volume is finished, it is my favorite project at the moment! But I'm also proud of the Americans UK comic I self publish with artist Paul Ciaravino, where I get to be a little more experimental and hone my craft. Dean Haspiel and I have a pitch out in the world that I really want someone to pick up. We ran a short story from the property titled Blood + Brains in Image Comics' Creator Owned Heroes and it garnered excellent reviews. It made me happy to have a story that Image put out, at least.

You seem to be involved in a lot of awesome projects. For example, what can you tell me about Panels for Primates?

Troy Maxwell put together a charity anthology of comics and prose for sale via MonkeyBrain Comics, and he reached out to me to write a prose short story for the book, which I did. My story is titled, "Bibi & Cass," and it's about the relationship between a gorilla and a young girl who both become YouTube sensations after the young girl falls into a gorilla pit at the zoo. The best part for me is that I had a story appear in the same collection as a story by Stan Lee! That was very exciting. Proceeds from the anthology go to benefit the Primate Rescue Center in Nicholasville, KY, You can get it here: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1

I think is a great idea to have a graphic novel that comes with its own soundtrack. As a writer and a musician, would you say your talents complement each other or not?

Well, it's all writing to me. I can't play an instrument, so I don't really consider myself a musician. I write lyrics and melodies and collaborate with actual musicians to turn them into songs. It's a lot like collaborating with artist for making comics, actually. You get to hand off something you wrote to another person or group of people to interpret and produce.

And talking about collaborators… How long have you been working with Dennis Culver? And how did you decide to do this project together?

I think it took us 5 years to finish the book together? It's a pretty big trade at 168 pages, and some of that time it was being colored and then we had missed Oni's 2014 publishing schedule--which means Dennis was probably working on it for 3 years in between his paying gigs. Oni and I already had a contract for the book, and they brought Dennis aboard, and thankfully, he was the perfect fit!

I think you two make a fine creative team. So are you a fan of comic book conventions? If so, what was the last one you attended?

I probably enjoy the MoCCA Festival in NYC the best, but the last con I attended was NYCC. I'll be at the American Library Association Conference the weekend of June 27th, and then I'll be hanging around the Oni Booths and signing and stuff at San Diego Comic Con in July.

I wanted to go to NYCC last year. But I spent all my money on a trip to Uruguay (Don’t ask why). At least in 2014 ComiXology published an entire comic book written by me. Anyway, I wanted to know what authors inspired you to become a writer?

Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.

I’m a huge fan of Borges. I think good authors always inspire us to share our work with the public. What was your first published work?

I had a series of comics run in Details Magazine for a few months in 2006 or so as a special promotion for Amstel Light titled, "Adventures In Tasteful Living," with art by Terry Taylor. I put it up on my blog recently if you're interested: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/

That was good. And now, to stay on topic, Could you name the best comics you’ve read in the last couple of years?

Thomas Alsop by Chris Miskiewicz and Palle Schmidt from Boom Studios is excellent. The first trade just came out. I love The Sixth Gun by Bunn and Hurtt from Oni Press. Also, The Bunker by Fialkov and Infurnari is a can't miss series.

I’ve heard nothing but good compliments about the series you mention. How would you describe your experience working with Dean Haspiel for Creator Owned Heroes?

Dino is the man-o. He's a total pro and the most personable, fun dude, all at the same time. He takes his work very seriously, and collaborating on that story and the resulting pitch was a treat. He pushes me to do my best work. If you haven't checked out his collaboration with Mark Waid for Archie's The Fox, I can't recommend it enough, and his hardcover Billy Dogma collections that have been coming out from Z2 Comics are absurd, pulp masterpieces.

I’m just curious about this, so humor me. What’s the deal with the mask you’re wearing on your ComiXology and Google profile?

I wore that mask a lot on stage when performing with my sci-fi rock band Americans UK, which is why it's so beat up. My friend Seth Kushner took that photo, and it's one of my favorite pictures of myself, taken by a true master of the camera. We lost Seth recently, and the comics world--hell, the entire world--suffers without him. Fuck cancer.

I never met Seth Kushner but I admired his work. He was so talented. And to wrap this up, what other projects are you planning after Odd Schnozz?

My band Americans UK releases our next high end, sci-fi rock video, "Phenomena-na," at the end of June. If Odd Schnozz vol. 1 sells well enough, I hope I have the opportunity to write another book in the series. I have the bigger story outlined to 3 volumes in total, and I've also written up notes for an Odd Schnozz/Americans UK cross-over that would be amazing, but probably never happen. I'm always generating new pitches and new prose stories otherwise.

Thanks for talking with me, Arcadio!

You’re welcome Jeffrey!
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He estado familiarizado con los asombrosos cómics de Jeffrey Burandt desde el 2011, cuando ambos colaboramos para la misma antología independiente. Y ahora, después de 4 años, finalmente tengo la oportunidad de hablar con él acerca de lo que más nos encanta: ¡los cómics!

Bienvenido al blog, Jeffrey. Voy a empezar con mi primera pregunta: ¿Cuál fue tu inspiración para “Odd Schnozz and the Odd Squad”?

Cuando empecé a trabajar en ello y mientras escribía la propuesta, estaba leyendo títulos como “Runaways” y “Ultimate Spider-Man” de Marvel, pero también “Blue Monday”, “Savages Hopeless” y “Scott Pilgrim” de Oni, por lo tanto traté de combinar una narración de gran ritmo propia de los cómics de superhéroes con esa frescura de rock n 'roll que publicaba Oni en ese momento. También sabía que si me enfocaba en una banda, podría producir un soundtrack, y de alguna manera usar eso como una herramienta de marketing. Por lo demás, los personajes fueron evolucionando en mi mente desde la universidad, ellos están vagamente basados en algunos amigos y conocidos, tanto de la escuela secundaria como de la universidad.

Creo que de alguna manera, yo también he hecho lo mismo... y vaya que tengo algunas amistades inusuales. ¿Es “Odd Schnozz” tu proyecto favorito o existen otros cómics que has hecho en el pasado que te hacen sentir orgulloso?

“Odd Schnozz” es el proyecto más grande que he hecho hasta ahora, así que estoy excepcionalmente orgulloso de ello, y ahora que el primer volumen está terminado, ¡es mi proyecto favorito actualmente! Pero también estoy orgulloso del cómic “Americans UK” que auto-publiqué con el artista Paul Ciaravino, era un poco más experimental y me ayudó a perfeccionar mi oficio. Dean Haspiel y yo tenemos una propuesta que realmente quisiera que alguien tome en cuenta. Hicimos una historia corta de “Blood + Brains” para “Creator Owned Heroes” de Image Comics y obtuvo excelentes críticas. Me hizo feliz tener una historia publicada por Image, al fin.

Parece que estás involucrado en muchos proyectos sorprendentes. Por ejemplo, ¿qué puedes decirme sobre “Panels for Primates”?

Troy Maxwell armó una antología a través de MonkeyBrain Comics, las ventas eran destinadas a una beneficencia. Él se acercó a mí para que escribiese un relato en prosa para el libro, y así lo hice. Mi historia se titula “Bibi & Cass”, y se trata de la relación entre un gorila y una joven que se convierten en sensaciones de YouTube después de que la chica cae en el foso de los gorilas en el zoológico. ¡La mejor parte para mí es que mi historia aparece en la misma antología que incluye una colaboración de Stan Lee! Eso fue muy emocionante. El dinero obtenido con la antología va a beneficiar al Centro de Rescate de Primates en Nicholasville, KY, y pueden encontrarla aquí: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1

Creo que es una gran idea tener una novela gráfica que viene con su propia banda sonora. Como escritor y músico, ¿dirías que tus talentos se complementan entre sí o no?

Bueno, lo mío es la escritura. No puedo tocar un instrumento, por lo que realmente no me considero un músico. Escribo letras y melodías, y colaboro con músicos reales para convertirlas en canciones. Es muy parecido a colaborar con un artista para hacer cómics, en realidad. Tienes la oportunidad de desarrollar algo que escribió otra persona y dárselo a un grupo de personas para que lo interpreten y lo produzcan.

Y hablando de colaboradores... ¿Cuánto tiempo llevas trabajando con Dennis Culver? ¿Y cómo decidieron hacer este proyecto juntos?

Creo que nos tomó ¿5 años terminar el libro juntos? Es un tomo muy grande, de 168 páginas, y parte de ese tiempo estaba siendo coloreado y luego perdimos el calendario de publicaciones de Oni para el 2014 - lo que significa que Dennis probablemente estuvo trabajando en ello durante 3 años alternando esto con otros proyectos de paga. Oni y yo ya teníamos un contrato para el libro, y trajeron a Dennis bordo, y por suerte, ¡era el colaborador perfecto!

Creo que ustedes dos hacen un gran equipo creativo. ¿Eres fan de las convenciones de cómics? Si es así, ¿cuál fue la última a la que asististe?

Probablemente lo que más me gusta es el Festival MoCCA en New York, pero la última convención a la que asistí fue NYCC. Estaré en la Conferencia de la Asociación Americana de Bibliotecas el 27 de junio, y luego voy a estar dando vueltas por el stand de Oni y firmando y esas cosas en San Diego Comic Con, en julio.

Yo quería ir a NYCC el año pasado. Pero me gasté todo mi dinero en un viaje a Uruguay (No preguntes por qué). Por lo menos el 2014 ComiXology publicó un cómic enteramente escrito por mí. De todos modos, quería saber ¿qué autores te inspiraron a ser escritor?

Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.

Soy un gran fan de Borges. Creo que los buenos autores siempre nos inspiran para compartir nuestro trabajo con el público. ¿Cuál fue tu primer trabajo publicado?

Hice una serie de cómics para “Details Magazine” durante unos meses el 2006, como una promoción especial para Amstel Light titulada “Adventures In Tasteful Living”, con arte de Terry Taylor. Lo puse en mi página hace poco por si te interesa: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/

Eso salió bien. Y ahora, para no irme por las ramas, ¿podrías nombrar los mejores cómics que has leído en los últimos 2 años?

“Thomas Alsop” de Chris Miskiewicz y Palle Schmidt de Boom Studios, es excelente. El primer tomo acaba de salir. Me encanta “The Sixth Gun” de Bunn y Hurtt de Oni Press. Además, “The Bunker” de Fialkov e Infurnari, no te puedes perder esa serie.

He oído muchos elogios sobre la serie que mencionas. ¿Cómo describirías tu experiencia con Dean Haspiel en “Creator Owned Heroes”?

Dino es lo máximo. Él es un profesional total y el tío más agradable y divertido, todo al mismo tiempo. Toma su trabajo muy en serio, y colaborar en esa historia con nuestra propuesta inicial fue una delicia. Él me motiva a hacer mi mejor trabajo. Si no has leído su colaboración con Mark Waid para “The Fox”, en Archie, te la recomiendo, y las ediciones en tapa dura de Billy Dogma que ha estado sacando Z2 Comics son obras maestras del absurdo.

Tengo una curiosidad. ¿Cuál es el asunto con la máscara que llevas en tu perfil de ComiXology y Google?

Yo usaba mucho esa máscara en el escenario cuando salía con mi banda de rock y ciencia-ficción Americans UK, y por eso está tan gastada. Mi amigo Seth Kushner tomó esa foto, y es una de mis fotos favoritas, tomada por un verdadero maestro de la cámara. Perdimos a Seth hace poco, y el mundo los cómics -demonios, todo el mundo- se lamenta. A la mierda con el cáncer.

Nunca conocí a Seth Kushner pero admiraba con su trabajo. Era muy talentoso. Y ya para terminar, ¿qué otros proyectos estás planeando luego de “Odd Schnozz”?

Mi banda Americans UK sacará nuestro próximo video de rock de ciencia-ficción de alta gama "Fenómeno-na", a finales de junio. Si Odd Schnozz vol. 1 se vende bien, espero tener la oportunidad de escribir otro libro de la serie. Tengo la historia esbozada para 3 volúmenes en total, y también he escrito algunas notas para un crossover entre Odd Schnozz y Americans UK que sería increíble, pero probablemente nunca sucederá. Siempre estoy generando nuevas propuestas y nuevas historias.

¡Gracias por hablar conmigo, Arcadio!

¡De nada Jeffrey!

It’s easy to remember Franco as the generalissimo of Spain, and it’s even easier to see him as the fascist dictator that wreaked havoc in his own nation. However, it’s quite difficult to understand the consequences of his fascist regime.

That is why we must acknowledge the efforts of Carlos Giménez, an author that delves deep into his memory to openly talk about the horrors of Franco's Spain, focusing not on the civil war and the massacres that would be reported by the media, but rather in everyday life, in the relationship between authoritarian men and underprivileged children in educational institutions, particularly, the homes of social assistance of the Traditionalist Spanish Falange and the Boards of the National Syndicalist Offensive (FET and the JONS) .

Carlos Giménez, perhaps the most representative comic book author in Spain over the past 50 years, embarked upon a very particular adventure with “Paracuellos”. This is a purely autobiographical work, which recounts his experiences as one of the residents in these homes of social assistance. Giménez spent his childhood there, 8 years in total, and when he finally left he was marked by the terrible experiences suffered in that miserable and ferocious place.

From 1977 to 2003, Giménez revealed his past in 6 albums with a total of 600 pages. “I would like to consider these stories, these 6 albums of Paracuellos, not only as the chronicle of some weird and perverse schools, but also as a small part of the history of the Spanish Civil War. Perhaps not a hugely important part, in general terms, but in individual terms, for those who lived through it and for our relatives, a part important enough to be acknowledged”.

I cannot think of any other project of this magnitude and historical accuracy, with the exception of “Maus” by Art Spiegelman; but what should be emphasized here is the proposal of the author from Madrid, the way he rescues the children’s point of view, the innocence of a child who sees everything but is not always able to make sense of the situation or the circumstances. And indeed, as an adult, one would also feel unable to explain how the events described by Giménez were made possible in the first place. A gifted storyteller, a great writer and a remarkable artist, Giménez found in the 9th art the ideal medium to express his concerns. “Paracuellos” is one of the most personal, honest and shocking comics that have been published in Europe.

about to get punished / a punto de ser castigados

Obviously, I do not intend to summarize 600 intense and intimate pages about a group of kids struggling to adapt to these homes, but I would like to mention, albeit briefly, the context of their adventures. The homes, far away from the charitable practices they publicized, were cruel institutions in which children would starve all the time, constantly abused by the staff. There are recurring anecdotes in which the boys must dig into the garbage for discarded food, anything that they can take to their mouth, or in extreme cases some of them eat the solid residues found in the vomit of some of their classmates. Water also becomes a precious commodity, especially in stories in which they are so thirsty that they drink the still water in the bathroom sinks, and even if it’s full of soap they drink it as if it were fresh water. They have no choice.

And yet, despite the hardships, the boys always keep a certain optimism, or rather a strange mixture of hope and daydreaming (they all express, again and again, their desire to leave the institution and to return to their families). Facing the painful punishments inflicted by the adults, the little ones manage to endure it; because for them pain isn’t physical, what really hurts them is not having the affection of his parents.

It is moving to see the naiveté of the protagonists and, at the same time, terrible to observe how some of them lose their innocence. Instead of playing, a few become traders, renting comics, accusing their peers in exchange for food, or acquiring spoiled fruit and selling it in parts.

