Arion's Archaic Art

After the cancelation of The Legion, DC editors had 2 options: they could either take a break and return to the franchise later on or they could simply discard everything that had been done in the title and reboot it completely. The editors decided to hit the reset button, a strategy that seems to have paved the way for many of DC’s latest (and failed) attempts to renew their superhero line.

So in order to erase the previous continuity, the editors decided that it would be a good idea to have one final saga that would put a proper end to the legionnaires’ timeline. And since Superboy had been a legionnaire for almost a year, it made sense to involve the Teen Titans (after all, Superboy was also a member of the Teen Titans); the writer of “Superboy And The Legion” (published in Teen Titans # 16 and Teen Titans / Legion Special, November 2004) was Geoff Johns.

In 2 fast-paced chapters, brimming with action scenes and spectacular battles, Geoff Johns brought together the Teen Titans (at the time he had been writing this new iteration of the Teen Titans since the first issue) and the young heroes of the 31st century. This time, the villains are the Fatal Five (Tharok, Emerald Empress, Mano, the Persuader and Validus), classic enemies of the Legion of Super-Heroes (their first apperance dates back to 1967). But they are not the same Fatal Five Timber Wolf fought against in “Legion Rookie Blues”, they’re the Fatal Five Hundred, and with their combined power they manage to destroy Legion World.

The Legion & Teen Titans

The outstanding art of the first chapter comes from the talented hands of Mike McKone (penciler) and Marlo Alquiza (inker). There is an impressive double-page spread in which 15 legionnaires welcome the Teen Titans, with a striking composition and energetic designs, McKone turns a simple meeting into a memorable scene. In another extraordinary double-page spread, we witness the destruction of Legion World. The stunning cover of Teen Titans # 16 was also illustrated by McKone, who pays homage to the classic photograph of American soldiers in WWII, an iconic image that has been reimagined and reinvented hundreds of times in comic books.

Teen Titans / Legion Special one-shot has one of the best the artistic teams one could ask for at the time: Ivan Reis and Joe Prado (pencils) Marc Campos (inks) and Phil Jimenez and Andy Lanning (cover art). This was probably the first time I saw Reis and Prado working together, I immediately became a fan of their art; not only was it visually dynamic, but also graphically detailed. Not many artists can manage to include a large amount of details while making their characters come to life thanks to the movement and energy infused in the page; luckily, Reis and Prado were able to accomplish this and so much more (as an artist, I know how daunting it can be to draw dozens of characters in the same panel, but Reis and Prado pull it off gracefully and exquisitely). I’ve often said that Phil Jimenez may very well be the only living artist who could compete with the legendary George Perez, and taking a look at this cover explains why. Jimenez turns Superboy into the main figure, an axis that splits the cover in half. This helps to reinforce the notion that Superboy is an exscinded individual, he is a member of the Teen Titans but also a legionnaire, and now he must choose to remain in the future or return to the past. In the background there is fascinating array of characters, interacting with each other, fighting for their lives, and if we pay attention to each one of them, we’ll see that Jimenez has made an extra effort to draw even the minutest details, with such dedication and attention that one can’t help but to remember George Perez.

Legion World is destroyed / Mundo Legión es destruido

The final pages are a heartfelt farewell to the heroes of the 31st century. As the legionnaires are trapped in an interdimensional limbo, they bravely say “We’ll be all right! We’ve been lost before! Don’t worry about us! I promise you --we’ll survive! It’s what we do!”. And in December 2004, Mark Waid would inaugurate a new era of the Legion of Super-Heroes, starting from scratch. However, the heroes of the 30th century didn’t survive. Ironically, a few years later, the title would be cancelled due to low sales. For the first time after half a century of uninterrupted publication, the Legion of Super-Heroes would fall prey to the most dangerous enemy of them all: the incompetence of DC’s current editors.
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Después de la cancelación de la Legión, los editores de DC tenían 2 opciones: podían tomarse un descanso y volver a la franquicia más adelante o simplemente podían descartar todo lo que se había hecho en el título y reiniciarlo desde cero. Los editores decidieron apretar la tecla de reinicio, una estrategia que parece haber allanado el camino para muchos de los últimos (y fallidos) intentos de DC de renovar su línea de superhéroes.

Fatal 500

Así que con el fin de borrar la continuidad anterior, los editores decidieron que sería una buena idea tener una última saga que pondría punto final a la línea temporal de los Legionarios. Y puesto que Superboy había sido un legionario durante casi un año, tenía sentido involucrar a los Jóvenes Titanes (después de todo, Superboy era también un miembro de los Jóvenes Titanes); el escritor de “Superboy y la Legión” (publicado en Teen Titans # 16 y Teen Titans / Legion Special, noviembre de 2004) fue Geoff Johns.

En 2 capítulos de ritmo rápido, llenos de escenas de acción y espectaculares batallas, Geoff Johns reunió a los Jóvenes Titanes (en esos años, él también escribía la colección regular de los Titanes) y a los heroicos adolescentes del siglo 31. Esta vez, los villanos son los Cinco Fatales (Tharok, Emerald Empress, Mano, el Persuasor y Validus), enemigos clásicos de la Legión de Súper-Héroes (su primera apariencia se remonta a 1967). Pero ellos no son los mismos Cinco Fatales a los que se enfrentó Timber Wolf en “Rookie Blue”, estos son los Quinientos Fatales, y con su poder combinado se las arreglan para destruir a Mundo Legión.

Brainiac 5 & Kid Flash

El excepcional arte del primer capítulo está en manos del talentoso dúo de Mike McKone (dibujante) y Marlo Alquiza (entintador). Hay una impresionante página doble en la que 15 legionarios les dan la bienvenida a los Jóvenes Titanes; con una composición llamativa y un diseño energético, McKone convierte una simple reunión en una escena memorable. En otra extraordinaria página doble, somos testigos de la destrucción de Mundo Legión. La impresionante portada de Teen Titans # 16 también fue ilustrada por McKone, quien rinde homenaje a la fotografía clásica de los soldados estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial, una imagen icónica que ha sido rediseñada y reinventada cientos de veces en los cómics.

Teen Titans / Legion Special tiene uno de los mejores de los equipos artísticos que uno podría desear: Ivan Reis y Joe Prado (lápices), Marc Campos (tintas) y Phil Jimenez y Andy Lanning (portada). Esta fue probablemente la primera vez que vi a Reis y a Prado trabajando juntos, de inmediato quedé encantado; no sólo por el dinamismo visual, sino también por el nivel de detallismo. Pocos artistas pueden incluir una gran cantidad de detalles y a la vez lograr que sus personajes cobren vida gracias al movimiento y energía infundida en la página; por suerte, Reis y Prado fueron capaces de lograr esto y mucho más (como artista, sé lo desalentador que puede ser dibujar decenas de personajes en la misma viñeta, pero Reis y Prado lo consiguen con gracia y buen tino). A menudo he dicho que Phil Jimenez quizá sea el único artista vivo que podría competir con el legendario George Pérez, y al echar un vistazo a esta portada entendemos por qué. Jiménez convierte a Superboy en la figura principal, un eje que divide la portada por la mitad. Esto ayuda a reforzar la idea de que Superboy es un individuo escindido, él es un miembro de los Jóvenes Titanes, y también un legionario, y ahora tiene que optar por permanecer en el futuro o volver al pasado. En el trasfondo hay una fascinante variedad de personajes, que interactúan entre sí, luchando por sus vidas, y si prestamos atención a cada uno de ellos, vamos a ver que Jiménez ha hecho un esfuerzo extra para dibujar incluso los más mínimos detalles, con tal dedicación y atención que uno no puede dejar de recordar a George Pérez.

Las últimas páginas son una emotiva despedida a los héroes del siglo 31. Cuando los legionarios se encuentran atrapados en un limbo interdimensional, afirman con valentía “¡Vamos a estar bien! ¡Hemos estado perdidos antes! ¡No os preocupéis por nosotros! ¡Prometemos que -- sobreviviremos! Siempre lo hacemos”. Y en diciembre de 2004, Mark Waid inauguraría una nueva era en la Legión de Súper-Héroes, comenzando desde cero. Sin embargo, los héroes del siglo 30 no sobrevivieron. Irónicamente, unos años más tarde, el título sería cancelado debido a las bajas ventas. Por primera vez después de medio siglo de publicación ininterrumpida, la Legión de Súper-Héroes sería derrotada por el enemigo más peligroso de todos: la incompetencia de los editores actuales de DC.

Information is a privilege and in many cases a most useful resource. Imagination, on the other hand, may be deemed as impractical or simply unnecessary. If you’re a writer, having information is certainly helpful, but nothing can replace imagination. “The Facts in the Case of the Departure of Miss Finch” (originally published by Dark Horse Comics as a hardcover edition in 2008) is a delightful standalone graphic novel that reuinites these two seemingly irreconciliable positions.

In the opening sequence we get to meet a smart, successful and famous British writer (perhaps Neil Gaiman’s alter ego) who decides to go out with two writers, close friends of his, and the enigmatic Miss Finch, a woman who seems to be an expert in a number of scientific fields. She possesses more knowledge than anyone else, and she has no problems in sharing all this information with the protagonist and the rest of the group.

Due to a series of strange coincidences, they end up in a circus. But it’s not the typical circus. First of all, it’s located underneath the streets of London, in one of the oldest parts of the city. The men and women performing in the circle are very strange creatures, some of them barely resemble normal human beings. Of course, the protagonist and their friends, confidente in the information at hand, quickly theorize about the elaboration of luminic effects, complex makeup processes and many other tricks that might explain what they’re looking at.

“We’re always processing more information than we imagine”, affirms the protagonist. And I’d like to add that we’re constantly working with our imagination, often in mysterious and unfathomable ways; and when it’s impossible to understand the world around us then we simply imagine a different world to make sense of it all. Slowly but surely, the protagonist begins to understand that there is something eerily real behind the acts he’s witnessing.

The public goes from one room to the next, and as they move forward, the show gets weirder and weirder. There are 10 rooms, just like there are 10 circles of hell in Dante Alighieri’s Divine Comedy. And in the same way that each one of the circles of hell represents an specific stage of condemnation or a special sin, each one of the rooms in the circus represents a different state of mind, a different mood, and a physical manifestation of those things that can only exist in fantasy books or old horror movies.

In addition to vampires, zombies, Frankenstein monsters and other citizens of the underworld, we even get to see Alice Cooper warning the public about what they might run into. Neil Gaiman and Michael Zulli had already given us a very personal reinterpretation of singer Alice Cooper in “The Last Temptation”, and this time they rebuild some of the tension and histrionism from that graphic novel.

My favorite moment involves Miss Finch and the Cabinet of Wishes Fulfill'd. For the first time in her life, she’s offered the opportunity to make her innermost wish come true. “Beware what you wish for”, goes an old Chinese proverb. And indeed Miss Finch should’ve been careful… she has one wish: to go back in time and see in person the smilodons, the sabretooth tigers, she has studied and read about for years. And then something unbelievable happens: her dream comes true.

