November 26, 2015, 7:37 pm
En la noche se inauguró Exponatale, importante evento anual organizado por Dédalo. En esta ocasión, mi gran amigo Andreé Ferro me acompañó. Además de las generosas copas de vino Finca Rotondo y de los exquisitos chilcanos de pisco Rotondo, hubo también numerosas sopresas a lo largo de la noche, incluyendo un estupendo concierto de jazz (además de degustaciones de bocadillos gourmet e incluso chocolate orgánico). En el transcurso de la noche me encontré con Eduardo Lores, Sebastián Lores, Sofía Lores, Paolo Vigo, Isabelle Decencière, Didi Arteta, y muchos amigos más. Sin duda, una noche memorable.
Este ha sido el sexto año consecutivo en el que escribo sobre la fiesta navideña de Dédalo. Y para aquellos que quieran enterarse de lo sucedido en las Exponotales de años anteriors basta con que hagan click aquí. ![]() |
| Hugo Alegre |
Ahora que nos acercamos a fin de año, las galerías limeñas sacan a relucir sus mejores proyectos. Por eso, no nos debe extrañar que en el mes de noviembre se hayan inaugurado muestras tan relevantes como “Re imaginado” de mi amigo y compañero de colegio José Arturo Lugón, quien ya me había sorprendido gratamente con “Gestual” su primera muestra individual hace 3 años; en esta ocasión, la Sala 770 del Centro Cultural Ricardo Palma (Miraflores) alberga una serie de cuadros en los que Lugón reinventa y subvierte los clásicos dibujos animados de Disney.
Otra muestra imprescindible es “Fragmentación de la memoria” del talentosísimo Hugo Alegre; esta “Bitácora II” juega nuevamente con elementos que pudimos ver en “Bitácora I”, hace 3 años. Las dos muestras se han presentado en el Centro Colich, y en ambas ocasiones he podido estar presente durante la inauguración (de hecho, esta vez el artista tuvo la gentileza de autografiarme el catálogo). En “Fragmentación de la memoria”, Hugo Alegre explora con especial lucidez la Guerra del Pacífico, aproximándose al conflicto desde una perspectiva que abarca tanto a Perú como a Chile. Con exquisitos cuadros realizados con tinta china y acuarela, así como algunas impactantes instalaciones, Alegre una vez más destaca notablemente en el panorama artístico contemporáneo.
Por el contrario, “Una razón superficial” de Sandra Nakamura, es quizá uno de los proyectos menos logrados de la Galería Wu. Más que arte conceptual, es conceptualismo puro… a tal punto que se convierte en algo hermético y ajeno al espectador.
Desde luego, ningún resumen del mes estaría completo sin la Galería Lucía de la Puente; en esta ocasión, las paredes de la preciosa casona barranquina fueron engalanadas con los cuadros de Julia Navarrete; “Intersticios” se caracteriza, como nos explica Guillermo Niño de Guzmán, por “la quietud y el movimiento, la deformación y la profundidad de sus espacios, las líneas quebradas y las perspectivas alteradas, la levedad de sus atmósferas y la densidad”. Esa misma noche también se inauguró “Ejercicios de color” de Alice Wagner, que me pareció un desacierto; efectivamente, se trata de una muestra que no está a la altura de trabajos anteriores como “Land-Scaping” y “Comunidades imaginadas”. ![]() |
| my drawing / mi dibujo |
De todos modos, fue un verdadero placer asistir a la noche de la inauguración, no solamente porque hubo destacados invitados como Alfredo Bryce Echenique sino también, y sobre todo, porque hubo un simpático y ameno reencuentro con ex colegas de la revista COSAS. Saludé a Josip Curich. Me quedé charlando un rato con Laura Alzubide, subeditora de CASAS, y la mayor sorpresa de la noche fue encontrarme con Cristina Tudela, la ex-editora de sociales del grupo editorial COSAS, fue verdaderamente un gusto conversar con ella y rememorar nuestra etapa en tan ubicua revista.
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November 27, 2015, 3:16 pm
In literary works written a century ago, there was only one predominant point of view: the perspective of the white male. Years before proper anthropological studies could be conducted, the white men elite would observe with curiosity the customs and rites of countless African tribes. For a long time, in the collective imaginary of western civilization, Africa remained as a dark continent, as a primitive and mysterious place.
Comic books, just like novels, also walked through a similar path. And in “Opak-Re” (published in Planetary # 17, December 2003), Warren Ellis combines the literary and filmic tradition with the comics universe, in a captivating story that takes place in the 30s. Elijah Snow is searching the legendary lost city of Opak-Re. Snow, this time, reminds us of an adventurer like Indiana Jones, and that much is evident since the first page.
When Snow finally finds Opak-Re, he also faces an uncanny threat: a gigantic serpent that seems to come from prehistoric times, and ornamented with golden discs and a collar. An impossible sight, but then again, Snow is an archeologist of the impossible. Unexpectedly, he’s saved by a semi-naked man swinging on vines and yelling at the top of his lungs. This man, raised in the jungle and then returned to his country of origin, answers to the name of Lord Blackstock. Clearly, Ellis is paying homage to Edgar Rice Burroughs “Tarzan” novel and the cinematographic adapation Greystock: The Legend of Tarzan.
But what is the city of Opak-Re and how has it remained hidden for centuries? Opak-Re is a city of gold equipped with the most advanced technology one could possibly imagine. This is a peaceful society devoted to culture, knowledge and learning. As Lord Blackstock explains “A thousand years ago, Opak-Re was a thousand years ahead of the rest of the world, built using scientific principles no one else had even imagined”. So in many ways, this is Ellis version of Wakanda, the land of the Black Panther, the most technologically advanced nation in the Marvel universe. Except that Opak-Re doesn’t want to share their science and their knowledge with the rest of the world. Far from it, they want to isolate themselves from the rest of humanity.![]() |
| Elijah Snow |
The council of the city authorizes Snow’s presence, just as they did with Lord Blackstock, but with a few conditions. None of them are allowed to reproduce, or get married with any of the women of Opak-Re. However, as it happens so often, once the object of desire is interdicted, it becomes even more desirable. Snow falls in love with a charismatic woman; however, she ends up having an affair with Lord Blackstock. Although the English gentleman had insinuated that his sexual experiences had been with boys instead of girls, he gets her pregnant and returns to his beloved England, thus abandoning a baby that cannot live in a city is transforming its very architecture to seclude itself from the world. Snow rescues the baby, and gives her in adoption to the Wagners, a German family. They name her Jakita. Years later, she will become Snow’s greatest ally.
Issues like this explain why my admiration for John Cassaday only increases in time. In addition to his beautiful illustration of the jungle, Cassaday also provides the reader with the necessary details to further appreciate what’s going on in the opening sequence, id est, the searing sun and the sweaty Elijah Snow that is desperately trying to find the city. The splash page is also an amazing example of composition, there are two diagonal invisible lines the divide this impressive image in four: in the left and right sides there is nothing but the lush forest; in the top of the page, we have the massive gold structure of Opak-Re, with its stunning geometrical figures; and at the bottom of the page, we have Snow’s tiny boat. The contrast between the immensity of the jungle and the colossal dimensions of the city are enhanced by the presence of the boat. The artist depicts Lord Blackstock’s majestic demeanor in a subtle and yet undeniable manner. Cassaday’s cover is also a wonderful and striking image, reminiscent of the pulp novels of yesteryear. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En las obras literarias escritas hace un siglo, había un único punto de vista predominante: la perspectiva del hombre blanco. Años antes de que pudieran llevarse a cabo estudios antropológicos adecuados, una élite de hombres blancos observaba con curiosidad las costumbres y ritos de innumerables tribus africanas. Durante mucho tiempo, en el imaginario colectivo de la civilización occidental, África seguía siendo un continente oscuro, visto como un lugar primitivo y misterioso.![]() |
| the golden city of Opak-Re / la ciudad dorada de Opak-Re |
Los cómics, al igual que las novelas, también recorrieron un camino similar. Y en “Opak-Re” (publicado en Planetary # 17, diciembre de 2003), Warren Ellis combina la tradición literaria y fílmica con el universo de los cómics, en una cautivadora historia que tiene lugar en los años 30. Elijah Snow está buscando la legendaria ciudad perdida de Opak-Re. Snow, esta vez, nos recuerda a un aventurero como Indiana Jones, algo que es evidente desde la primera página.
Cuando Snow finalmente encuentra Opak-Re, también se enfrenta a una amenaza insólita: una serpiente gigantesca que parece venir de la prehistoria, ornamentada con discos de oro y un collar. Un espectáculo imposible pero, al fin y al cabo, Snow es un arqueólogo de lo imposible. Inesperadamente, es salvado por un hombre semidesnudo que se cuelga de las lianas mientras grita a todo pulmón. Este hombre, criado en la selva y luego educado en su país de origen, responde al nombre de Lord Blackstock. Claramente, Ellis rinde homenaje a la novela “Tarzán” de Edgar Rice Burroughs y la adaptación cinematográfica “Greystock: la leyenda de Tarzán”.![]() |
| the new king of the jungle / el nuevo rey de la selva |
Pero ¿qué es la ciudad de Opak-Re y cómo ha permanecido oculta durante siglos? Opak-Re es una ciudad de oro equipada con la tecnología más avanzada que uno podría imaginar. Esta es una sociedad pacífica dedicada a la cultura, al conocimiento y al aprendizaje. Como explica Lord Blackstock “Hace mil años, Opak-Re estaba mil años adelantada al resto del mundo, construida con principios científicos que nadie había siquiera imaginado”. Así, en muchos sentidos, esta es la versión de Ellis de Wakanda, la tierra de la Pantera Negra, la nación más avanzada tecnológicamente del universo Marvel. Aunque Opak-Re no quiere compartir su ciencia y sus conocimientos con el resto del mundo. Al contrario, desean alejarse del resto de la humanidad.
El consejo de la ciudad autoriza la presencia de Snow, tal como hicieron con Lord Blackstock, pero con algunas condiciones. A ninguno de ellos se les permite reproducirse, o casarse con las mujeres de Opak-Re. Sin embargo, como sucede tan a menudo, una vez que se prohíbe el objeto del deseo, se hace aún más deseable. Snow se enamora de una mujer carismática; sin embargo, ella termina teniendo un amorío con Lord Blackstock. Aunque el caballero inglés había insinuado que sus experiencias sexuales habían sido con chicos en vez de chicas, embaraza a la mujer y se va a su amada Inglaterra, abandonando así a una bebé que no podrá vivir en una ciudad que está transformando su propia arquitectura para aislarse del mundo. Snow rescata a la bebé, dándola en adopción a los Wagner, una familia alemana. Ellos la nombran Jakita. Años más tarde, ella se convertirá en la principal aliada de Snow.![]() |
| Lord Blackstock |
Números como este explican por qué mi admiración por John Cassaday sólo puede aumentar con el tiempo. Además de la hermosa ilustración de la selva, Cassaday también ofrece al lector los detalles necesarios para apreciar mejor lo que sucede en la secuencia inicial, es decir, el sol abrasador y el sudoroso Elijah Snow que está tratando desesperadamente de encontrar la ciudad. La página de los créditos es también un ejemplo asombroso de composición, hay dos líneas diagonales invisibles que dividen esta impresionante imagen en cuatro: a los lados izquierdo y derecho no hay otra cosa que el frondoso bosque; en la parte superior de la página tenemos la enorme estructura de oro de Opak-Re, con sus impresionantes figuras geométricas; y en la parte inferior de la página, tenemos la pequeña embarcación de Snow. El contraste entre la inmensidad de la jungla y las dimensiones colosales de la ciudad se ve reforzado por la presencia de la embarcación. El artista retrata de manera sutil los ademanes majestuosos de Lord Blackstock. La portada de Cassaday es también una maravillosa y sorprendente imagen, que nos recuerda las novelas pulp de antaño.
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December 1, 2015, 2:16 pm
November was a very good month, and in addition to fantastic new releases I also had the chance to include a fine selection of international productions. Sam Mendes returns to the 007 franchise with Spectre (2015). This is a spectacular adventure, action-packed and full of memorable scenes; it ties all the loose ends from previous installments (and it sure kept me at the edge of my seat); it was so great to see again Daniel Craig (Skyfall) as James Bond and Christoph Waltz (Django) as the charismatic villain. The amazing cast includes Léa Seydoux, Monica Bellucci and Ben Whishaw (Baby).
Francis Lawrence directs The Hunger Games: Mockingjay part 2 (2015). I must say I really enjoyed this final chapter, not only because it was darker and more suspenseful than the previous ones, but also because of its lucid political approach. Power corrupts, and in the last battle against the dictator, the rebels may be placing their hope on the wrong kind of leader. Jennifer Lawrence (The Hunger Games), Josh Hutcherson (The Hunger Games: Catching Fire), Liam Hemsworth (Paranoia), Donald Sutherland (Casanova) and Julianne Moore (Still Alice) reprise their roles.
Steven Spielberg’s Bridge of Spies (2015) is a historical reconstruction of the Cold War conflicts, as seen from the perspective of a decent man: Tom Hanks (Captain Phillips). There may be more negotiations than espionage, but Spielberg manages to capture our attention from the opening frames; there are some wonderful and thought-provoking moments. The cast includes Alan Alda, Billy Magnussen and Max Mauff (Das Jahr der ersten Küsse).
Crimson Peak (2015) is pure Gothic horror and fantasy, Guillermo del Toro once again surprises the audience with a story that starts with a romantic courtship and ends up in a mansion overrun by ghosts and death. Mia Wasikowska marries Tom Hiddleston (Avengers), and moves to a haunted house, but the spirits of the dead are not as dangerous as the intentions of the living. Only the timely intervention of Charlie Hunnam (Pacific Rim) might save her.
Although Transcendence (2014) had a great cast (Johnny Depp, Paul Bettany, Cillian Murphy and Morgan Freeman) it was actually quite a letdown. An uninspired script with a few promising sci-fi elements.
Christian Bale’s solid acting may be the only redeeming aspect of Exodus: Gods and Kings (2014)… it’s hard to believe that such an irregular production was directed by Ridley Scott.
John Pogue’s The Quiet Ones (2014) is an outstanding horror story. Exorcism is scientifically studied by a sinister doctor; demons and science come together in a journey through the darkest corners of the human mind. There are very good young actors here: Sam Claflin, Rory Fleck-Byrne, Laurie Calvert and Max Pirkis.
Jake Kasdan’s Orange County (2002) is a hilarious comedy about Colin Hanks, a frustrated teenager who wants to become a writer while trying to survive in a very dysfunctional family. There are plenty of funny sequences and even some poignant sequences. The cast includes Jack Black, Schuyler Fisk and John Lithgow.
Charming and sweet, You’ve Got Mail (1998), directed by Nora Ephron, may very well be one of the finest romantic comedies of the 90s. Tom Hanks and Meg Ryan are business rivals who end up falling in love with each other. I’m not usually into romance, but I adore this tale of anonymous love set in an idyllic New York.
Star Trek: Generations (1994), directed by David Carson, reunites the characters from the original series with the next generation. Patrick Stewart (X-Men: Days of Future Past) and William Shatner must travel back in time to defeat the villainous Malcolm McDowell. Faithful to the spirit of the series, this is definitely one of my favorite Star Trek movies. The cast includes Jonathan Frakes, Brent Spiner, LeVar Burton, Michael Dorn and Whoopi Goldberg.
Gary Thomas tackles a polemic issue in Early One Summer (2009), an intimate portrayal of a high school teacher who is involved in a homosexual relationship with one of his students. A heartfelt British short-film.
Nick Corporon does a very good job as the director of Last Call (2009), an oneiric (and melancholic) journey in which Travis Dixon finally has the opportunity to reevaluate his love for David Devora. I really liked it.
Santiago Giralt’s Jess & James (2015) is an honest depiction of homosexuality in a province of Argentina. Martín Karich and Nicolás Romeo are gay and young, and brave enough to defy the rules of society. During a road trip, they rediscover eroticism and the power of seduction. But having anal sex all the time and surviving with their last pennies isn’t enough, as they must deal with their past. Stimulating, smart and very well directed, this is the sort of independent productions I value the most.
Chucho E. Quintero writes and directs Velociraptor (2014), one of the most fascinating films I’ve seen. Pablo Mezz and Carlos Hendrick Huber are two teenagers doing what comes natural to them: hanging around, jerking off, sharing their sexual fantasies, confiding in each other. Meanwhile, millions of Mexicans are abandoning the capital while constant news broadcasts announce the coming of the apocalypse. In this doomed scenario, Quintero creates two fascinating characters: erratic, irresponsible, awkward, these kids roam the empty streets of the city while trying to figure out what they can do together. They’re not worried about survival, they care only for the here and now. Curious and horny, the boys finally decide to have sex, but this first homosexual encounter can be far more difficult than what they had anticipated. Velociraptor is an intense and deeply original film, aptly combining teen angst with an apocalyptical approach; a masterwork that isn’t afraid to explore sexuality in an insanely surreal environment. I highly recommend this Mexican film.
German filmmaker Katrin Gebbe masterfully recreates the life and death of a naïve teenager in Tore Tanzt (2013), a shocking and deeply haunting film about Julius Feldmeier, a kid who is a part of the Jesus Freaks movement, a vulnerable boy who is adopted by a depraved man who constantly beats him. But that’s only the beginning of the most refined and cruel tortures one can imagine; when the teenager is hospitalized he convinces himself that he must endure all this pain just as Jesus did, thus refusing to escape. In the end, he is raped and viciously attacked, and even when he is about to be killed he doesn’t fight back. Absolutely brutal and heartbreaking, Tore Tanzt is the kind of story that you will never forget… and it’s based on true events.
Ursula Meier’s L’enfant d’en haut (2012) is a bittersweet and dramatic chronicle about Kacey Mottet Klein, a young boy who steals from the wealthy tourists in a ski resort, and his sister Léa Seydoux (Saint Laurent), a girl without goals, without hope. There is a strong sense of tragedy as the director takes us into the heart of poverty; the protagonists are wounded creatures, unable to reclaim what they have lost. An extraordinary French film.
From Here to There (2012) is an interesting and revealing short film from Hong Kong. Two closeted gay men meet, and they fondly remember their teenage years, when gay sex wasn’t a taboo. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________Noviembre fue un muy buen mes, y además de imprescindibles estrenos también tuve la oportunidad de incluir una gran selección de producciones internacionales. Sam Mendes regresa a la franquicia del agente 007 con “Spectre” (2015). Una espectacular aventura, repleta de acción y escenas memorables; ata todos los cabos sueltos de entregas anteriores (y vaya que me mantuvo en vilo); fue estupendo volver a ver a Daniel Craig (Skyfall) como James Bond y a Christoph Waltz (Django) como el carismático villano. El asombroso elenco incluye a Léa Seydoux, Monica Bellucci y Ben Whishaw (Baby).
Francis Lawrence dirige “The Hunger Games: Mockingjay part 2” (2015). Debo decir que disfruté mucho este capítulo final, no sólo porque fue más oscuro y hubo más suspenso que en los anteriores, sino también por su lúcido enfoque político. El poder corrompe, y en la última batalla contra el dictador, los rebeldes depositan su esperanza en la persona equivocada. Jennifer Lawrence (The Hunger Games), Josh Hutcherson (The Hunger Games: Catching Fire), Liam Hemsworth (Paranoia), Donald Sutherland (Casanova) and Julianne Moore (Still Alice) retoman sus papeles.
“Bridge of Spies” (2015), de Steven Spielberg, es una reconstrucción histórica de los conflictos de la Guerra Fría, vistos desde la perspectiva de un hombre decente: Tom Hanks (Captain Phillips). Aquí hay más negociaciones que espionaje, pero Spielberg logra captar nuestra atención desde la primera toma; hay algunos momentos maravillosos que invitan a la reflexión. El reparto incluye a Alan Alda, Billy Magnussen y Max Mauff (Das Jahr der ersten Küsse).