In such a bleak scenario, the protagonist, alter ego of Carlos Giménez, discovers the fascinating world of comics. His mind goes to another place thanks to the drawings in the page, and for a moment he forgets the ugly reality, and that's enough to reinvigorate him. It is admirable and heartbreaking to see how, for months, he sells the bread from his meals, starving, and manages to trade things with other children to get 32 pesetas, the amount of money needed to buy the entire collection of “El cachorro”, the most popular Spanish comic at the time.

the nurse hits one of his patients / la enfermera golpea a uno de sus pacientes

Perhaps one of my favorite chapters is precisely “El cachorro, catechism and the young lady from Castellon”. The protagonist receives a package of brand-new, shining comic books and he is so happy that his legs are shaking. After months of sacrifice, he is now holding a treasure. However, while he has eyes only for his new comics, the catechism teacher has a serious fight with her lover. The lesbian relationship between the two women is suggested in an amazing sequence of wordless panels, the Spanish author needs nothing else to humanize an old woman who, at first glance, would seem destined to be abhorred. After the breakup, she is extremely angry, and burns all the comics she finds, including the complete collection of “El cachorro”.

The authority figures in this home of social assistance are not inhuman monsters despite their highly refined cruelty. Giménez has the wisdom of exploring them in all their human dimension. Moreover, once in a while, an adult tries to intercede for the children, but finally ends up surrendering to the power structure that dominates Spain.

Finally, it’s necessary to highlight that in “Paracuellos”, we see how the protagonist devotes more and more time to creative endeavors, starting with simple drawings and then moving on to full comic books, which are enthusiastically read by his friends. I think that this creative passion is what keeps the protagonist alive, it’s precisely the ability to travel to a world of fantasy that allows a helpless child to survive a harsh reality. Perhaps that is Giménez’s most valuable lesson.
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A cualquiera que haya estudiado algo de historia, le resultará fácil recordar a Franco no como “el caudillo de España” sino como el dictador fascista que tantos estragos causó a su propia nación. Sin embargo, lo que resulta más difícil es constatar de primera mano las consecuencias de ese régimen fascista.

a package full of new comics / un paquete lleno de cómics nuevos

Por eso, hay que agradecer el esfuerzo de Carlos Giménez, autor capaz de hurgar en lo más profundo de su memoria para narrar sin tapujos los horrores de la España franquista, sin enfocarse en la guerra civil ni las matanzas que serían reportadas por la prensa, sino más bien en la realidad cotidiana, en la relación entre adultos autoritarios y niños desvalidos en las instituciones educativas, más concretamente, los hogares de auxilio social de la Falange Española Tradicionalista y de las Juntas de Ofensiva Nacional Sindicalista (FET y de las JONS).

Carlos Giménez, quizás el autor más representativo del cómic español de los últimos 50 años, se embarcó en una muy particular aventura narrativa con “Paracuellos”. La suya, es una obra netamente autobiográfica, en la que rememora sus experiencias como uno de los internos en estos hogares de auxilio social. Giménez pasó allí toda su infancia, 8 años según él mismo aclara, y al salir, quedó marcado por las terribles experiencias vividas en estos recintos miserables y feroces.

Desde 1977 hasta 2003, Giménez se dedicó a contar su pasado a lo largo de 6 álbumes con un total de 600 páginas. “Me gustaría que estos relatos que se cuentan en los seis álbumes de la serie Paracuellos fueran considerados no solamente como la historia de unos colegios raros y perversos, sino además, también, como una pequeña parte de la historia de la posguerra española. Quizás una parte no muy importante en términos generales, pero en términos particulares, para los que nos tocó vivirla y para nuestros familiares, suficientemente importante como para querer dejar constancia de ella”.

No se me ocurre ninguna otra obra de semejante magnitud y de tanto rigor histórico, con la excepción del “Maus” de Art Spiegelman; pero lo que más se debe destacar en la propuesta del autor madrileño es la forma en la que rescata el punto de vista infantil, la inocencia de la mirada del niño que lo ve todo pero no siempre es capaz de encontrarle sentido ni a la situación ni a las circunstancias. Y de hecho, como adulto, uno mismo a veces también se siente incapaz de explicar cómo llegaron a ser posibles los eventos que Giménez describe. Talentoso narrador, excelente guionista y artista notable, Giménez encuentra en el noveno arte el medio ideal para comunicarnos sus inquietudes. “Paracuellos” es uno de los cómics más personales, honestos y estremecedores que se hayan producido en Europa.

violence and abuse / violencia y abuso

Obviamente, no pretendo resumir aquí 600 páginas intensas e íntimas sobre el grupo de chavales que conviven en este peculiar internado, pero sí quisiera mencionar brevemente el contexto en el que se desarrollan las peripecias de los protagonistas. Los hogares, lejos del esquema de caridad que tanto pregonaban, eran instituciones crueles en las que los niños padecían hambre y eran constantemente maltratados por el personal. Son recurrentes las anécdotas en las que los chicos deben rebuscar en el tacho de la basura para llevarse algo de comida desechada a la boca, o incluso casos extremos en los que comen los restos de alimento que encuentran en el vómito de alguno de sus compañeros. El agua también se convierte en un bien preciado, sobre todo en relatos en los que es tanta la sed, que ellos beben el agua estancada en los lavatorios, sucia de jabón, como si se tratase de agua fresca. No les queda otra opción.

Y, sin embargo, a pesar de las penurias, los chicos mantienen siempre el optimismo, o más bien una extraña mezcla de esperanza con ensoñaciones diarias (todos expresan, una y otra vez, su deseo por salir de la institución y poder regresar con sus familias). Frente a los dolorosos castigos impuestos por los adultos, los pequeños logran mantenerse en pie; porque para ellos el mayor dolor no es físico, lo que realmente les duele es no contar con el afecto de sus padres.

Es enternecedor ver la ingenuidad de los protagonistas y, al mismo tiempo, terrible observar cómo algunos de ellos pierden la inocencia. En vez de pensar en juegos, unos pocos se convierten en negociantes, alquilan tebeos, acusan a sus compañeros a cambio de comida, o adquieren fruta en mal estado y la venden por partes: algunos se comen lo malogrado, lo “pocho”, de la fruta, otros la cáscara y algunos afortunados el resto.

Frente a un escenario tan desolador, el protagonista, alter ego de Carlos Giménez, descubre el fascinante mundo de los cómics. Cuando se sumerge en las viñetas, parece olvidar por un momento su entorno, y eso es suficiente para revigorizarlo. Es admirable y casi angustiante ver cómo, durante meses, él vende los panes de la merienda, pasa hambre, y se las ingenia para negociar con los otros niños hasta llegar a reunir 32 pesetas, la cantidad necesaria para comprarse la colección completa de “El cachorro”, el cómic español más popular de la época.

two different worlds: adults and children / dos mundos diferentes: adultos y niños

Tal vez uno de mis capítulos favoritos es, precisamente, “El cachorro, el catecismo y la señorita de Castellón”. El protagonista recibe su paquete lleno de cómics nuevecitos, impecables, y él está tan feliz que le tiemblan las piernas. Han sido meses de sacrificio, pero finalmente tiene entre sus manos el preciado tesoro. Sin embargo, mientras él está ensimismado con su colección de tebeos, la maestra de catecismo tiene una grave pelea con su amante. La relación lésbica entre ambas mujeres está sugerida en una asombrosa secuencia muda de varias viñetas, el autor madrileño no necesita más para humanizar a una vieja solterona que, a simple vista, pareciera diseñada para convertirse en un personaje detestable. Frente a la decepción amorosa, sobreviene un exabrupto de ira, y la monja quema todos los tebeos que encuentra, incluyendo la colección íntegra de “El cachorro”.

Las figuras autoritarias del hogar de auxilio social no son monstruos inhumanos a pesar de sus actos de refinadísima crueldad. Giménez tiene el acierto de mostrárnoslos en toda su dimensión humana. Además, una que otra vez, algún adulto intenta interceder por los niños, pero finalmente termina rindiéndose frente a la estructura de poder que domina a España. Incluso, la forma de ser corrompidos y de aceptar sobornos adquiere, en ellos, un aire de naturalidad que inmediatamente nos hace entrar en contacto con nuestra propia realidad.

Finalmente, es necesario señalar que en el transcurso de “Paracuellos”, vemos cómo el protagonista se dedica cada vez más a la creación, empezando con simples dibujos hasta pasar a dibujar historietas completas que son leídas con avidez por sus amigos. Creo que es esa pasión creadora lo que mantiene con vida al alma del protagonista, es justamente la posibilidad de abstraerse y viajar a un universo de fantasía, lo que le permite a ese niño indefenso sobrevivir a una dura realidad. Acaso sea esa la lección más valiosa que nos deja Giménez.

Hi everyone!

Today, instead of reviewing someone else’s work, I’m focusing on my own comic book:
Un-American Chronicles, 4 stand-alone stories in one special issue: The Outsider (a horror story about a group of immoral kids that punish a defenseless woman with cruelty), It's Always the Statue of Liberty (an urban tale about 9/11; and about how, in fiction, a destroyed Statue of Liberty usually symbolizes the downfall of the US), Who Said It Was Easy? (a romantic comedy about a metamorphic woman who tries to seduce the guy next door) and Park (an erotic adventure in a public place…).

You can get the comic in the following link:
https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418

It’s only 1 dollar, and if you buy it you can win comics. That’s right, it’s sweepstakes time! I’ve decided to give away Marvel digital codes to 2 lucky winners (everyone who buys my comic from June 21 to July 21 is eligible). The first prize includes digital codes valued at $19.98, and the second prize includes codes valued at $10.99. This is a magnificent opportunity to support independent comic books while taking a look at some well-known Marvel titles.

All codes are to be redeemed through Marvel’s official website:
https://marvel.com/redeem/

All you have to do to participate is buy Un-American Chronicles and rate it (from 1 to 5 stars). Once you’ve rated it on ComiXology’s website, you can send an email to atlantis2006@lycos.com with the words Un-American Chronicles Sweepstakes and that’s it. On July 21 I’ll send the codes to the winners via email. Good luck!
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¡Hola a todos!

El día de hoy, en lugar de hablar de otros autores, me voy a enfocar en mi propio cómic:
Un-American Chronicles, 4 historias auto-conclusivas en un sólo ejemplar: The Outsider (una historia de terror sobre un grupo de chiquillos inmorales que atormentan cruelmente a una mujer indefensa), It's Always the Statue of Liberty (un relato urbano sobre el 11 de setiembre, y sobre cómo, en la ficción, una Estatua de la Libertad destruida, por lo general, simboliza la caída de los Estados Unidos), Who Said It Was Easy? (una comedia romántica sobre una mujer metamórfica que trata de seducir al chico de al lado) y Park (una aventura erótica en un lugar público...).

Pueden encontrar el cómic en el siguiente link:
https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418

Está a sólo 1 dólar, y si lo compran se pueden ganar algunos cómics. Así es, es la hora del sorteo. He decidido regalar códigos digitales de Marvel a 2 afortunados ganadores (podrán ganar todos los que compren mi cómic del 21 de junio al 21 de julio). El primer premio incluye códigos digitales valorizados en $19.98, y el segundo premio incluye códigos valorizados en $10.99. Esta es una magnífica oportunidad para apoyar a los cómics independientes mientras le dan un vistazo a algunos de los títulos más conocidos de Marvel.

Todos los códigos serán procesados a través de la web oficial de Marvel:
https://marvel.com/redeem/

Todo lo que tienen que hacer para participar es comprar Un-American Chronicles y darle una calificación (de 1 a 5 estrellas). Una vez que hayan efectuado la calificación en la página web de ComiXology, pueden enviar un email a atlantis2006@lycos.com con las palabras Sorteo Un-American Chronicles y eso es todo. El 21 de julio enviaré los códigos a los ganadores por email. ¡Buena suerte!

Usually, in a post like this, I would be talking about May comics (including my favorite FCBD books). However, this time I want to promote my own comic book:

Un-American Chronicles, 4 stand-alone stories in one special issue: The Outsider (a horror story about a group of immoral kids that punish a defenseless woman with cruelty), It's Always the Statue of Liberty (an urban tale about 9/11; and about how, in fiction, a destroyed Statue of Liberty usually symbolizes the downfall of the US), Who Said It Was Easy? (a romantic comedy about a metamorphic woman who tries to seduce the guy next door) and Park (an erotic adventure in a public place…).

All codes are to be redeemed through Marvel’s official website:
https://marvel.com/redeem/

All you have to do to participate is buy Un-American Chronicles and rate it (from 1 to 5 stars). Once you’ve rated it on ComiXology’s website, you can send an email to atlantis2006@lycos.com with the words Un-American Chronicles Sweepstakes and that’s it. On July 21 I’ll send the codes to the winners via email. Good luck!
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Por lo general, en este tipo de posts debería comentar los cómics de mayo (incluyendo mis favoritos del Free Comic Book Day). Sin embargo, esta vez quiero promocionar mi propio cómic:

Un-American Chronicles, 4 historias auto-conclusivas en un sólo ejemplar: The Outsider (una historia de terror sobre un grupo de chiquillos inmorales que atormentan cruelmente a una mujer indefensa), It's Always the Statue of Liberty (un relato urbano sobre el 11 de setiembre, y sobre cómo, en la ficción, una Estatua de la Libertad destruida, por lo general, simboliza la caída de los Estados Unidos), Who Said It Was Easy? (una comedia romántica sobre una mujer metamórfica que trata de seducir al chico de al lado) y Park (una aventura erótica en un lugar público...).

In “Century”, we had the opportunity to see Elijah Snow meddling in the affairs of the Extraordinary, a group comprised of supernatural creatures (Count Dracula), men with superhuman abilities (the Invisible Man) and even a genius like Sherlock Holmes.

Although “Zero Point” (published in Planetary # 14, June 2001) is also an adventure that takes place in the past, in this opportunity we’re no longer in the 19th century but rather in the more recent year of 1995. Everything begins in the laboratory of one of Elijah Snow’s allies. The scientist has made a startling discovery: a seemingly ordinary stick is, in fact, a powerful weapon of the Four. In the same way that Dr. Donald Blake hits his walking stick against the floor to transform it into Mjolnir, and therefore, to become the mighty Thor, the object analyzed by the scientist can also be transformed into a hammer of indescribable power.

As I have pointed out many times in previous reviews, Warren Ellis has been paying homage to different cinematographic and literary genres and, most especially, to the conventions and traditions of superhero comic books. This hammer of Thor is, indeed, a weapon unlike anything mankind could produce, and it belongs to the Four.

A true Archeologist of the Impossible, Elijah Snow travels to the Four’s armory. The arsenal of Randall Dowling is so vast that an entire planet is needed to contain it. Snow is overwhelmed by the sight, row upon row of weapons extend as far as the eye can see. And as he walks through the infinite corridors of this arsenal, he steps onto countless skeletons. To make room for his weaponry, Dowling exterminated an entire world.

The hammer of the Four / el martillo de los Cuatro

What happens next is a clever inversion of the usual rules of superhero comics. Certainly, as seasoned readers, we find it common for the Fantastic Four to be trapped by Dr. Doom or any other villain, only to use their wit and abilities to escape and defeat their enemy. In “Zero Point”, however, the opposite happens. After all, the hero is still Elijah Snow and the ultimate villains are the Four. Nevertheless, Snow prepares an ambush for William Leather and Kim Süskind (the equivalents of the Human Torch and the Invisible Woman).

So we get to see these characters, so similar to the classic creations of Stan Lee and Jack Kirby, under a whole new perspective. And, just as it so often happens in Fantastic Four, the supreme intelligence of Randall Dowling (Mr. Fantastic’s counterpart) is enough to defeat Snow and his Planetary team. Dowling performs an experimental procedure on Snow, erasing his memory. “We are old and powerful and bore easily. We enjoy the game Planetary represents. But we cannot allow ourselves to lose, Mr. Snow”, explains Dowling.