There is a fascinating moment in which the protagonist steps into a prehistoric forest, and he feels that he’s being watched by animals. A few seconds later, he clearly sees Miss Finch, now a beautfil cavewoman, flanked by two sabretooth tigers. The temperature, the smell of the animals, the sounds, everything is so real that he realizes this is no trick. This is actually happening, and unless he takes the necessary precautions he may very well end up devoured by these beautiful but deadly beasts.

“The Facts in the Case of the Departure of Miss Finch” is magnificently illustrated by Michael Zulli. This time, however, the artist chooses looser lines instead of his usually meticulous and precise lines, there is an undeniable beauty in his expressionistic brushwork, and even if it’s quite different from his previous works (which were much closer to Durero’s etchings than the typical and average comic book drawing), it still succeeds in conveying just the right amout of visual information, while preserving a magical atmosphere that seems to permeate every single page. In books like The Fracture of the Universal Boy, I was left in awe after admiring Zulli’s highly detailed work, and in this Dark Horse graphic novel, I’m simply surprised by his versatility as a creator.
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La información es un privilegio y en muchos casos un recurso muy útil. La imaginación, por otro lado, puede ser considerada como poco práctica o simplemente innecesaria. Para un escritor, tener información es ciertamente útil, pero nada puede sustituir a la imaginación. “Los hechos en el caso de la partida de la señorita Finch” (publicada originalmente por Dark Horse Comics como una edición de tapa dura el 2008) es una deliciosa novela gráfica independiente que reúne estas dos posiciones aparentemente irreconciliables.

En la secuencia inicial conocemos a un escritor británico inteligente, exitoso y famoso (tal vez el alter ego de Neil Gaiman) que decide salir con dos escritores, amigos cercanos, y la enigmática señorita Finch, una mujer que parece ser una experta en diversos campos científicos. Ella posee más conocimientos que cualquier otra persona, y no tiene problemas en compartir toda esta información con el protagonista y el resto del grupo.

Debido a una serie de extrañas coincidencias, ellos terminan en un circo. Pero no es el circo típico. En primer lugar, se encuentra debajo de las calles de Londres, en una de las zonas más antiguas de la ciudad. Los hombres y mujeres del circo son criaturas muy extrañas, algunos de ellos apenas parecen seres humanos normales. Por supuesto, el protagonista y sus amigos, confiados en la información, teorizan rápidamente acerca de la elaboración de efectos lumínicos, complejos procesos de maquillaje y muchos otros trucos que podrían explicar lo que están viendo.

“Siempre estamos procesando más información de lo que imaginamos”, afirma el protagonista. Y me gustaría añadir que estamos trabajando constantemente con nuestra imaginación, a menudo en formas misteriosas e insondables; y cuando es imposible entender el mundo que nos rodea entonces simplemente imaginar un mundo diferente ayuda a dar sentido a las cosas. Poco a poco, el protagonista comienza a entender que hay algo extrañamente real detrás de los actos que está presenciando.

El público pasa de una habitación a otra, y mientras se mueven hacia adelante, el espectáculo se vuelve más raro y más raro. Hay 10 habitaciones, al igual que los 10 círculos del infierno en la Divina Comedia de Dante Alighieri. Y de la misma manera que cada uno de los círculos del infierno representa una etapa específica de la condena o un pecado especial, cada una de las habitaciones en el circo representa un estado diferente de la mente, un estado de ánimo diferente, y una manifestación física de esas cosas que sólo pueden existir en los libros de fantasía o en las películas de terror antiguas.

Además de los vampiros, zombis, monstruos de Frankenstein y otras creaturas del mundo subterráneo, también vemos por ahí a Alice Cooper dándoles advertencias al público. Neil Gaiman y Michael Zulli ya nos habían dado una reinterpretación muy personal del cantante Alice Cooper en “La última tentación”, y esta vez reconstruyen de modo similar la tensión y el histrionismo de esa novela gráfica.

Mi momento preferido involucra a la señorita Finch y el Gabinete de los deseos cumplidos. Por primera vez en su vida, a ella le ofrecen la oportunidad de hacer realidad sus deseos más íntimos. “Ten cuidado con lo que deseas”, dice un viejo proverbio chino. Y de hecho la señorita Finch debería haber sido cuidadosa... ella tiene un deseo: volver atrás en el tiempo y ver en persona a los esmilodontes, los tigres dientes de sable, que ha estudiado e investigado por años. Y entonces ocurre algo increíble: su sueño se hace realidad.

Hay un momento fascinante en el que el protagonista se mete en un bosque prehistórico, y siente que está siendo observado por los animales. Unos segundos más tarde, él ve claramente a la señorita Finch, ahora una hermosa cavernícola, flanqueada por dos tigres dientes de sable. La temperatura, el olor de los animales, los sonidos, todo es tan real que él se da cuenta de que esto no es un truco. Esto realmente está sucediendo, y a menos que tome las precauciones necesarias podría ser devorado por las preciosas pero mortales bestias.

“Los hechos en el caso de la partida de la señorita Finch” está magníficamente ilustrado por Michael Zulli. Esta vez, sin embargo, el artista elige líneas más flexibles en lugar de su enfoque por lo general meticuloso y preciosista, hay una innegable belleza en su pincelada expresionista, e incluso si es muy diferente de sus trabajos anteriores (que eran mucho más cercanos a los grabados de Durero que al típico dibujo de un cómic y promedio), igual logra transmitir una gran cantidad de información visual, preservando al mismo tiempo un ambiente mágico que parece impregnar cada página. En libros como “The Fracture of the Universal Boy”, me quedé asombrado después de admirar el trabajo tan detallado de Zulli, y en esta novela gráfica de Dark Horse, simplemente estoy sorprendido por su versatilidad como creador.

I’ve been extremely busy the past few weeks, but at least in September I managed to actually go to the movies twice. First, I went to the Union (which is free for all UWM students) and I saw Microbe et Gasoil (2015), an extraordinary coming of age tale that revolves around two ostracized boys (Ange Dargent and Théophile Baquet). The talented Michel Gondry delves deep into the minds of these adolescent misfits, constantly ostracized by their peers and consistently ignored or simply mistreated by their parents. The filmmaker plays with our expectations, challenging our own perception of what is and isn’t possible in the life of a couple of kids from Versailles. The first masturbatory experiences, the awkwardness of the first love, the insatiable curiosity about sex, and furthermore, the urgent need for adventure, will force the protagonists to build their own extravagant vehicle and abandon their respective homes, looking for an undefined and eternally unreachable adolescent dream. A masterpiece of contemporary French cinema, Microbe et Gasoil is definitely a must see.

Just a few days ago I also had a chance to go the Oriental Theatre with some of my colleagues (we got free tickets and I only had to walk one block to get there). Built as a “movie palace” in 1927, the Oriental Theatre has all the glamour of the past and the unique charm of the present, as it is currently participating in the Milwaukee Film Festival. I saw Ahora o nunca (2015), a very funny Spanish romantic comedy directed by Maria Ripoll. Although I don’t particularly enjoy this sort of productions, I must admit I got a few laughs out of it, and there were some moments that I really enjoyed.
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He estado bastante ocupado las últimas semanas, pero al menos en setiembre me las arreglé para ir al cine dos veces. En primer lugar, fui a the Union (salía gratis para todos los estudiantes de UWM) y vi "Microbe et Gasoil" (2015), una extraordinaria historia sobre lo difícil que es crecer. El film gira en torno a dos chicos marginados (Ange Dargent y Théophile Baquet). El talentoso Michel Gondry se adentra profundamente en las mentes de estos adolescentes inadaptados, constantemente rechazados por sus compañeros y sistemáticamente ignorados o simplemente maltratados por sus padres. El realizador juega con nuestras expectativas, desafiando nuestra propia percepción de lo que es y no es posible en la vida de un par de chiquillos de Versalles. Las primeras experiencias con la masturbación, la torpeza del primer amor, la insaciable curiosidad sobre el sexo, y, además, la necesidad urgente de aventura, obligará a los protagonistas a construir su propio vehículo extravagante y abandonar sus respectivas casas, en busca de un indefinido y eternamente inalcanzable sueño adolescente. Una obra maestra del cine francés contemporáneo, Microbe et Gasoil es sumamente recomendable.

Hace pocos días también tuve la oportunidad de ir al Teatro Oriental con algunos de mis colegas (recibimos entradas gratuitas y solamente tuve que caminar una cuadra para llegar ahí). Construido como una "palacio de cine" en 1927, el Teatro Oriental tiene todo el glamour del pasado y el encanto único del presente, y es que está participando actualmente en el Festival de Cine de Milwaukee. Vi "Ahora o nunca" (2015), una divertida comedia romántica española dirigida por María Ripoll. Aunque no soy un gran fan de este tipo de producciones, debo admitir que pude reírme un poco, y hubo algunos momentos que disfruté mucho.

I've written about British authors on countless occasions. Perhaps that is something I do consciously, although I must admit years ago I wasn't aware of who exactly came from the United Kingdom... At some point I was sure that the best American creators were Chris Claremont and John Byrne. It didn’t occur to me, back then, that they were honorary Americans. Claremont and Byrne were actually born in England, although they both moved to the US at an early age.

48: Gil Kane [] 49: Ron Wilson

I wonder if that expatriate condition somehow made it easier for them to understand each other. I assume they had plenty of things in common due to their British background and their experience growing up in the United States. So it’s quite a funny coincidence that these British-born American comic-book creators would end up working in the same Marvel books, and not just once or twice. Claremont and Byrne teamed up in Iron Fist, and later in Luke Cage: Power Man, which would finally be retitled as Power Man and Iron Fist. Sadly, after only a few issues Byrne lost interest in the characters and decided to move on; shortly after Byrne’s departure, the title would be canceled.

50: Dave Cockrum

In “Fist of Iron -- Heart of Stone!” (originally published in Power Man # 48, December 1977), Luke Cage is blackmailed by crime boss Bushmaster. Forced to kidnap Misty Knight, Power Man breaks into the luxurious residence of Danny Rand (AKA Iron Fist), and runs into Colleen Wing. Enraged and desperate to complete his mission, Cage tries to subdue Wing, but the girl proves why she is so respected as an expert in martial arts. Claremont intensifies the tension and the suspense in a spectacular chasing sequence.

As Power Man, Luke Cage is invulnerable and super strong, so he’s basically invincible in combat, and yet, Wing takes him by surprise thanks to her agility and stamina. Resourceful and smart, Wing proves to be a formidable adversary, and Claremont never exaggerates the extent of her abilities, after all, she’s only human, but her training and fighting skills give her a special advantage. Rand’s huge house provides Wing with more than a few places to hide, and that’s how she stalls Power Man long enough to Misty Knight and Iron Fist. It’s never easy to write a confrontation between an ordinary individual and a superhuman, but Claremont certainly knows how to make it work.