“Crimson Peak” (2015) es puro horror gótico y fantasía, Guillermo del Toro una vez más sorprende al público con una historia que comienza con un cortejo romántico y termina en una mansión invadida por la muerte y los fantasmas. Mia Wasikowska se casa con Tom Hiddleston (Avengers), y se traslada a una casa maldita, pero los espíritus de los muertos no son tan peligrosos como las intenciones de los vivos. Sólo la oportuna intervención de Charlie Hunnam (Pacific Rim) la salvará.
Aunque “Transcendence” (2014) tiene un gran elenco (Johnny Depp, Paul Bettany, Cillian Murphy y Morgan Freeman) fue toda una decepción. Un guión insípido con algunos pocos elementos prometedores de ciencia ficción.
La sólida actuación de Christian Bale es lo único rescatable en “Exodus: Gods and Kings” (2014)... es difícil creer que una producción tan irregular fuese dirigida por Ridley Scott.
“The Quiet Ones” (2014), de John Pogue, es una excepcional historia de terror. El exorcismo es estudiado científicamente por un siniestro doctor; los demonios y la ciencia se unen en un viaje a través de los rincones más oscuros de la mente humana. Hay muy buenos actores jóvenes como Sam Claflin, Rory Fleck-Byrne, Laurie Calvert y Max Pirkis.
“Orange County” (2002), de Jake Kasdan, es una hilarante comedia sobre Colin Hanks, un adolescente frustrado que quiere convertirse en un escritor mientras intenta sobrevivir en una familia muy disfuncional. Hay un montón de secuencias divertidas e incluso algunas bastante conmovedoras. El reparto incluye a Jack Black, Schuyler Fisk y John Lithgow.
Encantadora y dulce, “You’ve Got Mail” (1998), dirigida por Nora Ephron, quizá sea una de las mejores comedias románticas de los 90s. En los negocios, Tom Hanks y Meg Ryan son rivales pero terminan enamorándose el uno del otro. Usualmente no soy fan del romance, pero me encanta esta historia de amor anónima situada en un idílico New York.
“Star Trek: Generations” (1994), dirigida por David Carson, reúne a los personajes de la serie original con los de la nueva generación. Patrick Stewart (X-Men: Days of Future Past) y William Shatner deben viajar en el tiempo para derrotar al malvado Malcolm McDowell. Fiel al espíritu de la serie, esta es sin duda una de mis películas favoritas de Star Trek. El reparto incluye a Jonathan Frakes, Brent Spiner, Levar Burton, Michael Dorn y Whoopi Goldberg.
Gary Thomas aborda un tema polémico en “Early One Summer” (2009), un retrato íntimo de un profesor de secundaria que está involucrado en una relación homosexual con uno de sus alumnos. Un cortometraje británico con mucho que decir.![]() |
| my drawing / mi dibujo |
Nick Corporon hace un muy buen trabajo como director de “Last Call” (2009), un viaje onírico (y melancólico) en el que Travis Dixon finalmente tiene la oportunidad de reevaluar su amor por David Devora. Vale la pena.
“Jess & James” (2015), de Santiago Giralt, es un retrato honesto de la homosexualidad en una provincia de Argentina. Martín Karich y Nicolás Romeo son gays y jóvenes, y lo suficientemente valientes para desafiar las reglas de la sociedad. Durante un viaje por carretera, redescubren el erotismo y el poder de la seducción. Pero tener sexo todo el tiempo y sobrevivir con sus últimos centavos no es suficiente, ya que deben hacer frente a su pasado. Estimulante, inteligente y muy bien dirigida, este es el tipo de producciones independientes que más aprecio.
Chucho E. Quintero escribe y dirige “Velociraptor” (2014), uno de los films más fascinantes que he visto. Pablo Mezz y Carlos Hendrick Huber son dos adolescentes que hacen lo que les da la gana: pierden el tiempo, se masturban, comparten sus fantasías sexuales, confían el uno en el otro. Mientras tanto, millones de mexicanos están abandonando la capital, mientras que constantes emisiones de radio y TV anuncian la llegada del Apocalipsis. En este escenario condenado, Quintero crea dos personajes fascinantes: erráticos, irresponsables, torpes, estos chiquillos deambulan por las calles desiertas de la ciudad, mientras intentan averiguar qué pueden hacer juntos. No están preocupados por la supervivencia, se preocupan sólo por el aquí y el ahora. Curiosos y cachondos, los chicos finalmente deciden tener sexo, pero este primer encuentro homosexual será mucho más complicado de lo que habían previsto. “Velociraptor” es una película intensa y profundamente original, que combina acertadamente la angustia adolescente con un enfoque apocalíptico; una obra maestra que no tiene miedo de explorar la sexualidad en un ambiente demencialmente surrealista. Definitivamente recomiendo esta película mexicana.
La cineasta alemana Katrin Gebbe recrea con maestría la vida y la muerte de un adolescente ingenuo en “Tore Tanzt” (2013), una película impactante y profundamente inquietante sobre Julius Feldmeier, un chico que pertenece al movimiento de los Jesus Freaks, un muchacho vulnerable que es adoptado por un hombre depravado que constantemente lo golpea. Pero eso es sólo el principio de las torturas más refinadas y crueles que uno pueda imaginar; cuando es hospitalizado, el adolescente se convence a sí mismo que debe soportar todo el dolor tal como lo hizo Jesús, negándose así a escapar. Al final, él es violado y salvajemente atacado, e incluso cuando está a punto de ser asesinado no se defiende. Absolutamente brutal y desgarradora, Tore Tanzt es el tipo de historia que jamás podrán olvidar... y está basada en hechos reales.
“L'enfant d'en haut” (2012), de Ursula Meier, es una crónica agridulce y dramática sobre Kacey Mottet Klein, un niño que roba a los turistas acaudalados en un centro vacacional de ski, y su hermana Léa Seydoux (Saint Laurent), una chica sin metas, sin esperanza. Hay un fuerte sentido de tragedia asociado al corazón de la pobreza; los protagonistas son criaturas heridas, incapaces de recuperar lo que han perdido. Una extraordinaria película francesa.
“From Here to There” (2012) es un cortometraje interesante y revelador de Hong Kong. Dos hombres que ocultan su homosexualidad, recuerdan con cariño sus años de adolescencia, cuando el sexo gay no era un tabú.
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December 3, 2015, 9:23 pm
Cada dos años, José Luis Carranza vuelve a sorprendernos con cuadros de una belleza sobrecogedora. Hace pocas horas, se inauguró “Catedral” en la Galería Enlace (San Isidro). En esta ocasión, se establece un juego entre el significante de la iconografía religiosa clásica y el significado otorgado por el artista.
Carranza nos deslumbra con escenarios repletos de luz y oscuridad, color y movimiento y, sobre todo, mucha pasión. Los cuadros son espectaculares, y tienen una intensidad que pocos artistas son capaces de lograr. Observar de cerca una obra tan singular es un placer estético inigualable, porque uno es capaz de apreciar cada pincelada, de distinguir la presión del óleo sobre el lienzo. En manos de este artista peruano, el arte respira y vive, y renueva en nosotros la pasión por la pintura.
De manera acertada, Carranza involucra en sus escenas a personajes espectrales, con ojos vitrificados, casi purulentos, elemento que se ha convertido en una característica central de su estilo. Cada cuadro es una explosión cromática, un despliegue apabullante de destreza y buen pulso. Esta es una obra sumamente valiosa en la que se suceden simultáneamente múltiples corrientes artísticas, siempre algo hay de surrealismo, de expresionismo, de arte figurativo.
El 2013, Carranza impresionó al público y a la crítica con “Retorno a la isla de Citera”, y el 2011 lo hizo con “El reflejo de la muerte”. Luego de estas dos excelentes muestras, el artista ha demostrado que continúa mejorando y perfeccionando su estilo.
Aunque los cuadros bordean los 15,000 dólares, en la misma noche de la inauguración hubo varios que se vendieron, y seguramente en los próximos días habrá aún más ventas. Carranza, por suerte, nunca ha permitido que el éxito lo obnubile, y sigue manteniendo el mismo trato cordial. Para mí fue un gusto saludarlo y felicitarlo por tan magnífica muestra. Ahora me toca esperar con impaciencia hasta su próximo muestra que ya será el 2017.
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December 6, 2015, 9:05 pm
Now that Thanksgiving week is over and nobody is thinking about turkey and family dinners, it's time to read some good horror comics in Dawn of the Undead, available now on ComiXology:
https://www.comixology.com/Dawn-of-the-Undead-1/digital-comic/308622
And in case you haven't read it yet, you should definitely pick up Un-American Chronicles, also available on Comixology:
https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418
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December 11, 2015, 9:21 pm
You don't need to be an expert to realize that South American nations share a common history; for instance, military dictatorships were very frequent especially in the 20th century. Each country has dealt with it as best as they could, and perhaps the best evidence of that struggle persists today in the form of literature, films and, of course, comics.
In Argentina, authors like H. G. Oesterheld explored the issue of the military dictatorship through subtle allegories within a sci-fi scenario (as we can see, for example, in El Eternauta). Carlos Trillo was a writer who would also address issues such as conformity, tyranny and the idiosyncrasy of Argentina's people, among other political subjects.
In “The Trips of Marco Mono” (originally published in the late 70s), the author turns these concerns into stories, while working with Enrique Breccia, an artist who shared the same ideological stance. The trips in this graphic novel, of course, are absolutely surreal and closer to fantasy instead of the magical realism of Trillo's The Small Doors of Mr. Lopez; furthermore, as Moncho Cordero explains in the prologue of the Spanish edition, these are “demential trips of a somewhat cruel and ironic nature, in a world so similar to ours that every coincidence is intentional”.
Although I would like to analyze every chapter, I'll focus on my favorites. The first one would be the story of a strange city ruled by a tyrant; all the citizens are so scared that they don't even dare to walk near the tyrant's castle and only Marco Mono, the tourist, the seller of illusions as he calls himself, is brave enough to venture into the castle. "You died twenty years ago, tyrant. However, they're all afraid of you and they pay you a tribute that is well above their possibilities", says the protagonist in a lucid monologue. Indeed, the tyrant is dead, but the power structure is so firmly set that the people continue to pay the taxes requested by the dictator. This metaphor can be applied not only to Argentina but also to any other South American country in which the population submits to an unfair government.![]() |
| Marco Mono: a seller of illusions / Marco Mono: un vendedor de ilusiones |
Another memorable episode is the one about a beautiful girl who is being prostituted by her brothers; there is an endless queue of men eagerly awaiting the opportunity to spend a couple of coins and have sex with the girl. At first Marco Mono tries to rescue her, but in the end, he simply decides to join the queue thus perpetuating prostitution. Surely Trillo must have been inspired by “The Incredible and Sad Story of Candid Erendira and Her Heartless Grandmother” an extraordinary short story by Gabriel García Márquez.
In other episodes there are criticisms again consumerism, the cruelty of large corporations, but above all there is always black humor, irony and sarcasm. Enrique Breccia, son of Alberto Breccia, has a very expressive and loose style that fits very well with the sui generis nature of “The Trips of Marco Mono”, a great comic from Argentina that definitely deserves our attention.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
No hace falta ser un experto en la materia para constatar que todos los países de América Latina están unidos por lazos que van más allá del idioma común o de la historia compartida. No se puede escribir una historia de Sudamérica si obviamos las dictaduras militares que proliferaron sobre todo en el siglo XX. Cada nación lidió con ellas como mejor pudo, y quizás los mejores testimonios de esa lucha perduran en la literatura, el cine y, por supuesto, el cómic.![]() |
| eager men, erected ties / hombres ansiosos, corbatas erectas |
En Argentina, autores de la talla de H.G. Oesterheld exploraron el tema de la dictadura militar mediante sutiles alegorías, siempre en el escenario de la ficción (como podemos ver, por ejemplo, en “El eternauta”). El escritor Carlos Trillo, discípulo de esta vertiente contestataria, también abordaría temas como el conformismo, la tiranía y la idiosincrasia del ciudadano argentino, entre otros temas de eminente corte político.![]() |
| Marco Mono and the prostitute / Marco Mono y la prostituta |
En “Los viajes de Marco Mono” (publicada a fines de los 70s), el autor retoma las preocupaciones mencionadas y encuentra en Enrique Breccia no solamente a un artista de primer nivel sino también a un aliado con el que comparte la misma sintonía ideológica. Los viajes narrados en esta novela gráfica, desde luego, son absolutamente surrealistas y son más cercanos al género de la fantasía que al del realismo mágico de “Las puertitas del Sr. López” (conocida obra de Trillo y Altuna); pero también son, como afirma Moncho Cordero en el prólogo de la edición española, “unos viajes demenciales con el fondo irónico y algo cruel de un mundo tan parecido al nuestro, que toda coincidencia es realidad”.![]() |
| Marco Mono pretends to be a woman / Marco Mono finge ser una mujer |
Aunque me gustaría analizar todos los episodios, he optado por concentrarme en los que, en mi opinión, son los más sustanciales. Tenemos, para empezar, la historia de una extraña ciudad dominada por un tirano; todos los lugareños se alejan atemorizados del castillo del tirano, y solamente Marco Mono, el visitante, el vendedor de ilusiones como se denomina él mismo, se atreve a incursionar en el castillo. “Te moriste hace como veinte años, tirano. Sin embargo todos te tienen miedo y te hacen ofrendas muy superiores a sus posibilidades”, aclara el protagonista en un lúcido monólogo. En efecto, el tirano ha muerto, pero la estructura de poder está tan firmemente anclada en la realidad que los ciudadanos siguen pagando puntualmente el diezmo exigido por el soberano. Esta metáfora, por cierto, se aplica perfectamente no sólo a Argentina sino a cualquier otro país latinoamericano en el que la población mantiene una postura sumisa frente a un gobierno injusto.
Otro episodio memorable es el de una bella chica que es prostituida por sus hermanos; una interminable fila de hombres espera ávidamente la oportunidad de gastar un par de monedas y acostarse con ella. Marco Mono, inicialmente, intenta rescatarla, pero al final, decide simplemente sumarse a la cola y contribuir a la prostitución perpetua de la pobre muchacha. Sin duda, Trillo debe haberse inspirado en “La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y su abuela desalmada”, extraordinario cuento de Gabriel García Márquez.
En otros episodios tenemos ásperas requisitorias en contra del consumo desmedido, o la crueldad inherente de las grandes empresas, pero en todo momento prima sobre todo el humor negro, la ironía y el sarcasmo. Enrique Breccia, hijo del maestro Alberto Breccia, desarrolla un estilo de dibujo sumamente expresivo y libre, que se acopla muy bien a la naturaleza sui generis de “Los viajes de Marco Mono”, una gran obra del cómic argentino que, definitivamente, merece más de una relectura.
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December 17, 2015, 1:54 pm
For some reason, I’ve never been a fan of adaptations. In my opinion, comics should really thrive on their own, and they shouldn’t be subservient to a narrative process previously established in a different medium, whether it be a TV series or a movie. Having said that, I must say that I’ve never in my life, until now, paid attention to Star Wars related comics. Now don’t get me wrong, I love Star Wars just as much as the next guy, but I love the movies, and that’s it. ![]() |
| John Cassaday |
However, in January I decided to bend the rules a little bit and try out the first issue of Star Wars. I knew it would sell well, but I had no idea it would actually break every record for the past 17 years. That’s right, in almost 2 decades no comic book in the American market has had stronger sales than Marvel’s Star Wars # 1. With one million copies sold, the title grabbed a lot of headlines and captured the attention of industry analysts.![]() |
| John Cassaday |
So what happened later? For some unexplainable reason, the second issue saw a huge loss of readership. In fact over 800,000 readers decided that this Star Wars relaunch wasn’t worth their hard-earned dollars and stopped buying it. Sales figures finally stabilized at roughly 170,000. Obviously, any title selling above the 100,000 mark is considered a resounding success, but it’s likely that there will be another rather pronounced decline in sales with the seventh issue. The reason? Superstar artist John Cassaday decided to withdraw from the title after the sixth issue. And as soon as he was gone, so was I. You see, I’m such a huge fan of Cassaday that I decided I would buy Star Wars as soon as I saw his name attached to the project.![]() |
| John Cassaday |
Of course, there was another very persuasive element in this equation: Jason Aaron, one of the most prominent Marvel writers, responsible for acclaimed titles such as Wolverine & the X-Men, Thor: God of Thunder and more. Aaron, in fact, won the Arion's Achievement Award in 2014 for Best Writer (so in order to keep true to my own standards, I had to give him a chance, and I must say he did not disappoint me).![]() |
| Darth Vader |
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| Han Solo & Princess Leia |
Perhaps one of the reasons I never read movie adaptations is because the authors are always constrained by a pre-existing continuity, and that means they can never do anything meaningful and so they must resort to all sort of derivative formulas that become pointless in the long haul. So it requires a high level of ingenuity to come up with ideas that do not contradict the parameters set by George Lucas while trying to add a modicum of relevance to these new stories. I would say that, after facing this difficult task, Aaron successfully manages to encapsulate the spirit of Star Wars. While reading “Skywalker Strikes”, I swear I could hear the voices of the actors in my head, accompanied by the wonderful John Williams fanfare.
This 6-issue arc takes place between the first Star Wars movie and Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back. Aaron focuses on young Luke Skywalker and his quest as a future Jedi apprentice, but of course we get to see plenty of the rest of the cast. Darth Vader kicks some serious ass in these pages, and so does Bobba Fett. The romantic tension between Han Solo and Princess Leia reminds us of the original trilogy, and C-3PO and R2-D2 provide ample opportunities for jokes and laughter.
John Cassaday perfectly captures the dark essence of Darth Vader, and in some pages he highlights the contrast between the Sith and the stormtroopers (a black and white arrangement complemented with subtle gray tones). The action scenes are spectacular, and we get to see Darth Vader fighting with a ferocity rarely seen in the cinematographic version. Cassaday also illustrates some outstanding double page spreads, such as the one that confronts Darth Vader with Jabba the Hutt, or the one that shows Boba Fett, the bounty hunter, in a Tatooine cantina. Once again, it has been a real delight to have Cassaday doing covers plus interior art, like in the good old times. So if you are a Star Wars fan, this is the right comic for you. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Por alguna razón, nunca he sido un fan de las adaptaciones. En mi opinión, un cómic debería prosperar por sí mismo, y no debería estar al servicio de un proceso narrativo establecido previamente en un medio diferente, ya se trate de una serie de televisión o una película. Una vez dicho esto, quiero aclarar que nunca en mi vida, hasta ahora, había prestado atención a los cómics de Star Wars. No me malinterpreten, me gustan las películas de Star Wars pero eso es todo.![]() |
| Darth Vader & Stormtroopers |
Sin embargo, en enero decidí a romper un poco las reglas y darle una oportunidad al primer número de Star Wars. Sabía que iba a tener buenas ventas, pero no tenía ni idea de que terminaría batiendo todos los récords de los últimos 17 años. Así es, en casi 2 décadas ningún cómic en el mercado estadounidense ha tenido ventas más sólidas que el Star Wars # 1 de Marvel. Con un millón de copias vendidas, apareció en un montón de titulares y capturó la atención de los analistas de la industria.![]() |
| Luke Skywalker |
¿Y qué pasó después? Por alguna razón inexplicable, el segundo ejemplar sostuvo una fuerte pérdida de lectores. De hecho más de 800,000 lectores decidieron que este relanzamiento de Star Wars no valía la pena y dejaron de comprarlo. Las cifras de ventas finalmente se estabilizaron en aproximadamente 170,000. Obviamente, cualquier título que venda más de 100,000 se considera un éxito rotundo, pero lo más probable es que habrá otra caída más pronunciada en las ventas a partir del séptimo ejemplar. ¿La razón? El artista superestrella John Cassaday decidió retirarse del título después del número 6. Y apenas él se alejó, yo hice lo mismo. Soy un gran fan de Cassaday así que decidí que compraría Star Wars apenas supe que participaría en este proyecto.![]() |
| Jabba the Hutt |
Por supuesto, hubo otro elemento persuasivo en esta ecuación: Jason Aaron, uno de los escritores más importantes de Marvel, responsable de aclamados títulos como Wolverine & the X-Men, Thor: God of Thunder y otros. Aaron, de hecho, ganó el Arion's Achievement Award el 2014 como mejor escritor (así que para mantenerme fiel a mis propios estándares, decidí darle una nueva oportunidad y debo decir que no me decepcionó).![]() |
| Bobba Fett |
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| Bobba Fett versus Luke Skywalker |
Tal vez una de las razones por las que nunca leo adaptaciones cinematográficas es porque los autores está siempre limitados por una continuidad pre-existente, y eso significa que nunca pueden hacer nada significativo y están forzados a recurrir a todo tipo de fórmulas derivativas que a la larga se vuelven insustanciales. Por lo tanto, requiere un alto nivel de ingenio para desarrollar ideas que no contradigan los parámetros establecidos por George Lucas y a la vez intentar añadir una pizca de relevancia a estas nuevas historias. Yo diría que, después de enfrentarse a esta difícil tarea, Aaron logra encapsular el espíritu de la Guerra de las Galaxias. Durante la lectura de "Skywalker ataca", casi podía oír las voces de los actores en mi cabeza, acompañados por la maravillosa banda sonora de John Williams.