Of course, I cannot end this review without mentioning John Cassaday’s outstanding artistic contributions. From the exquisite design of the hammer of the god of thunder, to the elegant and yet dramatic composition of the Four’s arsenal. Cassaday excels in both, quiet scenes and action-packed sequences (like the fight between Leather and Jakita Wagner). I think there’s a reason why before 2001 Cassaday was still relatively unknown, it is in the pages of Planetary where the artist proves to be the most talented of that decade.
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En “Siglo”, tuvimos la oportunidad de ver a Elijah Snow interviniendo en los asuntos de los Extraordinarios, un grupo compuesto por criaturas sobrenaturales (Conde Drácula), personas con habilidades sobrehumanas (el Hombre Invisible) e incluso genios como Sherlock Holmes.

the secret arsenal of the Four / el arsenal secreto de los Cuatro

Aunque “Punto cero” (publicado en Planetary # 14, junio de 2001) es también una aventura que ocurre en el pasado, en esta oportunidad ya no estamos en el siglo XIX, sino más bien en un año más reciente: 1995. Todo comienza en el laboratorio de uno de los aliados de Elijah Snow. Un científico ha hecho un descubrimiento sorprendente: una vara de madera aparentemente normal es, de hecho, una poderosa arma de los Cuatro. De la misma manera que el Dr. Donald Blake golpea su bastón contra el suelo para transformarlo en Mjolnir, y por lo tanto, para convertirse en el poderoso Thor, el objeto analizado por el científico también se puede transformar en un martillo de poder indescriptible.

William Leather versus Jakita Wagner

Como he señalado muchas veces en críticas anteriores, Warren Ellis ha rendido homenaje a diferentes géneros cinematográficos y literarios y, muy especialmente, a las convenciones y tradiciones de los cómics de superhéroes. Este martillo de Thor es, de hecho, un arma diferente a cualquier objeto producido por la humanidad, y pertenece a los Cuatro.

Elijah Snow, un verdadero Arqueólogo de lo Imposible, viaja a la armería de los Cuatro. El arsenal de Randall Dowling es tan grande que se necesita un planeta entero para contenerlo. Snow está abrumado por lo que ve, fila tras fila de armas se extienden hasta donde alcanza la vista. Y mientras camina por los pasillos infinitos de este arsenal, pisa innumerables esqueletos. Para hacer espacio para su armamento, Dowling exterminó un mundo entero.

Lo que sucede después es una astuta inversión de las reglas habituales de los cómics de superhéroes. Ciertamente, como lectores experimentados, nos resulta común que los Cuatro Fantásticos sean capturados por el Dr. Doom o cualquier otro villano, sólo para usar su ingenio y habilidades hasta escapar y derrotar a su enemigo. En "Punto Cero", sin embargo, ocurre lo contrario. Después de todo, el héroe sigue siendo Elijah Snow y los villanos definitivos son los Cuatro. No obstante, Snow prepara una emboscada para William Leather y Kim Süskind (los equivalentes a la Antorcha Humana y la Mujer Invisible).

Así que vemos a estos personajes, tan similares a las creaciones clásicas de Stan Lee y Jack Kirby, bajo una nueva perspectiva. Y, del mismo modo que sucede a menudo en los Cuatro Fantásticos, la inteligencia suprema de Randall Dowling (contraparte de Mr. Fantástico) es suficiente para derrotar a Snow y al equipo de Planetary. Dowling realiza un procedimiento experimental en Snow, borrándole la memoria. “Somos viejos y poderosos y nos aburrimos fácilmente. Disfrutamos el juego que Planetary representa. Pero no podemos darnos el lujo de perder, señor Snow”, explica Dowling.

Elijah Snow has been defeated / Elijah Snow ha sido derrotado

Por supuesto, no puedo terminar esta reseña sin mencionar las notables contribuciones artísticas de John Cassaday. Desde el exquisito diseño del martillo del dios del trueno, hasta la composición elegante pero dramática del arsenal de los Cuatro. Cassaday sobresale tanto en las escenas tranquilas como en las secuencias llenas de acción (por ejemplo, la lucha entre Leather y Jakita Wagner). Creo que hay una razón por la que Cassaday seguía siendo relativamente desconocido antes del 2001, y es que es en las páginas de Planetary donde el artista demuestra por qué es el más talentoso de esa década.

In June I had the opportunity to watch new releases as well as to revisit some of my all-time favorites. George Miller directs Mad Max: Fury Road (2015), an extraordinary production, more brutal than anything else I’ve seen this year. In a post-apocalyptic future, natural resources are as scarce as precious, and even the search for water can lead to battles and massacres. The silent hero Mad Max is drawn to a dangerous persecution in the endless desert of tomorrow. With dark overtones and a certain cruelty, Miller ascertains the requirements for survival from the get go. A magnificent script and top notch acting turn this into a must see. The cast includes Tom Hardy (The Dark Knight Rises), Charlize Theron (The Burning Plain) and Nicholas Hoult (Jack the Giant Slayer); and comic book author Brendan McCarthy also collaborates as a screenwriter.

Jurassic World (2015) is a very entertaining, action-packed blockbuster, but it doesn’t live up to the original Jurassic Park. Of course, I loved the dinosaurs and the suspense, and I also appreciate the fact that corporate greed is taken into account, but there are a few plot holes that left me unsatisfied. The cast includes Chris Pratt (Guardians of the Galaxy), Ty Simpkins (Iron Man 3) and Nick Robinson (The Kings of Summer).

Brad Bird’s Tomorrowland (2015) is a wonderful all-ages production that reminds us about the importance of hope. In the 50s, people were optimistic about the future, but not anymore. George Clooney (Burn After Reading) is a bitter scientist who rediscovers the joy of life thanks to Britt Robertson. Time travel and bright minds come together in this awe-inspiring sci-fi adventure. Oh yeah, the villain is Hugh Laurie (House M.D.).

Directed by Pierre Morel, The Gunman (2015) is a tale of redemption that revolves around former mercenary Sean Penn (Gangster Squad). After being targeted for elimination, he’ll get in touch with his former allies, including Javier Bardem (Skyfall) and Ray Winstone (Scum). There are some great action sequences although the outcome is a bit predictable.

Hellion (2014), written and directed by Kat Candler, is a sad chronicle about teenager Josh Wiggins and his little brother Deke Garner, two kids without rules, and without much of a future. They mess up, once and again, until everything gets out of control. Candler recreates with subtlety the awkwardness and naiveté of adolescence, while concentrating in the difficult lives of these children forever trapped in a miserable town.

Neighbors (2014) is the kind of silly comedy that, for some reason, I seem to enjoy every now and then. Perhaps it’s the vulgarity or the bad taste jokes, either way, I did get a few laughs out of it. The cast includes Seth Rogen (This is the End), Rose Byrne (Just Buried), Zac Efron (The Paperboy) and Dave Franco.

Scott Derrickson had already impressed me with Sinister, and he does it again with Deliver Us From Evil (2014). Eric Bana is the protagonist of a horror production that deals with an evil entity that possesses people. An oppressive atmosphere and violent sequences were more than enough to keep me at the edge of my seat.

Insidious Chapter 2 (2013) is also another fine example of the horror genre. Patrick Wilson, Rose Byrne and Ty Simpkins must fight against a dead psychopath that attacks and tortures them in the ethereal realm.

A bad premise about people with superpowers and an insipid mise-en-scène, turn Push (2009) into a huge let down. Not even the cast can save this one: Chris Evans (Captain America), Dakota Fanning and Colin Ford.

Years after “Titanic”, Leonardo DiCaprio (The Great Gatsby) and Kate Winslet (The Reader) were reunited as a loving couple in Revolutionary Road (2008), a remarkable film directed by Sam Mendes. But this isn’t simply about romance, it’s mainly about the tragic disintegration of a family. Mendes recreates the Connecticut suburbs of the 50s, and highlights the traditional mindset of that era. Everything begins when the protagonists have a crazy idea: to run away to Europe and start a new life over there, even if their success cannot be guaranteed. However, slowly but surely, they settle for a mediocre life in which stability is the ultimate goal. Outstanding, deeply poignant and painfully real, Revolutionary Road is a lucid dissection of the American dream (or nightmare). I really recommend it.

Based on the novel by P. D. James, Alfonso Cuarón directs Children of Men (2006), arguably the most inspiring and thought-provoking sci-fi production I’ve seen in the past decade. When humanity has been plagued by years of infertility, life seems to be devoid of meaning. After all, once the last generation of men and women die of old age, it’s all over. However, an illegal immigrant is inexplicably pregnant and she must be escorted to the Human Project by Clive Owen (Bent). A captivating metaphor on war and peace, life and death, Children of Men confronts us with the darkest side of humanity as well as the beauty of birth. There are haunting and impressive scenes, like the one with Michelangelo’s David, one of the last pieces of art that still exist in this bleak future, or the ambush and battle sequences. The all-star cast includes Julianne Moore (Still Alice), Chiwetel Ejiofor (12 Years a Slave), Charlie Hunnam (Hooligans) and Michael Caine. Coincidentally, Children of Men is on my personal top 100 best films.

After two remarkable films, Stephen Daldry became my most admired contemporary filmmaker. So it’s only fair that I should talk about his opera prima: Billy Elliot (2000), a fascinating film about a young boy (Jamie Bell) who wants to become a ballet dancer going against his father’s traditions and also against the political upheavals of 1984 England. I was deeply touched by the charismatic protagonist, but above all, I felt identified with his quest, one that seems impossible at the beginning only to become his only way out of the impoverished town of Durham. If art is all about creation, then artistic expression is the only way to achieve freedom, and that is what Billy Elliot discovers by dancing. Thanks to ballet he frees himself from the dreadful fate he would have as a coal miner and he unleashes all his talent. Unforgettable, heartbreaking, brilliant, Billy Elliot is the kind of film that comes maybe once in a lifetime, with an intensity that smashes through all barriers, and with such deep understanding of the human soul that one cannot help but to feel an outburst of pure emotion, while sharing the same dreams with the characters. After 15 years, Billy Elliot continues to be on the top ten of the best films I’ve seen in my life. And I’m sure it’ll stay there for many years to come.
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En junio tuve la oportunidad de ver varios estrenos, y también de volver a disfrutar de algunas de mis películas favoritas. George Miller dirige “Mad Max: Fury Road” (2015), una extraordinaria producción, más brutal que cualquier otra cosa que haya visto este año. En un futuro post-apocalíptico, los recursos naturales son tan escasos como valiosos, e incluso la búsqueda de agua puede dar lugar a batallas y masacres. El héroe silencioso Mad Max es arrastrado a una persecución peligrosa en el interminable desierto del mañana. Con matices oscuros y una cierta crueldad, Miller determina los requisitos para la supervivencia desde el primer momento. El guión es magnífico y las actuaciones son de primer nivel. El reparto incluye a Tom Hardy (The Dark Knight Rises), Charlize Theron (The Burning Plain) y Nicholas Hoult (Jack the Giant Slayer); además, el autor de cómics Brendan McCarthy también colabora como guionista.

“Jurassic World” (2015) es una superproducción muy entretenida, de acción desbordante, pero no está a la altura del “Jurassic Park” original. Por supuesto, me encantaron los dinosaurios y el suspenso, y también aprecio el hecho de que la ambición de la empresa se tome en cuenta, pero hay algunos huecos argumentales que me dejaron insatisfecho. El reparto incluye a Chris Pratt (Guardians of the Galaxy), Ty Simpkins (Iron Man 3) y Nick Robinson (The Kings of Summer).

“Tomorrowland” (2015), de Brad Bird, es una maravillosa producción apta para todo público que nos recuerda la importancia de la esperanza. En los años 50, la gente era optimista en relación al futuro, pero el día de hoy ya nadie lo es. George Clooney (Burn After Reading) es un científico amargado que redescubre la alegría de la vida gracias a Britt Robertson. Viajes en el tiempo y mentes brillantes se unen en esta asombrosa aventura de ciencia ficción. Y el villano es Hugh Laurie (House M.D.).

Dirigida por Pierre Morel, “The Gunman” (2015) es una historia de redención que gira en torno al ex-mercenario Sean Penn (Gangster Squad). Tras sobrevivir a un atentado, él intentará contactar con sus antiguos camaradas, entre ellos Javier Bardem (Skyfall) y Ray Winstone (Scum). Hay algunos secuencias de acción estupendas, aunque el desenlace es un poco predecible.

“Hellion” (2014), escrita y dirigida por Kat Candler, es una triste crónica acerca de Josh Wiggins, un adolescente, y su hermano menor Deke Garner, dos chicos sin reglas y sin mucho futuro por delante. Meten la pata, una y otra vez, hasta que todo se sale de control. Candler recrea con sutileza la torpeza e ingenuidad de la adolescencia, mientras se concentra en las vidas difíciles de estos niños atrapados para siempre en un pueblito miserable.

“Neighbors” (2014) es el tipo de comedia tonta que, por algún motivo, disfruto de vez en cuando. Tal vez es la vulgaridad o las bromas de mal gusto, en cualquier caso, solté varias carcajadas aquí. El reparto incluye a Seth Rogen (This is the End), Rose Byrne (Just Buried), Zac Efron (The Paperboy) y Dave Franco.

Scott Derrickson ya me había impresionado con Sinister, y lo logra de nuevo con “Deliver Us From Evil” (2014). Eric Bana es el protagonista de una terrorífica producción que muestra a una entidad maligna que posee a la gente. Una atmósfera opresiva y secuencias violentas fueron más que suficiente para mantenerme en vilo.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a colores)

“Insidious Chapter 2” (2013) también es otro buen ejemplo del género de terror. Patrick Wilson, Rose Byrne y Ty Simpkins deben luchar contra un psicópata muerto que los ataca y los tortura en el reino etéreo.

Una mala premisa sobre sujetos con superpoderes y una puesta en escena insípida, dan como resultado la decepcionante “Push” (2009). Ni siquiera el elenco la salva: Chris Evans (Captain America), Dakota Fanning y Colin Ford.

Años después de “Titanic”, Leonardo DiCaprio (The Great Gatsby) y Kate Winslet (The Reader) vuelven a ser una pareja de enamorados en “Revolutionary Road” (2008), una notable película dirigida por Sam Mendes. Pero esto no es simplemente un romance, es principalmente una propuesta sobre la trágica desintegración de una familia. Mendes recrea los suburbios de Connecticut de los años 50, y pone de relieve la mentalidad tradicional de la época. Todo comienza cuando los protagonistas tienen una idea loca: largarse a Europa y empezar una nueva vida allí, aunque nada garantice el éxito de su plan. Sin embargo, poco a poco, se conforman con una vida mediocre en la que la estabilidad es el objetivo final. Notable, profundamente conmovedora y dolorosamente real, “Revolutionary Road” es una disección lúcida del sueño (o pesadilla) americano. Realmente la recomiendo.