Of course, another one of my favorite moments is the fight between Iron Fist and Power Man (marvelously announced in the cover by Gil Kane and Joe Sinnott). They both have extraordinary abilities and powers, and Claremont really understands what the consequences of such a fight would be. In the end, however, reason prevails. And Luke Cage explains how Bushmaster forced him to capture Misty Knight.

“Seagate Is a Lonely Place To Die!” (Power Man # 49, February 1978) begins with a striking splash page, in which we get to see Iron Fist, Misty Knight, Colleen Wing and Power Man. In the late 70s, John Byrne was still refining his visual style but this particular page is an example of harmony, gravitas, composition and graphic excellence that, later on, would become Byrne’s trademark. Although in some pages Dan Green’s inks aren’t the best match for Byrne’s pencils, in this particular case the result is gorgeous. Coincidentally, I’d like to mention that the original black and white version of this page is included as an extra in the Marvel Universe By John Byrne Omnibus HC, and I can affirm that it’s absolutely impressive, even without the dashing coloring of Francoise Mouly and Ken Klaczak. The cover, by Ron Wilson and Frank Giacoia, pales in comparison with the stunning interior art.

After defeating Bushmaster in the abandoned Seagate prison (a place that Luke Cage knows too well, since he was incarcerated there for a crime he didn’t commit), Misty Knight at last finds evidence that proves Luke Cage’s innocence. “Freedom!” (Power Man # 50, April 1978) is a long-awaited celebration. Luke Cage has been exonerated but he still must fight against Stiletto and Discus. In the final pages, Luke accepts Iron Fist and Misty Knight’ invitation. From now on they’ll work together, a fact highlighted in Dave Cockrum’s dynamic cover.

After having read many other comics drawn by Byrne in the 70s, I can affirm that his best work was produced in collaboration with Claremont. They truly were the most wonderful creative team of the 70s and 80s, ushering in a new era of greatness for titles like X-Men. And all that immense potential can be found in this 3-issue saga of Power Man and Iron Fist.
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He escrito sobre autores británicos en innumerables ocasiones. Tal vez lo hago conscientemente, aunque he de reconocer que hace años no sabía exactamente quiénes habían llegado del Reino Unido... En algún momento estaba seguro de que los mejores creadores estadounidenses eran Chris Claremont y John Byrne. No se me ocurría, en aquel entonces, que eran estadounidenses por opción propia. Claremont y Byrne en realidad nacieron en Inglaterra, aunque ambos se trasladaron a los Estados Unidos a temprana edad.

Me pregunto si esa condición de expatriados de alguna manera hizo más fácil que se entendieran entre sí. Asumo que tenían un montón de cosas en común debido a sus antecedentes británicos y la experiencia de crecer en los Estados Unidos. Así que es una coincidencia bastante curiosa que estos creadores de cómics norteamericanos nacidos en el Reino Unido terminarían trabajando en los mismos títulos de Marvel, y no sólo una o dos veces. Claremont y Byrne se juntaron en Iron Fist, y luego en Luke Cage: Power Man, que finalmente pasaría a llamarse Power Man and Iron Fist. Lamentablemente, después de sólo unos pocos números Byrne perdió el interés en los personajes y decidió alejarse; poco después de la salida de Byrne, el título sería cancelado.

En “Puño de hierro -- corazón de piedra” (publicado originalmente en Power Man # 48, diciembre de 1977), Luke Cage es chantajeado por el jefe criminal Bushmaster. Obligado a secuestrar a Misty Knight, Power Man irrumpe en la lujosa residencia de Danny Rand (también conocido como Iron Fist), y allí se encuentra con Colleen Wing. Enfurecido y desesperado por completar su misión, Cage intenta someterla, pero la chica demuestra por qué es tan respetada como una experta en artes marciales. Claremont intensifica la tensión y el suspenso en una espectacular secuencia de persecución.

Luke Cage es invulnerable y muy fuerte, es básicamente invencible en combate y, sin embargo, Wing lo sorprende gracias a su agilidad y resistencia. Ingeniosa e inteligente, ella demuestra ser una formidable adversaria, y Claremont nunca exagera sus capacidades, después de todo, ella es humana, pero sus habilidades de lucha y su entrenamiento le dan una ventaja especial. La enorme casa de Rand ofrece a Wing varios lugares para esconderse, y así es como ataranta a Power Man el tiempo suficiente para que lleguen Misty Knight y Iron Fist. Nunca es fácil escribir un enfrentamiento entre un individuo ordinario y un superhombre, pero Claremont sin duda sabe cómo hacer que esto funcione.

Por supuesto, otro de mis momentos favoritos es la lucha entre Iron Fist y Power Man (maravillosamente anunciada en la portada de Gil Kane y Joe Sinnott). Ambos tienen extraordinarias habilidades y poderes, y Claremont realmente entiende cuáles serían las consecuencias de semejante combate. Al final, sin embargo, prevalece la razón. Y Luke Cage explica cómo Bushmaster lo obligó a capturar Misty Knight.

“Seagate es un lugar solitario para morir” (Power Man # 49, febrero de 1978) comienza con una página muy llamativa, en la que podemos ver a Iron Fist, Misty Knight, Colleen Wing y Power Man. A finales de los 70s, John Byrne seguía refinando su estilo visual, pero esta página en particular es un ejemplo de la armonía, la sobriedad, la composición y la excelencia gráfica que, más tarde, se convertirían en la marca registrada de Byrne. Aunque en algunas páginas las tintas de Dan Green no son la mejor opción para los lápices de Byrne, en este caso en particular, el resultado es precioso. Por cierto, me gustaría mencionar que la versión original de esta página, a blanco y negro, se incluye como extra en el Universo Marvel de John Byrne Omnibus HC, y puedo afirmar que es absolutamente impresionante, incluso sin el vibrante colorido de Francoise Mouly y Ken Klaczak. La portada, de Ron Wilson y Frank Giacoia, palidece en comparación con la sorprendente técnica del arte interior.

Después de derrotar a Bushmaster en la prisión abandonada de Seagate (un lugar que Luke Cage conoce demasiado bien, ya que fue encarcelado allí por un crimen que no cometió), Misty Knight, por fin encuentra evidencia que demuestra la inocencia de Luke Cage. “¡Libertad!” (Power Man # 50, abril de 1978) es una celebración largo tiempo esperada. Luke Cage ha sido exonerado pero ahora tiene que luchar contra Stiletto y Discus. En las páginas finales, Luke acepta la invitación de Iron Fist y Misty Knight. A partir de ahora trabajarán juntos, una circunstancia que es destacada en la dinámica portada de Dave Cockrum.

Después de haber leído muchos otros cómics dibujados por Byrne en los 70s, puedo afirmar que su mejor trabajo fue realizado en colaboración con Claremont. Ellos realmente fueron el equipo creativo más maravilloso de los 70s y 80s, y marcaron el comienzo de una nueva era de grandeza en títulos como X-Men. Y todo ese inmenso potencial se puede encontrar en este pequeña saga de 3 capítulos.

“There are two things which make a battle great -- the warriors and the stakes for which they compete”, explains Ben Raab in the foreword of Greatest Battles of the X-Men. In the case of the X-Men, the struggle is not only against a certain rival but also against abstract concepts like fear and prejudice. When Stan Lee and Jack Kirby created the Sentinels in “Among Us Stalk...The Sentinels!”, they combined in a single army of deadly robots these two notions. After all, the Sentinels were programmed to hunt and destroy mutants, but the real enemy was the man behind the programming.

In the original story, eminent anthropologist Bolivar Trask built the Sentinels to protect mankind from the mutants, but in the end he realized that his ‘cure’ was much worse than the ‘disease’, and he decided to sacrifice his life to destroy the Sentinels. However, Larry Trask blames the X-Men for the death of his father, and he rebuilds the Sentinels. So once again “The Sentinels Live!” (originally published in The X-Men # 57, June 1969).

For Roy Thomas, the most horrifying aspect of the Sentinels isn’t their capacity for destruction but rather the fact that they are the embodiment of all the hate humans feel towards mutants. One of Thomas most inspired moments takes place in “Mission: Murder!” (The X-Men # 58, July 1969), when the Sentinels start capturing mutants all over the US (and the success of this operation prompts other nations to demand the use of Sentinels to decimate their mutant population). However, the public opinion is divided, despite all the propaganda, all the prejudices, there are men and women who cannot agree with the way mutants are being treated: “Americans begin to question the wisdom --even the constitutionality-- of this modern witch hunt”. That was Charles Xavier’s greatest concern when the Sentinels first appeared, and the situation is even more dangerous now.

For Larry Trask, mutants are like garbage that needs to be eliminated. “How can one be humane… to monsters that aren’t even human”, affirms Trask, emphasizing that he’ll show the world “the true depths of mutant depravity”. Last time, Professor X played a key role in defeating the Sentinels, but this time he’s absent. So it’s up to Cyclops, Jean Grey, Angel, Beast and Iceman to come up with a plan in time to save themselves and the rest of the mutants that have already been captured.

One of the elements that I enjoyed the most about this Sentinels Trilogy, is the how ambitious in scope it is. In the original tale, the robots seems to be only after the X-Men. But this time both heroes and villains are chased down. In different pages we see the Sentinels attacking Mesmero and Magneto, imprisoning classic foes like Unus the Untouchable, the Blob or Mastermind. Even Scarlet Witch and Quicksilver are unable to escape from the large army of Sentinels. One by one, they all fall: Banshee, Havoc, Polaris, etc.

Havoc

There is a reason why Cyclops is featured prominently in the cover of the final chapter “Do or Die, Baby!” (The X-Men # 59, August 1969). Because Cyclops, Jean Grey and Beast are the only ones left. They are the last X-Men but also the last mutants that can attempt to overcome the Sentinels. But despite their abilities, they don’t have enough power to stand against an entire army of Sentinels. In the final pages, Cyclops last desperate gambit pays off. He questions the Sentinels, finding a weak point in their strict robotic logic. If their mission is to protect humans, and annihilate mutants, then what happens with the fact that all humans are ‘mutated’ in a way? From Cro-Magnon to Neanderthal and then to Homo sapiens, our species has evolved (or mutated) through time. It’s quite interesting to observe that using his powers, Cyclops cannot win, but using his intellect, he rises victorious.

Beast & Iceman

These three issues were penciled by the legendary Neal Adams and inked by Tom Palmer. Adams work is absolutely exquisite: harmonious, dynamic, vibrant, it combines the best attributes of men like Kirby, but adding a very unique style. Neal Adams plays with the basic structure of the page, changing the usual arrangement of panels. There is not a single monotonous image, everything the artist does is full of energy and visual beauty. Adams covers are iconic and breathtakingly dramatic.
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“Hay dos cosas que hacen que una batalla sea grandiosa -- los guerreros y aquello que está en juego y que los lleva a competir”, explica Ben Raab en el prólogo de “Las batallas más grandiosas de los X-Men”. En el caso de los X-Men, la lucha no es sólo contra un determinado rival sino también contra conceptos abstractos como el miedo y los prejuicios. Cuando Stan Lee y Jack Kirby crearon los centinelas en “Entre nosotros acechan... los centinelas”, combinaron en un sólo ejército de robots letales estas dos nociones. Después de todo, los centinelas fueron programados para cazar y destruir a los mutantes, pero el verdadero enemigo era el hombre detrás de esta programación.