Este arco de 6 ejemplares ocurre entre la primera película de Star Wars y Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca. Aaron se centra en un joven Luke Skywalker, a punto de ser un aprendiz Jedi; por supuesto también vemos al resto del elenco. Darth Vader está formidable en estas páginas, y lo mismo ocurre con Bobba Fett. La tensión romántica entre Han Solo y la Princesa Leia nos recuerdan a la trilogía original, y C-3PO y R2-D2 ofrecen amplias oportunidades para las bromas y las risas.
John Cassaday capta perfectamente la esencia oscura de Darth Vader, y en algunas páginas resalta el contraste entre los Sith y los soldados de asalto (un juego de blanco y negro que es complementado con sutiles tonos grises). Las escenas de acción son espectaculares, y vemos a Darth Vader luchando con una ferocidad pocas veces vista en la versión cinematográfica. Cassaday también ilustra algunas páginas dobles realmente sobresalientes, como aquella en la que Darth Vader se enfrenta a Jabba el Hutt, o la que muestra a Boba Fett, el cazador de recompensas, en una cantina en Tatooine. Una vez más, ha sido un verdadero placer ver a Cassaday haciendo las portadas más el arte interior, como en los buenos viejos tiempos. Así que si sois fans de Star Wars, disfrutaréis con este cómic.
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December 21, 2015, 6:15 pm
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December 24, 2015, 7:18 am
2015 has been a very gratifying year for me. It started a little bit slow, and perhaps with more bad news than good ones. Sometimes it’s hard to deal with certain situations, and I must say the beginning of this year caught me completely off guard. Fortunately, I somehow managed to find the energy to start new projects.
In April 2015 I started putting together a new comic book with stories either written or drawn by me. I wanted to make sure the comic would be on ComiXology so I had to meet a tight deadline.
In November, Dawn of the Undead was already available for sale on ComiXology while I was proudly holding in my hands a printed version of the book.
So, just like I predicted in December 2014, this was a much better year for me. In fact, December was a particularly rewarding month. I finally completed my thesis and my dissertation went very well.
And if that isn’t reason enough to celebrate, I also won an important comic book award in an annual event organized by my own university.
Since I started this blog I have always showcased my own artwork but I have also analyzed the artistic proposals of Peruvian artists.
It gives me great pleasure to find such fascinating works this year so I’ve decided to make a selection of the best of 2015.
Best artist: Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)
Best solo exhibit: José Luis Carranza
Best collective exhibit: Modern Love
Best new talent: José Gabriel Alegría Sabogal
Best artistic proposal: Iván Fernández-Dávila (“Expresionismos”)
Best retrospective: Mundo cuy: retrospectiva de Juan Acevedo - ICPNA
Best international art exhibit: David LaChapelle - Fotografías 1984-2013
As usual, this selection includes mostly Peruvian artists, however, in the international section you’ll find American photographer David LaChapelle. Unlike previous years, this time I’m not including anything from MATE (Mario Testino Foundation), although I did go there a few weeks ago and I was once again very impressed with its photography collection.
In my next post you’ll discover the finest authors and best comic books of 2015. Yes, it’s the fifth edition of the famous and prestigious AAA (Arion's Achievement Awards). It’s always a lot of fun to do this list, and I hope it will inspire all of you to do similar lists (of course, you’re more than welcome to post them in the comments section).
Once the AAA is done, the year will be officially over (and I’ll be off for a few days, enjoying my well-deserved vacations). Stay tuned, my friends. And don’t forget to leave as many comments as you want. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
El 2015 ha sido un año muy interesante. Aunque los primeros meses fueron, más bien, poco memorables, en abril empecé a preparar un nuevo proyecto. Hice una selección de mis mejores historias cortas (escritas y/o dibujadas por mí) y las reuní en un mismo cómic; la mayoría había sido publicada previamente a blanco y negro y muchas tenían un rotulado bastante simplón, por lo tanto, en esta ocasión fue necesario pedirle a ayuda a un gran número de colaboradores (dibujantes a lápiz, entintadores, coloristas y rotulistas).![]() |
| Reve |
Desde un principio mi meta era que el cómic estuviese a la venta en ComiXology, así que sabía que tenía que tener todo listo antes de julio (como había comprobado el año pasado, la subsidiaria de Amazon puede tardar hasta 5 meses para aprobar los cómics de autores independientes). Por suerte, fue posible cumplir con el plazo de entrega y en noviembre el cómic Dawn of the Undead salió a la venta en ComiXology. Casi en la misma fecha, también salió la versión impresa del cómic.
Finalmente, diciembre fue un mes muy gratificante. Terminé de escribir mi tesis de licenciatura, y mi sustentación fue todo un éxito. Al mismo tiempo, gané el primer puesto en el concurso de historietas organizado por la facultad de comunicaciones de la PUCP. El premio, sin duda, fue una enorme alegría, sobre todo porque en años anteriores había participado en el concurso (el 2008 y el 2009) sin haber obtenido ningún reconocimiento, y luego de una mención honrosa (el 2010) había dejado de enviar trabajos. Por suerte, en esta ocasión decidí hacer un último intento y el resultado fue totalmente favorable.
Como siempre, este año mi interés por el arte me llevó a innumerables muestras y creo que es justo, y hasta necesario, establecer en líneas generales un balance de lo mejor del arte en Lima.
Mejor artista: Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)
Mejor muestra individual: José Luis Carranza
Mejor muestra colectiva: Modern Love
Mejor nuevo talento: José Gabriel Alegría Sabogal
Mejor propuesta artística: Iván Fernández-Dávila (“Expresionismos”)
Mejor retrospectiva: Mundo cuy: retrospectiva de Juan Acevedo - ICPNA
Mejor muestra de arte internacional: David LaChapelle - Fotografías 1984-2013
Hace más de 5 años conocí a Renzo Núñez Melgar Vega (alias REVE), y cuando vi sus cuadros por primera vez comprendí que se trataba de un artista extraordinario. Con disciplina y mucho tesón, Renzo ha mantenido firme su rumbo en el siempre veleidoso mundo del arte. En el Centro Colich, el gran artista nos sorprendió con “La publicidad que no conocías”, muestra que unía a las estrellas del rock de los 60s y 70s con los productos nacionales de consumo masivo, en una lúcida amalgama visual que destacaba por su insuperable técnica pictórica.![]() |
| ¡por fin gané! |
La mejor muestra individual del 2015 es “Catedral” de José Luis Carranza. La Galería Enlace nuevamente ha tenido el acierto de darle protagonismo a uno de los mejores artistas de nuestro país. Carranza regresa con energías renovadas, fiel al estilo que lo caracteriza y haciendo un gran despliegue de creatividad; su impresionante imaginación ha cautivado ya a infinidad de espectadores.
Llegué a ver bastantes muestras colectivas a lo largo del año, pero ninguna me pareció tan armoniosa en su propuesta como “Modern Love”. Dédalo una vez más ha marcado la pauta, con una colectiva de artistas (Sheila Alvarado, Andrea Barreda y Yulia Katkova) que abordan el amor desde una perspectiva fresca y novedosa. Espero ver más trabajos de ellas en el 2016.
Además de nombrar a artistas ya establecidos, siempre es bueno dar una mirada a aquellos que recién están comenzando. En mi opinión, el mejor artista joven del 2015 es José Gabriel Alegría Sabogal, quien impresionó al público con su muestra “Hipnógrafos” en el Centro Colich. Por esas curiosas coincidencias, me encontré con José Gabriel el día de la ceremonia de premiación del concurso de historieta de la PUCP.
Desde hace varios años, Iván Fernández-Dávila ha perfeccionado su estilo y ha ido alcanzando, cada vez con mayor rigurosidad, una estética propia y sumamente personal. Este año, Iván nos deleitó con “Expresionismos”, individual presentada en el Museo Pedro de Osma. Los cuadros de la muestra hablan por sí solos, a la vez que establecen una línea conductora que nos remite a exposiciones previas. Por eso, considero que es la mejor propuesta artística del año.
He sido fan de Juan Acevedo desde que era niño. Sus cómics siempre han tenido un encanto especial y no en vano se le reconoce como el principal exponente del noveno arte en nuestro país. Al fin, el ICPNA reconoció su importante labor creativa con una espectacular retrospectiva, que reunía más de 400 originales del artista limeño.
Este año el MAC se lució con la magnífica exposición de David LaChapelle“Fotografías 1984-2013”. Las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Barranco cobraron vida con las alucinantes imágenes de LaChapelle. Fue un verdadero lujo observar de cerca la obra de uno de los mejores fotógrafos contemporáneos a nivel mundial. Esta ha sido, de lejos, la mejor muestra de arte internacional.
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December 27, 2015, 9:20 am
When I was around 12 or 13, comics were more about escapism than anything else. I would plunge into the colorful adventures of American superheroes or into the thrilling odysseys of “2000 AD”. Back then, I think could have spent over 24 hours reading comics without so much as a pause to eat a Hershey’s chocolate or perhaps a Snickers.
Curiously, it took me a while to realize that the greatest magic of comics actually came from some truly talented individuals. And I became so fascinated with the writers and artists that, eventually, I ended up following the footsteps of my most idolized creators. I started writing and drawing my own comics, and I think that has allowed me to develop a unique perspective in regards to the creative process. Hopefully, my criticism is more of an informed opinion than a capricious appreciation. So, without further ado, I invite you all to the fifth annual edition of the AAA (Arion's Achievement Awards).
Best Writer - Alan Moore / Neil Gaiman / Mark Waid Best Artist - Gabriel Andrade / J.G. Jones / Chris BurnhamBest Cover Artist - J. H. Williams III / Lee Bermejo / Dustin NguyenBest Editor - Shelly BondBest Single Issue - Crossed Plus One Hundred # 5Best Ongoing Series - Astro CityBest Limited Series - Strange Fruit Best New Series - ProvidenceBest Publisher - Avatar PressBest Comics - Related Webpage - Comics.orgHomage - Roger Slifer, Brett Ewins, John Cooper, Herb Trimpe & Murphy Anderson Worst Title - Spider-WomanWorst First Issue - Shadow Vol. 2 # 1Most Disappointing Project - We Are Robin ![]() |
| Gabriel Andrade |
Long before reading “Watchmen” or “V For Vendetta”, Alan Moore was already a literary idol for me. “Pog” or “Anatomy Lesson” were such brilliant stories that they changed my life. Even to this day I still remember how those Swamp Thing issues made me feel. It’s been decades since Moore left the DC Universe, but he continues to amaze us with such memorable works like “Crossed Plus One Hundred” and “Providence”. That’s why Moore is at the top of the best writer category. Of course, there are two other writers who deserve a round of applause: Neil Gaiman for his fantastic “Sandman Overture” and Mark Waid for his outstanding “Strange Fruit”.
Art has always been part of our culture, and although sequential art is relatively new (comics have existed for a century or so) it has become even more relevant than other well-established artistic expressions. In 2015 there was a lot of extraordinary art that caught my attention, so it was particularly difficult to choose only 3 artists in this category: Gabriel Andrade surprised me with his spectacular illustrations for “Crossed Plus One Hundred”; J.G. Jones excels as a penciler, inker and a painter, and his work in “Strange Fruit” may very well be the best I’ve seen from him (which is saying a lot); Chris Burnham has produced some of the craziest and most violent images in “Nameless”, and all that effort deserves a proper recognition.
A cover can make or break a book. It’s the first thing we see, and very often it’s the only thing we see (especially if we’re checking comic books solicitations almost 3 months advance). And with hundreds of comics published monthly, sometimes we only have time to look at the cover. So that’s why being a good cover artist is very important; in 2015, the best ones were J. H. Williams III for his symbolic approach in “Sandman Overture”; Lee Bermejo, for his striking designs and sober colors palette in “Suciders”; and Dustin Nguyen for his remarkable efforts in “Descender”.![]() |
| Alex Ross |
After Karen Berger left Vertigo, many readers were concerned about the fate of such respected imprint. Fortunately, editor Shelly Bond accepted the challenge of revitalizing Vertigo and I would say the result is rather satisfactory. And how could it be otherwise with titles like “Sandman Overture”, “Astro City”, “Suciders” and many others?
The best comics I’ve read in 2015 were written by Alan Moore. I’m talking about Miracleman (which was written in the 80s and reprinted recently by Marvel) and Crossed Plus One Hundred #5. The entire arc was splendid, but the fifth issue is my favorite. I could read it over and over again, and still be shocked by it.
I still remember how much I loved “Astro City”, when I first read it years ago. It’s hard to believe that we’re now celebrating the 20th anniversary of Kurt Busiek’s critically acclaimed series. Busiek continues to write a mind-blowing saga, and that’s the kind of effort that should be rewarded. So “Astro City” is the best ongoing series of 2015.
I had the opportunity to read many wonderful miniseries in the past 12 months, but there was only one that moved me in ways I could not have anticipated: combining the talents of 2 prominent creators (Mark Waid and J.G. Jones), “Strange Fruit” left me in awe from the very first page and that’s why I consider it is the best limited series of the year.
It’s my personal policy to always try out as many new titles as possible. You never know what you might find, and sometimes you make some phenomenal discoveries. There have been many exciting new series this year: “Nameless”, “Suciders”, “Shaper”, “Descender”, “Jupiter’s Circle”, “All-Star Section 8”, “Airboy”, “Mercury Heat”, “We Stand on Guard”, “Phonogram: the Immaterial Girl”, “Tokyo Ghost” and “Midnighter”. However, “Providence” deserves all the accolades it can get. Moore’s series is of a haunting and complex nature, a true love song to Lovecraft, horror and the secret history of the United States.
Some of my favorite comics this year came from the same publisher: “Crossed Plus One Hundred”, “Providence”, “Mercury Heat”, etc. For a long time now, the most famous British writers (Alan Moore, Garth Ennis, Kieron Gillen, Warren Ellis, etc.) have produced some truly unforgettable works for Avatar Press, so I’ve decided to name it the best publisher of 2015.
In previous years I’ve expressed my appreciation towards websites like TheOuthousers.com and CBR, but this time I’ve decided to give the best comics-related webpage award to Comics.org, which I visit every week to find information about comics and authors. Probably the largest comic book database in the world, Comics.org is an excellent resource for fans and pros alike!
There is always bad news during the year, and sad ones too. In 2015, several comic book creators passed away, so it’s now our duty to honor their legacy. In the 80s, Roger Slifer was in charge of “Omega Men” and Primus, one of his characters, became a favorite of mine. I’ve been using the iconic Primus image from Omega Men #1 as my avatar since 2006 in plenty of comic book message boards and even here on my own blog. I hope to review “Omega Men” in 2017, because Slifer wrote some truly great stories in that series. I was very saddened when I found out he had died. Famous for his collaborations for “2000 AD”, Brett Ewins was a very gifted artist with a unique style, I had been a fan of his work ever since I started reading comics, he will be missed. John Cooper was also very popular thanks to his artistic contributions to “2000 AD”. I first saw Glen Orbik’s covers in the late 90s and I became a fan right away; he was an amazing illustrator. Herb Trimpe gained popularity as a Marvel artist during the 70s, especially in titles like The Hulk. Finally, Murphy Anderson was one of the biggest names during the Silver Age of comics at DC. I think the best way to pay homage to them is re-reading their works.
Sometimes I’m just baffled by the low quality in titles, especially those that come from the Big Two. It doesn’t matter how much I try to avoid bad comics, I always end up with a few lousy ones in my hands. The worst title of the year was Marvel’s Spider-Woman, which I consider a rather pointless book, with nothing interesting to add to the Spider-Man universe. The worst first issue I read was Shadow Vol. 2 # 1, it was really disappointing to see such an unimaginative approach. Finally, the most disappointing project was We Are Robin, it had some really bad drawings and although it had an interesting premise it was poorly developed.
By Odin, I am come through many cities this audience to find. And would bright my morn soonest if in this online journal, I am to have my notch. It is proposed you should opinions find, whether to complement or contradict mine. I shall enquire, and know the truth anon. If you, honorable readers, stay at my beacon, you shall be recompensed hence. Let us divagate and debate, sufficient in our intimate thoughts that these opinions spilled delinquent out of our mouths are as candid as ever.
I bid thee farewell and long live the ninth art!________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Cuando tenía 12 o 13 años, los cómics eran una estupenda forma de escapismo. Me encantaba sumergirme en las coloridas aventuras de los superhéroes norteamericanos o en las emocionantes odiseas de “2000 AD”. En aquel entonces, creo que podría haber leído cómics durante 24 horas, deteniéndome apenas para comer un chocolate Hershey o tal vez un Snickers.
Curiosamente, me tomó un tiempo comprender que la verdadera magia de los cómics procedía realmente de algunos individuos verdaderamente talentosos. Y me sentí tan fascinado con los escritores y artistas que, con el tiempo, terminé siguiendo los pasos de mis creadores más idolatrados. Empecé a escribir y dibujar mis propios cómics, y creo que eso me ha permitido desarrollar una perspectiva única en lo que respecta al proceso creativo. Mi crítica es más una opinión informada que una apreciación caprichosa. Así que, sin más preámbulos, los invito a la quinta edición anual de los premios AAA (Arion's Achievement Awards).
Mejor escritor - Alan Moore / Neil Gaiman / Mark WaidMejor artista - Gabriel Andrade / J.G. Jones / Chris BurnhamMejor portadista - J. H. Williams III / Lee Bermejo / Dustin Nguyen Mejor editor - Shelly BondMejor número único - Crossed Plus One Hundred # 5 Mejor serie mensual - Astro City Mejor serie limitada - Strange Fruit Mejor nueva serie - Providence Mejor editorial - Avatar PressMejor página web sobre cómics - Comics.orgHomenaje - Roger Slifer, Brett Ewins, John Cooper, Herb Trimpe y Murphy AndersonPeor título - Spider-WomanPeor primer número - Shadow Vol. 2 # 1Proyecto más decepcionante - We Are Robin![]() |
| J.H. Williams III |
Mucho antes de leer “Watchmen” o “V de Vendetta”, Alan Moore ya era un ídolo literario para mí. “Pog” o “La lección de anatomía” fueron historias tan brillantes que cambiaron mi vida. Incluso hoy en día todavía recuerdo cómo me hicieron sentir esos ejemplares de “Swamp Thing”. Han pasado décadas desde que Moore dejó el Universo DC, pero nos sigue asombrando con obras tan memorables como “Crossed Plus One Hundred” y “Providence”. Es por eso que Moore está en el primer puesto en la categoría de mejor escritor. Por supuesto, hay otros dos escritores que merecen un fuerte aplauso: Neil Gaiman por su fantástico “Sandman Overture” y Mark Waid por su destacado “Strange Fruit”.