Basado en la novela de P. D. James, Alfonso Cuarón dirige “Children of Men” (2006), una de las producciones de ciencia-ficción más inspiradoras y estimulantes de la última década. Cuando la humanidad se ve afectada por años de infertilidad, la vida carece de sentido. Después de todo, una vez que la última generación de hombres y mujeres mueran de vejez, todo habrá terminado. Sin embargo, una inmigrante ilegal queda inexplicablemente embarazada, y ella será acompañada al Proyecto Humano por Clive Owen (Bent). Una cautivadora metáfora sobre la guerra y la paz, la vida y la muerte, “Children of Men” nos confronta con el lado más oscuro de la humanidad, y también con la belleza del nacimiento. Hay escenas inquietantes e impresionantes, como la del David de Miguel Ángel, una de las últimas obras de arte que aún existen en este lúgubre futuro, o las secuencias de la emboscada y de la batalla. El gran elenco incluye a Julianne Moore (Still Alice), Chiwetel Ejiofor (12 Years a Slave), Charlie Hunnam (Hooligans) y Michael Caine. Por cierto, “Children of Men” está en mi top 100 de las mejores películas.

Después de dos films notables, Stephen Daldry se convirtió en un cineasta contemporáneo admiradísimo. Así que es pertinente hablar sobre su ópera prima: “Billy Elliot” (2000), una película fascinante sobre un chiquillo (Jamie Bell) que quiere convertirse en un bailarín de ballet, yendo en contra de las tradiciones de su padre y también en contra los trastornos políticos de la Inglaterra de 1984. Me sentí profundamente conmovido por el carismático protagonista pero, sobre todo, me sentí identificado con su búsqueda, que parece imposible en un principio para convertirse luego en su única vía de escape del empobrecido pueblo de Durham. Si el arte tiene que ver con la creación, entonces la expresión artística es la única manera de alcanzar la libertad, y eso es lo que Billy Elliot descubre bailando. Gracias al ballet se libra del terrible destino que tendría en las minas de carbón, y da rienda suelta a todo su talento. Inolvidable, desgarradora, brillante, “Billy Elliot” es el tipo de film que deja huella, con una intensidad que rompe todas las barreras, y que causa una explosión de emoción pura. ¿Cómo no identificarse con los sueños de estos personajes? Después de 15 años, “Billy Elliot” sigue estando en el top ten de las mejores películas que he visto en mi vida. Y estoy seguro de que permanecerá allí durante muchos años más.

Long before he became Wolverine, and years before meeting Professor Charles Xavier, Logan was simply a man leading a life without purpose. Dishonorably discharged from the army, he would roam the streets and the seedy underbelly of his city, getting in bar fights and finding accommodations in the filthiest and most miserable hostels.

This bleak scenario serves as the starting point for Barry Windsor-Smith's bold take on one of the most famous Marvel characters ever created. I think it was clear, ever since the late 70s, that Wolverine was destined to greatness; and when he appeared for the first time in the pages of X-Men, the history of mutantkind would be forever changed. Perhaps, what was most alluring about this Canadian warrior was his past, a mystery to which not even the clawed mutant would be privy to.

Wolverine's flawed nature, his constant struggle between his human side and his berserker rage, would often put him at odds with his fellow X-Men. And even Professor X would have a hard time trying to help Logan, a man too old to be one of his students but also too unstable to be left alone.

So what happened to Logan? What sent him over the edge? The answer can be found in Weapon X, an extraordinary miniseries that focuses on Logan's early days, before entering into the superhero business. Barry Windsor-Smith shows us a man with a serious case of chronic alcohol abuse, a drunkard that is kidnapped by a secret branch of the Canadian government. The task: to conduct a series of experiments on him; the goal: to turn him into the most lethal killing machine, to replace the man with a perfect weapon.

We can see the pain inflicted on Logan, the adamantium grafting process is a terrible torture that only a mutant with a healing factor could survive. But those healing abilities work exclusively on the body. What happens with the mind? Simply put, Logan loses his sanity, and in that vulnerable state he is brainwashed by the scientists in charge of the project. “His subconscious stripped bare... Cut from his soul... And scored to the bone”, Logan is forced to act like a beast, fighting constantly against wolves, bears and Siberian tigers. Of course, once he has crushed these wild animals, he begins hunting down humans.

Weapon X is an incredible artistic feat and a technical prowess on its own. Barry Windsor-Smith, the best artist of the 70s, surprises us with a graphic innovation that differentiates this work from his legendary run in Conan the Barbarian. It's not entirely unexpected to observe how the beautiful lines and meticulous attention to details from Conan give way to rougher-looking finishes. If in the 70s Barry Windsor-Smith was like a Renaissance artist doing comics, or like a Durer working at Marvel, in the 90s he is an artist that has fully embraced the Expressionism movement, he is like a Francis Bacon returning to Marvel after a prolonged absence. Artistic evolution, after all, is what defined the career of a British artist that drew his first Conan issues imitating Jack Kirby before discovering his own (and magnificent) style.

For this particular project, Barry Windsor-Smith went against the rules. And the result was all the better for it. First, he reduced the amount of splash pages considerably, and then he designed pages with 10 or even 11 panels, something rare in the day and even rarer now. So whenever a splash page shows up, it is a tremendously shocking and intense image; this serves as a contrast compared with the other pages, in which every panel serves as a puzzle that we must complete in our head. Let’s take, for instance, a 10-panel page that offers significant visual information: from a close up to Logan’s face, to a small detail of the wires that will be connected to him later on, from the cells as seen through a microscope, to the nightmares Logan will remember after the experiments, from the laboratory to the Canadian cheap hotel room. Of course, the violent scenes are spectacular, although my favorite is probably the last one, where we get to see the clawed mutant maiming and killing dozens of soldiers. An excellent composition.

As Larry Hama explains on his introduction, Weapon X “is such a seamless melding of writing and drawing that one cannot be separated from the other and it is impossible to tell where one ends and the other picks up”. Indeed, when Barry Windsor-Smith was invited to revitalize the Wolverine universe, he decided to do something he had never done before at Marvel. Instead of playing one role, as a writer or as an artist, he did it all. He is the writer, penciler, inker, cover artist, colorist and letterer. There is not a single aspect of this book that he did not take into account, so everything works in perfect unison, the coloring and the lettering, the writing and the illustrations... What we get to see is what the British master envisioned, unblemished by the intervention of other people. Weapon X has a “cohesion and a structural integrity” impossible to achieve otherwise.
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Logan's dark past / el oscuro pasado de Logan

Mucho antes de convertirse en Wolverine, y años antes de encontrarse con el profesor Charles Xavier, Logan era simplemente un hombre sin propósito. Deshonrosamente expulsado del ejército, él deambulaba por las calles más sórdidas de la ciudad, peleando en bares y encontrando alojamiento en los más miserables y asquerosos albergues.

Este escenario sombrío sirve como punto de partida para la audaz propuesta que Barry Windsor-Smith prepara para uno de los más famosos personajes de Marvel. Creo que estaba claro, desde fines de los 70s, que Wolverine estaba destinado a la grandeza; y cuando apareció por primera vez en las páginas de “X-Men”, la historia de los mutantes cambió para siempre. Tal vez, lo más cautivador de este guerrero canadiense era su pasado, un misterio que ni el propio mutante con garras podía aclarar.

La naturaleza defectuosa de Wolverine, la constante lucha entre su lado humano y su rabia de Berserker, provocarían a menudo conflictos con sus compañeros X-Men. E incluso para el Profesor X era difícil ayudar a Logan, un hombre demasiado viejo para ser uno de sus alumnos, pero también demasiado inestable como para ser abandonado a su suerte.

Entonces, ¿qué pasó con Logan? ¿Qué lo llevó al borde del abismo? La respuesta se puede encontrar en “Weapon X”, una extraordinaria miniserie que se centra en los primeros días de Logan, antes de entrar en el negocio de los superhéroes. Barry Windsor-Smith nos muestra a un hombre con un caso grave de abuso crónico de alcohol, un borracho que es secuestrado por una rama secreta del gobierno canadiense. La tarea: llevar a cabo una serie de experimentos en él; la meta: convertirlo en la máquina de matar más letal, reemplazar al hombre con un arma perfecta.

the experiment begins / el experimento comienza

Podemos ver el dolor infligido a Logan, el proceso para injertar adamantium es una terrible tortura que sólo podría sobrevivir un mutante con un factor de curación. Pero esas habilidades curativas funcionan únicamente en el cuerpo. ¿Qué pasa con la mente? Rápidamente, Logan pierde la cordura, y en ese estado vulnerable sufre un lavado cerebral a manos de los científicos encargados del proyecto. “Su subconsciente es desnudado... Su alma cercenada... Y rayada hasta el hueso”, Logan se ve obligado a actuar como una bestia, luchando constantemente contra lobos, osos y tigres siberianos. Por supuesto, una vez que ha destrozado a estos animales salvajes, comienza a cazar seres humanos.

Wolverine versus wolves

Weapon X es una hazaña artística increíble, de una gran destreza técnica. Barry Windsor-Smith, el mejor artista de los 70s, nos sorprende con una innovación gráfica que diferencia este trabajo de su legendaria etapa en Conan the Barbarian. No resulta inesperado observar cómo las preciosas líneas y la atención meticulosa hacia los detalles, características de Conan, dan paso a acabados de aspecto más áspero. Si en los 70s Barry Windsor-Smith era como un artista del Renacimiento haciendo cómics, o como un Durero trabajando en Marvel, en los años 90 él es un artista que ha adoptado plenamente el movimiento expresionista, y es como un Francis Bacon regresando a Marvel después de una ausencia prolongada. La evolución artística, después de todo, es lo que define la carrera de este artista británico que dibujó sus primeros números de Conan imitando a Jack Kirby, antes de descubrir su propio (y magnífico) estilo.

Logan breaks free / Logan se libera

Para este proyecto en particular, Barry Windsor-Smith violó las reglas. Y el resultado es incluso mejor gracias a ello. En primer lugar, redujo considerablemente la cantidad de páginas enteras, y diseñó páginas con 10 o incluso 11 viñetas, algo raro entonces y aún más raro hoy en día. Así que cada vez que aparece una página entera, es una imagen tremendamente impactante e intensa; esto sirve como un contraste en comparación con el resto de páginas, en la que cada viñeta sirve como una pieza del rompecabezas que debemos completar en nuestra cabeza. Tomemos, por ejemplo, una página de 10 viñetas que ofrece una información visual imprescindible: a partir de un primer plano de la cara de Logan, pasamos a un pequeño detalle de los cables que después serán conectados a su cuerpo, a partir de las células vistas en un microscopio, pasamos a las pesadillas que Logan experimentará, a partir del laboratorio pasamos a la habitación de hotel barato en el que se hospeda el canadiense. Por supuesto, las escenas violentas son espectaculares, aunque mi favorita probablemente sea la última, donde llegamos a ver al mutante con garras mutilando y matando a decenas de soldados. Una excelente composición.

the massacre is about to end / la masacre está por terminar

Como Larry Hama explica en su introducción, Weapon X “es una fusión perfecta de escritura y dibujo, uno no puede separar una de la otra, y es imposible decir dónde termina una y dónde comienza la otra”. De hecho, cuando Barry Windsor-Smith fue invitado a revitalizar el universo de Wolverine, decidió hacer algo que nunca había hecho antes en Marvel. En lugar de jugar un sólo rol, como escritor o como artista, lo hizo todo. Él es el escritor, dibujante a lápiz, entintador, portadista, colorista y rotulista. No hay un sólo aspecto de esta obra que él no haya tenido en cuenta, por eso todo funciona armónicamente, el color y las letras, la escritura y las ilustraciones... Lo que vemos es lo que el maestro británico planteó inicialmente, sin ser opacado por la intervención de otras personas. Weapon X tiene una "cohesión y una integridad estructural" imposible de lograr de otra manera.

Conocí a Renzo Núñez Melgar Vega (hoy más conocido como REVE) a fines del 2010, en la inauguración de la tristemente desaparecida galería Shock, en la plaza San Francisco de Barranco.

En ese primer momento, por supuesto, no había visto ninguno de sus cuadros, pero nos hicimos amigos y empecé a ir de visita a su taller (que por aquel entonces compartía con el talentoso Asad López de Castilla).

Desde la primera vez que entré a esa simpática casona barranquina quedé absolutamente impresionado con el arte de REVE, y a partir de entonces para mí se convirtió en una apremiante necesidad ir a su taller y observar al artista en el momento mismo de la creación.

Al inicio iba con el pretexto de mostrarle los cómics que me publicaban en Estados Unidos y recuerdo que casi siempre celebrábamos la ocasión con un buen vino servido no en copas sino en vasos de metal (igualitos a los que tenían en el Govinda hace años); aunque el verdadero jolgorio consistía en largas conversaciones sobre todo tipo de temas, desde The Walking Dead (el cómic y sobre todo la extraordinaria serie de televisión) hasta el panorama artístico limeño.

Después iba simplemente, me aparecía sin avisar ni nada. Siempre con ganas de ver en qué cuadros estaba trabajando Renzo en ese momento. Y todas las veces, sin excepción, encontraba en su obra un inigualable deleite visual.

Obviamente, en el último lustro, no me he perdido muestra alguna de REVE. Y lo mejor es que antes de ver la obra terminada he podido admirar de cerca el proceso creativo. Esa cercanía es algo que no comparto con ningún otro artista, y creo que es gracias a esa posición de espectador privilegiado que he podido apreciar matices y detalles que podrían pasar desapercibidos para el resto del público.

En ocasiones anteriores ya he comentado Lima Rock City (en la Sala de Arte de Viajes El Corte Inglés) y Un día en la vida (en la Galería Enlace), así que ahora quiero hablar de La publicidad que no conocías, una extraordinaria propuesta que va de la mano con un increíble despliegue artístico y con una deslumbrante destreza pictórica.

Si en ocasiones anteriores REVE había reelaborado portadas clásicas de los discos de rock de los 60s y 70s, lo que ahora hace es apropiarse de figuras tan icónicas como Elvis Presley, Keith Richards, Mick Jagger, Bob Dylan, David Bowie o George Harrison, y transplantarlas al engañoso mundo de la publicidad, pero no al marketing de las grandes marcas del mundo sino de los productos peruanos de aquellos años. Ahí tenemos, por ejemplo, los cigarrillos Inca, los fósforos Inti, el té Herbi, etc.

Esta noche asistí a la inauguración en el concurrido Centro Colich, acompañado por mi amigo Andreé Ferro. Llegamos muy temprano para poder apreciar los cuadros antes que la sala se repletara. Felicité a REVE y me encontré con muchos otros fans del artista.

Al final del año siempre hago un balance de lo mejor del arte en Lima y desde ya puedo afirmar que La publicidad que no conocías se perfila como una de las mejores y más imprescindibles muestras del 2015.

Instead of talking about June comics, I decided it would be better to remind all of you that there are still a few days left to buy Un-American Chronicles.

It was known as “the galaxy’s greatest comic”, and I would be hard-pressed to find a better sci-fi anthology (in England or anywhere else in the world): 2000AD. The late 70s and early 80s were a golden age for this weekly British publication; during those years, writers such as John Wagner, Alan Grant, Peter Milligan, Alan Moore, Pat Mills, Neil Gaiman, Steve Moore and Grant Morrison created some of the most fascinating stories ever.

Brian Bolland

At the same time, a group of wonderfully gifted artists started to gain recognition: Brett Ewins, Carlos Ezquerra, Mike McMahon, Dave Gibbons, Kevin O'Neill, Ian Gibson, Brian Bolland, Garry Leach, Bryan Talbot, Alan Davis, Brendan McCarthy, etc. It’s hard to believe that all of them were once under the same roof, editorially speaking. Obviously, with so many talented creators, 2000AD truly became the galaxy’s greatest comic.