Larry Trask

En la historia original, el eminente antropólogo Bolivar Trask construyó los centinelas para proteger a la humanidad de los mutantes, pero al final se dio cuenta de que su "cura" era mucho peor que la "enfermedad", y decidió sacrificar su vida para destruir a los centinelas . Sin embargo, Larry Trask culpa a los X-Men de la muerte de su padre, y él reconstruye a los centinelas. Así que una vez más “Los centinelas viven” (publicado originalmente en The X-Men # 57, junio de 1969).

Para Roy Thomas, el aspecto más horrible de los centinelas no es su capacidad de destrucción, sino más bien el hecho de que son la encarnación de todo el odio que los seres humanos sienten hacia los mutantes. Uno de los momentos más inspirados de Thomas está presente en “Misión: asesinato” (The X-Men # 58, julio de 1969), cuando los centinelas inician la captura de mutantes en todo los Estados Unidos (y el éxito de esta operación hace que otras naciones soliciten el uso de centinelas para diezmar a la población mutante). Sin embargo, la opinión pública está dividida, a pesar de toda la propaganda, y todos los prejuicios, hay hombres y mujeres que no pueden estar de acuerdo con la forma en que los mutantes están siendo tratados: “los estadounidenses comienzan a cuestionar la sabiduría --incluso la constitucionalidad-- de esta moderna cacería de brujas”. Cuando los centinelas aparecieron por primera vez, esa era la mayor preocupación de Charles Xavier, y la situación es aún más peligroso ahora.

Para Larry Trask, los mutantes son basura que necesita ser eliminada. “¿Cómo puede uno ser humanitario... con esos monstruos que ni siquiera son humanos?”, pregunta Trask, haciendo hincapié en que él va a mostrarle al mundo “la verdadera profundidad de la depravación mutante”. La última vez, el Profesor X jugó un papel clave en la derrota de los centinelas, pero esta vez él está ausente. Por eso le toca a Cyclops, Jean Grey, Angel, Beast y Iceman idear un plan para salvarse a sí mismos y al resto de los mutantes que ya han sido capturados.

Mesmero & Magneto

Uno de los elementos que más me gustó de esta Trilogía de los Centinelas, es su ambicioso alcance. En el relato original, los robots parecen perseguir únicamente a los X-Men. Pero esta vez tanto héroes como villanos son atrapados. En diferentes páginas vemos a los centinelas atacando a Mesmero y a Magneto, vemos el encarcelamiento de enemigos clásicos como Unus el Intocable, la Blob o Mastermind. Incluso Scarlet Witch y Quicksilver son incapaces de escapar. Uno por uno, todos caen: Banshee, Havoc, Polaris, etc.

Scarlet Witch & Quicksilver

Cyclops aparece en un lugar destacado de la portada del último capítulo “Haz o muere, bebé” (The X-Men # 59, agosto de 1969). Cyclops, Jean Grey y Beast son los únicos que quedan; no sólo son los últimos X-Men, sino también los últimos mutantes que pueden intentar vencer a los centinelas. Pero a pesar de sus capacidades, no tienen el poder suficiente para enfrentarse a todo un ejército de centinelas. En las páginas finales, Cyclops concreta un último y desesperado intento. Pone en duda el razonamiento de los centinelas, y encuentra un punto débil en su estricta lógica robótica. Si su misión es proteger a los seres humanos, y aniquilar a los mutantes, entonces qué ocurre con el hecho de que todos los humanos han "mutado" de una manera u otra. De Cromañón a Neanderthal y luego a Homo Sapiens, nuestros especie ha evolucionado (o mutado) a través del tiempo. Es muy interesante observar que usando sus poderes, Cyclops no puede ganar, pero al usar su intelecto, la victoria está garantizada.

Unus, Blob & Mastermind

Estos tres capítulos son dibujados a lápiz por el legendario Neal Adams y entintados por Tom Palmer. El trabajo de Adams es absolutamente exquisito: armónico, dinámico, vibrante, una combinación de los mejores atributos de hombres como Kirby, mezclados con un estilo muy singular. Neal Adams juega con la estructura básica de la página, cambia la disposición habitual de las viñetas. No hay una sola imagen monótona, todo lo que hace el artista está lleno de energía y belleza visual. Las portadas de Adams son icónicas e impresionantes.

When Earth’s Mightiest Heroes joined forces for the first time, the Marvel Universe was forever changed. The founding members of the Avengers were Iron Man, Thor, Hulk, Ant-Man (Hank Pym) and the Wasp. The first 3 were tremendously popular and each one of them had their own title, however that wasn’t the case with Ant-Man and the Wasp. They’re newcomers, and they became famous thanks to their affiliation with the Avengers. So it’s understandable that, surrounded by the most powerful superheroes in the world, Hank Pym would develop feelings of inadequacy, which led him to change from Ant-Man to Giant-Man, and later on to Goliath. This need for overcompensation would make him embrace yet another superhero alias: Yellow Jacket.

47: Bob Layton [] 48: Dave Cockrum & Bob McLeod

During his time as Yellow Jacket, Hank Pym abandoned his original costume and his helmet (which allowed him to communicate with ants). And that is precisely when Scott Lang decides “To Steal An Ant-Man!” (originaly published in Marvel Premiere # 47, April 1979). Indeed, Scott Lang had been previously incarcerated on multiple theft accounts, and after reforming and getting a formal job for Tony Stark, he finds out that his daughter Cassie has a serious heart disease. Suddenly the money he makes as an honest man isn’t enough to pay for the hospital bills, so he decides to be a thief again.

David Michelinie introduces a classic moral dilemma, one which we may have encountered before in other tales: in order to save a loved one, the protagonist must break the law. Although in this case, he’s also risking his own freedom, since getting caught will automatically send him to jail once more. Michelinie takes this premise and builds a very interesting story and, more importantly, a charismatic character. Scott Lang is a man who has paid for his errors in judgment, and yet he’s willing to sacrifice his new life if that means Cassie will get a second chance. Perhaps, in a way, Scott Lang is stronger than his predecessor Hank Pym because he has someone to fight for: a daughter. And as a father, nothing is more important to him than the child’s well-being.

Scott steals the original Ant-Man costume and the helmet, and he immediately uses his newly acquired power to find Erica Sondheim, a doctor specialized in an experimental laser procedure that might cure Cassie’s heart. The problem is that the doctor has been kidnapped by the Machiavellian Darren Cross, a superpowered individual obsessed with wealth and success. A confrontation between the new hero and the atypical villain is inevitable, and the showdown takes place in “The Price of a Heart!” (Marvel Premiere # 48, May 1979).

When I was reading these comics, I immediately remembered the Ant-Man movie. The movie is actually quite faithful to this origin story, although the filmmakers reinvented and expanded many of the comic’s subplots. I think Michelinie deserves a round of applause for achieving so much in only a handful of pages (combining both issues we’re talking of a little bit less than 40 pages). Anyway, I’m sure neither Michelinie nor Byrne expected to see their creation leaping to the big screen 36 years later. I wonder what was their opinion about the filmic adaptation. It has been rumored that Marvel’s plan in the late 70s was to launch a new series, starring Scott Lang as the new Ant-Man, but Byrne was so dissatisfied with Layton’s involvement in the project that he simply quit, and so the new title was canceled before it even got a chance to properly begin.

The action sequences, the miniaturized components, the insects and the villain’s design are all courtesy of penciler John Byrne, who provides the breakdowns for both issues. Bob Layton is in charge of the finished art and the inks, so the pages have more of Layton’s influence than anything else. Logically, the first cover was completely illustrated by Bob Layton, while the second one was done by Dave Cockrum and Bob McLeod.
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Cuando los héroes más poderosos de la Tierra se unieron por primera vez, el Universo Marvel cambió para siempre. Los miembros fundadores de los Vengadores fueron Iron Man, Thor, Hulk, Ant-Man (Hank Pym) y Wasp. Los 3 primeros eran tremendamente populares y cada uno de ellos tenía su propia colección, sin embargo, ese no era el caso con Ant-Man y Wasp. Eran recién llegados, y se hicieron famosos gracias a su afiliación con los Vengadores. Así que es comprensible que, rodeados por los superhéroes más poderosos del mundo, Hank Pym sentiría que no encajaba del todo, y eso lo llevó a pasar de Ant-Man a Giant-Man, y más tarde a Goliat. Esta excesiva necesidad de compensación lo haría abrazar un nuevo alias superheroica: Yellow Jacket.

Durante su época como Yellow Jacket, Hank Pym abandonó su traje original y su casco (lo que le permitía comunicarse con las hormigas). Y eso es precisamente lo que Scott Lang decide robar en “Robar un Ant-Man” (publicado originalmente en Marvel Premiere # 47, abril de 1979). De hecho, Scott Lang había sido encarcelado anteriormente por robo, y después de reformarse y conseguir un trabajo formal con Tony Stark, se entera de que su hija Cassie tiene una grave enfermedad cardíaca. De repente, el dinero que gana como un hombre honesto no es suficiente para pagar las facturas del hospital, por ello decide ser nuevamente un ladrón.

David Michelinie presenta un dilema moral clásico, uno que es posible que hayamos encontrado antes en otros relatos: con el fin de salvar a un ser querido, el protagonista debe romper la ley. Aunque en este caso, también está poniendo en riesgo su propia libertad, ya que si es capturado lo enviarán automáticamente a la cárcel una vez más. Michelinie toma esta premisa y construye una historia muy interesante y, lo más importante, un personaje carismático. Scott Lang es un hombre que ha pagado por sus errores de juicio, y sin embargo, está dispuesto a sacrificar su nueva vida si eso significa que Cassie tendrá una segunda oportunidad. Tal vez, de una manera, Scott Lang es más fuerte que su predecesor Hank Pym porque tiene a alguien por quien luchar: su hija. Y como padre, nada es más importante para él que el bienestar de la niña.

Scott roba el traje original de Ant-Man y el casco, e inmediatamente usa su recién adquirido poder para encontrar a Erica Sondheim, una doctora especializada en un procedimiento láser experimental que podría curar el corazón de Cassie. El problema es que la doctora ha sido secuestrada por el maquiavélico Darren Cross, un individuo con superpoderes obsesionado con la riqueza y el éxito. Una confrontación entre el nuevo héroe y el atípico villano es inevitable, y la brega se desarrolla en “El precio de un corazón” (Marvel Premiere # 48, mayo de 1979).