El arte siempre ha sido parte de nuestra cultura, y aunque el arte secuencial es relativamente nuevo (los cómics existen más o menos desde hace un siglo) ahora es incluso más relevante que otras expresiones artísticas tradicionales. En el 2015 hubo mucho arte de primer nivel, por lo tanto fue particularmente difícil elegir sólo a 3 artistas en esta categoría: Gabriel Andrade me sorprendió con sus espectaculares ilustraciones en “Crossed Plus One Hundred”; J.G. Jones destaca como dibujante a lápiz, entintador y colorista, y su trabajo en "Strange Fruit" quizá sea lo mejor que he visto de él (y eso ya es decir bastante); Chris Burnham ha producido algunas de las imágenes más demenciales y violentas en “Nameless”, y todo ese esfuerzo merece un reconocimiento adecuado.
Una portada hace (o deshace) al libro. Es lo primero que se ve, y muy a menudo es lo único que se ve (sobre todo si estamos revisando las solicitaciones de cómics con casi 3 meses de antelación). Y con cientos de cómics publicados mensualmente, a veces sólo tenemos tiempo para mirar la portada. Así que ser un buen portadista es de suma importancia; en el 2015, los mejores fueron J.H. Williams III por su enfoque simbólico en “Sandman Overture”; Lee Bermejo, por sus diseños llamativos y su sobria paleta de colores en “Suciders”; y Dustin Nguyen por sus notables esfuerzos en “Descender”.
Cuando Karen Berger dejó Vertigo, muchos lectores se mostraron preocupados por el destino de tan respetado sello editorial. Afortunadamente, la editora Shelly Bond aceptó el reto de revitalizar Vertigo y yo diría que el resultado es bastante satisfactorio. Y vaya que es así gracias a títulos como “Sandman Overture”, “Astro City”, “Suciders” y muchos otros.
Los mejores cómics que he leído el 2015 fueron escritos por Alan Moore. Estoy hablando de Miracleman (que fue escrito en los 80s y reeditado recientemente por Marvel) y Crossed Plus One Hundred #5. Toda la serie fue espléndida, pero el quinto número es mi favorito. Podría leerlo una y otra vez, y seguiría sorprendiéndome.
Todavía recuerdo lo mucho que me encantó “Astro City”, cuando lo leí por primera vez hace años. Es difícil creer que ahora estamos celebrando el vigésimo aniversario de la aclamada serie de Kurt Busiek, quien continúa escribiendo una saga alucinante. Ese es el tipo de esfuerzo que debe ser recompensado. Así que “Astro City” es la mejor serie mensual del 2015.![]() |
| my drawing (pencils on paper) / mi dibujo (lápiz sobre papel) |
Tuve la oportunidad de leer muchas miniseries maravillosas en los últimos 12 meses, pero sólo hubo una que me impactó de una manera que no podría haber anticipado: al combinar los talentos de 2 destacados creadores (Mark Waid y J.G. Jones), “Strange Fruit” me dejó asombrado desde la primera página y es por eso que considero que es la mejor serie limitada del año.
Es mi política personal darle el beneficio de la duda al mayor número posible de nuevos títulos. Nunca se sabe lo que uno puede encontrar, y en ocasiones uno puede hacer algunos descubrimientos fenomenales. Este año hubo muchas emocionantes series nuevas: “Nameless”, “Suciders”, “Shaper”, “Descender”, “Jupiter’s Circle”, “All-Star Section 8”, “Airboy”, “Mercury Heat”, “We Stand on Guard”, “Phonogram: the Immaterial Girl”, “Tokyo Ghost” y “Midnighter”. Sin embargo, “Providence” merece todos los elogios posibles. La serie de Moore es de una naturaleza inquietante y compleja, es un verdadero homenaje a Lovecraft, el horror y la historia secreta de los Estados Unidos.
Este año, varios de mis cómics predilectos vinieron de la misma editorial: “Crossed Plus One Hundred”, “Providence”, “Mercury Heat”, etc. Desde hace tiempo, los más famosos escritores británicos (Alan Moore, Garth Ennis, Kieron Gillen, Warren Ellis, etc.) han producido obras verdaderamente memorables para Avatar Press, así que he decidido nombrarla como la mejor editorial del 2015.
En años anteriores he expresado mi aprecio hacia sitios como TheOuthousers.com y CBR, pero esta vez he decidido conceder el premio a mejor página web sobre cómics a Comics.org; la visito cada semana para encontrar información sobre cómics y autores. Probablemente la mayor base de datos de cómics del mundo, Comics.org es un excelente recurso para aficionados y profesionales del noveno arte.
Siempre hay malas y tristes noticias durante el año. En el 2015, varios creadores de cómics fallecieron, por lo tanto ahora es nuestro deber honrar su legado. En los 80s, Roger Slifer estaba a cargo de “Omega Men” y Primus, uno de sus personajes, se convirtió en mi favorito. He estado usando la imagen icónica de Primus de Omega Men # 1 como mi avatar desde el 2006 en un montón de páginas y foros de cómics e incluso aquí en mi propio blog. Espero reseñar “Omega Men” en el 2017, Slifer escribió algunas historias realmente grandiosas en dicha serie. Su fallecimiento me causó tristeza. Famoso por sus colaboraciones para “2000 AD”, Brett Ewins fue un artista muy talentoso con un estilo único, he sido fan de su trabajo desde que empecé a leer cómics, todos extrañarán su arte. John Cooper también fue muy popular gracias a sus contribuciones artísticas para “2000 AD”. Vi por primera vez las portadas de Glen Orbik a fines de los 90s y me volví un fan de inmediato; él era un ilustrador increíble. Herb Trimpe ganó popularidad como artista en Marvel durante los 70s, sobre todo en títulos como Hulk. Por último, Murphy Anderson fue uno de los nombres más importantes durante la Edad de Plata de los cómics en DC. Creo que la mejor manera de rendirles homenaje es releyendo sus obras.
A veces me sorprende la baja calidad de ciertos títulos, sobre todo los que provienen de Marvel y DC. No importa lo mucho que trato de evitar leer malos cómics, siempre termino con algunos en mis manos. El peor título del año fue Spider-Woman, que parecía no tener rumbo alguno, y sin nada interesante que añadir al universo de Spider-Man. El peor primer número fue Shadow Vol. 2 # 1, fue realmente decepcionante ver este enfoque poco imaginativo. Por último, el proyecto más decepcionante fue We Are Robin, tenía muy malos dibujos y aunque la premisa parecía interesante fue mal desarrollada.
Por Odín, he de cruzar multitud de ciudades para hallar esta audiencia. Y el alba se iluminaría prestamente si acaso dejase mi muesca en este diario en línea. Os propongo que encontréis opiniones, de guisa que complementéis las mías o las contradigáis. Os preguntaré, y sabré la verdad raudamente. Si vosotros, honorables lectores, seguís mi estandarte, seréis recompensados con creces. ¡Sea! Divaguemos y debatamos, baste en nuestros pensamientos íntimos que aquestas opiniones derramadas con lisura por nuestras bocas sean tan cándidas como siempre.
¡Os digo adiós y larga vida al noveno arte!
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Happy new year! In addition to December films we also have the Best of 2015 List. So let’s start with Mr. Holmes (2015), directed by Bill Condon, which is definitely one of the best reinterpretations of Sherlock Holmes I’ve ever seen. Sir Ian McKellen (Apt Pupil) gives an outstanding performance as the world’s greatest detective (Laura Linney and Milo Parker are also amazing in their roles). Retired and old, Holmes must solve one last case. The filmmaker finds the appropriate balance between the cold logic and the intellectual side of the protagonist with deep human emotions; subtle and yet powerful, Mr. Holmes is an examination of the things we fear the most: getting older, losing our faculties and ending up alone, but at the same time it’s also a story about the inner struggle of a lonely genius and the possibility of befriending others.
David Dobkin’s The Judge (2014) rests on the shoulders of two extraordinary actors: Robert Downey Jr. (Iron Man) and Robert Duvall (Falling Down). An unexpected case reunites an ambitious lawyer with his estranged family. The father, a respected judge, is a defender of traditional values. An unresolved intergenerational conflict is also the dramatic starting point in this captivating story. Dobkin’s cinematographic approach feels very honest, reminding us why it’s important to heal old wounds. Intense and insightful, this is a must see.
Kenneth Branagh’s new version of Cinderella (2015) has everything a bedtime story is supposed to have: magic, innocence and even a moral lesson. Branagh is faithful to the essence of the tale, but he also adds a little bit of flavor to it. The cast includes Lily James (Downton Abbey), Cate Blanchett (Blue Jasmine) and Richard Madden (Game of Thrones).
The talented Luc Besson creates a fascinating film about an American gangster living in a small French town as part of the FBI witness protection program. The Family (2013) is witty, violent and hilarious… a truly wonderful film. The barriers between what’s right and wrong, what’s legal and illegal, what’s socially accepted and what is rejected slowly fades away, as we get to meet the family members, and we immediately relate to them. The closer the director takes us into their lives, the more passionate we fell about them. The all-star cast includes Robert De Niro (Goodfellas), Michelle Pfeiffer (Chéri), Dianna Agron (Glee), John D'Leo and Tommy Lee Jones (No Country for Old Men).
Christopher Neil’s Goats (2012) is a deeply evocative and moving independent film. Graham Phillips is a teenager dealing with a very immature and eccentric mother (Vera Farmiga). Although at first his only fatherly figure is the underachiever and stoner David Duchovny (The X-Files), soon things start to change as the boy accepts the suggestion of his father and decides to study at Gates Academy. A bittersweet coming of age story, with a special sensibility and a lot of memorable scenes and crazy adventures. I really recommend it.Garth Jennings writes and directs Son of Rambow (2007), a magnificent take on childhood imagination, friendship and cultural differences. Bill Milner (X-Men: First Class) and Will Poulter (We’re the Millers) become best friends, and embark upon a peculiar project: doing a movie that is both a parody and homage to Rambo. Jennings manages to capture the innocence and recklessness of the kids, highlighting at the same time their characteristics: the protagonist’s insecurity (due to his religious upbringing), his friend’s bravery and vulnerability, and even the sexually ambiguous demeanor of a new French student. Heartbreaking and cheerful in equal measures, Son of Rambow is an exciting journey through the dreams and fantasies of British boys.
Based on Paul Auster’s short stories, Wayne Wang’s Smoke (1995) is a nostalgic and yet vivid collection of urban chronicles. New York is the scenario in which multiple characters learn how to cope with loss, how to find lost family members or how to face difficult challenges. The addiction to tobacco is the only element in common between all these curious and charming characters. I must say I really enjoyed Smoke, and the cast was splendid: Harvey Keitel (Pulp Fiction), William Hurt (The Yellow Handkerchief) and Stockard Channing.
Jonathan Lynn’s My Cousin Vinny (1992) is one of the funniest comedies from the 90s. College student Ralph Macchio and his friend are wrongfully accused of murder, and the only lawyer they can afford is the unexperienced Joe Pesci. Confusions, misinterpretations and silly mistakes are part of an arresting narrative in which a good sense of humor is always the key. I just couldn’t stop laughing in most of the scenes, it was that good. The cast also includes Marisa Tomei and Fred Gwynne (The Munsters).![]() |
| my drawing / mi dibujo |
Home Alone 2: Lost in New York (1992), directed by Chris Columbus, is an undisputed Christmas classic and one of the few all-ages movies I always enjoy (I never stop laughing whenever I see it again). Columbus brilliantly exemplifies how we can love and hate our relatives and how, despite all that, they’re the ones we need the most. Macaulay Culkin is a smart and charismatic child with enough resources to outsmart adults. In this Home Alone sequel, the boy’s antagonists are again Joe Pesci and Daniel Stern.
John Carpenter’s Christine (1983) is an adaptation of a Stephen King’s novel. Carpenter aptly portrays the anxieties and problems of adolescence while creating two complex characters: Keith Gordon, a sexually frustrated kid who is constantly bullied, and John Stockwell, his best friend and one of the most popular guys in high school. When Gordon buys an old car, he becomes obsessed with it, and he slowly turns into an arrogant and cruel individual; and the car turns out to be an evil, living entity (and quite jealous too).
Time’s but a veiled screen, whereon our silhouettes fatten then grow lean. Another year has come and gone in this on-line journal and that indubitably calls forth a proper measure of our cinematographic experiences. Now let us be about our grudging rounds. Speak well, oh reader, and listen even better, for we have enough wit yet left to surprise thee. It is proposed we should find positions for all motion pictures presented in the course of 2013, and with an agile mind and knowledge both of directors and actors, we trust thou shalt count our judgment amongst the very best. Thus must we testify... sufficient in our intimate thoughts that these estimations spilled delinquent out of our mouths are indeed of the noblest disposition.
Nominees:
The Martian (2015) Mad Max: Fury Road (2015) The Walk (2015) Spectre (2015)Beira-Mar (2015) Mr. Holmes (2015) The Man From U.N.C.L.E. (2015) Bridge of Spies (2015)Terminator Genisys (2015) Woman in Gold (2015)
Best of 2015:
1 - THE MARTIAN (2015) 2 - MAD MAX: FURY ROAD (2015)3 - MR. HOLMES (2015) 4 - BEIRA-MAR (2015)5 - THE WALK (2015)
TOP 100
1. THE HOURS (2002) Stephen Daldry2. THE FOUNTAIN (2006) Darren Aronofsky3. STARDUST MEMORIES (1980) Woody Allen4. LE CHARME DISCRETE DE LA BOURGESIE (1972) Luis Buñuel5. LA CENA (1998) Ettore Scola6. Morte a Venezia (1971) Luchino Visconti7. Fellini - Satyricon (1969) Federico Fellini8. Manhattan (1979) Woody Allen9. Billy Elliot (2000) Stephen Daldry10. Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975) Pier Paolo Pasolini11. Requiem for a Dream (2000) Darren Aronofsky12. Todo sobre mi madre (1999) Pedro Almodóvar13. A Clockwork Orange (1971) Stanley Kubrick14. Psycho (1960) Alfred Hitchcock15. The Sixth Sense (1999) M. Night Shyamalan16. My Own Private Idaho (1991) Gus Van Sant17. Ladri di biciclette (1948) Vittorio De Sica18. Lost in Translation (2003) Sofia Coppola19. Abre Los Ojos (1997) Alejandro Amenábar20. The Great Dictator (1940) Charles Chaplin21. The Squid and the Whale (2005) Noah Baumbach22. Un Lugar en el Mundo (1992) Adolfo Aristarain 23. Amarcord (1973) Federico Fellini24. Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino 25. Mysterious Skin (2004) Gregg Araki26. C.R.A.Z.Y. (2005) Jean-Marc Vallée27. Volver (2006) Pedro Almodóvar28. Match Point (2005) Woody Allen 29. Låt den rätte komma in (2008) Tomas Alfredson30. Igby Goes Down (2002) Burr Steers31. Little Miss Sunshine (2006) Jonathan Dayton & Valerie Faris32. Funny Games U.S. (2007) Michael Haneke 33. Unbreakable (2000) M. Night Shyamalan34. Hana-bi (1997) Takeshi Kitano35. La Pianiste (2001) Michael Haneke 36. The Remains of the Day (1993) James Ivory37. Elephant (2003) Gus Van Sant 38. Les amours imaginaires (2010) Xavier Dolan 39. Colegas (1982) Eloy de la Iglesia 40. Dogville (2003) Lars von Trier 41. The Purple Rose of Cairo (1985) Woody Allen42. Broken Flowers (2005) Jim Jarmusch43. The Ice Storm (1997) Ang Lee44. Memento (2000) Christopher Nolan 45. Twelve and Holding (2005) Michael Cuesta 46. Magnolia (1999) Paul Thomas Anderson47. Sala samobójców (2011) Jan Komasa 48. Running with Scissors (2006) Ryan Murphy 49. Wonder Boys (2000) Curtis Hanson50. The Silence of the Lambs (1991) Jonathan Demme51. Stay (2005) Marc Forster52. A Single Man (2009) Tom Ford53. J’ai tué ma mere (2008) Xavier Dolan54. Amores Perros (2000) Alejandro González Iñárritu55. Love Actually (2003) Richard Curtis56. Brick (2005) Rian Johnson57. The Grand Budapest Hotel (2014) Wes Anderson58. Dans Tom Sommeil (2010) Caroline du Potet, Éric du Potet59. Eres mi héroe (2003) Antonio Cuadri60. The Perks of Being a Wallflower (2012) Stephen Chbosky61. Burn after reading (2008) Ethan Coen & Joel Coen62. Paris je t’aime (2006) Gus van Sant, Alexander Payne et al. 63. La Stanza del Figlio (2001) Nanni Moretti64. Kill Bill vol. 1 (2003) Quentin Tarantino65. Kill Bill vol. 2 (2004) Quentin Tarantino66. Far From Heaven (2002) Todd Haynes67. Snowtown (2009) Justin Kursel 68. The Godfather (1972) Francis Ford Coppola69. Small time crooks (2000) Woody Allen70. Otto; or, Up with Dead People (2008) Bruce La Bruce71. Mystic River (2003) Clint Eastwood72. Total Eclipse (1995) Agnieszka Holland73. Dans la maison (2012) Francois Ozon74. Días de Santiago (2004) Josué Méndez75. Goodbye Lenin (2003) Wolfgang Becker76. Catch me if you can (2002) Steven Spielberg 77. Donnie Darko (2001) Richard Kelly78. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) Michel Gondry79. Terminator 2: Judgment Day (1991) James Cameron80. Alien (1979) Ridley Scott81. Apt Pupil (1998) Bryan Singer82. Children of Men (2006) Alfonso Cuarón83. Klass (2007) Ilmar Raag 84. Léon (1994) Luc Besson85. 28 Days Later (2002) Danny Boyle86. The Fifth Element (1997) Luc Besson87. The Martian (2015) Ridley Scott88. Night of the Living Dead (1968) George A. Romero89. The Talented Mr. Ripley (1999) Anthony Minghella90. Gravity (2013) Alfonso Cuarón91. Den osynlige (2002) Bergvall & Sandquist.92. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001) Peter Jackson93. The Lord of the Rings: The Two Towers (2002) Peter Jackson 94. Titanic (1997) James Cameron95. The Dreamers (2003) Bernardo Bertolucci96. The Dark Knight (2008) Christopher Nolan97. Mars Attacks (1996) Tim Burton98. The Last Action Hero (1993) John McTiernan99. The Mist (2007) Frank Darabont 100. The Rocky Horror Picture Show (1975) Jim Sharman
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¡Feliz año nuevo! Además de las películas de diciembre ahí va la lista de lo mejor del 2015. Así que empecemos con “Mr. Holmes” (2015), dirigida por Bill Condon, definitivamente una de las mejores reinterpretaciones de Sherlock Holmes que he visto. Sir Ian McKellen (Apt Pupil) destaca con su actuación como el mejor detective del mundo (Laura Linney y Milo Parker también están asombrosos en sus papeles). Jubilado y envejecido, Holmes debe resolver un último caso. El cineasta encuentra el equilibrio adecuado entre la fría lógica y el lado intelectual del protagonista con las emociones humanas más profundas; sutil y no obstante contundente, Mr. Holmes examina aquello que más tememos: envejecer, perder nuestras facultades y terminar solos, pero al mismo tiempo es también una historia sobre la lucha interna de un genio solitario y la posibilidad de amistad con los demás.