When I was still in elementary school, my favorite comics were not published by either Marvel or DC. My heroes weren’t Superman, Batman, Spider-Man or the X-Men. The superpowered folk came into my life much later, when I was in high school. The heroes I admired were quite human in nature, and not just because they didn’t need superhuman abilities in order to save the day, but mainly because they seemed, at least to me, a lot more relatable than the traditional American do-gooders. I was a huge fan of Johnny Alpha (Strontium Dog), Sam Slade (Robo-Hunter), Rogue Trooper, Dan Dare, Judge Dredd and many others (which reminds me, by the way, that someday I should write a review about each one of these titles).

Among that elite group, perhaps Dredd was the one I respected the most. And along with Dredd, there came Judge Cassandra Anderson, from the PSI Division. A judge with psychic abilities and a very perky personality, Anderson has always been one of my favorite female characters. She was Dredd’s opposite, but in many ways she was also the ideal complement. If Dredd stands for science, logic and severity, Anderson embraces the supernatural, the instinct and a good sense of humor.

Brett Ewins

So it’s only fitting that Anderson’s first appearance would involve the greatest supernatural threat Mega-City One had ever faced: the Four Dark Judges. Writers John Wagner and Alan Grant unleashed the dark judges in “Revenge” (originally published in 1985, in 2000AD progs # 416 through 427). Judge Death had been planning his revenge for a long time, and with the assistance of Fire, Fear and Mortis, he’ll wreak havoc upon Mega-City once again. At first, Death is able to manipulate Anderson, but eventually, Anderson’s telepathic powers give her the upper hand. “Anderson… I’ve always disliked your flippant attitude, but I’ve never –until recently– doubted your competence”, affirms Chief Judge McGruder. And indeed, against impossible odds, Anderson finally defeats the dark judges.

Brett Ewins

“Revenge” was released exactly 30 years ago, and to me it’s a special story for one reason: Brett Ewins. As I’ve mentioned before, back in the day, 2000AD was the home of the most gifted artists in comics. Many of them eventually migrated to the American comic book industry, becoming even more famous and influential. Others, however, did not. Ewins was one of them. Luckily for me, I had access to most of the stories he illustrated for 2000AD, such as a few Tharg's Future Shocks, some absolutely amazing Judge Dredd adventures (the excellent “Haunting of Sector House 9”, also scripted by Wagner, still remains amongst my favorites), and a couple of ABC Warriors and Rogue Trooper episodes.

Ever since I was a child I found Ewins art absolutely captivating. He had a unique way of portraying gestures and facial expressions, and an amazing grasp on urban settings, his street punks and perps looked so real, and he was always so original when it came to futuristic clothing and gadgets. Ewins seemed to combine the best features of his colleagues: from Bolland, a delicate brush and an intense love for details; from McCarthy, a colorful extravagance and an untamed visual energy; from Gibbons, an absolute understanding of sequential storytelling; and so on. Ewins was one of the most brilliant British artists, and for decades he struggled with his inner demons, a battle that left him exhausted and diminished the amount and frequency of his artistic contributions. He passed away on February 2015. He hadn’t been drawing for over 10 years, but he had already left a precious legacy in the pages of Judge Dredd and Judge Anderson - PSI Division.
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“2000 AD” era conocido como “el cómic más grandioso de la galaxia”, y de hecho sería muy difícil encontrar una mejor antología de ciencia ficción (en Inglaterra o en cualquier otra parte del mundo). La edad de oro de esta publicación británica semanal empezó a fines de los 70s y continuaría hasta principios de los 80s; durante esos años, escritores como John Wagner, Alan Grant, Peter Milligan, Alan Moore, Pat Mills, Neil Gaiman, Steve Moore y Grant Morrison crearon las más alucinantes historias.

Judge Anderson

Al mismo tiempo, un grupo de maravillosos y talentosos artistas comenzaría a ganar reconocimiento: Brett Ewins, Carlos Ezquerra, Mike McMahon, Dave Gibbons, Kevin O'Neill, Ian Gibson, Brian Bolland, Garry Leach, Bryan Talbot, Alan Davis, Brendan McCarthy, etc. Es difícil creer que todos ellos estuvieron alguna vez bajo el techo de la misma editorial. Obviamente, con tantos creadores talentosos, 2000AD se convirtió verdaderamente en el mejor cómic de la galaxia.

Cuando yo todavía estaba en primaria, mis cómics favoritos no eran los que publicaba Marvel o DC. Mis héroes no eran Superman, Batman, Spider-Man o los X-Men. Los superhéroes entraron en mi vida mucho después, cuando ya estaba en secundaria. Los héroes que admiraba eran de condición bastante humana, y no sólo porque no necesitaban habilidades sobrehumanas para salir victoriosos, sino sobre todo porque resultaba, al menos desde mi punto de vista, mucho más fácil identificarse con ellos que con los tradicionales bienhechores estadounidenses. Fui un gran fan de Johnny Alfa (Strontium Dog), Sam Slade (Robo-Hunter), Rogue Trooper, Dan Dare, Judge Dredd y muchos otros (por cierto, algún día debería escribir una reseña sobre cada uno de ellos).

Entre ese grupo de élite, quizás Dredd era al que más respetaba. Y junto con Dredd, llegó la Jueza Cassandra Anderson, de la División PSI. Una jueza con habilidades psíquicas y una personalidad muy alegre, Anderson siempre fue uno de mis personajes femeninos favoritos. Ella era lo opuesto a Dredd, pero en muchos aspectos también era el complemento ideal. Si Dredd es sinónimo de la ciencia, la lógica y la severidad, Anderson reúne lo sobrenatural, el instinto y un buen sentido del humor.

the arrival of Death / la llegada de Muerte

Así que es lógico que la primera aparición de Anderson implicaría la mayor amenaza sobrenatural que Mega-City One había enfrentado: los Cuatro Jueces Oscuros. Los escritores John Wagner y Alan Grant liberan a los jueces oscuros en "Revancha" (publicado originalmente en 1985, en “2000AD” # 416 a 427). El Juez Muerte había estado planeando su venganza por un largo tiempo, y con la ayuda de Fuego, Miedo y Mortis, causaría estragos en Mega-City una vez más. Al principio, Muerte es capaz de manipular a Anderson, pero finalmente ella usa sus poderes telepáticos para ganar ventaja. “Anderson... siempre me ha disgustado tu actitud impertinente, pero nunca -hasta hace poco- he dudado de tu competencia”, afirma McGruder, la jefa de los jueces. Y, en efecto, contra viento y marea, Anderson finalmente logra derrotar a los jueces oscuros.

the dark judges / los jueces oscuros

"Revenge" se publicó hace exactamente 30 años, y para mí es una historia especial por una razón: Brett Ewins. Como he mencionado antes, en su día, “2000 AD” fue el hogar de los artistas más talentosos. Muchos de ellos eventualmente migraron a la industria del cómic estadounidense, haciéndose aún más famosos e influyentes. Otros, sin embargo, no lo hicieron. Ewins era uno de ellos. Afortunadamente para mí, tuve acceso a la mayoría de las historias que él ilustró para “2000 AD”; un puñado de “Tharg's Future Shocks”, algunas aventuras absolutamente increíbles de Juez Dredd (la excelente “Haunting of Sector House 9”, también con guión de Wagner, está entre mis favoritas), y un par de episodios de “ABC Warriors” y “Rogue Trooper”.

McGruder & Anderson

Desde que era niño el arte de Ewins me parecía absolutamente cautivador. Él tenía una manera única de retratar gestos y expresiones faciales, y una asombrosa comprensión de los entornos urbanos, sus punks callejeros y sus delincuentes se veían tan reales, y él siempre fue sumamente original cuando se trataba de retratar ropa futurista y todo tipo de artilugios. Ewins parecía combinar las mejores características de sus colegas: de Bolland, heredó un trazo delicado y un intenso amor por los detalles; de McCarthy, una colorida extravagancia y una energía visual sin domesticar; de Gibbons, un gran entendimiento de la narrativa secuencial; y así sucesivamente. Ewins fue uno de los artistas británicos más brillantes, y por décadas luchó contra sus demonios internos, una batalla que lo dejó exhausto y disminuyó la cantidad y frecuencia de sus contribuciones artísticas. Falleció en febrero del 2015. Él no había dibujado desde hacía más de 10 años, pero ya había dejado un valioso legado en las páginas de “Judge Dredd” y “Anderson - PSI Division”.

Gabriele Dell'Otto

Written in 1984, “October Incident: 1966”, was a lost tale about the corruption of Johnny Bates (formerly known as Kid Miracleman). No longer the hero’s sidekick, Bates is now a cruel individual with unlimited powers. Writer Grant Morrison, a fan of Moore’s Miracleman, wrote this short story hoping that it would be published by Warrior magazine. However, the British publication went out of business that same year, thus Morrison’s pages were stranded in limbo for decades.

Fortunately, after 30 years, Joe Quesada decided to get in touch with the Scottish writer to rescue this script from oblivion. Quesada, however, did not approach this project as a simple editor, but rather as the artist that would give life to Morrison’s ideas. The result is 12 stunning pages that are, indeed, the most impressive artistic achievement I’ve seen from Quesada since the 90s; the Chief Creative Officer of Marvel Comics is surely remembering the aesthetic pleasure every artist feels when looking upon a satisfactorily concluded work.

With a brilliant composition and a unique sense of design, Quesada adds an unprecedented level of details in every panel. In many interviews, Quesada has stated how important Miracleman was to the comic book industry in the 80s, how it changed the way authors would approach sequential storytelling. And judging by the dedication and graphic effort we can see in these pages, it’s clear that Quesada wasn’t underestimating Miracleman’s relevance. “October Incident: 1966” is a respectful exploration of Miracleman’s mythos.

Joe Quesada

This annual also includes a delightful story titled “Seriously Miraculous”. British writer Peter Milligan pays homage to the naïveté and simplicity of the 50s, when Mick Anglo’s character was the most famous superhero in the United Kingdom. Michael Allred’s artistic style is ideal to reinterpret the nostalgia of more innocent times.

“Seriously Miraculous” reunites Miracleman, Kid Miracleman and Young Miracleman. Of course, they fight against Doctor Gargunza, Young Nastyman and the evil dictator of Boromania, a fictitious European nation that would appear frequently in the old comics. Extravagant and colorful threats are present in every page, and although at moments Milligan winks at us, the readers, by making Miracleman question the lack of logic and verisimilitude of pretty much everything that happens in this tale, the author still preserves the childish charm of yesteryear. The final page is a clever reference to Alan Moore and Garry Leach’s “Thus Spake Zarathustra”.

The annual also includes the original script by Morrison, as well as preliminary penciled versions of Quesada’s pages, and black and white pages by Allred. As an interesting anecdote, I should point out that Quesada based his interpretation of Bates on an old Morrison photograph (this image of a young Morrison was taken in Culzean Castle, Scotland, in 1984). Finally, I have to talk about the fantastic cover by the talented Gabriele Dell'Otto. One of the best illustrators of the medium, Dell'Otto paints a disturbed and sinister Bates, surrounded by darkness.

Johnny Bates is out of control / Johnny Bates está fuera de control

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Michael Allred

Escrito en 1984, “El incidente de octubre: 1966”, fue un relato perdido sobre la corrupción de Johnny Bates (antes conocido como Kid Miracleman). Luego de distanciarse del héroe, Bates se convierte en un individuo cruel con poderes ilimitados. El escritor Grant Morrison, un fan del Miracleman de Moore, escribió esta historia con la esperanza de que fuese publicada en la revista “Warrior”. Sin embargo, la publicación británica se declaró en bancarrota ese mismo año, por lo tanto las páginas de Morrison se quedaron varadas en el limbo durante décadas.

Afortunadamente, después de 30 años, Joe Quesada decidió ponerse en contacto con el escritor escocés para rescatar del olvido a este guión. Quesada, sin embargo, no se aproximó a este proyecto como un simple editor, sino más bien como el artista que le daría vida a las ideas de Morrison. El resultado son 12 extraordinarias páginas que, de hecho, serían el más impresionante logro artístico de Quesada desde los años 90; el director creativo de Marvel Comics está, indudablemente, recordando el placer estético que todo artista siente al observar un trabajo satisfactoriamente concluido.

Con una composición brillante y un sentido único del diseño, Quesada añade un nivel de detalles sin precedentes en cada viñeta. En muchas entrevistas, Quesada ha señalado la importancia de “Miracleman” para la industria del cómic en los 80s, y cómo cambió la forma en la que los autores desarrollarían la narrativa secuencial. Y a juzgar por la dedicación y el esfuerzo gráfico que podemos ver en estas páginas, está claro que Quesada no estaba subestimando la relevancia de Miracleman. “El incidente de octubre: 1966” es una exploración respetuosa del mítico Miracleman.

Young Nastyman & Doctor Gargunza

Este número especial también incluye una encantadora historia titulada “Seriamente milagroso”. El escritor británico Peter Milligan rinde homenaje a la ingenuidad y simplicidad de los años 50, cuando el personaje de Mick Anglo era el más famoso superhéroe del Reino Unido. El estilo artístico de Michael Allred es ideal para reinterpretar la nostalgia de tiempos más inocentes.

“Seriamente milagroso” reúne a Miracleman, Kid Miracleman y Young Miracleman. Por supuesto, luchan contra el doctor Gargunza, Young Nastyman (el joven malhechor) y el malvado dictador de Boromania, una nación europea ficticia que aparecía con frecuencia en los viejos cómics. Amenazas extravagantes y coloridas se presentan en cada página, y aunque por momentos Milligan nos hace guiños a nosotros, los lectores, al hacer que Miracleman coloque en tela de juicio la falta de lógica y verosimilitud de casi todo lo que sucede en este relato, el autor aun así conserva el encanto infantil de antaño. La última página es una referencia inteligente al “Así habló Zaratustra” de Alan Moore y Garry Leach.

Este especial también incluye el guión original de Morrison, así como las versiones preliminares de las páginas a lápiz de Quesada, y las páginas a blanco y negro de Allred. Como anécdota interesante, debo señalar que Quesada basó su interpretación de Bates en una vieja fotografía de Morrison (esta imagen de un joven Morrison fue tomada en el castillo de Culzean, Escocia, en 1984). Por último, tengo que hablar de la fantástica portada, realizada por el talentoso Gabriele Dell'Otto. Uno de los mejores ilustradores del medio, Dell'Otto retrata a un perturbado y siniestro Bates, rodeado de oscuridad.

If I recall correctly, I read “Comix Internacional” almost 20 years ago, it was a magnificent anthology that would include the best European artists of the moment, under the guidance of Josep Toutain -the Toutain (or Totem) of comics- an emblematic editor that popularized countless writers and artists in titles such as “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy” (Spanish edition), etc.

Museum

Despite the high quality of this anthology, some stories were better than others; and the best example would be the brilliant “Museum”, created by Fernando de Felipe. It's hard to remember exactly what it was about it that initially attracted me the most, perhaps it was the black humor, the acid and merciless irony that characterized his work.

every chapter begins with a quote in Latin / cada capítulo empieza con una cita en latín

I guess for me, and for many other comic fans, it's very easy to identify with the leitmotif of “Museum”. These pages have one element in common: the greed of collectors; the obsessive need to complete a collection is something that all comic lovers can recognize. How far can we go to satisfy our insatiable need as collectors?