Cuando estaba leyendo estos cómics, recordé inmediatamente la película de Ant-Man. La adaptación fílmica es bastante fiel a esta historia de origen, a pesar de que los realizadores reinventan y expanden los argumentos secundarios del cómic. Creo que Michelinie merece un aplauso por lograr tanto en sólo un puñado de páginas (combinando ambos ejemplares estamos hablando de un poco menos de 40 páginas). De todos modos, estoy seguro de que ni Michelinie ni Byrne esperaban que su creación daría el salto a la pantalla grande 36 años después. Me pregunto cuáles serían sus opiniones acerca de la mega-producción. Existe el rumor de que el plan de Marvel a finales de los 70s era el lanzamiento de una nueva serie, protagonizada de Scott Lang como el nuevo Ant-Man, pero Byrne estaba tan insatisfecho con la participación de Layton en el proyecto que, simplemente, renunció, por eso el nuevo título fue cancelado antes de poder empezar.

Las secuencias de acción, los componentes miniaturizados, los insectos y el diseño del villano son cortesía del dibujante John Byrne, que proporciona las ilustraciones en los dos números. Bob Layton está a cargo de los acabados y las tintas, por eso estas páginas tienen mucha influencia de Layton. De hecho, la primera portada fue completamente ilustrada por Bob Layton, mientras que la portada del segundo número sería realizada por Dave Cockrum y Bob McLeod.

Instead of talking about the comics I bought last month, I decided that it would be a good idea to share with you my latest foray into the zombie genre: Dawn of the Undead. If you’re a fan of The Walking Dead or zombie movies in general, then I’m absolutely sure you’ll enjoy it. This comic includes plenty of bonus material and a few surprises (such as the fan-favorite “Map of conspirators”).

You will find the comic here:
https://www.comixology.com/Dawn-of-the-Undead-1/digital-comic/308622

Enjoy!
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En vez de hablar sobre los cómics que compré el mes pasado, decidí que sería una buena idea compartir con todos mis propias historias de temática zombi “Dawn of the Undead”. Si son fans de The Walking Dead o de las películas de muertos vivientes en general, entonces definitivamente les va a gustar. Este cómic incluye material adicional y algunas sorpresas (como el aclamado “Mapa de conspiradores”).

Encontrarán el cómic aquí:
https://www.comixology.com/Dawn-of-the-Undead-1/digital-comic/308622

¡Disfruten!

“The most unusual teen-agers of all time” were created in 1963 by Stan Lee and Jack Kirby; however, they had to step down from the title, and were replaced by plotters and pencilers that didn’t seem to understand why The X-Men were so special in the first place. “Forty years ago, The X-Men stood at the brink of cancellation, with few fans paying much attention to this forgotten title”.

In the 70s, Marvel editors realized that it was about time to resurrect the mutants series. And that’s what writer Len Wein and artist Dave Cockrum would accomplish in “Second Genesis” (originally published in Giant Size X-Men # 1, July 1975); Wein introduced “A team of diverse new mutants that represented a stark contrast to the familiar teenaged X-Men lineup. These ‘all new, all different’ X-Men were adults, hailing from countries around the globe”.

The founding members of the X-Men (Angel, Beast, Cyclops, Iceman, Marvel Girl) seemed to come mostly from the affluent suburbs of 1960s America, and in fact one of them (Warren Worthington III, AKA Angel) was heir to one of the wealthiest families in the continent. Len Wein decided to change this all-white, all-American team, and the result was amazing. In this giant size issue we see how Professor X travels around the world to recruit a new team of X-Men. Charles Xavier finds Kurt Wagner (AKA Nightcrawler) in Winzeldorf, Germany, and saves the blue-skinned mutant from an enraged mob; Xavier persuades secret agent Logan (AKA Wolverine), stationed in Quebec, Canada, to join the team; Sean Cassidy (AKA Banshee), an Irish mutant that had relocated to Nashville, Tennessee, is also contacted; Ororo Munroe (AKA Storm), worshipped as a goddess in Kenya, East Africa, agrees to move to the US; and so does Piotr Rasputin (AKA Colossus), who had never left his Ust-Ordynski collective farm, in Lake Baikal, Siberia; the final member would be John Proudstar (AKA Thunderbird), an apache from Camp Verde, Arizona. Shiro Yoshida (AKA Sunfire), is Japan’s greatest hero; he agrees to participates in the initial skirmish but returns to his country immediately afterwards.

All of a sudden, the X-Men had turned into the first multi-ethnic and truly international superhero group in the history of comics. Of course, I can only imagine how surprised the audience was back in the day. but judging by the fans letters (which, luckily for me, have been included in the deluxe hardcover edition of Uncanny X-Men Omnibus Vol. 1) Len Wein’s proposal was an immediate success. “The formation of a new team to rescue the missing members of the original” was, certainly, a clever plot. After defeating Krakoa, the living island, all the founding members except Cyclops take a leave of absence.

“Len and Dave laid the foundation, in a debut issue that remains a marvel (so to speak) of power and storytelling clarity, introducing its characters and situations with an eloquence and economy that many titles today might do well to emulate” explained Chris Claremont in his foreword. The second issue was also planned as a giant size edition, but in the end writers Len Wein and Chris Claremont divided it into two standard comics: “The Doomsmith Scenario!” (The X-Men #94, August 1975) and “Warhunt!” (The X-Men #95, October 1975). This time Count Nefaria and his Ani-Men have take over a military base and threatens to unleash a full scale nuclear attack: “I demand a ransom from each nation on Earth, the amount to be determined by each nation’s ability to pay. If my demands are not met… I shall launch America’s entire inventory of nuclear missiles”, says the villainous count.

Obviously, Wein and Claremont are paying homage to X-Men # 1, in which Magneto also took control of a military base, with a similar plan in mind. However Len Wein “wanted to show, as dramatically as possible, that this team operated under a deadlier set of realities than their predecessors”, states Claremont. This is made more than evident in the confrontation between the mutants and the arrogant count. There are moments which, as a reader, I absolutely loved, such as Nightcrawler’s inability to teleport himself in certain situations (for instance, if he’s falling from a plane, he can’t teleport because he’ll “materialize with the same velocity” he started with). We see a lot of last minute rescues, which really add a lot of excitement to the comic. But perhaps the greatest surprise for everyone was the death of Thunderbird, who tries (and fails) to stop Count Nefaria’s escaping airplane.

For Claremont, this was “a title fueled more by hope than true expectations”. Thanks to his writing skills and Dave Cockrum’s remarkable artwork, the X-Men quickly became the most popular characters in the Marvel Universe. Cockrum was already a very respected creator thanks to his run on DC’s Legion of Super-Heroes, and he was responsible for redesigning the X-Men costumes as well as creating new ones. Finally, veteran artist Gil Kane was in charge of the dynamic covers of Giant Size X-Men # 1, X-Men # 94 and 95.
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“Los más inusuales adolescentes de todos los tiempos” fueron creados en 1963 por Stan Lee y Jack Kirby; sin embargo, ambos tuvieron que retirarse del título, y fueron reemplazados por argumentistas y dibujantes que no parecían entender por qué los X-Men eran tan especiales. “Hace cuarenta años, los X-Men se situaban al borde de la cancelación, eran pocos los lectores que le prestaban atención a este título olvidado”.

En los 70s, los editores de Marvel se dieron cuenta de que ya era hora de resucitar la serie de mutantes. Y eso es lo que el escritor Len Wein y el artista Dave Cockrum lograrían en “Second Genesis” (publicado originalmente en Giant Size X-Men # 1, julio de 1975); Wein presentó “Un equipo diverso de nuevos mutantes que representaban un marcado contraste con la alineación adolescente de los primeros X-Men. Estos nuevos y muy diferentes X-Men eran adultos, procedentes de países de todo el mundo”.

Los miembros fundadores de los X-Men (Angel, Beast, Cyclops, Iceman, Marvel Girl) parecían provenir principalmente de los barrios ricos de la América sesentera, y de hecho uno de ellos (Warren Worthington III, conocido como Angel) era el heredero de una de las familias más acaudaladas de la nación. Len Wein decidió cambiar todo esto, y el resultado fue sorprendente. En esta edición gigante vemos cómo el Profesor X viaja por todo el mundo para reclutar a un nuevo equipo de X-Men. Charles Xavier encuentra a Kurt Wagner (también conocido como Nightcrawler) en Winzeldorf, Alemania, y salva al mutante de piel azul de una turba enfurecida; Xavier convence al agente secreto Logan (también conocido como Wolverine), acuartelado en Quebec, Canadá, para formar parte del equipo; Sean Cassidy (alias Banshee), un mutante irlandés que se había trasladado a Nashville, Tennessee, también se pone en contacto; Ororo Munroe (alias Storm), adorada como una diosa en Kenia, África, se compromete a mudarse a Estados Unidos; y lo mismo ocurre con Piotr Rasputin (alias Coloso), que nunca había salido de su granja colectiva Ust-Ordynski, en el lago Baikal, en Siberia; el miembro final sería John Proudstar (alias Thunderbird), un apache de Campo Verde, Arizona. Shiro Yoshida (alias Sunfire), el héroe más grande de Japón, está de acuerdo con participar en la escaramuza inicial, pero regresa a su país inmediatamente después.

De repente, los X-Men se habían convertido en el primer grupo de superhéroes multiétnico y verdaderamente internacional en la historia del cómic. Por supuesto, sólo puedo imaginar la sorpresa del público en ese entonces. Pero a juzgar por las cartas (que, por suerte para mí, han sido incluidas en la edición de lujo en tapa dura de Uncanny X-Men Ómnibus Vol 1) la propuesta de Len Wein fue un éxito inmediato. “La formación de un nuevo equipo para rescatar a los miembros del original” fue, sin duda, una trama inteligente. Después de derrotar a Krakoa, la isla viviente, todos los miembros fundadores excepto Cyclops deciden abandonar sus roles superheroicos.

“Len y Dave sentaron las bases, en un primer número que sigue siendo una maravilla (por así decirlo) de potencia y claridad narrativas, la introducción de los personajes y situaciones es de una elocuencia y una economía tal que muchos títulos de hoy harían bien en emular”, explicó Chris Claremont en su prólogo. El segundo número también se planteó como una edición de tamaño gigante, pero los escritores Len Wein y Chris Claremont lo dividieron en dos cómics estándar: “El escenario del fin del mundo” (The X-Men # 94, agosto de 1975) y “Guerra y cacería” (The X-Men # 95, octubre de 1975). Esta vez el Conde Nefaria y sus Ani-Men capturan una base militar y amenazan con desatar un ataque nuclear a gran escala: “Exijo un rescate de cada nación de la Tierra, el importe será determinado por la capacidad de pago de cada nación. Si no se cumplen mis demandas... voy a poner en marcha todo el inventario de misiles nucleares de Estados Unidos”, dice el malévolo conde.

Obviamente, Wein y Claremont rinden homenaje a X-Men # 1, en el que Magneto también tomó el control de una base militar, con un plan similar en mente. Sin embargo Len Wein “quería mostrar, de forma tan dramática como era posible, que este equipo operaba bajo un conjunto de realidades más letales que sus predecesores”, afirma Claremont. Esto se hace más que evidente en la confrontación entre los mutantes y el arrogante aristócrata. Hay momentos en los que, como lector, me encantó ver la incapacidad de Nightcrawler de teletransportarse a sí mismo en ciertas situaciones (por ejemplo, si se está cayendo desde un avión, no puede teletransportarse, porque se va a “materializar con la misma velocidad” con la que comenzó). Vemos una gran cantidad de rescates de última hora, y esto realmente añade un montón de emoción al cómic. Pero quizás la mayor sorpresa para todos fue la muerte de Thunderbird, que trata de detener el avión del conde Nefaria, y fracasa.