“The Judge” (2014), de David Dobkin, descansa sobre los hombros de dos extraordinarios actores: Robert Downey Jr. (Iron Man) y Robert Duvall (Falling Down). Un caso inesperado reúne a un abogado ambicioso con su familia. El padre, un juez respetado, es un defensor de los valores tradicionales. Un conflicto intergeneracional no resuelto es también un dramático punto de partida para esta cautivante historia. El enfoque cinematográfico de Dobkin es muy honesto, y nos recuerda por qué es importante sanar viejas heridas. Intensa y profunda, vale la pena verla.
La nueva versión de Kenneth Branagh de “Cinderella” (2015) tiene todo lo que se supone que debe tener un cuento para niños: magia, inocencia e incluso una moraleja. Branagh es fiel a la esencia de la historia, pero también le da algunos toques especiales. El elenco incluye a Lily James (“Downton Abbey”), Cate Blanchett (Blue Jasmine) y Richard Madden (“Game of Thrones”).
El talentoso Luc Besson crea una fascinante película sobre un gángster estadounidense que vive en un pueblito francés como parte del programa de protección de testigos del FBI. “The Family” (2013) es ingeniosa, violenta y divertida... una película verdaderamente maravillosa. Las barreras entre el bien y el mal, lo legal y lo ilegal, lo socialmente aceptado y lo rechazado lentamente se desvanecen, conforme conocemos a los miembros de la familia, de inmediato nos identificamos con ellos. Cuanto más nos acerca el director a sus vidas, más apasionante se vuelve todo. El reparto estelar incluye a Robert De Niro (Goodfellas), Michelle Pfeiffer (Chéri), Dianna Agron (Glee), John D'Leo y Tommy Lee Jones (No Country for Old Men).
“Goats” (2012), de Christopher Neil, es una película independiente profundamente evocadora y conmovedora. Graham Phillips es un adolescente que se enfrenta a una madre muy inmadura y excéntrica (Vera Farmiga). Aunque en un principio su única figura paterna es un fracasado David Duchovny (Los expedientes secretos X), pronto las cosas empiezan a cambiar a medida que el muchacho acepta la sugerencia de su padre y decide estudiar en la Academia Gates. Un agridulce relato sobre el paso de la adolescencia a la juventud, con una sensibilidad especial y un montón de escenas memorables y alocadas aventuras. La recomiendo.Garth Jennings escribe y dirige “Son of Rambow” (2007), una magnífica mirada a la imaginación infantil, la amistad y las diferencias culturales. Bill Milner (X-Men: First Class) y Will Poulter (We’re the Millers) se hacen muy buenos amigos, y se embarcan en un proyecto peculiar: hacer una película que es a la vez una parodia y un homenaje a Rambo. Jennings logra capturar la inocencia y la imprudencia de los niños, resaltando al mismo tiempo sus características: la inseguridad del protagonista (a raíz de su educación religiosa), la valentía y la vulnerabilidad de su amigo, e incluso el comportamiento sexualmente ambiguo del nuevo estudiante francés. Desgarradora y alegre en partes iguales, Son of Rambow es un emocionante viaje a través de los sueños y fantasías de los chicos británicos.
Basado en los cuentos de Paul Auster, “Smoke” (1995), de Wayne Wang, es una colección nostálgica y animada de crónicas urbanas. Nueva York es el escenario en el que varios personajes aprenden cómo hacer frente a la pérdida, cómo encontrar familiares perdidos o cómo enfrentar retos difíciles. La adicción al tabaco es el único elemento en común entre todos estos personajes curiosos y encantadores. Debo decir que me gustó mucho Smoke, y el elenco es espléndido: Harvey Keitel (Pulp Fiction), William Hurt (The Yellow Handkerchief) y Stockard Channing.
“My Cousin Vinny” (1992), de Jonathan Lynn, es una de las comedias más divertidas de los 90s. El estudiante universitario Ralph Macchio y su amigo son injustamente acusados de asesinato, y el único abogado que pueden conseguir es el inexperto Joe Pesci. Confusiones, malinterpretaciones y errores tontos son parte de una amena narrativa en la que el buen sentido del humor es siempre la clave. No podía dejar de reírme en la mayoría de las escenas, fue así de buena. El reparto también incluye a Marisa Tomei y Fred Gwynne (“The Munsters”).
“Home Alone 2: Lost in New York” (1992), de Chris Columbus, es un clásico de Navidad indiscutible y una de las pocas películas para todo público que siempre disfruto (nunca dejo de reírme cada vez que la veo de nuevo). Columbus ejemplifica de modo brillante cómo podemos amar y odiar a nuestros familiares y cómo, a pesar de todo eso, siempre los necesitamos. Macaulay Culkin es un niño inteligente y carismático con suficientes recursos para ser más astuto que los adultos. En esta secuela de “Home Alone”, los antagonistas son nuevamente Joe Pesci y Daniel Stern.
“Christine” (1983), de John Carpenter, es una adaptación de una novela de Stephen King. Carpenter retrata acertadamente las inquietudes y problemas de la adolescencia, a la vez que crea dos personajes complejos: Keith Gordon, un muchacho frustrado sexualmente y que es humillado constantemente, y John Stockwell, su mejor amigo y uno de los chicos más populares de la secundaria. Cuando Gordon compra un coche viejo, se obsesiona y se convierte poco a poco en una persona arrogante y cruel; y el coche resulta ser una entidad maligna (y bastante celosa también).
El tiempo no es sino un delgado velo, sobre él nuestras siluetas se abultan o aligeran. Otro año va y viene en este atormentado blog y ello indudablemente merece que sopesemos apropiadamente nuestras experiencias cinematográficas. Que sea así, por ende, y dejadnos girar el torno y la rueda. Hablad, oh lectores, y escuchad bien, puesto que aún nos resta suficiente ingenio para sorprenderos. Se ha propuesto que debíamos encontrar posiciones para todas las imágenes en movimiento presentadas en el transcurso del 2012, y con mente ágil y conocimientos tanto en materia de directores como de actores, confiamos en que vosotros incluiréis nuestro juicio entre los mejores. Aqueste es nuestro testimonio... suficiente en nuestro pensamiento íntimo que estas apreciaciones, desparramadas al alimón, sean de la más noble disposición.
Nominados:
The Martian (2015) Mad Max: Fury Road (2015) The Walk (2015) Spectre (2015)Beira-Mar (2015) Mr. Holmes (2015) The Man From U.N.C.L.E. (2015) Bridge of Spies (2015)Terminator Genisys (2015) Woman in Gold (2015)
Lo mejor del 2015:
1 - THE MARTIAN (2015) 2 - MAD MAX: FURY ROAD (2015)3 - MR. HOLMES (2015) 4 - BEIRA-MAR (2015)5 - THE WALK (2015)
TOP 100
1. THE HOURS (2002) Stephen Daldry2. THE FOUNTAIN (2006) Darren Aronofsky3. STARDUST MEMORIES (1980) Woody Allen4. LE CHARME DISCRETE DE LA BOURGESIE (1972) Luis Buñuel5. LA CENA (1998) Ettore Scola6. Morte a Venezia (1971) Luchino Visconti7. Fellini - Satyricon (1969) Federico Fellini8. Manhattan (1979) Woody Allen9. Billy Elliot (2000) Stephen Daldry10. Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975) Pier Paolo Pasolini11. Requiem for a Dream (2000) Darren Aronofsky12. Todo sobre mi madre (1999) Pedro Almodóvar13. A Clockwork Orange (1971) Stanley Kubrick14. Psycho (1960) Alfred Hitchcock15. The Sixth Sense (1999) M. Night Shyamalan16. My Own Private Idaho (1991) Gus Van Sant17. Ladri di biciclette (1948) Vittorio De Sica18. Lost in Translation (2003) Sofia Coppola19. Abre Los Ojos (1997) Alejandro Amenábar20. The Great Dictator (1940) Charles Chaplin21. The Squid and the Whale (2005) Noah Baumbach22. Un Lugar en el Mundo (1992) Adolfo Aristarain 23. Amarcord (1973) Federico Fellini24. Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino 25. Mysterious Skin (2004) Gregg Araki26. C.R.A.Z.Y. (2005) Jean-Marc Vallée27. Volver (2006) Pedro Almodóvar28. Match Point (2005) Woody Allen 29. Låt den rätte komma in (2008) Tomas Alfredson30. Igby Goes Down (2002) Burr Steers31. Little Miss Sunshine (2006) Jonathan Dayton & Valerie Faris32. Funny Games U.S. (2007) Michael Haneke 33. Unbreakable (2000) M. Night Shyamalan34. Hana-bi (1997) Takeshi Kitano35. La Pianiste (2001) Michael Haneke 36. The Remains of the Day (1993) James Ivory37. Elephant (2003) Gus Van Sant 38. Les amours imaginaires (2010) Xavier Dolan 39. Colegas (1982) Eloy de la Iglesia 40. Dogville (2003) Lars von Trier 41. The Purple Rose of Cairo (1985) Woody Allen42. Broken Flowers (2005) Jim Jarmusch43. The Ice Storm (1997) Ang Lee44. Memento (2000) Christopher Nolan 45. Twelve and Holding (2005) Michael Cuesta 46. Magnolia (1999) Paul Thomas Anderson47. Sala samobójców (2011) Jan Komasa 48. Running with Scissors (2006) Ryan Murphy 49. Wonder Boys (2000) Curtis Hanson50. The Silence of the Lambs (1991) Jonathan Demme51. Stay (2005) Marc Forster52. A Single Man (2009) Tom Ford53. J’ai tué ma mere (2008) Xavier Dolan54. Amores Perros (2000) Alejandro González Iñárritu55. Love Actually (2003) Richard Curtis56. Brick (2005) Rian Johnson57. The Grand Budapest Hotel (2014) Wes Anderson58. Dans Tom Sommeil (2010) Caroline du Potet, Éric du Potet59. Eres mi héroe (2003) Antonio Cuadri60. The Perks of Being a Wallflower (2012) Stephen Chbosky61. Burn after reading (2008) Ethan Coen & Joel Coen62. Paris je t’aime (2006) Gus van Sant, Alexander Payne et al. 63. La Stanza del Figlio (2001) Nanni Moretti64. Kill Bill vol. 1 (2003) Quentin Tarantino65. Kill Bill vol. 2 (2004) Quentin Tarantino66. Far From Heaven (2002) Todd Haynes67. Snowtown (2009) Justin Kursel 68. The Godfather (1972) Francis Ford Coppola69. Small time crooks (2000) Woody Allen70. Otto; or, Up with Dead People (2008) Bruce La Bruce71. Mystic River (2003) Clint Eastwood72. Total Eclipse (1995) Agnieszka Holland73. Dans la maison (2012) Francois Ozon74. Días de Santiago (2004) Josué Méndez75. Goodbye Lenin (2003) Wolfgang Becker76. Catch me if you can (2002) Steven Spielberg 77. Donnie Darko (2001) Richard Kelly78. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) Michel Gondry79. Terminator 2: Judgment Day (1991) James Cameron80. Alien (1979) Ridley Scott81. Apt Pupil (1998) Bryan Singer82. Children of Men (2006) Alfonso Cuarón83. Klass (2007) Ilmar Raag 84. Léon (1994) Luc Besson85. 28 Days Later (2002) Danny Boyle86. The Fifth Element (1997) Luc Besson87. The Martian (2015) Ridley Scott88. Night of the Living Dead (1968) George A. Romero89. The Talented Mr. Ripley (1999) Anthony Minghella90. Gravity (2013) Alfonso Cuarón91. Den osynlige (2002) Bergvall & Sandquist.92. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001) Peter Jackson93. The Lord of the Rings: The Two Towers (2002) Peter Jackson 94. Titanic (1997) James Cameron95. The Dreamers (2003) Bernardo Bertolucci96. The Dark Knight (2008) Christopher Nolan97. Mars Attacks (1996) Tim Burton98. The Last Action Hero (1993) John McTiernan99. The Mist (2007) Frank Darabont 100. The Rocky Horror Picture Show (1975) Jim Sharman
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For over 30 years, the Legion of Super-Heroes and Superboy were part of the same equation. However, in the 80s, Crisis on Infinite Earths caused severe problems to the Legion continuity. Back then John Byrne tried to fix this situation the best way he could in the pages of Action Comics and Superman, but the fact was that in Byrne’s version, Clark Kent never had any heroic adventures as a teenager, therefore no Superboy had ever existed. ![]() |
| Tony Harris |
So if Clark Kent never became Superboy, who was the inspiration for the young heroes of the 31st century? The new Superboy, of course! After the “Death of Superman” saga in the early 90s, a new character rose to prominence: Kon-El, AKA Superboy. Of course, sooner or later, he was bound to join the Legion and travel 1,000 years into the future. And that’s exactly what happens in chapter 2 of “Foundations” (published in The Legion # 26, in January 2004). When the legionnaires meet Superboy they feel disappointed at him. The legendary superhero of the past is just an irresponsible and reckless kid. But his arrival also awakens a new form of fanaticism in the United Planets, from religious cults that celebrate the Kryptonian legacy to dangerous sects that consider Superboy as a sign of the inevitable apocalypse. And speaking of Apokolips, something sinister seems to be going on in Darkseid’s world. A new threat emerges, one that not even the entire Legion could fight against.![]() |
| Tony Harris |
In the pages of The Legion Secret Files 3003 (January 2004), Dan Abnett and Andy Lanning use a simple but very effective narrative device. They tell the entire story from the point of view of Trudy Trusoe, a journalist who has the privilege of interviewing the legionnaires while making a documentary on everyday’s life on Legion World. In the process, we get to learn more about the Legion and its founding members: “three kids from different worlds, working together for the common good”, embodying “the basic doctrine of the United Planets”. The guest artists for this special one-shot are Leonard Kirk and Tony Harris. Some of Kirk’s pages are just wonderful, one of my favorites is the one that recaps the Legion’s history; Harris shares with us several spectacular double-page spreads, and I think the best one takes place in Brainiac 5’s laboratory, this is a majestic composition, full of grace and colorfulness.
I still have very fond memories of chapter 3 of “Foundations” (published in The Legion # 27, January 2004). The iconic cover of this issue, illustrated by Tony Harris, appeared briefly in an episode of the first season of The O.C. Allan Heinberg, executive producer of the series, was a big comics fan (and he would eventually create the Young Avengers for Marvel Comics), and he turned one of the show’s protagonists (Adam Brody) into a comic geek, which I absolutely loved. But there is something else about issue 27 that I find moving every time I re-read it. It might sound trivial, but the cold and rigid Brainiac 5 defies logic and embraces emotion, after rescuing his longtime companion Invisible Kid. When I first read this issue I immediately recognized what was going on. Brainiac 5 has always been portrayed as a lonely genius, and although some writers in the past have tried to make him fall in love with Supergirl, the truth is that he remained single. After finding out his friend is safe and sound, Brainy has a tremendously effusive reaction: a kiss in the cheek. ![]() |
| Superboy versus Negative Superboy |
Abnett and Lanning went to great lengths to turn the legionnaires into characters we could identify with. And in moments like the one I’ve just described, we can see how subtly they make suggestions about the sexuality of these young heroes. This amusing scene was illustrated by Chris Batista, and he certainly manages to convey Brainiac 5’s enthusiasm and awkwardness. This is the kind of page that I’m sure most readers wouldn’t pay attention to, but it’s there for a reason, and it works on so many levels. The Legion was always so much more than simple superhero antics; in the hands of this outstanding creative team, The Legion is an invitation to ponder on subjects like ideology, religious fanaticism and even sexual diversity.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Por más de 30 años, la Legión de Súper-Héroes y Superboy fueron parte de la misma ecuación. Sin embargo, en los 80s, las Crisis en Tierras Infinitas causaron graves problemas a la continuidad de la Legión. En ese entonces John Byrne trató de arreglar esta situación de la mejor manera posible en las páginas de “Action Comics” y “Superman”, pero lo cierto es que en la versión de Byrne, Clark Kent nunca tuvo aventuras heroicas en su adolescencia, por lo tanto Superboy jamás había existido.![]() |
| The origin of the Legion / el origen de la Legión |
Así que si Clark Kent nunca llegó a ser Superboy, ¿quién inspiró a los jóvenes héroes del siglo XXXI? ¡El nuevo Superboy, por supuesto! Después de la saga de “La muerte de Superman” en los 90s, un nuevo personaje saltó a la fama: Kon-El, más conocido como Superboy. Por supuesto, tarde o temprano, terminaría uniéndose a la Legión y viajando 1000 años en el futuro. Y eso es exactamente lo que sucede en el capítulo 2 de “Fundaciones” (publicado en The Legion # 26, enero de 2004). Los legionarios conocen a Superboy y se sienten decepcionados. El legendario superhéroe del pasado es tan sólo un chiquillo irresponsable y descuidado. Pero su llegada también despierta una nueva forma de fanatismo en los Planetas Unidos, desde cultos religiosos que celebran el legado de Krypton hasta peligrosas sectas que consideran a Superboy como una señal del inevitable apocalipsis. Y hablando de Apokolips, algo siniestro parece estar sucediendo en el mundo de Darkseid. Una nueva amenaza surge, y ni siquiera toda la Legión podrá hacerle frente.![]() |
| Brainiac 5's lab / laboratorio de Brainiac 5 |
En las páginas de The Legion Secret Files 3003 (enero de 2004), Dan Abnett y Andy Lanning utilizan un recurso narrativo sencillo pero muy eficaz. Ellos narran toda la historia desde el punto de vista de Trudy Trusoe, una periodista que tiene el privilegio de entrevistar a los legionarios mientras hace un documental sobre la vida cotidiana en el Mundo Legión. En el proceso, aprendemos más sobre la Legión y sus miembros fundadores: “tres chicos de mundos diferentes, trabajando juntos por el bien común”, quienes encarnan “la doctrina básica de los Planetas Unidos”. Los artistas invitados para este número especial son Leonard Kirk y Tony Harris. Algunas de las páginas de Kirk son simplemente maravillosas, una de mis favoritas es la que resume la historia de la Legión; Harris comparte con nosotros varias páginas dobles espectaculares, creo que la mejor es la que retrata el laboratorio de Brainiac 5, se trata de una composición majestuosa, llena de gracia y colorido.![]() |
| Superboy reverts to his classic look / Superboy revierte a su traje clásico |
Hasta ahora tengo muy buenos recuerdos del capítulo 3 de “Fundaciones” (publicado en The Legion # 27, enero de 2004). La icónica portada, ilustrada por Tony Harris, apareció brevemente en un episodio de la primera temporada de “The O.C.”, Allan Heinberg, productor ejecutivo de la serie, era un gran fan de los cómics (y posteriormente crearía a los Young Avengers para Marvel Comics), y por eso uno de los protagonistas de la serie (Adam Brody) es un voraz lector de cómics. Pero hay algo más sobre este ejemplar que me conmueve cada vez que lo releo. Puede sonar trivial, pero el frío y rígido Brainiac 5 desafía la lógica y deja aflorar sus emociones después de rescatar a su compañero de toda la vida, Invisible Kid. Cuando leí por primera vez esta historia inmediatamente reconocí lo que estaba sucediendo. Brainiac 5 siempre había sido retratado como un genio solitario, y aunque algunos escritores en el pasado habían tratado de emparejarlo con Supergirl, lo cierto es que él seguía siendo soltero. Después de descubrir que su amigo está sano y salvo, Brainy tiene una reacción tremendamente efusiva: le da un beso en la mejilla.![]() |
| Brainiac 5 kisses Invisible Kid / Brainiac 5 besa a Invisible Kid |
Abnett y Lanning hicieron grandes esfuerzos para convertir a los legionarios en personajes con los que nos podíamos identificar. Y en momentos como el que acabo de describir, podemos ver cómo se explora sutilmente la sexualidad de estos jóvenes héroes. Esta entretenida escena fue ilustrada por Chris Batista, y ciertamente logra transmitir el entusiasmo y la torpeza de Brainiac 5. Este es el tipo de página que seguramente muchos lectores pasarán por alto, pero está ahí por una razón, y funciona en muchos niveles. La Legión fue siempre mucho más que simples travesuras superheroicas; en las manos de este excepcional equipo creativo, la Legión es una invitación para reflexionar sobre temas como la ideología, el fanatismo religioso e incluso la diversidad sexual.