Fernando de Felipe introduces a group of characters that go beyond our usual collecting activities, thus turning a hobby into a deadly addiction. For instance, let's look at the tragicomic chronicle of Rugiero Pianoforte, who murders all his family members to collect their ashes, in beautiful urns. "Pulvis eris et in pulverem reverteris" is the quote that marks the beginning of this hilarious and yet creepy story. Fernando de Felipe's sense of humor is macabre and insolent, and ultimately absolutely delicious, allowing us to root for this weird character. However, no one can take his collection to the grave; as much as we devote an entire life to gather in one place those objects that we treasure so much, sooner or later we must say goodbye to them and to the world. For the protagonist, the solution is quite simple: after committing suicide, he states in his last will and testament that his ashes have to be placed next to the urns of his relatives. Of course, he is unable to predict what will happen later, when the entire collection falls into the hands of distant cousin; this ignorant man mixes the ashes with his morning coffee, believing this could help him with his bowel movements.

Then we have the case of a famous designer who collects food packaging: cans, bottles, boxes, bags, etc. Although his mistake is to eat the contents of those packages. After a long time, these terrible eating habits have a consequence, and his body finally collapses. Once he gets hospitalized, the man quickly replaces one collection for another one, now focusing on collecting medical products, pill boxes, bottles, boxes, creams, etc. This character is ridiculed by the unusual museum guide, who is the narrator of all the stories.

Rugiero Pianoforte kills himself / Rugiero Pianoforte se suicida

The most eschatological chapter revolves around a renowned scientist, a single woman with no social life who decides to "file" her body. She begins harmlessly, collecting her hair, but then she starts putting her fingernails in storage, and then she keeps all the wastes and secretions the human body is capable of producing. Finally, with this disgusting collection, she builds a golem of putrefaction and invites the press and all her friends to admire her filthy creation. This particular story left me deeply impressed when I read it the first time, and despite the years, it continues to have the same impact and intensity.

The only section that breaks a little bit the narrative tone is the terrifying testimony of a respected professor, an academic who collects evidence of serial murders, evidence he purchases at exorbitant prices from a corrupt cop. The killings are incredibly violent. The error of this academic is to start investigating who the murderer might be, an initiative that costs him his life.

I have not talked about all the chapters of this delirious “Museum” but I have already shown how irreverent, original, wacky and fun they can be. Fernando de Felipe was undoubtedly one of the most talented authors of the Spanish comic book scene in the early 90s, but he had the bad fortune to start his career at a time when the Spanish publishing industry was in crisis. This is why he only did a couple of graphic novels, and that's a shame, because he was not only a great writer but also a prodigious artist. With clean and firm lines, cartoonish and sinister, quirky and different to his European colleagues, the drawings of F. de Felipe are unique. His characters may not follow the canons of classical anatomy, but they are deeply humanized; similarly, through the use of color, Felipe creates in his men and women impossible skin tones that look extremely well on the page. “Museum” is the magnum opus of an author who abandoned the world of comics after a few years. This is also a lost jewel of the European comic scene, and an unforgettable masterpiece that you will always want to reread, even after 10 or 20 years.
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Si no me falla la memoria, hace casi 20 años leí por primera vez “Comix Internacional”, una magnífica antología que reunía a los mejores creadores europeos del momento, dirigida por Josep Toutain –el Toutain de los cómics–, emblemático editor que catapultó a la fama a innumerables guionistas y artistas, y responsable de revistas como “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy”, etc.

an unusual collection of medications / una inusual colección de medicamentos

Pese al altísimo nivel de calidad de esta publicación, había historias que destacaban más que otras; entre ellas, claro está, el magistral “Museum” de Fernando de Felipe. Resulta difícil recordar con exactitud qué fue lo que más me atrajo inicialmente, quizá fuera el humor negro, mordaz, ácido y sin piedad que caracterizaba a esta obra.

Supongo que para mí, y para cualquier otro aficionado a los cómics, es muy fácil sentirse identificado con el leit motiv de “Museum”. Estas páginas tienen siempre un elemento en común: la avidez del coleccionista; esa necesidad obsesiva de completar una colección es algo que todos los amantes del cómic pueden reconocer. ¿Hasta qué punto somos capaces de llegar para satisfacer nuestro insaciable apetito de coleccionista?

Fernando de Felipe nos presenta a un grupo de personajes que llevan el coleccionismo al extremo, convirtiendo una apasionada afición en una terrible adicción. Ahí está, por ejemplo, la tragicómica crónica de Rugiero Pianoforte, quien asesina uno por uno a todos los miembros de su familia para poder coleccionar, en bellas urnas, sus cenizas. “Pulvis eris et in pulverem reverteris”, es la cita que da inicio a esta desternillante y a la vez espeluznante historia. Fernando de Felipe hace gala de un humor macabro e insolente, pero absolutamente delicioso que permite que nos hagamos cómplices de un personaje tan extraño. Sin embargo, y he aquí el quid de la cuestión, nadie puede llevarse su colección a la tumba; por más que nos dediquemos una vida entera a reunir en un solo lugar aquellos objetos que tanto atesoramos, tarde o temprano tendremos que despedirnos de ellos y del mundo. Para el protagonista la solución es sencilla: luego de suicidarse, exige en su testamento que sus cenizas sean colocadas al lado de las urnas de los familiares que él mismo mató a lo largo de los años. Aunque, claro está, él es incapaz de prever qué es lo que sucederá después, cuando la colección íntegra pase a manos de un primo lejano de pocas luces que, buscando alivio para su estreñimiento, mezcla las cenizas junto con su café matutino.

Golem

Luego tenemos el caso de un reconocido diseñador que colecciona envases de alimentos: latas, botellas, cajas, bolsas, etc. Aunque su grave error es comerse el contenido de esos envases. Tras mucho tiempo de tener pésimos hábitos alimenticios, su cuerpo finalmente colapsa y termina hospitalizado. Rápidamente, este hombre reemplaza una colección por otra, dedicándose ahora a coleccionar envases de productos médicos, cajas de pastillas, frascos de píldoras, chisguetes, goteros, etc. Este tipo de personajes patéticos son ridiculizados en las descripciones que de ellos hace el guía de este insólito museo, incapaz de compadecerse de ellos.

El capítulo más escatológico corresponde al de una renombrada científica, una solterona sin vida social que decide “archivar” su cuerpo. Empieza de manera inofensiva, coleccionado el pelo que ella misma se corta, pero luego pasa a guardar sus uñas, y de ahí a almacenar todos los residuos que el cuerpo humano es capaz de producir: desde caspa y mugre, hasta la piel que ella misma se arranca, pasando por todo tipo de excrementos y secreciones. Al final, con esta repugnante colección, ella arma un golem putrefacto e invita a la prensa y a todas sus amistades para que admiren su inmunda creación. Esta historia en particular me dejó profundamente impresionado cuando la leí originalmente, y pese a los años sigue teniendo el mismo impacto e intensidad.

a professor obsessed with serial killers / un profesor obsesionado con los asesinos en serie

El único capítulo que rompe un poco el tono narrativo es el terrorífico testimonio de un respetado catedrático, un académico que colecciona evidencias de asesinatos en serie, evidencias que compra a precios exorbitantes a un policía corrupto. Los asesinatos son cruentos, retorcidos y violentos. El error de este académico es empezar a investigar los asesinatos, iniciativa que le cuesta la vida.

No he mencionado todos los capítulos que componen este delirante “Museum”, pero ya he demostrado lo irreverentes, originales, desquiciados y divertidos que pueden ser. Fernando de Felipe era, sin duda, uno de los autores más talentosos del panorama del cómic español a inicios de los 90s, pero tuvo la mala suerte de empezar su carrera en una época en la que la industria editorial española entraba en franco declive. Es por ello que existen relativamente pocas obras realizadas por él, y es una lástima, porque no solamente era un guionista excelente sino también un artista prodigioso. De trazos limpios y firmes, caricaturesco pero siniestro, extravagante y diferente a sus colegas europeos, el dibujo que F. de Felipe nos ofrece es inconfundible. Sus personajes, pese a desafiar los cánones de la anatomía clásica, están profundamente humanizados; del mismo modo, mediante el empleo del color, de Felipe crea en sus hombres y mujeres tonos de piel imposibles en la vida real pero que funcionan extremadamente bien en la página. “Museum” es el magnum opus de un autor que a los pocos años abandonó el mundo del cómic. Es, también, una joya perdida del cómic europeo, y una de esas obras inolvidables que uno siempre quiere releer, así pasen 10 o 20 años.

Olympus: Miracleman's home / el Olimpo, hogar de Miracleman

Totleben's fascinating architecture / la fascinante arquitectura de Totleben

the downfall of Margaret Thatcher / la derrota de Margaret Thatcher

Miracleman & Miraclewoman

Miracleman: supreme ruler of the world /Miracleman: gobernante supremo del mundo

Olympus / Olimpo

As a god, is Miracleman doomed to loneliness? / Al ser un dios, ¿Miracleman está condenado a la soledad?

original cover (1989) / portada original (1989)

John Totleben: oils on canvas / John Totleben: óleos sobre lienzo

Every culture in history has tried to explain the origin of man, and in order to accomplish this they have combined their particular rituals and beliefs into multigenerational myths.

Myths, however, were never set in stone, and in fact, in ancient cultures, they would rarely be registered either in drawings or in primitive writings. Myths are, first and foremost, of an oral nature. Myths are born at the same time with sacred songs and dances. The Theogony of Hesiod, for instance, is a song. And millennia ago, such songs have been present in countless European, African and American tribes.

In “Creation Songs” (published in Planetary # 15, October 2001), Warren Ellis explores a particular origin myth as told, or rather sang, by an Australian aborigine tribe. “Everything is song, out here. It’s sacred law that each aboriginal family is responsible for singing these creation songs for the rest of eternity, so that the world continues to exist. If the song is not passed down to the next generation, or if it is not sung, that aspect of the world that they are responsible for ceases to exist” affirms Elijah Snow, as he approaches Uluru, an Australian mountain also known as Ayers Rock.

I find that idea absolutely riveting. If you do not sing about something then it no longer exists. Which, in a way, is the same concept that many British writers have mentioned in interviews. What matters most is the idea, the world of ideas, because without that inspiration we could not materialize our dreams into art. In this case, however, the stakes are a bit higher. The world exists because of the songs, according to this specific Australian ethnic group.

Elijah Snow & Doc Brass

In Ellis proposal, however, the power of myth is not limited to cultural heritage. The power of myth is very real, and that’s what the Four are about to discover on Australian soil. Unless, of course, the Archeologists of the Impossible can come up with a plan to stop them. After conferring with Doc Brass and visiting Ambrose Bierce’s widow, Snow remembers the 1932 Planetary Guide and Carlton Marvell’s exploratory mission into Ayers Rock. And he understands what must be done to defeat the Four. Since the beginning of the series, the Four have always been the winners, but not this time.

Artist John Cassaday creates a unique atmosphere for this amazing tale about ancient rites and lost mythology. The cover is like a mural painted a long time ago by people trying to represent the relationship between humanity and divinity (I love the pigmentation effects and the somewhat unpolished look of it). The first two pages are similar to the cover, and the style chosen by Cassaday aptly reflects the creation song. Then there are a few calm scenes that are wonderfully illustrated, especially the encounter between Snow and Brass (the page composition is outstanding, and Laura Depuy’s coloring creates a warm and delightful atmosphere).

The credits page is an example of visual elegance (there we can see the Four’s gigantic arachnid machine looming menacingly over Ayers Rock); and the sudden awakening of the mountain is an impressive image. A primordial and elemental creature, Uluru has power enough to destroy the metallic spider and the Four’s vessel. Proving that, in the Planetary universe, myths can be more powerful than science.
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Todas las culturas han intentado explicar el origen del hombre, y con este fin en mente, han combinado sus rituales y creencias particulares en mitos multigeneracionales.

Carlton Marvell

Los mitos, sin embargo, nunca fueron tallados en piedra, y de hecho, las culturas antiguas rara vez guardaban registro de ellos, ya sea en dibujos o mediante alguna primitiva escritura. Los mitos son, ante todo, de carácter oral. Los mitos nacen al mismo tiempo que las canciones y las danzas sagradas. La Teogonía de Hesíodo, por ejemplo, era una canción. Y hace milenios, estas canciones formaron parte esencial de innumerables tribus europeas, africanas y americanas.

En “Canciones de creación” (publicado en Planetary # 15, octubre de 2001), Warren Ellis explora un mito de origen particular narrado, o más bien cantado, por una tribu aborigen australiana. “Aquí todo es canción. Es una ley sagrada que cada familia aborigen sea responsable de cantar estas canciones de creación por el resto de la eternidad, para que el mundo siga existiendo. Si la canción no se transmite a la siguiente generación, o si no se canta, ese aspecto del mundo que estaba bajo su responsabilidad, cesa de existir”, afirma Elijah Snow, mientras se acerca a Uluru, una montaña australiana también conocida como Ayers Rock.

Me parece que esa idea es absolutamente cautivadora. Si no se canta sobre algo, entonces aquello deja de existir. En cierto modo, este es el mismo concepto que muchos escritores británicos han mencionado en diversas entrevistas. Lo que más importa es la idea, el mundo de las ideas, porque sin esa inspiración no podríamos materializar nuestros sueños mediante el arte. En este caso, sin embargo, los riesgos son un poco más altos. El mundo existe a causa de las canciones, de acuerdo con este grupo étnico australiano.

En la propuesta de Ellis, sin embargo, el poder del mito no se limita al legado cultural. El poder del mito es muy real, y eso es lo que los Cuatro están a punto de descubrir en suelo australiano. A menos, por supuesto, que los Arqueólogos de lo Imposible puedan idear un plan para detenerlos. Después de consultar con Doc Brass y visitar a la viuda de Ambrose Bierce, Snow recuerda la Guía Planetaria de 1932 y la misión exploratoria de Carlton Marvell en Ayers Rock. Y entiende lo que debe hacerse para derrotar a los Cuatro. Desde el comienzo de esta serie, los Cuatro siempre han salido victoriosos, pero esta vez no será así.

Australia under attack / Australia bajo ataque

El artista John Cassaday crea una atmósfera única para este asombroso relato sobre ritos antiguos y mitología perdida. La portada es como un mural pintado largo tiempo atrás por algún pueblo que trataba de representar la relación entre lo humano y lo divino (me encantan los efectos de pigmentación y el aspecto ligeramente sin pulir). Las dos primeras páginas son similares a la portada, y el estilo elegido por Cassaday refleja acertadamente la canción de creación. Luego hay algunas escenas tranquilas que están maravillosamente ilustradas, sobre todo el encuentro entre Snow y Brass (la composición de la página es excepcional, y el coloreado de Laura Depuy crea un ambiente cálido y agradable).

the mountain is alive / la montaña está viva

La página de créditos es un ejemplo de elegancia visual (allí podemos ver la gigantesca máquina arácnida de los Cuatro que se cierne amenazadoramente sobre Ayers Rock); y el despertar repentino de la montaña es una imagen impresionante. Una criatura primordial y elemental, Uluru tiene poder suficiente para destruir a la araña metálica y a la nave de los Cuatro. Demostrando que, en el universo de Planetary, los mitos pueden ser más poderosos que la ciencia.

In July I had the opportunity to enjoy mega-productions as well as cinéma d'auteur. Let’s start with Terminator Genisys (2015). After the very disappointing Terminator 3 and 4, I was a bit hesitant about a new installment in a franchise I’m so fond of (as a matter of fact, Terminator 2: Judgment Day is in my top 100 best films). However I must say that Terminator Genisys is much better than T3 and T4, and not only pays homage to the original first 2 Cameron films, but also builds upon them, exploring time paradoxes, a doomed future, Skynet, and all the things we were expecting to see here. Arnold Schwarzenegger returns as the Terminator (I absolutely loved the way he explains his aging) and Emilia Clarke (Game of Thrones) is Sarah Connors. Great action sequences, good acting and a clever plot turn this into one of 2015’s best Hollywood blockbusters.