Para Claremont, este era “un título que se publicaba más por esperanza que por expectativas verdaderas”. Gracias a sus habilidades como guionista y al notable trabajo gráfico de Dave Cockrum, los X-Men se convirtieron rápidamente en los personajes más populares del Universo Marvel. Cockrum ya era un creador muy respetado gracias a su carrera en la Legión de Superhéroes, en DC, y fue responsable de rediseñar los trajes de los X-Men, así como la creación de los nuevos personajes. Por último, el veterano artista Gil Kane estuvo a cargo de las dinámicas portadas de Giant Size X-Men # 1, y X-Men # 94 y 95.

In October, UWM celebrated the 31st Annual Milwaukee LGBT Film/Video Festival. Although there were many interesting films, documentaries and short films, I was so busy that I barely had time to go to the Union once. I decided to watch Théo et Hugo dans le même bateau (2016), directed by Olivier Ducastel and Jacques Martineau, a couple of French directors that had already impressed me with previous works such as Crustacés & coquillages. Paris 05:59 (as it was titled in English), focuses on two young men (Geoffrey Couët and François Nambot) who run into each other in a sex club in Paris. Although at first glance it might seem like the filmmakers are simply examining the promiscuity of the French gay community, the truth is that they go much deeper, analyzing the motivations of the protagonists, their loneliness and their need to connect with each other. Unprotected sex, however, has serious consequences, and they both find out they might be HIV positive. Ducastel and Martineau create an intense narrative, full of shocking scenes but also delicate, tender and extraordinarily moving moments. Combining love and sexuality, freedom and youth, the directors deliver a heartfelt testimony of what it means to be young and gay in today’s France.

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En octubre, UWM celebró el 31 Festival Anual de Cine/Video LGBT de Milwaukee. Aunque había muchas películas, documentales y cortometrajes interesantes, estuve tan ocupado que apenas tuve tiempo de ir a Union una vez. Decidí ver “Théo et Hugo dans le même bateau” (2016), dirigido por Olivier Ducastel y Jacques Martineau, un par de directores franceses que ya me habían impresionado con obras anteriores como “Crustacés & coquillages”. “París 05:59” (título en inglés), se enfoca en dos jóvenes (Geoffrey Couët y François Nambot) que se encuentran en un club de sexo, en París. Aunque a primera vista pareciera que los cineastas simplemente están examinando la promiscuidad de la comunidad gay francesa, la verdad es que van mucho más allá, analizando las motivaciones de los protagonistas, su soledad y su necesidad de conectarse. El sexo sin protección, sin embargo, tiene consecuencias graves, y ambos descubren que pueden ser VIH positivos. Ducastel y Martineau crean una narrativa intensa, llena de escenas impactantes pero también momentos delicados, tiernos y extraordinariamente emotivos. Combinando amor y sexualidad, libertad y juventud, los directores entregan un testimonio sincero de lo que significa ser joven y gay en la Francia de hoy.

Some of the best Marvel villains have a unique elegance and a true majestic attitude. Some are even kings or rulers of nations, such as Dr. Doom; others are respected due to their leadership and vision, such as Magneto. Perhaps the allure of such characters is their disregard for the democratic process. They know they’re right, they have a clear mission and they have enough power and resources to win the battle.

Etymologically, the term villain derives from villa, and therefore the original meaning of villain is peasant; exactly the opposite of a noble man. So a super-villain like Count Nefaria is practically an oxymoron: an enemy (villain) that comes from one of Europe’s most privileged royal families. But Luchino Nefaria is a fascinating character precisely because of that strong contradiction. A representative of Italy’s aristocracy, Nefaria shares a few similitudes with the Prince in “Il Gattopardo”; in this nostalgic novel, Giuseppe Tomasi di Lampedusa recreates the end of an era, the decline of royalty and the ascension of new social classes.

I’ve been a huge fan of Count Nefaria for years. This tragic figure represents the end of royalty and the frustration of those who once had power and now have lost it. Furthermore, Nefaria’s impoverished situation is even more dramatic if we consider that he holds a nobility title, a document which is becoming more and more useless in today’s world. Count Nefaria is a man who owes money to his former colleagues, and those debts are the result of his failed plans to prevail against the superpower of democracy (namely, America’s superheroes).

In “To Fall by Treachery!” (originally published in The Avengers # 164, October 1977), Count Nefaria reunites the Lethal Legion (Living Laser, the first Power Man and Whirlwind), and persuades them to rob banks so that he can fund his projects. These 3 uncouth villains mock Nefaria as they see his old mansion dusty and practically abandoned. Indeed, the noble man can no longer afford a butler, not even a chauffeur (he explicitly complains about that while being forced to drive his own Rolls Royce).

Luckily for Nefaria, all his efforts seem to pay off in “Hammer of Vengeance!” (The Avengers # 165, November 1977). Project N is successful, and all of a sudden, Count Nefaria gains unlimited power. And then he attacks the Beast, Black Panther, Captain America, Scarlet Witch, Wasp, Wonder Man and Yellowjacket, defeating them with ease. John Byrne magnificently illustrates the fighting sequences between Earth’s mightiest heroes and the Italian count.

Undoubtedly, my favorite scene takes place when Nefaria defeats the Whizzer. The old hero, however, gives him a fulminant warning: “How old… are you, Nefaria? Fifty? More? You’re past your prime! You’ve acquired your strength just in time to watch it fade with the dregs of your youth”. In the same way that aristocracy is at its death throes, Count Nefaria won’t have the chance to enjoy his powers for long. Shocked by the realization, Nefaria desperately vows to use all his abilities to discover the secrets of immortality.

In “Day of the Godslayer!”, (The Avengers # 166, December 1977), Count Nefaria goes even further, as he stands against the Invincible Iron Man and even the Mighty Thor. In fact, only the combined power of the Odinson and the Vision are able to stall him momentarily. During the fight, Nefaria has aged considerably. Wielding such formidable powers has taken a toll on him.

Jim Shooter’s script is entertaining and full of interesting ideas. And as I’ve mentioned before, John Byrne’s art in these issues is absolutely delightful. Additionally, inker Pablo Marcos really enhances Byrne’s lines. The cover artist is the incomparable George Pérez, although he gets so many different inkers (John Tartaglione, Mike Esposito and Ernie Chan) that sometimes it becomes hard to appreciate his characteristic style.
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Algunos de los mejores villanos de Marvel tienen una elegancia única y una actitud verdaderamente majestuosa. Algunos son incluso reyes o gobernantes de naciones, como el Dr. Doom; otros son respetados debido a su liderazgo y visión, como Magneto. Tal vez el atractivo de tales personajes es su desprecio por el proceso democrático. Ellos saben que tienen razón, tienen una misión clara y tienen suficiente poder y recursos para ganar la batalla.

Etimológicamente, el término villano deriva de villa, y por lo tanto el significado original de villano es campesino; Exactamente lo contrario de un hombre noble. Así que un supervillano como el Conde Nefaria es prácticamente un oxímoron: un enemigo (villano) que proviene de una de las familias reales más privilegiadas de Europa. Pero Luchino Nefaria es un personaje fascinante precisamente por esa fuerte contradicción. Representante de la aristocracia italiana, Nefaria comparte algunas similitudes con el príncipe de "Il Gattopardo"; en esa novela nostálgica, Giuseppe Tomasi di Lampedusa recrea el fin de una era, el declive de la realeza y la ascensión de nuevas clases sociales.

He sido un gran fan del Conde Nefaria durante años. Esta figura trágica representa el fin de la realeza y la frustración de aquellos que alguna vez tuvieron poder y ahora lo han perdido. Por otra parte, la situación empobrecida de Nefaria es aún más dramática si consideramos que tiene un título de nobleza, un documento que se vuelve cada vez más inútil en el mundo de hoy. El conde Nefaria es un hombre que debe dinero a sus antiguos colegas, y esas deudas son el resultado de sus planes fracasados para prevalecer contra la superpotencia de la democracia (a saber, los superhéroes de América).

El Conde Nefaria reúne a la Legión Letal (Living Laser, el primer Power Man y Whirlwind), y los persuade para que roben bancos y así poder financiar sus proyectos. Estos 3 malvados villanos se burlan de Nefaria al ver su vieja mansión polvorienta y prácticamente abandonada. De hecho, el noble ya no puede permitirse un mayordomo, ni siquiera un chofer (se queja explícitamente de eso mientras se ve obligado a conducir su propio Rolls Royce).

Por suerte para Nefaria, todos sus esfuerzos parecen rendir frutos en “Hammer of Vengeance!” (The Avengers # 165, noviembre de 1977). El proyecto N es exitoso y, repentinamente, el Conde Nefaria gana poder ilimitado. Y entonces ataca a Beast, Black Panther, Captain America, Scarlet Witch, Wasp, Wonder Man y a Yellowjacket, derrotándolos con facilidad. John Byrne ilustra magníficamente las secuencias de lucha entre los héroes más poderosos de la Tierra y el conde italiano.

Sin lugar a dudas, mi escena favorita tiene lugar cuando Nefaria derrota a Whizzer. El viejo héroe, sin embargo, le da una advertencia fulminante: “¿Qué edad tienes, Nefaria? ¿50? ¿Más? ¡Ya has perdido tu juventud! Has adquirido tu fuerza justo a tiempo para verla marchitarse mientras los años se siguen acumulando”. De la misma manera que la aristocracia está en su agonía, el Conde Nefaria no tendrá la oportunidad de disfrutar de sus poderes por mucho tiempo. Sorprendido por este descubrimiento, Nefaria se compromete desesperadamente a usar todas sus habilidades para descubrir los secretos de la inmortalidad.

En el “Día de los Dioses”, (The Avengers # 166, diciembre de 1977), el Conde Nefaria va aún más lejos, ya que se opone al invencible Iron Man e incluso al todopoderoso Thor. De hecho, sólo el poder combinado del hijo de Odín y de Vision logran detenerlo momentáneamente. Durante la pelea, Nefaria ha envejecido considerablemente. Poseer semejantes poderes tiene un alto precio.

El guión de Jim Shooter es entretenido y lleno de ideas interesantes. Y como he mencionado antes, el arte de John Byrne en estos números es absolutamente encantador. Además, el entintador Pablo Marcos realza las líneas de Byrne. El artista de la portada es el incomparable George Pérez, aunque la diferencia entre los entintados (John Tartaglione, Mike Esposito y Ernie Chan) a veces dificulta la posibilidad de apreciar su estilo característico.