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January 11, 2016, 7:31 am
The first time in my life that I saw the work of the great Italian artist Paolo Eleuteri Serpieri, was in the pages of the sci-fi anthology Zona 84. However, I had to wait many years to read Druuna’s first saga (originally published in 1985 by Alessandro, an Italian publisher). There must be some sort of magic in the Mediterranean Sea, because the most prestigious masters in erotic art come from Italy: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc.
With exquisite lines, elegant inks and gorgeous watercolor, Serpieri turned “Druuna” into an impressive work of art. The Italian artist gracefully balances the profusion of details, a deep understanding of human anatomy and a great knowledge of composition. However, it is worth noting that Serpieri's style would continue to evolve thus becoming even more refined. "Morbus Gravis" is a first step in Serpieri's artistic development; in the sequel, "Delta", we’ll see how much his art improves.
"Morbus Gravis" means, literally, grave morbidity. Morbid derives from 'mori' (to die) in Latin and that is why, etymologically, this word is mostly associated with disease; however, in time it would take on a new meaning: vice, moral degeneration, mental illness. It isn't surprising, then, that the key for Serpieri's proposal lies within these words: Druuna is a beautiful and healthy woman living in a sick and depraved world.
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| Druuna |
Druuna's world is as scary as a nightmare; in fact, all this horror allows the author to explore amazing oneiric scenarios and insanely baroque situations. Serpieri explained that “there is a contrast between Druuna, the female character, who is rather sexy, pretty, lush, opulent, and the destruction that surrounds her, for instance, that terrible disease that destroys all humans. Druuna, however, cannot be contaminated because she is innocent”.![]() |
| Mutants and mosters / monstruos y mutantes |
Nevertheless, Serpieri understands the term 'innocent' according to its classical meaning. Innocent comes from 'in-nocens', the negation of 'nocens' (harmful, in Latin). Therefore, the real meaning of innocent is a man or woman who does not harm others, who is harmless. Innocent has never been a synonym for virgin, even though many people insist on bequeathing the word with such meaning. Druuna, of course, is innocent in the true sense of the term; although she is tender and sweet, she is also totally perverse, as Lacan would define perversion: she is the instrument of the will-to-enjoy of the other.![]() |
| the consequences of seduction / las consecuencias de la seducción |
This is an important aspect, and if we miss it, we will not fully understand Serpieri's proposal. An uninformed reader might say that Druuna is simply a passive woman, a victim of sexual abuse, both in the hands of humans as well as monstrous creatures. But such a statement would be wrong. Druuna is perverse to the extent that she is the instrument of the will-to-enjoy of the other, and that means that she becomes irreplaceable for all the men who have sex with her. Through the unrestricted use of her sexuality and physical appeal, she manages to survive in a corrupted and decadent world. Druuna is trapped “in an absurd, terrible, insane context”, and yet she manages to prevail thanks to the power of eroticism. Let's remember that erotic derives from the Greek ‘érōs’; id est, physical love, sexual desire, what Freud would denominate libido or life instinct. Therefore, in this scenario scarred by death and putrefaction, sex is essential.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
La primera vez en mi vida que entré en contacto con la obra del genial artista italiano Paolo Eleuteri Serpieri, fue gracias a la revista “Zona 84”. Sin embargo, hasta el día de hoy no había tenido oportunidad de leer la primera saga de Druuna, publicada originalmente en 1985 por la editorial Alessandro. Alguna magia debe haber en el mar Mediterráneo, porque lo cierto es que los más prestigiosos creadores de arte erótico provienen de Italia: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc. ![]() |
| A most peculiar survival strategy / una peculiar estrategia de supervivencia |
Con un trazo exquisito y un dominio magistral de la tinta china y la acuarela, Serpieri convierte a Druuna en una tremenda obra de arte. El artista italiano equilibra con elegancia la profusión de detalles, una concepción deliciosa de la anatomía humana y un gran conocimiento de la composición. Sin embargo, vale la pena señalar que el estilo de Serpieri seguiría evolucionando y perfeccionándose cada vez más. “Morbus Gravis” marcaría una primera etapa en el ejercicio artístico de Serpieri, que se vería complementado con el virtuosismo gráfico de la secuela “Delta”.![]() |
| Druuna is under Schastar's protection of / Druuna está bajo la protección de Schastar |
“Morbus Gravis” significa, literalmente, morbo grave. Morbo, a su vez, deriva de ‘mori’ (morir) en latín y es por eso que, etimológicamente, esta palabra está sobre todo asociada a la enfermedad; no obstante, con el tiempo adquirió un nuevo significado: vicio, degeneración moral, padecimiento mental. No nos debe extrañar, entonces, que en este juego de palabras se encuentre la clave de la propuesta de Serpieri: Druuna es una mujer hermosa y sana que vive en un mundo enfermizo y depravado.![]() |
| Even Schastar was once human / incluso Schastar alguna vez fue humano |
El mundo de Druuna es más aterrador que cualquier pesadilla, y de hecho el horror y la monstruosidad que acosan a la protagonista permiten que el autor explore con maestría escenarios oníricos de un barroquismo alucinante. En palabras del propio Serpieri: “Existe un contraste entre Druuna, que es el personaje femenino, bastante guapa, sexy, exuberante, opulenta, y el ambiente de destrucción que la rodea, por ejemplo, esa enfermedad terrible que destruye a todos los humanos. Druuna, en cambio, no puede contaminarse por el hecho de ser inocente”.![]() |
| Dangerous beasts / bestias peligrosas |
No obstante, vale la pena aclarar que Serpieri entiende el término ‘inocente’ de acuerdo a su acepción clásica. Inocente deriva de ‘in-nocens’, es la negación de ‘nocens’ (nocivo, en latín). Por lo tanto, el significado real de inocente es aquel sujeto que no hace daño a otros, alguien inofensivo. Inocente nunca ha sido sinónimo de virgen, por más que mucha gente se empeñe en darle ese significado. Druuna, por supuesto, es inocente en el sentido auténtico del término; aunque ella es tierna y dulce, también es totalmente perversa, tal como Lacan definiría la perversión: ella es instrumento de la voluntad de goce del otro.
Este es un punto importante, y si lo pasamos por alto, no entenderemos cabalmente la propuesta de Serpieri. Un lector poco informado podría afirmar que Druuna es una mujer pasiva, víctima de innumerables abusos sexuales, tanto a mano de seres humanos como de criaturas monstruosas. Pero tal afirmación sería errónea. Druuna es perversa en la medida que es instrumento de la voluntad de goce del otro, y esto significa que se vuelve imprescindible para todos los hombres que tienen sexo con ella. Mediante el uso irrestricto de su sexualidad y su apabullante atractivo físico, ella logra sobrevivir en un mundo corrompido y en decadencia. Druuna está atrapada “en un contexto absurdo, terrible, demencial”, y sin embargo logra imponerse gracias al poder del erotismo. Recordemos que erotismo deriva del griego ‘érōs’; es decir, el amor físico, el deseo sexual, lo que Freud denominaba libido o pulsión de vida. Por lo tanto, en un escenario signado por la muerte y la putrefacción, el sexo se vuelve imprescindible.
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January 14, 2016, 9:02 pm
There were quite a few surprises in the last month of 2015, such as the inaugural arc of the second volume of Jupiter’s Circle, and also the final issue of Brian K. Vaughan’s miniseries We Stand On Guard. The second issue of Huck was good enough. And I absolutely enjoyed the 100-page super spectacular reprint of classic Teen Titans stories (so much quirkiness and old-fashioned humor in the same place… totally worth it). So now, without further ado, here are December comics as per solicitations:
ALL NEW ALL DIFFERENT AVENGERS #2(W) Mark Waid (A) Adam Kubert, Mahmud A. Asrar (CA) Alex Ross. The Avengers are dead--long live the Avengers! Earth's Mightiest Heroes--Captain America, Thor, Vision, and Iron Man--are living separate lives, not tied to any team--but when a threat from beyond the stars targets our world, fate draws them together once more, alongside Nova, Ms. Marvel, and Miles Morales a.k.a. Spider-Man! RATED T+
DC PRESENTS TITANS HUNT 1OO PAGE(W) Bob Haney (A) Bruno Premiani, Nick Cardy. The TITANS HUNT is on-and now, DC Comics collects some of the original stories that brought together your favorite teen heroes! Don't miss some of the earliest tales of the Teen Titans in these stories from BRAVE AND THE BOLD #54 and 60, and TEEN TITANS #1 and 4, starring Robin, Aqualad, Kid Flash, Wonder Girl and Speedy!
HUCK #2 (W) Mark Millar (A/CA) Rafael Albuquerque. Now under media scrutiny, Huck sets out to help the flood of strangers coming to him in need.
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| my drawing / mi dibujo |
JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #1 (MR)(W) Mark Millar (A) Wilfredo Torres (CA) Frank Quitely. Legendary MARK MILLAR reunites with the superlative WILFREDO TORRES in this epic prequel to the smash-hit JUPITER'S LEGACY series! In midcentury America, the world's greatest superheroes triumph in their public battles, while struggling with private ones. Mad Men-style period drama meets Justice League-inspired team action in a brand new volume. Introducing new regular cover artist BILL SIENKIEWICZ. Also features character design cover by FRANK QUITELY.
WE STAND ON GUARD #6 (MR) (W) Brian K. Vaughan (A/CA) Steve Skroce. MINISERIES CONCLUSION The smash-hit miniseries reaches its epic FINAL ISSUE with explosive battles and shocking revelations... but how will things end for the Great White North?________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
En el último mes del 2015 hubo varias sorpresas, como el arco inaugural del segundo volumen de “Jupiter’s Circle”, y también el último número de la miniserie de Brian K. Vaughan “We Stand On Guard”. El segundo ejemplar de “Huck” fue lo suficientemente bueno. Y disfruté tremendamente como la espectacular reimpresión de 100 páginas de historias clásicas de “Teen Titans” (aunque estrambóticas y añejas, ¡valen la pena!). Así que sin mayores preámbulos, aquí están los cómics de diciembre:
ALL NEW ALL DIFFERENT AVENGERS #2Veteranos y novatos se reúnen por primera vez.
DC PRESENTS TITANS HUNT 1OO PAGERecopilación de las historias originales que reunieron a vuestros héroes adolescentes favoritos. No os perdáis algunos de los primeros relatos de los Teen Titans en estas historias de BRAVE AND THE BOLD # 54 y 60, y TEEN TITANS # 1 y 4, protagonizadas por Robin, Aqualad, Kid Flash, Wonder Girl y Speedy.
HUCK #2Bajo el escrutinio de los medios, HUCK ayudará a los forasteros.
JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #1A mediados de siglo, los más grandes superhéroes del mundo triunfan en sus batallas públicas, mientras luchan con sus conflictos privados.
WE STAND ON GUARD #6 (MR)¿Cuál será el final para el Gran Norte Blanco?
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January 18, 2016, 7:40 am
I seem to have a nose for polemical titles. I have pre-ordered many books that proved to be the source of heated debates and, in my opinion, wherever I find controversy, I also find something else: the unaltered and uncensored voice of a creator. Whether you love it or hate it, if a comic book is controversial it means it has had a profound effect on the readers. You don’t participate passionately in a discussion unless you’re talking about something you really care about (doesn’t matter if you’re criticizing it or praising it).![]()
So I’m glad to have been able to fine-tune my instincts towards series that are not received with indifference. And certainly, Airboy is the kind of miniseries that took everyone by surprise. Airboy is “a depraved misappropriation of a delightful Golden Age character” (Gerry Duggan) with “riotous humor” (Joe Keatinge); it’s also “As insanely imaginative as it is cringe-inducingly honest” (Brian K. Vaughan), “inventive, confessional, fun and full of character” (Rick Remender) and “Profane, disgusting and utterly brilliant. The ultimate NSFW comic book” (Jeff Lemire).![]()
If you have a controversial miniseries and at the same time you have earned the compliments of such renowned authors, then you’re probably doing something right. Airboy is the best comic Robinson has written in years, and I think his narrative strength comes from two solid foundations: in the first place, Robinson’s knowledge and understanding of the Golden Age of comics (it’s no coincidence that his most famous works are “The Golden Age”, an Elseworlds project for DC and “Starman” a revitalized version of a classic hero); and in addition to that, the autobiographical and satirical components that define this particular tale of debauchery, redemption and introspection. ![]() |
| A lot of alcohol and drugs / un montón de alcohol y drogas |
The protagonists are James Robinson (the writer), Greg Hinkle (the artist) and Airboy (the old-school superhero). James Robinson is confronting his insecurities as a writer and his marital problems, and although this is a fictional setting, his words still ring true. His complaints about the current state of the industry are very similar to the opinions expressed by many writers that have abandoned DC and/or Marvel Comics in recent years. “I hate being at DC right now […] My career at DC is going nowhere. I’m in my decline. I know it. People reading my books can tell, from the quality of my work slipping, I’m sure. So, I drink and do drugs and pretend it’s glamorous”. As Robinson has explained in an open letter “I intentionally portray myself in the worst light possible and as the worst kind of person”, so obviously in real life the British writer isn’t snorting cocaine or having sex with transvestites 24/7, but despite the hyperbolic façade, Airboy’s content is still shockingly authentic “this series is a semi-autobiographical piece of meta-fiction that shows me at a self-destructive and unhappy time in my life before I sobered up”, admits the author.![]() |
| The naked truth / la verdad desnuda |
Airboy, however, isn’t simply a fascinating introspective exercise. As I have mentioned, it also gravitates around the notion of a man redeeming himself. For Robinson, everything begins when he meets artist Greg Hinkle. They have received a very generous offer to reboot / revamp Airboy, a superhero created in the 40s that stopped being relevant in the 50s… a character no one has heard about in more than half a century. And before they can even wrap their heads around the idea, suddenly Airboy is there. A noble adventurer of the Golden Age, a savior, a clean-cut do-gooder who, at first, thinks Robinson and Hinkle are either supervillains or evil stooges. The classic hero is completely befuddled, unable to recognize or understand the world as it is now. And slowly but surely, the writer and artist start corrupting the innocence of yesteryear’s champion. After making Airboy try drugs, they persuade him to have sex with a transvestite. Naïve as ever, the young man enjoys getting a blowjob from an expert mouth, but is completely disgusted when he finds out the “lady” he’s about to fuck actually has a penis.
Sick and tired of our reality, Airboy decides to use his powers to take Robinson and Hinkle to 1945, to a world of honor and valor, to the final battle against Hitler’s army. Evidently Robinson and Hinkle cause more than a few problems (of a sordid nature, I might add). But even in the middle of a warzone, they come up with ideas not only to survive but also to change the course of their professional lives.
I wasn’t familiar with Greg Hinkle as an artist, but I must say I absolutely loved his style. It really fits the tone of the story, and his use of colors is just spot on. His drawings are very expressive and full of life. And his covers are absolutely amazing. I hope to see Robinson and Hinkle working together again, they sure are an extraordinary creative team. After all, Airboy was one of the finest miniseries of 2015.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Parece que tengo buen olfato para los títulos polémicos. A menudo me he anticipado y comprado cómics que resultaron ser el origen de acalorados debates y, en mi opinión, allí donde hay controversia, también hay algo más: la voz sin alteraciones y sin censuras de un creador. Ya sea que te encante o que lo detestes, si un cómic es controversial eso significa que ha causado un profundo impacto en los lectores. La gente no participaría apasionadamente en una discusión a menos que esté hablando de algo que realmente le importa (al margen de estar haciendo críticas o alabanzas).![]() |
| Airboy |
Así que me alegra haber sido capaz de afinar mi radar y descubrir así series que han causado revuelo. Y ciertamente, “Airboy” es el tipo de miniserie que nos agarró a todos por sorpresa. Airboy es “una apropiación indebida y depravada de un encantador personaje de la Edad de Oro” (Gerry Duggan) con “humor desenfrenado” (Joe Keatinge); también es “demencialmente imaginativa y tan honesta que nos sacude” (Brian K. Vaughan), “inventiva, confesional, divertida y con mucho carácter” (Rick Remender) y “profana, repugnante y absolutamente brillante. El cómic para adultos definitivo” (Jeff Lemire).
Si se trata de una miniserie controversial y, al mismo tiempo, se ha ganado los elogios de autores tan renombrados, entonces muy probablemente vamos por buen camino. Airboy es el mejor cómic que Robinson ha escrito en años, y creo que su fuerza narrativa proviene de dos bases sólidas: en primer lugar, Robinson comprende y conoce muy bien la Edad de Oro de los cómics (no es ninguna coincidencia que sus obras más famosas sean “The Golden Age”, un proyecto Elseworlds para DC y “Starman” una versión revitalizada de un héroe clásico); en segundo lugar, los componentes autobiográficos y satíricos que definen este particular relato de libertinaje, redención e introspección.
Los protagonistas son James Robinson (el escritor), Greg Hinkle (el artista) y Airboy (el superhéroe tradicional). James Robinson se enfrenta a sus inseguridades como escritor y a sus problemas maritales, y aunque se trata de un escenario ficticio, sus palabras transmiten verdad. Sus quejas sobre el estado actual de la industria son muy similares a las opiniones expresadas por muchos escritores que han abandonado DC y/o Marvel Comics en los últimos años. “Odio estar en DC actualmente [...] Mi carrera en DC no va a ningún lado. Estoy en declive. Lo sé. Estoy seguro que la gente que lee mis cómics se da cuenta que la calidad de mi trabajo va cuesta abajo. Por eso me emborracho y me drogo y finjo que eso es glamoroso”. Como Robinson ha explicado en una carta abierta “intencionalmente me retrato a mí mismo de la peor manera posible y como el peor tipo de persona”, así que, obviamente, en la vida real el escritor británico no está inhalando cocaína o follando con travestis las 24 horas del día, pero a pesar de esta fachada hiperbólica, el contenido de Airboy sigue siendo sorprendentemente auténtico “esta serie es una pieza semi-autobiográfica de meta-ficción que me muestra en una etapa autodestructiva e infeliz de mi vida, antes de lograr estar sobrio”, admite el autor.![]() |
| Even a superhero has needs... / incluso un superhéroe tiene necesidades... |
“Airboy”, sin embargo, es más que un fascinante ejercicio de introspección. Como ya he mencionado, también gravita en torno a la noción de redención. Para Robinson, todo comienza cuando conoce al artista Greg Hinkle. Ellos reciben una oferta muy generosa para relanzar/renovar a Airboy, un superhéroe creado en los 40s que dejó de ser relevante en los 50s... un personaje del que nadie ha oído hablar en más de medio siglo. Y antes de que puedan planear cómo sería ese cómic, repentinamente Airboy está allí. Un noble aventurero de la Edad de Oro, un salvador, un bienhechor de fuerte fibra moral quien, al principio, piensa que Robinson y Hinkle son supervillanos o secuaces del mal. El héroe clásico está completamente aturdido, incapaz de reconocer o entender el mundo tal como es ahora. Y poco a poco, el escritor y el artista comienzan a corromper la inocencia de este campeón de antaño. Después de hacer que Airboy pruebe drogas, lo convencen para que tenga sexo con un travesti. Ingenuo como siempre, el joven disfruta la mamada de una boca experta, pero se siente completamente asqueado cuando descubre que la “señorita” que está a punto de follar en realidad tiene un pene.