This is the first time I see a Marvel production about a character I’m not too familiar with: Ant-Man (2015). Instead of focusing on the original Ant-Man (Hank Pym), here the protagonist is Scott Lang. However, Paul Rudd is so likeable that I immediately stopped worrying about Marvel continuity. Ant-Man is very entertaining, and tremendously funny. I laughed out loud several times, to the point that I would suggest that this is more of a comedy than a proper superhero flick, and that is precisely why it works so well and why it melts our hearts and makes us burst into laughter over and over again. The cast includes the extraordinary Michael Douglas (Fatal Attraction) and Evangeline Lilly (The Hobbit: The Desolation of Smaug).

However, the best new release of this month is Woman in Gold (2015) directed by Simon Curtis (who had already impressed me with My Week With Marilyn). After WWII, Helen Mirren (The Queen) becomes the only survivor of a wealthy Austrian Jewish family, and after living in the US for decades, she discovers that there might be a way to retrieve the paintings the Nazis stole from her family, especially the portrait of her aunt, painted by Gustav Klimt (and valued at over 100 million dollars). I found the story captivating, perhaps because I love art, or more likely because the 40s is a fascinating historical period; although the story takes place in the late 20th century, there are constant flashbacks that allow us to see the protagonist’s past. Helen Mirren’s performance is absolutely superb, and Ryan Reynolds (Paper Man) surprised me with the best acting I’ve seen from him ever, the rest of the cast is spectacular: Daniel Brühl (Krabat), Charles Dance (Game of Thrones), Max Irons and Tom Schilling. I really recommend this one.

Godzilla (2014) was a gigantic let down (or a monstrously bad remake). I guess I had high expectations, especially considering the marvelous cast: Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Ken Watanabe (The Last Samurai), Sally Hawkins (Blue Jasmine), Bryan Cranston (Breaking Bad) and Juliette Binoche (Chocolat), but clearly neither the director nor the screenwriter made an effort here.

The Legend of Hercules (2014), starring Kellan Lutz (Twilight: Breaking Dawn), was another major disaster. It looks so cheesy and cheap. Furthermore, the bad direction and the poor writing make it unwatchable.

Although I’ve seen many takes on the Middle East war, I haven’t found one as riveting and as honest as Peter Berg’s Lone Survivor (2013). Based on true facts, Lone Survivor is the shocking chronicle of a group of American soldiers trapped in hostile territory in Afghanistan. Berg shows us the brutality of war; the violent sequences are unforgettable and the suspense is unbelievably strong, but perhaps what I liked the most was how the director reveals the extreme differences between two Afghan ethnic groups (in fact, Pashtun villagers save the life of the last American soldier, protecting him from the talibans). The cast includes Mark Wahlberg (The Happening), Taylor Kitsch (John Carter), Emile Hirsch (famous for his role as a gay teenager in The Mudge Boy) and Ben Foster (famous for his role as a homosexual writer in Kill Your Darlings).

Craig Zisk’s The English Teacher (2013) is a bit of a cautionary tale and also an inspired take on the controversial issue of teachers having sexual relationships with their students (or in this case, former students). Julianne Moore (Still Alice) is a respected teacher, who tries to encourage one of her former pupils Michael Angarano (The Art of Getting By) to keep writing, but he feels miserable after everyone in New York refused to produce his play. The teacher decides to make the play in coordination with the high school drama department (Nathan Lane is spot on as the flamboyant theater director). With a healthy dose of black humor and an insightful analysis on loneliness and the creative nature of the artist, The English Teacher sure deserves the highest grade. A must-see.

A true masterpiece from the past decade, The Others (2001) was directed by the talented Alejandro Amenábar. It is an indisputable gem of the horror genre and a beautiful and surprising project. Nicole Kidman (Rabbit Hole) is a woman who lives alone with her two children in a huge mansion, cut off from the world and clinging to the memories of a husband that is no longer there. However, as soon as she hires some new servants strange things start to happen. Slowly, she begins to feel the presence of others. There are absolutely frightening scenes and a unique and dense atmosphere that contributes to a feel of dread and oppression that builds on with every new scene. After “Abre los ojos”, Amenábar was at the top of his game as a filmmaker, and The Others is not only one of his best titles but also one of my all-time favorite films.

Although Sam Raimi does a poor job as the director, The Quick and the Dead (1995) is still a highly enjoyable and charming western, thanks to an all-star cast: Sharon Stone (Bobby), Russell Crowe (Noah), Leonardo DiCaprio (Revolutionary Road) and Gene Hackman (The Royal Tenenbaums). It was such a delightful experience to see all of them sharing the screen.

Falling Down (1993) proves what a great director Joel Schumacher was at the time (before ruining the Batman franchise). A highly motivated director and a brilliant screenwriter work in unison to create a wonderful and unexpected urban tale about Michael Douglas (Behind the Candelabra), a desperate man that takes out his frustration on everyone he runs into; and Robert Duvall (Apocalypse Now), the detective in charge of this intriguing case. Social criticism, crime, and the debacle of the American dream come together in this truly outstanding production.

Rob Reiner’s Stand by Me (1986) is considered a classic by many critics, and I have to agree with them! Based on a Stephen King novella, Stand by Me is a deeply poignant, coming of age tale, focusing on a group of boys that take on a journey that will change their lives. Camaraderie, friendship, male bonding and, above all, the naiveté and awkwardness of puberty, are masterfully depicted by Reiner. Although I had seen it before, it gets me every time. Moving, hilarious and with a life of its own, Stand by Me perfectly captures the point of view of a 12-year-old kid. The cast includes Wil Wheaton (Star Trek: The Next Generation), River Phoenix (famous for his role as a gay teen in My Own Private Idaho), Corey Feldman (The Goonies) and Jerry O'Connell (Scream 2).
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En julio tuve la oportunidad de disfrutar de un par de mega-producciones y también del cine de autor. Empecemos con “Terminator Genisys” (2015). Después de las muy decepcionantes Terminator 3 y 4, estaba un poco indeciso ante la nueva entrega de una franquicia a la que tanto aprecio (de hecho, “Terminator 2: Judgment Day” está en mi top 100 de las mejores películas). Sin embargo, debo decir que “Terminator Genisys” es mucho mejor que T3 y T4, y no sólo rinde homenaje a las 2 primeras películas originales de Cameron, sino también hace una gran contribución mediante la exploración de paradojas temporales, el futuro condenado, Skynet, y todo lo esperábamos ver aquí. Arnold Schwarzenegger regresa como Terminator (me encantó la forma en la que explica su envejecimiento) y Emilia Clarke (“Game of Thrones”) es Sarah Connors. Grandiosas secuencias de acción, buenas actuaciones y un guión ingenioso hacen de esta una de las mejores superproducciones de Hollywood del 2015.

Esta es la primera vez que veo una producción de Marvel sobre un personaje con el que no estoy muy familiarizado: “Ant-Man” (2015). En lugar de centrarse en el Ant-Man original (Hank Pym), aquí el protagonista es Scott Lang. Sin embargo, Paul Rudd cae tan simpático que inmediatamente dejé de preocuparme por la continuidad Marvel. “Ant-Man” es muy entretenida, y tremendamente divertida. Me hizo reír varias veces, al punto que yo sugeriría que es más una comedia que una película de superhéroes propiamente dicha, y precisamente por eso es que funciona tan bien, derritiendo nuestros corazones y haciéndonos estallar en carcajadas. El reparto incluye al extraordinario Michael Douglas (Fatal Attraction) y Evangeline Lilly (The Hobbit: The Desolation of Smaug).

Sin embargo, el mejor estreno del mes es “Woman in Gold” (2015), dirigida por Simon Curtis (quien ya me había impresionado con My Week With Marilyn). Después de la Segunda Guerra Mundial, Helen Mirren (The Queen) es la única superviviente de una acaudalada familia judía austriaca, y después de haber vivido en Estados Unidos durante décadas, ella descubre que puede haber una manera de recuperar las pinturas que los nazis le robaron a su familia, especialmente el retrato de su tía, pintado por Gustav Klimt (y valorizado en más de 100 millones de dólares). La historia me pareció cautivante, tal vez porque me encanta el arte, o más probablemente, porque los años 40s son un periodo histórico fascinante; aunque la historia ocurre a fines del siglo XX, hay constantes flashbacks que nos permiten ver el pasado de la protagonista. La actuación de Helen Mirren es absolutamente magnífica, y Ryan Reynolds (Paper Man) me sorprendió con la que considero su mejor actuación a la fecha, el resto del elenco es espectacular: Daniel Brühl (Krabat), Charles Dance (Game of Thrones), Max Irons y Tom Schilling. Realmente la recomiendo.

Godzilla (2014) fue una gigantesca decepción (o un remake monstruosamente malo). Supongo que tenía grandes expectativas, sobre todo teniendo en cuenta el maravilloso reparto: Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Ken Watanabe (The Last Samurai), Sally Hawkins (Blue Jasmine), Bryan Cranston (Breaking Bad) y Juliette Binoche (Chocolat), pero es evidente que ni el director ni el guionista se esforzaron.

The Legend of Hercules (2014), protagonizada por Kellan Lutz (Twilight: Breaking Dawn), fue otro gran desastre, visualmente barato y de mal gusto. Además, una mala dirección y un mal argumento hacen que esto sea intragable.

Aunque he visto mucho sobre la guerra en el Medio Oriente, no había encontrado algo tan fascinante y tan honesto como “Lone Survivor” de Peter Berg (2013). Basada en hechos reales, Lone Survivor es la impactante crónica de un grupo de soldados estadounidenses atrapados en territorio enemigo en Afganistán. Berg nos muestra la brutalidad de la guerra; las secuencias violentas son inolvidables y el suspenso es increíblemente fuerte, pero tal vez lo que más me gustó fue cómo el director revela las diferencias extremas entre dos grupos étnicos afganos (de hecho, los aldeanos pastunes salvan la vida del último soldado estadounidense, protegiéndolo de los talibanes). El reparto incluye a Mark Wahlberg (The Happening), Taylor Kitsch (John Carter), Emile Hirsch (famoso por su papel como un adolescente gay en The Mudge Boy) y Ben Foster (famoso por su papel como un escritor homosexual en Kill Your Darlings).

The English Teacher (2013), de Craig Zisk, aborda acertadamente el controversial tema de los maestros que tienen relaciones sexuales con sus alumnos (o en este caso, ex alumnos), a la vez que advierte sobre las consecuencias. Julianne Moore (Still Alice) es una respetada profesora que trata de animar a uno de sus antiguos alumnos, Michael Angarano (The Art of Getting By) para que siga escribiendo, pero él se siente desalentado después de que se negaron a producir su obra de teatro en New York. La profesora decide hacer la obra en coordinación con el departamento de teatro de la escuela secundaria (Nathan Lane está sensacional como el extravagante director teatral). Con una saludable dosis de humor negro y un análisis profundo sobre la soledad y la naturaleza creativa del artista, “The English Teacher” merece las mejores calificaciones.

Una verdadera obra maestra de la década pasada, “The Others” (2001) fue dirigida por el talentoso Alejandro Amenábar. Es una joya indiscutible del género de terror y un proyecto hermoso y sorprendente. Nicole Kidman (Rabbit Hole) es una mujer que vive sola con sus dos hijos en una enorme mansión, aislada del mundo y aferrándose a los recuerdos de un marido ausente. Sin embargo, apenas contrata a tres sirvientes nuevos, cosas extrañas comienzan a suceder. Poco a poco, ella empieza a sentir la presencia de los otros. Hay escenas absolutamente aterradoras y una atmósfera única y densa que contribuye a una sensación de miedo y opresión que aumenta con cada nueva escena. Después de “Abre los ojos”, Amenábar estaba en su mejor momento como cineasta, y “The Others” no sólo es uno de sus mejores títulos, sino también una de mis películas favoritas.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color)

Aunque Sam Raimi hace una pobre labor como director, “The Quick and the Dead” (1995) sigue siendo un muy agradable y encantador western, gracias a un elenco de primer nivel: Sharon Stone (Bobby), Russell Crowe (Noah), Leonardo DiCaprio (Revolutionary Road) y Gene Hackman (The Royal Tenenbaums). Fue una experiencia tan agradable verlos a todos compartiendo la pantalla.

“Falling Down” (1993) demuestra que Joel Schumacher fue alguna vez un gran director (antes de arruinar la franquicia de Batman). Un director muy motivado y un guionista brillante trabajan al unísono para crear un maravilloso e inesperado relato urbano sobre Michael Douglas (Behind the Candelabra), un hombre desesperado y frustrado que se desquita con todos los que se cruzan en su camino; y Robert Duvall (Apocalypse Now), el detective a cargo de este extraño caso. La crítica social, el crimen y la debacle del sueño americano se unen en esta producción verdaderamente excepcional.

“Stand by Me” (1986), de Rob Reiner, es considerada un clásico por muchos críticos, y estoy de acuerdo con ellos. Basada en un cuento de Stephen King, Stand by Me es una historia profundamente conmovedora, sobre el paso de la niñez a la adolescencia, centrada en un grupo de chicos que emprenden un viaje que cambiará sus vidas. La camaradería, la amistad, la dinámica grupal y, sobre todo, la ingenuidad y la torpeza de la pubertad, están magistralmente representadas por Reiner. Aunque la había visto antes, siempre me emociona. Conmovedora, hilarante y llena de vida, “Stand By Me” captura perfectamente el punto de vista de un chiquillo de 12 años de edad. El reparto incluye a Wil Wheaton (Star Trek: The Next Generation), River Phoenix (famoso por su papel como un adolescente gay en My Own Private Idaho), Corey Feldman (The Goonies) y Jerry O'Connell (Scream 2).

“It begins, as we all begin, in darkness. There is pain. The pain is unimportant, and I ignore it. There is solitude. The solitude may destroy me”, explains the Lord of Dreams. Prophetic words, indeed, especially taking into account that as one of the Endless, Sandman is above the gods, and he holds sway over every planetary system and every galaxy. But despite his limitless power, he is still lonely. That solitude may eventually unravel him, but now he has more pressing matters at hand.

The universe is dying. And if all life forms are to disappear, then the realm of the dreaming will become nonexistent. After an arduous battle, Morpheus is trapped in a black hole. Weakened and in despair, he calls upon his Mother. She offers him the pleasure of an afterlife, free of responsibilities, and without the burden of being an Endless one. In the end, however, it is Destiny who rescues his brother Dream.

In Sandman Overture, Neil Gaiman combines poetry, pathos and the inner doubts of the Lord of Dreams in one elegant and sophisticated narrative that enthralls the reader. Ally and collaborator, J.H. Williams III is responsible for some of the most beautiful and awe-inspiring illustrations one could find in a comic. Just a quick glance to the cover would be enough to understand what is going on, in artistic terms, in a book like Sandman Overture.

There is a plethora of formal experimentation and graphic restructuration in these pages. As I’ve pointed out before, the predominant format here is the double page spread, and each one is significant and powerful on its own. Sandman’s arrival into the dominions of the everlasting night is depicted as a dark and somber scene, in which the protagonist is as easily shrouded in shadows as illuminated by a tenuous lunar reflection.