It’s been over 40 years since Chris Claremont became one of the most respected authors in the comic book industry. His critically-acclaimed run on X-Men resurrected a title that was on the verge of cancellation, taking it to new heights of popularity. All of a sudden, the classic team of X-Men was disbanded, as we saw in “Second Genesis”.

The recent death of Thunderbird “demonstrated to the new X-Men right off the bat that they were vulnerable, and suggested to the audience that this was a book in where anything could happen”, explains Claremont. Indeed, in the splash page of “Night of the Demon” (originally published in The X-Men # 96, December 1975), we find a devastated Cyclops trying to come to terms with the decease of his comrade Thunderbird. 40 years ago, death was taken seriously, and once a character died there we no resurrections. Today, both Marvel and DC Comics have specialized in killing dozens of characters in a week only to have them promptly resurrected next week, and any narrative shock that could be derived from the death of a hero has disappeared. The cover of this issue was done by Dave Cockrum and John Romita; of course, Cockrum pencils the interior pages, and he’s inked by Sam Grainger.

“My Brother, My Enemy! (The X-Men # 97, January 1976) is a very important issue mainly for three reasons: we see how Moira MacTaggert tries to help Professor X, we witness the evil machinations of Erik the Red, and we also catch a glimpse of what has been troubling Charles Xavier for so long: he’s having visions of an intergalactic war, far away from our solar system, and he feels an uncanny presence approaching our planet. This extraordinary scene is penciled by Dave Cockrum and inked by Sam Grainger. The design of the alien armada, the interaction between spaceships, the choreography of the battle, everything is beautifully portrayed by Cockrum. The cover of this issue, by Rich Buckler and Dave Cockrum, shows the confrontation between Cyclops and a mind-controlled Havoc.

In “Merry Christmas, X-Men...” (The X-Men # 98, April 1976), Claremont pays homage to “The Sentinels Trilogy” by reintroducing the deadly robots. The story takes place during Christmas, while the X-Men, in civilian clothes, are having fun in Rockefeller Center. There is an absolutely delightful scene in which Jean Grey kisses Scott Summers passionately. Two bystanders seemed surprised by this youthful display of love, and these men are actually the creators of the X-Men. Jack Kirby says “they never used to do that when we had the book”, and a smiling Stan Lee replies “Ah, Jack, you know these young kids -- they got no respect”. However, Jean and Scott are interrupted by the Sentinels. Dave Cockrum’s cover is amazing (his Sentinels are like a synthesis of the early Kirby designs but also including the refinement of Neal Adams later version), and his interior art is also quite impressive, this time he’s inked by Sam Grainger (in the same way that there is a different inker for each issue, there are also a lot of different colorists: Don Warfield, Phil Rachelson, Janice Cohen, Michele Wolfman and Bonnie Wilford).

In “Deathstar, Rising!” (The X-Men # 99, June 1976) the X-Men have been captured in a space station, and after fighting against the Sentinels they discover that there is an even deadlier threat: the X-Sentinels. Cockrum is the cover artist and the penciler, while Frank Chiaramonte provides the inks. The final battle takes place in “Greater Love Hath No X-Man...” (The X-Men # 100, August 1976). The X-Men fight against the X-Sentinels, a group of new androids have the appearance of the founding members of the X-Men (Cyclops, Marvel Girl, Angel, Beast and Iceman). Cockrum pencils and inks the cover and all the interior pages, and the result is magnificent.

Claremont, once again, decides to make things especially difficult for the X-Men. So even if they win, their space shuttle has sustained severe damages and they can’t return to Earth. That’s the moment when Jean Grey decides to sacrifice herself. She drives the space shuttle, protecting herself against the radiation with a telekinesis force field, while her friends are safely located in the back of the shuttle. Claremont understands what’s a true act of heroism, but despite Jean Grey’s bravery, there will be serious consequences. This particular moment “laid the groundwork for the Phoenix storyline that was to follow –forty odd issues later”, affirms Claremont.

Chris Claremont was the main X-Men writer for 17 years, a record that no other writer in the world has been able to achieve. Of course, he was an expert in introducing subplots and develop them carefully and patiently, like any great novelist.
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Han pasado más de 40 años desde que Chris Claremont se convirtiera en uno de los autores más respetados de la industria del cómic. Su carrera en X-Men, tan aclamada por la crítica, resucitó un título que estaba al borde de la cancelación, llevándolo a nuevas alturas de popularidad. De repente, el equipo clásico de los X-Men fue disuelto, como vimos en “Second Genesis”.

La reciente muerte de Thunderbird “demostró a los nuevos X-Men de inmediato que eran vulnerables, y sugirió a la audiencia que este era un libro donde cualquier cosa podía pasar”, explica Claremont. De hecho, en la página inicial de “La noche del demonio” (publicada originalmente en The X-Men # 96, diciembre de 1975), encontramos a Cyclops devastado, y tratando de aceptar el fallecimiento de su camarada Thunderbird. Hace 40 años, la muerte era tomada en serio, y una vez que un personaje moría no había resurrecciones. Hoy en día, tanto Marvel como DC Comics se han especializado en matar docenas de personajes a la semana para que sean resucitados inmediatamente la semana siguiente, y así ha desaparecido cualquier impacto narrativo que pudiera derivarse de la muerte de un héroe. La portada de este número fue hecha por Dave Cockrum y John Romita; por supuesto, Cockrum realiza las páginas interiores, y el entintador es Sam Grainger.

“¡Mi hermano, mi enemigo!” (The X-Men # 97, enero de 1976) es un número muy importante principalmente por tres razones: vemos cómo Moira MacTaggert trata de ayudar al Profesor X, asistimos a las maquinaciones malvadas de Erik the Red y también atisbamos aquello que ha estado perturbando a Charles Xavier durante tanto tiempo: él está teniendo visiones de una guerra intergaláctica, lejos de nuestro sistema solar, y siente una presencia misteriosa que se acerca a nuestro planeta. Esta extraordinaria escena es dibujada a lápiz por Dave Cockrum y entintada por Sam Grainger. El diseño de la armada alienígena, la interacción entre las naves espaciales, la coreografía de la batalla, todo es impresionantemente retratado por Cockrum. La portada de este número, de Rich Buckler y Dave Cockrum, muestra la confrontación entre Cyclops y Havoc.

En “Feliz Navidad, X-Men...” (The X-Men # 98, abril de 1976), Claremont rinde homenaje a “The Sentinels Trilogy” reinventando a los mortales robots. La historia tiene lugar durante la navidad, cuando los X-Men, en ropa de calle, se divierten en Rockefeller Center. Hay una escena absolutamente deliciosa en la que Jean Grey besa a Scott Summers apasionadamente. Dos espectadores parecen sorprendidos por esta muestra juvenil de amor, y estos hombres son en realidad los creadores de los X-Men. Jack Kirby dice “ellos nunca solían hacer eso cuando el cómic estaba en nuestras manos”, y un sonriente Stan Lee responde: “Ah, Jack, tú sabes cómo son estos jovenzuelos -- no tienen respeto”. Sin embargo, Jean y Scott son interrumpidos por los Centinelas. La portada de Dave Cockrum es increíble (sus Centinelas son como una síntesis de los primeros diseños de Kirby pero también incluyen el refinamiento de la versión posterior de Neal Adams), y su arte interior también es bastante llamativo, nuevamente el entintador es Sam Grainger (hay muchos coloristas diferentes dependiendo de cada número: Don Warfield, Phil Rachelson, Janice Cohen, Michele Wolfman y Bonnie Wilford).

En “El ascenso de la estrella de la muerte” (The X-Men # 99, June 1976), los X-Men son capturados en una estación espacial, y después de luchar contra los Centinelas descubren que hay una amenaza aún más mortal: los X-Centinelas. Cockrum es el artista de la portada y el dibujante a lápiz, mientras que Frank Chiaramonte proporciona las tintas. La batalla final tiene lugar en “No hubo mayor amor para el Hombre X” (The X-Men # 100, agosto de 1976). La lucha de los X-Men contra los X-Centinelas, un grupo de nuevos androides que tienen la apariencia de los miembros fundadores de los X-Men (Cyclops, Marvel Girl, Angel, Beast y Iceman). Cockrum dibuja y entinta la portada y todas las páginas interiores, y el resultado es magnífico.

Claremont, una vez más, decide hacer las cosas especialmente difíciles para los X-Men. Así que incluso si ganan la batalla, su transbordador espacial ha sufrido graves daños y no pueden regresar a la Tierra. Ese es el momento en el que Jean Grey decide sacrificarse. Ella maneja el transbordador espacial, protegiéndose contra la radiación con un campo de fuerza telequinético, mientras que sus amigos se refugian en la parte protegida del transbordador. Claremont entiende lo que es un verdadero acto de heroísmo, pero a pesar de la valentía de Jean Grey, habrá graves consecuencias. Este momento en particular “sentó las bases para la línea argumental de Phoenix que iba a desarrollarse –cuarenta número después”, afirma Claremont.

Chris Claremont fue el principal escritor de X-Men durante 17 años, un récord que ningún otro escritor en el mundo ha podido alcanzar. Por supuesto, él era un experto en introducir subtramas y desarrollarlas con cuidado y paciencia, como cualquier gran novelista.

Superhero stories often deal with authority. In one way or another, a superhero represents the law, and although he may not have any formal jurisdiction over his town or city, he can still apprehend evildoers, both human and superhuman. However, all heroes must answer to a higher authority, which is why, even in the oldest comics I’ve read from the 40s or 50s, the job of a masked vigilante ends as soon as they have captured their enemy. After that, the adversary is left in the hands of the police department of whatever law-enforcement agency of this fictional world.

The Avengers, of course, must follow certain procedures and comply with the guidelines of the authorities. However, at what point following the rules becomes a hindrance for Earth’s mightiest heroes? David Michelinie decided to answer this question in “On The Matter Of Heroes!” (originally published in The Avengers # 181, March 1979). Peter Henry Gyrich, the government’s liaison, starts acting more like a dictator than like an administrative official. Before granting the Avengers the special security clearance they need to operate in and outside the United States, Gyrich forces them to have only 7 active members. And much to Iron Man’s chagrin, he also gets to decide who stays on the team and who goes. Certainly, George Pérez understands the relevance of this discussion when he comes up with the extraordinary cover (even years before Crisis on Infinite Earths, Pérez had the uncanny ability of balancing dozens of characters in a single page, providing each one of them with a unique personality and distinctive features).

In his script, Michelinie also introduces a racial component which was quite controversial at the time: “If the Avengers are to be sanctioned by the government, they’ll have to adhere to government policies -- and that includes equal opportunities for minorities”, explains Gyrich. There is a heated debate amongst the heroes, because the criteria to choose an Avenger should be based solely on the abilities and merits of any given individual, and not on their race, place of origin or religion. This is a fascinating subject which would be further developed by writers like Kurt Busiek during his run on Avengers in the late 90s.