Hastiado de nuestra realidad, Airboy decide utilizar sus poderes para llevar a Robinson y Hinkle a 1945, a un mundo de honor y valor, a la batalla final contra el ejército de Hitler. Evidentemente, Robinson y Hinkle causan más de un problema (de naturaleza sórdida, debo añadir). Pero incluso en medio de una zona de guerra, encuentran la inspiración no sólo para sobrevivir sino también para cambiar el curso de sus vidas profesionales.
No estaba familiarizado con Greg Hinkle como artista, pero tengo que decir que me encantó su estilo. Realmente se acopla al tono de la historia, y su uso de colores es simplemente estupendo. Sus dibujos son muy expresivos y llenos de vida. Y sus portadas son absolutamente asombrosas. Espero ver a Robinson y Hinkle trabajando juntos nuevamente, son un equipo creativo extraordinario. Después de todo, Airboy fue una de las mejores miniseries del 2015.
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January 21, 2016, 9:11 pm
As much as I enjoy scary movies (or comics), it’s always refreshing to come across a good parody such as Doc Macabre. Bernie Wrightson is regarded as the undisputed master of horror comics, and in 2010 he decided to collaborate with Steve Niles (famous for titles such as “30 Days of Night”, a magnificent reinterpretation of the vampiric subgenre). Niles and Wrightson turned their back on suspense and gore, and embraced a comedic approach for Doc Macabre (a 3-issue miniseries published by IDW, from December 2010 to February 2011).![]()
With a good sense of humor and very amusing concepts, Niles and Wrightson revisited some of the classic elements of conventional horror stories, tweaking them when necessary. For starters, Doc Macabre, the protagonist, isn’t the typical hero you’d see in a supernatural saga. Doc Macabre is a 15-year-old kid, braver than anyone else, and he’s a boy genius too. He’s smart and a bit naive at times, he makes mistakes, but he’s never afraid to get back on track and come up with a solution to the problem at hand.
Doc Macabre shares a few similitudes with franchises like “Ghost Busters”, except that instead of a group of middle-aged man, disenchanted with the world, we have an enthusiastic teenager, full of ideas and inventions to capture ghosts, neutralize vampires and kick zombies ass. But at the same time he’s a pragmatic youngster, so obviously he charges for his services.
Lighthearted adventures, likeable characters and funny moments are the essence of Doc Macabre. In addition to the protagonist, we also get to meet Lloyd, a robot designed and built by the kid, a robot with a sparkling personality and completely faithful to its young master. Then we also have Detective Cooper (a private investigator who has recently returned from the grave) and the Ghoul, a creature similar to Frankenstein (let’s remember that Wrightson is a huge fan of Mary W. Shelley’s novel, adapting it as an amazing ongoing series titled Frankenstein Alive, Alive). ![]()
Steve Niles’ script is solid and, like I said before, I actually laughed out loud a couple of times while reading Doc Macabre. However, the main reason I bought this miniseries was because of legendary artist Bernie Wrightson. With highly revered runs in Creepy or Swamp Thing, to name just a few, Wrightson has been one of the most important artists in the American industry for decades. So I knew I couldn’t resist the urge of checking out his current output. And I have to say I’m glad I did.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Aunque me encantan las películas (o los cómics) de terror, siempre es refrescante encontrar una buena parodia como “Doc Macabre”. Ciertamente, Bernie Wrightson es considerado como el maestro indiscutible del cómic de terror, pero en el 2010 decidió colaborar con Steve Niles (famoso por títulos como "30 Days of Night", una magnífica reinterpretación del subgénero vampírico). Niles y Wrightson le dieron la espalda al suspenso y al gore, y asumieron un enfoque cómico en “Doc Macabre” (una miniserie de 3 ejemplares editada por IDW, desde diciembre del 2010 a febrero del 2011).![]() |
| Science versus zombies / ciencia versus zombis |
Con un buen sentido del humor y conceptos muy divertidos, Niles y Wrightson pasaron lista a algunos de los elementos clásicos de las historias de terror convencionales, haciendo los ajustes necesarios. Para empezar, Doc Macabre, el protagonista, no es el típico héroe que veríamos en una saga sobrenatural. Doc Macabre es un chaval de 15 años, más valiente que ningún otro, y también es un chico genio. Es inteligente y, a veces, un poco ingenuo, comete errores, pero nunca tiene miedo de volver al ruedo para solucionar el problema en cuestión.![]() |
| Doc Macabre & Lloyd |
“Doc Macabre” comparte algunas similitudes con franquicias como “Ghost Busters”, excepto que en lugar de un grupo de hombres de mediana edad, desencantados con el mundo, tenemos a un adolescente entusiasta, lleno de ideas e inventos para capturar fantasmas, neutralizar a los vampiros y darles una paliza a los zombis. Pero al mismo tiempo, él es un joven pragmático, por lo tanto, obviamente, cobra por sus servicios.
Aventuras desenfadadas, simpáticos personajes y momentos divertidos son la esencia de Doc Macabre. Además del protagonista, también conoceremos a Lloyd, un robot diseñado y construido por el muchacho, un robot con una chispeante personalidad y completamente fiel a su joven amo. Además, tenemos al detective Cooper (un investigador privado que ha regresado recientemente del más allá) y al Ghoul, una criatura similar a Frankenstein (recordemos que Wrightson es un gran fan de la novela de Mary W. Shelley, y ha hecho una asombrosa adaptación titulada Frankenstein Alive Alive).![]() |
| Ghoul & Detective Cooper |
El guión de Steve Niles es sólido y, como he mencionado antes, de hecho me reí en voz alta un par de veces durante la lectura de “Doc Macabre”. Sin embargo, la razón principal por la que compré esta miniserie fue por el legendario artista Bernie Wrightson. Con aclamadas etapas en “Creepy” y “Swamp Thing”, por nombrar sólo unas pocas, Wrightson ha sido uno de los artistas más importantes de la industria estadounidense durante décadas. Así que sabía que no podía resistir la tentación de echarle un vistazo a esta miniserie. Y tengo que decir que me alegra haberlo hecho.
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January 24, 2016, 10:36 pm
Decades ago, Grant Morrison’s Animal Man revolutionized the American comic book industry; a remarkable accomplishment in its own right and even more so if we keep in mind that this was a relatively unknown character. 16 years ago, Morrison decided to reinvent an even more obscure character: Marvel Boy. This superhero, simply described as “the boy from another planet”, in the first issue of Marvel Boy (December 1950) would be lost in oblivion for almost half a century. ![]()
Certainly, over the years there were a few sporadic reinterpretations of Marvel Boy, although easily forgotten. The Scottish writer, however, took the notion of “the boy from another planet” and turned it into a fascinating sci-fi odyssey, rich in irony, political criticism and rebelliousness. Morrison’s scripts are fantastically illustrated by J.G. Jones, a very talented artist capable of doing impressive covers as well as stunning interior art. Jones pages are examples of graceful composition and fluid movement, successfully combining a clear storytelling with thoroughly rendered images. Few pencilers and inkers could have rivaled with Jones back in 2000, but what’s even more amazing is that he would continue to improve, perfecting his artistic style. ![]()
In the opening pages of “Hello Cruel World” (originally published in Marvel Boy # 1, August 2000), an alien spaceship from the Kree Empire is destroyed by the megalomaniac Midas; the young and reckless Noh-Varr (AKA Marvel Boy) becomes the sole survivor… however, he is apprehended by Midas, an ambitious and callous man who covets the power and knowledge that lies beyond the stars. But Midas isn’t aware of Noh-Varr’s strange abilities. The boy has the unique ability of transforming his own pain into sound waves only he can hear, so instead of suffering he literally relaxes listening to music. Immune to torture and impervious to threats, Noh-Varr also carries within himself the key to his freedom. In fact, “his body fluids are nanoactive”, something Midas discovers far too late. Noh-Varr is “the living weapon of an alien empire”.![]()
After escaping from the Midas Foundation, Marvel Boy finds himself marooned in an alien planet (Earth) and completely alone (save for the assistance of Plex, an organic computer similar to the Kree’s Supreme Intelligence). In “Boy Vs World” (Marvel Boy # 2, September 2000), Noh-Varr faces a difficult dilemma: he can either try to fix his spaceship and return to his homeworld or he can avenge the death of his comrades and “fix the planet” in the process.![]() |
| the Kree spaceship about to be destroyed / la nave espacial Kree a punto de ser destruída |
One of the most interesting aspects of Marvel Boy is that he isn’t a hero or a villain, he is an alien (some might even say ‘alienated’) youth. Although he may show contempt towards our civilization, Noh-Varr isn’t cruel, he’s simply a desperate young man who feels he must fight against an entire world to survive. “Digital Koncentration Kamp One” (Marvel Boy # 3, October 2000) is one of my favorite issues precisely because it explores Marvel Boy’s inner struggle and shows how complex he can be as a character. This story has everything you might expect from the Scottish writer: an insightful observation of our reality, an original metaphor about our way of living, a defiant take on the traditional values of society and the kind of over the top and irresistible concepts that Morrison is so famous for. ![]() |
| Marvel Boy versus the United Nations (New York) / Marvel Boy versus las Naciones Unidas (New York) |
Instead of a Galactus (the devourer of worlds), in “Digital Koncentration Kamp One” we have Hexus “the living corporation”. Hexus is “invisible, untouchable. A living idea”, an ever-growing parasitic entity that migrates from one planet to another, leaving behind only a lifeless surface. Although at first he is reluctant to help humans, in the end Marvel Boy understands that the destruction of Earth will also mean his own death. So he fights with every resource at his disposal against Hexus. It is a hard battle, because Hexus appeals to consumerism, to the urge we so often have of purchasing products we don’t really need. The living corporation has a very clear goal “Soon, Hexus will own everything. We will license the air you breathe and the thoughts we allow you to think”. ![]() |
| Hexus, the living corporation / Hexus, la corporación viviente |
It’s very rare to find this kind of battle in superhero comics. Usually, you have the classic hero and the classic villain, beating the hell out of each other (maybe with a few variations here and there). But this time, the conflict is more philosophical than physical. The living corporation is an idea, and therefore it cannot die, in the same way that consumerism cannot cease to exist. In the end, Marvel Boy has no choice but to strengthen every corporation in the world so that they can suffocate Hexus before it completes its expansion plans. Corporative America can be a powerful enemy, but for Noh-Varr it’s obviously better to deal with the devil you know than the devil you don't.
Wounded after his confrontation with Hexus, Marvel Boy is defeated in “Exterminatrix!” (Marvel Boy # 4, November 2000). The beautiful but deadly Oubliette (AKA Exterminatrix) is the daughter of Midas; she’s an emotionally unstable girl, forced to live under the strict rules of someone who acts more like a dictator than a father. In “Zero Zero: Year of Love” (Marvel Boy # 5, December 2000) Marvel Boy and Oubliette slowly but surely give into their innermost desire. This isn’t simply a youthful affaire, because there is clearly a strong connection between Marvel Boy (the living weapon) and Oubliette (the ultimate huntress). They’ve both been refused the possibility of living a normal life, and whether they are on Earth or in the Kree Empire, they feel as outcasts. “Mindless: The End” (Marvel Boy # 6, March 2001) is the conclusion of Morrison’s brilliant miniseries. I won’t say much about this final chapter, except that it ended in a cliffhanger. Evidently, Morrison had the intention of returning to the character in the future, but that never happened. Fortunately, many years later Marvel Boy would reappear on the pages of Young Avengers (and Oubliette too), proving that such a charismatic warrior deserved to be on the spotlight again. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Décadas atrás, “Animal Man” de Grant Morrison revolucionó la industria del cómic estadounidense; algo ya de por sí notable si tenemos en cuenta que se trataba de un personaje relativamente desconocido. Hace 16 años, Morrison decidió reinventar un personaje aún más rebuscado: Marvel Boy. Este superhéroe, simplemente descrito como “el chico de otro planeta”, en el primer número de “Marvel Boy” (diciembre de 1950) se perdería en el olvido durante casi medio siglo.![]() |
| Midas versus Marvel Boy |
Ciertamente, a lo largo de los años hubo algunas esporádicas reinterpretaciones de Marvel Boy, aunque recibieron poca atención. El escritor escocés, sin embargo, tomó la idea de “el chico de otro planeta” y la convirtió en una fascinante odisea de ciencia-ficción, rica en ironía, crítica política y rebeldía. El guión de Morrison está fantásticamente ilustrado por J.G. Jones, un artista muy talentoso capaz de hacer portadas impresionantes, así como preciosas páginas interiores. El arte de Jones es un ejemplo de composición grácil y movimiento fluido, combinando con éxito una narración clara con imágenes minuciosamente trabajadas. Pocos dibujantes y entintadores podrían haber rivalizado con Jones en el 2000, pero lo que es aún más sorprendente es que él seguiría mejorando, perfeccionando su estilo artístico.
En las páginas iniciales de “Hola mundo cruel” (publicado originalmente en Marvel Boy # 1, agosto del 2000), una nave espacial extraterrestre del Imperio Kree es destruida por el megalómano Midas; el joven e impulsivo Noh-Varr (alias Marvel Boy) es el único superviviente... sin embargo, él es capturado por Midas, un hombre ambicioso y cruel que anhela el poder y el conocimiento de las civilizaciones alienígenas. Pero Midas no conoce las extrañas habilidades de Noh-Varr. El muchacho tiene la capacidad única de transformar su propio dolor en ondas de sonido que sólo él puede oír, así que en vez de sufrir se relaja escuchando música. Inmune a la tortura y a las amenazas, Noh-Varr también lleva dentro de sí la llave de su libertad. De hecho, “sus fluidos corporales son nanoactivos”, algo que Midas descubre demasiado tarde. Noh-Varr es “el arma viviente de un imperio alienígena”.
Después de escapar de la Fundación Midas, Marvel Boy se encuentra extraviado en un planeta alienígena (la Tierra) y completamente solo (con la excepción de Plex, una computadora orgánica similar a la Inteligencia Suprema de los Kree). En “Un chico versus el mundo” (Marvel Boy # 2, setiembre del 2000), Noh-Varr enfrenta un difícil dilema: puede tratar de arreglar su nave espacial y regresar a su planeta natal o puede vengar la muerte de sus compañeros y “arreglar el planeta” en el proceso.![]() |
| Oubliette (Exterminatrix) |
Uno de los aspectos más interesantes de Marvel Boy es que él no es un héroe ni un villano, él es un joven alienígena (o ‘alienado’ como dirían algunos). Pese a que muestra desprecio por nuestra civilización, Noh-Varr no es cruel, es simplemente un joven desesperado que siente que debe luchar contra todo el mundo para sobrevivir. “Kampo de koncentración digital uno” (Marvel Boy # 3, octubre del 2000) es uno de mis números favoritos, precisamente porque explora la lucha interna de Marvel Boy y muestra lo complejo que puede ser como personaje. Esta historia tiene todo lo que se podría esperar del escritor escocés: una observación perspicaz de nuestra realidad, una metáfora original sobre nuestra forma de vida, una posición desafiante en cuanto a los valores tradicionales de la sociedad, y el tipo de conceptos irresistibles y de alto vuelo tan propios de Morrison.
En lugar de un Galactus (el devorador de mundos), en “Kampo de koncentración digital uno” tenemos a Hexus “la corporación viviente”. Hexus es “invisible, intocable. Una idea viviente”, una entidad parasitaria en constante crecimiento que migra de un planeta a otro, dejando al final sólo una superficie sin vida. Aunque en un principio se muestra reacio a ayudar a los humanos, eventualmente Marvel Boy entiende que la destrucción de la Tierra también significaría su propia muerte. Así que él lucha con todos los recursos a su disposición contra Hexus. Es una batalla difícil, porque Hexus apela al consumismo, al impulso que tenemos tan a menudo de adquirir productos que realmente no necesitamos. La corporación viviente tiene un objetivo muy claro “Pronto, Hexus será dueña de todo. Vamos a alquilarte el aire que respiras y los pensamientos que te permitamos tener”.![]() |
| the Supreme Intelligence of the Kree / la Inteligencia Suprema de los Kree |
Es muy raro encontrar este tipo de batalla en los cómics de superhéroes. Por lo general, tenemos al héroe clásico y al villano clásico, dándose una paliza (tal vez con alguna que otra variación). Pero esta vez, el conflicto es más filosófico que físico. La corporación viviente es una idea, y por lo tanto no puede morir, de la misma manera que el consumismo no puede dejar de existir. Al final, Marvel Boy no tiene más remedio que fortalecer a todas las empresas del mundo para que puedan asfixiar a Hexus antes de que avance con sus planes de expansión. La América corporativa puede ser un enemigo poderoso, pero para Noh-Varr es obviamente mejor lidiar con 'malo conocido que malo por conocer'.
Herido tras su enfrentamiento con Hexus, Marvel Boy es derrotado en “¡Exterminatrix!” (Marvel Boy # 4, noviembre del 2000). La bella pero mortal Oubliette (alias Exterminatrix) es la hija de Midas; ella es una chica emocionalmente inestable, obligada a vivir bajo las estrictas reglas de alguien que actúa más como un dictador que como un padre. En “Cero cero: año del amor” (Marvel Boy # 5, diciembre del 2000) Marvel Boy y Oubliette poco a poco ceden al deseo íntimo. Esto es más que un amorío juvenil, porque hay claramente una fuerte conexión entre Marvel Boy (el arma viviente) y Oubliette (la cazadora definitiva). A ambos les negaron la posibilidad de vivir una vida normal, y ya sea que estén en la Tierra o en el Imperio Kree, se sienten como parias. “Sin mente: el fin” (Marvel Boy # 6, marzo del 2001) es la conclusión de la brillante miniserie de Morrison. No voy a decir mucho sobre este último capítulo, excepto que se quedó por continuar. Evidentemente, Morrison tenía la intención de volver al personaje en el futuro, pero eso nunca sucedió. Afortunadamente, muchos años después Marvel Boy reaparecería en las páginas de Young Avengers (y Oubliette también), lo que demuestra que un guerrero tan carismático estaba destinado a regresar al campo de batalla.
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January 28, 2016, 9:04 pm
Han pasado ya casi tres años desde la primera vez que entré a la espaciosa y antigua casona miraflorina que alberga las oficinas del grupo editorial COSAS. En ese entonces, mi trabajo me obligaba a estar en contacto con prácticamente todas las áreas de las revistas COSAS, CASAS, COSAS Hombre y Padres y, por lo tanto, con una buena cantidad de colaboradores, entre ellos, por supuesto, los fotógrafos de sociales.![]()
Una revista como COSAS dedica una considerable cantidad de páginas a la sección de sociales, y para ello siempre hacen falta fotógrafos que puedan asistir a todos los cocteles, inauguraciones, fiestas y demás eventos de nuestra ciudad. Así fue como el 2013 conocí a Aissa Chrem, una chica muy inteligente, asertiva y sensible, de mirada firme y a la vez tierna. A menudo me tocaba escuchar las conversaciones de Aissa con nuestra editora de sociales, la siempre simpática y divertida Cristina Tudela; y en más de una ocasión coincidí con la carismática fotógrafa en inauguraciones de muestras arte (y hemos tenido conversaciones muy entretenidas). ![]()
Quizás alguna vez le comenté a Aissa que me aburría estando 9 o más horas al día sentado en mi oficina frente a una computadora, pero yo sabía muy bien que su trabajo tampoco era ninguna garantía de diversión. Una labor nocturna ajetreada y que a menudo traía pocos reconocimientos. Aissa, al igual que los demás fotógrafos, debía pasar las noches en eventos a los que quizás hubiese preferido no asistir, obligada a tomar las fotografías que la revista solicitaba y no las que ella hubiese deseado tomar. Por eso, para mí ha sido una muy grata sorpresa observar cómo ella y otros fotógrafos de COSAS han desarrollado su lado artístico de manera paralela. Por ejemplo, Josip Curich presentó una muy buena muestra fotográfica el 2015 en Domingo Laboratorio Creativo.![]() |
| Aissa Chrem |
Y ahora, para mí ha sido un enorme placer ver que por fin Aissa ha presentado una magnífica muestra titulada “Tregua de vidrio”, una sobria selección de fotografías a blanco y negro que evocan con una cierta nostalgia el mundo natural, los elementos cotidianos que nos rodean y que nosotros a menudo ignoramos u olvidamos. ![]() |
| my drawing / mi dibujo |
En palabras de la propia artista, la “necesidad de estabilizar lo frágil” se convierte en una motivación de vital importancia. Esta búsqueda constante permite que Aissa explore lúcidamente la relación entre la mirada del fotógrafo y la intención estética del artista. Gracias a “Tregua de vidrio” puedo afirmar que el 2016 empieza con muy buen pie (al menos en materia de exposiciones).