Sandman visits his mother's realm / Sandman visita el reino de su madre

The war sequence is also extraordinary. J.H. Williams III unleashes all his imagination, showing us the devastation in an alien world. Dave Stewart’s coloring here plays a pivotal role in adding dramatic tension to an already shocking array of images. There are other pages in which the artist completely alters the classic panel arrangement, embracing geometrical forms that would be impossible to find in any other comic.

shocking war scenes / impactantes escenas de guerra

I particularly enjoyed the pages from the Book of Destiny, it’s a very clever graphic resource, and one that improves the reading experience. The final page is an outstanding example of an inventive composition that defies classic geometrical parameters. There is not a single square-shaped panel here, what we get instead are triangular panels and circular panels that are seamlessly connected with each other. If we add to that the impressive character designs and the striking lines of J.H. Williams III, then the result is a breathtaking page that delights and surprises the reader.
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“Comienza, como empezamos todos, en la oscuridad. Hay dolor. El dolor no es importante, y lo ignoro. Hay soledad. La soledad puede destruirme”, explica el Señor de los sueños. Palabras proféticas, de hecho, teniendo especialmente en cuenta que, al ser uno de los Eternos, Sandman está por encima de los dioses, y ejerce su dominio sobre todos los sistemas planetarios y todas las galaxias. Pero a pesar de su poder ilimitado, él aun así se siente solo. Esa soledad puede llegar a aniquilarlo, pero ahora tiene asuntos más urgentes que atender.

the Book of Destiny / el Libro de Destino

El universo está muriendo. Y si todas las formas de vida llegaran a desaparecer, entonces el reino de los sueños dejaría de existir. Después de una ardua batalla, Morpheus queda atrapado en un agujero negro. Debilitado y desesperado, llama a su madre. Ella le ofrece el placer de una vida en el más allá, libre de responsabilidades, y sin la carga de ser un Eterno. Al final, sin embargo, es Destino que rescata a su hermano Sueño.

Sandman meets his new crew / Sandman conoce a su nueva tripulación

En “Sandman Overture”, Neil Gaiman combina poesía, pathos y las dudas internas del Señor de los sueños en una elegante y sofisticada narración que cautiva al lector. Su aliado y colaborador, J.H. Williams III es responsable de algunos de las más bellas y alucinantes ilustraciones que uno podría encontrar en un cómic. Sólo un vistazo rápido a la portada sería suficiente para entender lo que está pasando, en términos artísticos, en un título como “Sandman Overture”.

Hay mucho de experimentación formal y reestructuración gráfica en estas páginas. Como he señalado antes, el formato predominante aquí es la doble página, y cada una es importante y sorprendente en sí misma. La llegada de Sandman a los dominios de la noche eterna es retratada mediante una escena oscura y sombría, en la que el protagonista queda tan fácilmente envuelto por las sombras como iluminado por el tenue reflejo lunar.

La secuencia de guerra también es extraordinaria. J.H. Williams III da rienda suelta a toda su imaginación, mostrándonos la devastación en un mundo alienígena. El coloreado de Dave Stewart juega un papel fundamental aquí al añadir tensión dramática a un conjunto de imágenes ya de por sí impactantes. Hay otras páginas en las que el artista altera por completo la disposición clásica de las viñetas, abarcando formas geométricas que serían imposibles de encontrar en cualquier otro cómic.

Disfruté particularmente de las páginas del Libro de Destino, es un recurso gráfico muy ingenioso, que mejora la experiencia de la lectura. La última página es un ejemplo sobresaliente de una composición innovadora que desafía los parámetros geométricos clásicos. No hay una sola viñeta de forma cuadrada, en su lugar tenemos paneles triangulares y circulares que están perfectamente conectados entre sí. Si a eso le sumamos los impresionantes diseños de personajes y las líneas llamativas de J.H. Williams III, entonces el resultado es una página espectacular que deleita y asombra al lector.

Family dynamics are hard to understand, and perhaps even harder to define. Your relatives will drive you mad, they will make you laugh or cry, or both at the same time; but in the end, they’ll always be there. Now that counts for something, and that accounts as well for the popularity of a title like Fantastic Four, Marvel’s premiere superhero family.

Family is your biographic core, the one shelter that you can always go to, no matter what. Stan Lee knew that when he created the Fantastic Four, half a century ago; and so does Grant Morrison. For the Scottish writer, four is the perfect number when dealing with Marvel Comics’ first superhero team; published from October 2001 to January 2002, Fantastic Four 1234 is a 4-issue miniseries that focuses on each member of the renowned quartet.

The first two chapters are deeply insightful and poignant, without fights against supervillains or cosmic threats. What we have is a family dealing with the normal tedious and the weariness of routine. As usual, Reed Richards, AKA Mr. Fantastic, has isolated himself in his lab. And at the same time Ben Grimm, AKA The Thing, is going through one of his frequent crisis. Ever since he lost his humanity to become a rocky monster, things have not been easy for him. He has great power but he has lost the normal, human satisfactions that we all enjoy on a daily basis.

Reed Richards

The Thing is not only the strength of the Fantastic Four, he’s also its symbolic foundation. If you break him, then the whole building collapses. Doctor Doom realizes that and makes Ben an offer he can’t refuse: to travel back in time to regain not only his youth but his own body, in short, to be a man again.

The Thing & Doctor Doom

Susan Storm, AKA the Invisible Woman, is being neglected by her husband; and she does not take kindly to the fact that, when she needs him the most, his husband is hiding behind his scientific endeavors. Angry at him, and even angrier at herself, she pays a visit to Alicia Masters (Ben’s love interest). Morrison reminds us why such a friendship makes perfect sense: in the eyes of a blind woman, Sue Storm can finally be herself; in fact, it doesn’t matter if she becomes invisible, because somehow Alicia can sense everything Sue is experiencing.

In a fascinating sequence, artist Jae Lee magnificently illustrates the improvised dinner that reunites these two lonely women. Ever the voice of consciousness, Alicia reminds Sue that even if Reed isn’t the most romantic gentleman, he loves her: “He’s not a scientist. He’s an artist, and he puts all the things he can’t say into the things he makes”. All of Reed’s creations and scientific discoveries are his only way to express his love for his wife.

Morrison’s brilliant line can be applied to any family. You don’t need to be a grumpy genius to stop talking with the people that are closest to you. In fact, I would dare say that living under the same roof for so many years irrevocably erodes normal conversation. Language becomes useless, and communication between members of the same family eventually becomes more effective with gestures or actions instead of words. Because at the end of the day, a family is not about formal discourse, but rather the daily interaction and the unpredictability of human emotion. However, even if Susan is Reed’s inspiration, she doesn’t know it. Sue can’t decode the messages he’s been sending her. And Reed’s absence takes a toll on her.

Alicia Master & Invisible Woman

The British author also plays, quite smartly, with some of the basic flaws of these heroes. In the same way that Ben is always at odds with himself, wishing he could be a normal human being but at the same time clinging to his superhuman side; Sue Storm has also a very personal conflict: she’s constantly fantasizing about a different life, one filled with passion, at the hands of Namor, the prince of Atlantis. Indeed, the love triangle between Reed, Sue and Namor began a long time ago, when Stan Lee was still scripting the book.

Morrison also explains the Human Torch’s greatest frustration: his inability to connect, his failure in establishing enduring relationships. Introduced as a hot-headed teenager back in the day, Johnny Storm is now a young man desperate to find some sort of intimacy, and finding out that no matter how hard he tries, he comes up empty-handed. Although most writers decide to characterize Johnny as the irresponsible, fun-loving, ultimate ladies’ man, Morrison shows us a darker angle. Trying to literally buy a girl’s love, Johnny suddenly gives up. Solitude, after all, can be a heavy burden.

Fantastic Four 1234 is not only an amazing psychological exploration of Ben, Sue, Johnny and Reed, but it’s also a true love letter to the mythic run of Lee and Kirby. Everything that is important about the Fantastic Four can somehow be found in these pages; we even get to see the Mole Man (the first villain the team fought against, in the historical Fantastic Four # 1, in 1961). And faithful to the narrative structure of yesteryear, Morrison finally lets the battle begin in chapters 3 and 4. Although Doctor Doom has been using his time machine to destroy the Fantastic Four, Reed Richards has also been using his intellect to counterattack; and in the end Mr. Fantastic outsmarts Doom.

In addition to Morrison’s impressive script, the artistic team of Jae Lee (penciler and inker) and José Villarrubia (colorist) left me in awe. Jae Lee’s pages are absolutely beautiful and Villarrubia’s colors set the mood of this dark and introspective tale. With his striking lines and his innovative designs, Lee proves how much he has evolved artistically since the 90s. Thanks to the nature of this limited series, Lee and Villarrubia were able to break free from the usual constraints of a superhero title. In many ways, Fantastic Four 1234 is the Marvel equivalent of Morrison’s deluxe graphic novel “Kid Eternity”. Although, sadly, this was Morrison’s only incursion in the Fantastic Four universe.
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Sue Storm & Namor

La dinámica familiar es difícil de entender, y quizás aún más difícil de definir. Tus familiares pueden volverte loco, hacerte reír o llorar, o ambas cosas a la vez; pero al final, siempre estarán allí. Eso es lo importante, y eso a su vez es lo que explica la popularidad de un título como los “Fantastic Four”, la primera familia superheroica de Marvel.

La familia es tu núcleo biográfico, el refugio al que siempre puedes acudir. Stan Lee lo sabía cuando creó a los Cuatro Fantásticos, hace medio siglo; y Grant Morrison también lo sabe. Para el escritor escocés, cuatro es el número perfecto cuando se trata del primer equipo de superhéroes de Marvel Comics; publicado entre octubre de 2001 y enero de 2002, “Fantastic Four 1234” es una miniserie de 4 números que se enfoca en cada uno de los miembros de este reconocido cuarteto.

Los dos primeros capítulos son profundamente introspectivos y conmovedores, sin peleas contra supervillanos o amenazas cósmicas. Lo que tenemos aquí es una familia que debe lidiar con el tedio y el desgaste de la rutina. Como de costumbre, Reed Richards, conocido como el Sr. Fantástico, se ha aislado en su laboratorio. Y al mismo tiempo, Ben Grimm, alias la Cosa, está pasando por una de sus crisis habituales. Desde que perdió su humanidad para convertirse en un monstruo rocoso, las cosas no han sido fáciles para él; tiene un gran poder pero ha perdido las satisfacciones normales, humanas, que todos disfrutamos a diario.

La Cosa no sólo es la fuerza de los Cuatro Fantásticos, sino también su cimiento simbólico. Si él se quiebra, entonces todo el edificio colapsa. Doctor Doom se da cuenta de ello y le hace a Ben una oferta que no podrá rehusar: viajar en el tiempo para recuperar no sólo su juventud sino su propio cuerpo, en breve, ser nuevamente un hombre.

The fall of the Human Torch / la caída de la Antorcha Humana

Susan Storm, más conocida como la Mujer Invisible, se siente rechazada por su marido; y cuando ella más lo necesita, su esposo se esconde detrás de sus tareas científicas. Enojado con él, e incluso más enojada consigo misma, visita a Alicia Masters (el interés amoroso de Ben). Morrison nos recuerda por qué esa amistad tiene tanto sentido: ante los ojos de una mujer ciega, Sue Storm, finalmente, puede ser ella misma; de hecho, no importa si ella se vuelve invisible, porque de alguna manera Alicia puede sentir todo lo Sue está experimentando.

En una secuencia fascinante, el artista Jae Lee ilustra magníficamente la cena improvisada que reúne a estas dos mujeres solas. Siempre la voz de la conciencia, Alicia le recuerda a Sue que aunque Reed no es el caballero más romántico, igual la ama: “Él no es un científico. Es un artista, y coloca todas las cosas que no puede decir en las cosas que inventa”. Todas las creaciones de Reed y sus descubrimientos científicos son su única manera de expresar su amor por su esposa.

Esta brillante frase de Morrison puede aplicarse a cualquier familia. No necesitas ser un genio gruñón para dejar de hablar con las personas más cercanas a ti. De hecho, me atrevería a decir que vivir bajo el mismo techo durante tantos años erosiona irrevocablemente el diálogo normal. El lenguaje se vuelve inútil, y la comunicación entre los miembros de una misma familia con el tiempo se hace más eficaz con gestos o acciones en lugar de palabras. Porque al final del día, una familia no se circunscribe a un discurso formal, sino más bien a la interacción cotidiana y a la imprevisibilidad de las emociones humanas. Sin embargo, incluso si Susan es la inspiración de Reed, ella no lo sabe. Sue no puede decodificar los mensajes que él le ha estado enviando. Y esa sensación de ausencia tiene consecuencias.

Intellectual adversaries / adversarios intelectuales

El autor británico también juega, muy astutamente, con algunos de los defectos básicos de estos héroes. De la misma manera que Ben está siempre en conflicto consigo mismo, deseando ser un humano normal, pero al mismo tiempo aferrándose a su lado sobrehumano; Sue Storm también tiene un problema muy personal: ella está constantemente fantaseando con una vida diferente, llena de pasión, a manos de Namor, el príncipe de Atlántida. De hecho, el triángulo amoroso entre Reed, Sue y Namor comenzó hace mucho tiempo, cuando Stan Lee era el guionista de la colección.

Sue is still attracted to Namor / Sue aún se se siente atraída por Namor

Morrison también explica la mayor frustración de la Antorcha Humana: su incapacidad para conectar, su fracaso al establecer relaciones duraderas. Inicialmente presentado como un adolescente impetuoso, Johnny Storm es ahora un joven desesperado por encontrar algún tipo de intimidad, y descubre que no importa lo mucho que lo intente, siempre sale con las manos vacías. Aunque la mayoría de los escritores deciden caracterizar a Johnny como un amante de la diversión, un irresponsable y un gran mujeriego, Morrison nos muestra un ángulo más oscuro. Al tratar de comprar, literalmente, el amor de una chica, Johnny de pronto se da por vencido. La soledad, después de todo, puede ser una carga pesada.

“Fantastic Four 1234” no es sólo una asombrosa exploración psicológica de Ben, Sue, Johnny y Reed, sino también una verdadera carta de amor a la mítica etapa de Lee y Kirby. Todo lo que es importante acerca de los Cuatro Fantásticos se encuentra en estas páginas; incluso aparece el Hombre Topo (el primer villano que se enfrentó al equipo, en el histórico Fantastic Four # 1, de 1961). Y fiel a la estructura narrativa de antaño, Morrison finalmente permite que la batalla comience en los capítulos 3 y 4. Aunque el Doctor Doom ha estado utilizando su máquina del tiempo para destruir a los Cuatro Fantásticos, Reed Richards también ha estado utilizando su intelecto para contraatacar; y al final el Sr. Fantástico es capaz de superar a Doom.

Reed and Sue, reunited at last / Reed y Sue, reunidos por fin

Además del memorable guión de Morrison, el equipo artístico de Jae Lee (lápiz y tinta) y José Villarrubia (color) me dejó impresionado. Las páginas de Jae Lee son absolutamente preciosas y los colores de Villarrubia ayudan a crear la atmósfera de esta historia densa e introspectiva. Con sus líneas llamativas y sus diseños innovadores, Lee demuestra lo mucho que ha evolucionado artísticamente desde los años 90. Gracias a la naturaleza de esta serie limitada, Lee y Villarrubia fueron capaces de liberarse de las restricciones habituales de un título de superhéroes. En muchos sentidos, “Fantastic Four 1234” es el equivalente de Marvel de la novela gráfica de lujo de Morrison “Kid Eternity”. Aunque, por desgracia, esta fue la única incursión de Morrison en el universo de los Cuatro Fantásticos.

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