Una vez más, felicito a Aissa por confiar en su talento y por premiarnos con tan espléndida muestra. Espero que todos los que visiten la Sala 770 del Centro Cultural Ricardo Palma disfruten viendo estas fotos. Y ojalá que ella se anime a realizar más muestras.
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February 1, 2016, 10:13 am
I think the best way to celebrate the beginning of 2016 is with a fine selection of American and European productions. So let’s start with Adam McKay’s The Big Short (2015), a surprising and lucid analysis of the US financial crisis of 2008. McKay combines corporative greed, wild speculation, short-term gains and the decline of the American economy in one sweeping and impressive narrative. I’ve been reading The Wall Street Journal twice a week since 2002, thus I felt even more fascinated by the proposal behind The Big Short. Of course, the extraordinary performances of Christian Bale (American Hustle), Ryan Gosling (Only God Forgives), Brad Pitt (World War Z), Steve Carell and Finn Wittrock certainly turn this into one of the best films of the year. I highly recommend it.
Quentin Tarantino writes and directs The Hateful Eight (2015), an outstanding film about a group of men trapped in a cabin during a blizzard. The filmmaker constantly elevates the level of suspense and slowly but surely creates rich, complex and quite neurotic characters. Untrustworthy and deadly, these men will start fighting over ideological differences, thus reproducing the political stance of the North and the South in the Civil War. Tarantino’s inspired script mixes racism and violence, and even if this isn’t among his best productions it’s still amazing. Samuel L. Jackson (Django), Kurt Russell, Tim Roth and Jennifer Jason Leigh are absolutely brilliant in their roles.
Woody Allen’s Irrational Man (2015) is a sober drama about the implications of murder, both from a philosophical and practical point of view. Joaquin Phoenix (Her), a university professor, finds himself depressed until he realizes that killing will make him value his own life more than ever. In the process he falls in love with his student, Emma Stone (Magic in the Moonlight), but problems begin as she suspects what he has done. At moments sinister, or simply cynic, Irrational Man has more in common with Crimes and Misdemeanors than with more recent Woody Allen’s projects. I must say this one is a matchless intellectual enjoyment and an example of elegant filmmaking.
J.J. Abrams has revamped George Lucas former franchise for a new generation. Star Wars: The Force Awakens (2015) is a very entertaining movie, full of adventure and classic sci-fi references. It was really gratifying to see Harrison Ford and Carrie Fisher reprising their old roles, but I can’t say I was satisfied with the new, younger actors, even Adam Driver (who was great in While We’re Young) let me down this time.
Jennifer Lopez has a torrid affair with his young neighbor Ryan Guzman in The Boy Next Door (2015). Although the main idea sounded interesting, the execution was quite poor and the script a total mess.
In Michael Mann’s Blackhat (2015), Chris Hemsworth (Thor) is a hacker willing to fight against a dangerous wave of international cyber-crimes. Despite having an interesting premise, Blackhat let me down.
Underwater (2015), directed by Alejandro Sesma, focuses on Jaxon Radoc, the new student in an elite private academy in England. After the kid loses in a masturbation contest with his classmates, many of them try to seduce him. Soon, the circle jerk becomes the prelude of more intimate contact with the other boys.
Angelina Jolie proves to be a talented director with Unbroken (2014), a remarkable depiction of WWII hero Louis Zamperini (magnificently interpreted by Jack O'Connell, a young actor who had already surprised me with Starred Up). After surviving on a drifting raft without food for 47 days, Louis and his friend Domhnall Gleeson are captured by Japanese soldiers. An unbreakable will to survive, and tremendous fortitude and courage, allow the protagonist to subsist in a brutal prisoners camp. Disturbing at moments but also deeply poignant, Unbroken has several heartbreaking scenes and a truly astonishing outcome. The cast also includes Finn Wittrock (American Horror Story), Luke Treadaway and Miyavi.
Duncan Jones directs Moon (2009), a wonderful science fiction tale about Sam Rockwell (The Way Way Back), a man forced to spend 3 years on the Moon completely by himself, accompanied only by a rather benevolent computer (voiced by Kevin Spacey). The presence of a clone confronts the protagonist with the true horror of his condition. Realizing he’s merely the slave of a big corporation, he will try to find redemption and freedom. I enjoyed it a lot.
I consider Artificial Intelligence: AI (2001) as one of the best Steven Spielberg films (and also one of my all-time favorite sci-fi productions). Based on writings by Brian Aldiss and Ian Watson, AI deals with the human emotions on the most primal level, such as the love of a mother for her son. Haley Joel Osment, a highly advanced android, is adopted by Frances O'Connor, but can he truly be his son? Human feelings and robot expectations collide in a dramatic, melancholic and bittersweet chronicle, that reminds us that if a machine can dream, then perhaps we should reevaluate our entire understanding of the world. Spielberg’s skills are ideal to highlight the sensibility, innocence and sweetness of a child robot that turns out to be more human than anyone else (Haley Joel Osment’s acting is excellent). The all-star cast includes Jude Law and William Hurt.
From Denmark comes Peter Lavrsen’s Mørke Rum (2015), an introspective and endearing take on adolescence and sexual awakening. Nicolas Wollesen, an insecure teenager, spends most of his time jerking off and looking at gay sites, until he meets a man online who, at first, seems to be a gentleman. But this man has only one goal: to practice anal sex with the naïve teen. Eroticism and inner conflicts come together in this admirable production.
From Netherlands comes Een goed leven (2015), directed by Aaron Rookus; a sad and captivating story about a rich woman who loses all her money and ends up in a bad neighborhood, living next to a male prostitute (played by Jonas Smulders, who also participated in the gay-themed film Jongens). The woman quickly becomes a surrogate mother for this boy, and she doesn’t judge him for having sex with men all the time. These are warm and tender characters, trapped in miserable and cold surroundings, almost devoid of hope.![]() |
| my drawing / mi dibujo |
Belgian director Jonas Govaerts explores the fears of boyhood in Welp (2014), a splendid film starred by Maurice Luijten, a peculiar 12-year-old boy who spends a weekend with his classmates, camping in an isolated and menacing forest. A serial killer is on the loose, and the protagonist, mocked and rejected by the other kids, is the only one brave enough to understand the nature of the beast. Welp kept me at the edge of my seat, the acting was top notch and the filming style exceptional, but the ending was a bit unconvincing.
Written and directed by Anthony Schatteman, Kus me zachtjes (2012) is an honest and delicate examination of youthful passion and parental approval. Ezra Fieremans, a high school student, has fallen in love with another boy. However, his homophobic father constantly reminds him that being a homosexual is the worst imaginable thing. This marvelous short film from Belgium succeeds in generating a strong, emotional impact.
Jonas Marowski’s Fünfsechstel (2012) is an intense and shocking German production. A group of high school kids meet at midnight to remember the death of a close friend and, more importantly, to play a devastating game of “truth or dare”. Throughout the night, dark secrets are revealed and repressed passions come to the surface. Teen angst and sexual arousal are highlighted by Marowski, in an enthralling representation of friendship and loss. The protagonist is Tom Gramenz (famous for his role as a gay teenager in Prora).
At last, but not least, Chucho E. Quintero’s Félix et le poisson (2011) is an original take on the traditional “man meets siren” romantic topic. This time a gay teen finds a male mermaid and a complicated and ambiguous relationship begins.________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Creo que la mejor manera de celebrar el inicio del 2016 es con una estupenda selección de producciones norteamericanas y europeas. Así que empecemos con “The Big Short” (2015), de Adam McKay, un sorprendente y lúcido análisis de la crisis financiera de Estados Unidos del 2008. McKay combina la avaricia corporativa, la especulación salvaje, las ganancias a corto plazo y el declive de la economía estadounidense en una arrolladora e impresionante narrativa. He estado leyendo The Wall Street Journal dos veces por semana desde el año 2002, así que me sentí aún más fascinado por la propuesta de “The Big Short”. Por supuesto, las extraordinarias actuaciones de Christian Bale (American Hustle), Ryan Gosling (Only God Forgives), Brad Pitt (World War Z), Steve Carell y Finn Wittrock ciertamente hacen de esta una de las mejores películas del año. La recomiendo de todas maneras.Quentin Tarantino escribe y dirige “The Hateful Eight” (2015), una gran película sobre un grupo de hombres atrapados en una cabaña durante una tormenta de nieve. El cineasta eleva constantemente el nivel de suspenso y poco a poco crea personajes ricos, complejos y bastante neuróticos. Desconfiados y letales, estos hombres comenzarán a pelear por diferencias ideológicas, reproduciendo así la postura política del Norte y del Sur en la Guerra Civil. El inspirado guión de Tarantino mezcla el racismo y la violencia, y aunque quizá esta no sea una de sus mejores producciones igual sigue siendo asombrosa. Samuel L. Jackson (Django), Kurt Russell, Tim Roth y Jennifer Jason Leigh están absolutamente brillantes en sus papeles.
“Irrational Man” (2015) de Woody Allen es un sobrio drama que indaga en las implicancias de un asesinato, tanto desde un punto de vista filosófico como práctico. Joaquin Phoenix (Her), un profesor universitario, se encuentra deprimido hasta que se da cuenta de que el asesinato lo hará valorar su propia vida más que nunca. En el proceso se enamora de su alumna, Emma Stone (Magic in the Moonlight), pero los problemas comienzan cuando ella sospecha de él. Por momentos siniestra, o simplemente cínica, “Irrational Man” tiene más en común con “Crimes and Misdemeanors” que con los proyectos más recientes de Woody Allen; de todos modos, es un goce intelectual inigualable y un ejemplo de cinematografía elegante.
J.J. Abrams ha renovado la ex-franquicia de George Lucas para las nuevas generaciones. “Star Wars: The Force Awakens” (2015) es una película muy entretenida, llena de aventura y clásicas referencias de ciencia ficción. Fue muy gratificante ver a Harrison Ford y Carrie Fisher retomando sus viejos roles, pero no puedo decir que quedé satisfecho con los nuevos actores, incluso Adam Driver (que estuvo muy bien en While We’re Young) me defraudó esta vez.
Jennifer López tiene un tórrido affair con su joven vecino Ryan Guzman en “The Boy Next Door” (2015). Aunque la idea central sonaba interesante, la ejecución fue bastante pobre y el guión un desastre total.
En “Blackhat” (2015), de Michael Mann, Chris Hemsworth (Thor) es un hacker dispuesto a luchar contra una peligrosa avalancha de ciber-crímenes internacionales. A pesar de tener una premisa interesante, Blackhat me decepcionó.
“Underwater” (2015), dirigida por Alejandro Sesma, se enfoca en Jaxon Radoc, un nuevo estudiante en una academia privada de élite en Inglaterra. Después de que el muchacho pierde en una competencia de masturbación con sus compañeros de clase, muchos de ellos intentarán seducirlo. Rápidamente, el onanismo compartido se convierte en el preludio de un contacto más íntimo con los otros chicos.
Angelina Jolie demuestra ser una directora talentosa con “Unbroken” (2014), un notable retrato del héroe de la Segunda Guerra Mundial Louis Zamperini (magníficamente interpretado por Jack O'Connell, un joven actor que ya me había sorprendido con Starred Up). Después de sobrevivir en una balsa a la deriva sin alimentos durante 47 días, Louis y su amigo Domhnall Gleeson son capturados por soldados japoneses. Una voluntad inquebrantable para sobrevivir, y una tremenda fortaleza y coraje, le permiten al protagonista subsistir en un brutal campo de prisioneros. Inquietante por momentos y también profundamente conmovedora, “Unbroken” tiene varias escenas desgarradoras y un desenlace contundente. El elenco también incluye a Finn Wittrock (“American Horror Story”), Luke Treadaway y Miyavi.
Duncan Jones dirige “Moon” (2009), un maravilloso relato de ciencia ficción en el que Sam Rockwell (The Way Way Back), está obligado a pasar 3 años en la Luna completamente solo, acompañado únicamente por una computadora bastante benevolente (con voz de Kevin Spacey). La presencia de un clon confronta al protagonista con el verdadero horror de su condición. Al darse cuenta de que él es simplemente el esclavo de una gran corporación, tratará de encontrar la redención y la libertad. Disfruté mucho viéndola.![]()
Considero que “Artificial Intelligence: AI” (2001) es una de las mejores películas de Steven Spielberg (y también es una de mis producciones favoritas de ciencia ficción). Basada en textos de Brian Aldiss e Ian Watson, “AI” aborda las emociones humanas en el nivel más elemental, como el amor de una madre por su hijo. Haley Joel Osment, un androide sumamente avanzado, es adoptado por Frances O'Connor, pero ¿puede realmente ser su hijo? Los sentimientos humanos y las expectativas del robot colisionan en una crónica dramática, melancólica y agridulce, que nos recuerda que si una máquina puede soñar, entonces tal vez deberíamos replantear nuestra visión del mundo. Las habilidades de Spielberg son ideales para resaltar la sensibilidad, la inocencia y la dulzura de un niño robot que resulta siendo más humano que cualquier otra persona (la actuación de Haley Joel Osment es excelente). El reparto estelar incluye a Jude Law y William Hurt.
De Dinamarca llega “Mørke Rum” (2015), de Peter Lavrsen, un acercamiento introspectivo y entrañable sobre la adolescencia y el despertar sexual. Nicolas Wollesen, un adolescente inseguro, pasa la mayor parte de su tiempo masturbándose mientras entra a páginas gay, hasta que conoce a un hombre por internet que, al principio, parece ser un caballero. Pero este sujeto tiene un sólo objetivo: practicar sexo anal con el ingenuo adolescente. El erotismo y los conflictos internos se unen en esta admirable producción.
De Holanda llega “Een goed leven” (2015), dirigida por Aaron Rookus; una historia triste y cautivadora sobre una adinerada mujer que pierde toda su fortuna y termina viviendo en un barrio pobretón, al lado de un prostituto (interpretado por Jonas Smulders, quien también participó en la película de temática gay Jongens). La mujer se convierte rápidamente en una madre sustituta para este chico, y ella no lo juzga por tener frecuentes relaciones sexuales con hombres. Estos son personajes cálidos y tiernos, atrapados en un frío entorno de miseria, y casi desprovistos de esperanza.
El director belga Jonas Govaerts explora los miedos de la infancia en “Welp” (2014), una espléndida película protagonizada por Maurice Luijten, un peculiar niño de 12 años que pasa un fin de semana con sus compañeros de clase, acampando en un bosque aislado e inquietante. Un asesino en serie anda suelto, y el protagonista, humillado y rechazado por los otros chiquillos, es el único lo suficientemente valiente como para comprender la naturaleza de la bestia. “Welp” me mantuvo en vilo, la actuación fue de primer nivel y el estilo fílmico excepcional, pero la última escena fue poco convincente.
Escrita y dirigida por Anthony Schatteman, “Kus me zachtjes” (2012) examina honesta y delicadamente la pasión juvenil y la aprobación paterna. Ezra Fieremans, un alumno de secundaria, se ha enamorado de otro chico. Sin embargo, su padre homofóbico constantemente le recuerda que ser homosexual es lo peor que puede pasar. Este maravilloso cortometraje de Bélgica logra generar un fuerte impacto emocional.
“Fünfsechstel” (2012), de Jonas Marowski, es una producción alemana intensa y estremecedora. Un grupo de chicos de secundaria se reúnen a la medianoche para recordar la muerte de un amigo cercano y, más importante aún, para participar en un devastador juego de "reto o verdad". A lo largo de la noche, los oscuros secretos son revelados y brotan las pasiones reprimidas. La angustia adolescente y la excitación sexual son resaltadas por Marowski en esta sugestiva representación de la amistad y la pérdida. El protagonista es Tom Gramenz (famoso por su papel como adolescente gay en Prora).
Por último, “Félix et le poisson” (2011), de Chucho E. Quintero, es una original modificación del tradicional tema romántico "hombre conoce sirena". Esta vez un adolescente gay encuentra un 'sireno' y comienza una relación complicada y ambigua.
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February 4, 2016, 8:54 pm
Hace un par de horas estuve presente en la inauguración de “La máquina” de Tomás Prochazka Núñez, en el Centro Colich de Barranco. En años anteriores, ya había tenido la suerte de ver de cerca los cuadros de este talentoso artista limeño, así que mis expectativas eran altas.
“La máquina” deja constancia de un interesantísimo proceso creativo, que empezó con la idea de “la máquina de cosas bonitas” para convertirse luego en la “máquina de redención”; conforme Tomás iba preparando el cuadro principal de la muestra, sus ideas fueron depurándose sin perder de vista la meta final: un tratado sobre la belleza, que sintetiza con maestría la influencia de grandes maestros europeos (Joaquín Sorolla, por ejemplo) y la propia visión del artista.![]()
A diferencia de las muestras sin forma ni fondo que pululan tan a menudo en nuestra capital, la de Tomás tiene una sólida coherencia temática y un objetivo claro. Además del cuadro principal, de gran formato, también se ha tenido el acierto de incluir los estudios previos. A mí, particularmente, siempre me ha fascinado observar los estudios, ya sean simples pliegues de ropa en grabados de Durero o rostros aislados en frescos de Da Vinci. Sin duda, en “La máquina”, el todo es mayor que la suma de las partes, pero cada parte juega un rol clave y proporciona al espectador un inigualable placer estético.
Desde luego, lo primero que hice al llegar a la acogedora casona barranquina fue saludar y felicitar a Tomás Prochazka por tan extraordinaria muestra, y por fortuna, junto con mis amigos Iván Fernández-Dávila, Elizabeth López Avilés y Eduardo Deza (todos artistas), pudimos conversar con él y averiguar el génesis de “La máquina”. Uno de los detalles más curiosos es que Tomás, en vez de usar una modelo, creó ex nihilo un rostro capaz de transmitirnos su ideal de belleza, una cara tan llena de vida y calidez que pareciera pertenecer a un humano de carne y hueso (por cierto, como nos confesó, la base de dicho rostro es una escultura de arcilla que se encuentra a buen resguardo en su taller).
Llegué a la muestra sin saber qué encontraría, pero quedé fascinado desde el primer instante. Como ya he mencionado antes, cuando vi la obra de Tomás por primera vez, en Corriente Alterna, supe que nos seguiría deslumbrando con su gran dominio del pincel, su composición exquisita y su empleo sobrio y a la vez sumamente expresivo del color. ![]() |
Los dibujos que suelo hacer para mis amigos en la contraportada de mis cómics
(a modo de agradecimiento por su constante apoyo) |
Finalmente les recomiendo que se den una vuelta por el Centro Colich para poder admirar los cuadros en persona (las fotos que he incluido aquí simplemente no les hacen justicia). Una vez más, felicito a Tomás por su excelente labor.
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