Needless to say, I can only imagine how shocking this subplot must have been for readers in 1979. So the new official Avengers roster is comprised of Iron Man, the Vision, Captain America, Scarlet Witch, the Beast, the Wasp and the Falcon. Although at first the Falcon is reluctant to accept his role as an Avenger, eventually Steve Rogers persuades him to join the team in “Honor Thy Father” (The Avengers # 182, April 1979). “I’ve proven myself as a superhero! I don’t like being chosen to fill a quota”, explains Sam Wilson. And although he soars the skies as the Falcon, now he feels uncomfortable for being summoned only due to his race.

The African-American hero isn’t the only one having a hard time. In the pages of Avengers, we witness some of the personal issues Iron Man is dealing with. His alcoholism is spiraling out of control, and in a few very interesting panels, we see Tony Stark more concerned about his next martini than with attending an Avengers meeting. At the time, Michelinie was also writing the one of the most disturbing, heartbreaking and memorable Iron Man sagas ever published: The Demon in a Bottle. So it’s quite interesting to observe how Tony Stark shows signs of addiction in the pages of Avengers before things get out of control in his own title.

Michelinie really excels at introducing real problems in the lives of this group of superheroes. I’m sure some fans prefer to celebrate the fight between the Avengers and the Absorbing Man, which takes place in “The Redoubtable Return of Crusher Creel!” (The Avengers # 183, May 1979) and “Death On the Hudson!” (The Avengers # 184, June 1979). Personally, I feel much more invested in the story thanks to details such as Clint Barton (Hawkeye) and his lack of money. After being expelled of the Avenger by orders of Henry Peter Gyrich, the archer ends up in a seedy bar, near the docks, which is the only place he can afford (there is even a scene in which we get to see Clint counting how many quarters he has in his wallet); in fact, when the Absorbing Man shows up, Clint finds a pay phone but unfortunately he doesn’t have enough money call the Avengers. Things like this really make me feel connected to the story, and overall give more authenticity to this group of characters.

Finally, in “The Yesterday Quest!” (The Avengers # 185, July 1979), Scarlet Witch and Quicksilver travel to Eastern Europe to find more information about their past. As usual, Michelinie finds the right balance between the global menaces and supervillains, and the most important aspect of the heroes: their private life. John Byrne does a superb job as the penciler of all these issues; however, the constant change of inkers creates a certain sense of instability and there is not enough visual cohesiveness as one might desire. For instance, Gene Day is a good fit for Byrne, but that’s not necessarily the case with Klaus Janson (whose raw and visceral approach contradicts Byrne’s harmonic compositions and polished lines). Dan Green is also a bit irregular when it comes to his work as inker. Of course, inkers like Terry Austin are the ideal artistic partner for Byrne, sadly Austin is here only in one issue. With the exception of issue # 182 (done by Al Milgrom), all covers are illustrated by the legendary George Pérez (assisted by inker Terry Austin); these are beautiful and powerful images, Pérez’s daring designs and his attention for details add a very special flavor to these visually arresting covers.
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Las historias de superhéroes están ligadas a la autoridad. De un modo u otro, un superhéroe representa la ley, y aunque no tenga ninguna jurisdicción formal sobre su ciudad, igual puede aprehender a los malhechores, tanto humanos como sobrehumanos. Sin embargo, todos los héroes deben responder a una autoridad superior, por lo que, incluso en los cómics más antiguos que he leído de los 40s o 50s, el trabajo de un vigilante enmascarado termina tan pronto como ha capturado a su enemigo. Después de eso, el adversario queda en manos del departamento de policía o de cualquier agencia de la ley del mundo ficticio.

Los Vengadores, por supuesto, deben seguir ciertos procedimientos y cumplir con las directrices de las autoridades. Sin embargo, ¿en qué momento las reglas se convierte en un obstáculo para los héroes más poderosos de la Tierra? David Michelinie decidió responder a esta pregunta en “Sobre el asunto de los héroes” (publicado originalmente en The Avengers # 181, marzo de 1979). Henry Peter Gyrich, el agente de enlace del gobierno, comienza a actuar más como un dictador que como un funcionario administrativo. Antes de conceder a los Vengadores la autorización de seguridad especial que necesitan para operar dentro y fuera de los Estados Unidos, Gyrich los obliga a tener sólo 7 miembros activos. Y para el disgusto de Iron Man, él también decide quién permanece en el equipo y quién se va. Ciertamente, George Pérez entiende la relevancia de esta discusión en la extraordinaria portada (incluso años antes de las Crisis en Tierras Infinitas, Pérez tenía la extraña habilidad de balancear docenas de personajes en una sola página, dotando a cada uno de ellos de una personalidad única y rasgos distintivos).

En su guión, Michelinie también introduce un componente racial que era bastante polémico en ese momento: “Si los Vengadores van a ser sancionados por el gobierno, tendrán que adherirse a las políticas gubernamentales – incluyendo igualdad de oportunidades para las minorías”, explica Gyrich. Hay un acalorado debate entre los héroes, porque los criterios para elegir a un Vengador deben basarse únicamente en las habilidades y méritos de cualquier individuo, y no en su raza, lugar de origen o religión. Este es un tema fascinante que sería desarrollado por escritores como Kurt Busiek durante su etapa en Avengers a finales de los 90s.

Basta decir que apenas puedo imaginar lo impactante que este argumento debe haber sido para los lectores en 1979. Así que la nueva lista oficial de Vengadores está compuesta por Iron Man, the Vision, Captain America, Scarlet Witch, Beast, Wasp y Falcon. Aunque al principio Falcon es reacio a aceptar su puesto como Vengador, eventualmente Steve Rogers lo persuade para que se una al equipo en “Honrad a vuestro padre” (The Avengers # 182, abril de 1979). “¡He demostrado que soy un superhéroe! No me gusta que me hayan elegido para llenar una cuota”, explica Sam Wilson. Y aunque se eleva por los cielos como Falcon, ahora se siente incómodo por ser convocado sólo a causa de su raza.

El héroe afroamericano no es el único que tiene dificultades. En las páginas de los Vengadores, presenciamos algunos de los problemas personales de Iron Man. Su alcoholismo está fuera de control y, en algunas interesantes viñetas, vemos a Tony Stark más preocupado por su próximo martini que por asistir a una asamblea de los Vengadores. En ese momento, Michelinie también estaba escribiendo una de las más inquietantes, desgarradoras y memorables sagas de Iron Man jamás publicadas: “The Demon in a Bottle”. Así que es muy interesante observar cómo Tony Stark muestra signos de adicción en las páginas de los Vengadores antes de que las cosas se salgan de control en su propio título.

Michelinie realmente sobresale en la introducción de problemas reales en las vidas de este grupo de superhéroes. Estoy seguro de que algunos fans prefieren celebrar la pelea entre los Vengadores y el Hombre Absorbente, que tiene lugar en “El formidable regreso de Crusher Creel” (The Avengers # 183, mayo de 1979) y “Muerte en el Hudson” (The Avengers # 184, junio de 1979). Personalmente, me siento mucho más conectado con la historia gracias a detalles como ver a Clint Barton (Hawkeye) sin dinero. Después de ser expulsado como Vengador por órdenes de Henry Peter Gyrich, el arquero termina en un bar destartalado, cerca de los muelles, que es el único lugar lo suficientemente barato (incluso hay una escena en la que podemos ver a Clint contando cuántas monedas tiene en su billetera); de hecho, cuando el Hombre Absorbente aparece, Clint encuentra un teléfono público pero desafortunadamente no le alcanza la plata para llamar a los Vengadores. Cosas como esta realmente hacen que la historia resuene, y en general dan más autenticidad a este grupo de personajes.

Finalmente, en “La búsqueda del ayer” (The Avengers # 185, julio de 1979), Scarlet Witch y Quicksilver viajan a Europa del Este para encontrar más información sobre su pasado. Como de costumbre, Michelinie encuentra el equilibrio adecuado entre las amenazas globales y los supervillanos, sin olvidar el aspecto más importante de los héroes: su vida privada. John Byrne hace un trabajo excelente con sus lápices en todos estos números; sin embargo, el cambio constante de entintadores crea una cierta sensación de inestabilidad y no hay suficiente cohesión visual. Por ejemplo, Gene Day es un buen complemento para Byrne, pero eso no es necesariamente el caso con Klaus Janson (cuyo enfoque crudo y visceral contradice las composiciones armónicas y las líneas pulidas de Byrne). Dan Green también es un poco irregular cuando se trata de entintar. Por supuesto, entintadores como Terry Austin son el socio artístico ideal para Byrne, lamentablemente Austin está aquí solamente en un número. Con la excepción de la portada del # 182 (realizada por Al Milgrom), todas las demás están ilustradas por el legendario George Pérez (asistido por el entintador Terry Austin); estas son imágenes hermosas y potentes, los diseños atrevidos de Pérez y su atención por los detalles agregan un sabor muy especial a estas portadas tan atractivas visualmente.

Hi everyone!

Today, instead of reviewing someone else’s work, I’m focusing on my own comic book:
Un-American Chronicles, 4 stand-alone stories in one special issue: The Outsider (a horror story about a group of immoral kids that punish a defenseless woman with cruelty), It's Always the Statue of Liberty (an urban tale about 9/11; and about how, in fiction, a destroyed Statue of Liberty usually symbolizes the downfall of the US), Who Said It Was Easy? (a romantic comedy about a metamorphic woman who tries to seduce the guy next door) and Park (an erotic adventure in a public place…).

You can get the comic in the following link:
https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418

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¡Hola a todos!

El día de hoy, en lugar de hablar de otros autores, me voy a enfocar en mi propio cómic:
Un-American Chronicles, 4 historias auto-conclusivas en un sólo ejemplar: The Outsider (una historia de terror sobre un grupo de chiquillos inmorales que atormentan cruelmente a una mujer indefensa), It's Always the Statue of Liberty (un relato urbano sobre el 11 de setiembre, y sobre cómo, en la ficción, una Estatua de la Libertad destruida, por lo general, simboliza la caída de los Estados Unidos), Who Said It Was Easy? (una comedia romántica sobre una mujer metamórfica que trata de seducir al chico de al lado) y Park (una aventura erótica en un lugar público...).

Pueden encontrar el cómic en el siguiente link:
https://www.comixology.com/Un-American-Chronicles-1/digital-comic/95418

It’s hard to believe that it’s been almost a decade since the first Marvel Studios production was released. And ever since then I’ve been a faithful moviegoer and, of course, that hasn’t changed now that I’m in Milwaukee. I went with a couple of friends to Marcus Theater in Menomonee Falls and we saw Doctor Strange (2016). I had high expectations, because Doctor Strange is one of my favorite Marvel superheroes and also because director Scott Derrickson had already impressed me with Sinister (one of the best horror movies from the past 5 years). Derrickson manages to balance the science aspect (Dr. Stephen Strange, after all, is a renowned surgeon) and the fantastic elements that define the world of the Sorcerer Supreme. Perhaps, this is one of the things that I enjoy the most about this character: he’s a combination of science and magic, and therefore he lies between the more sci-fi oriented Marvel Universe and the possibilities of fantasy. Benedict Cumberbatch does a great job as Stephen Strange, and the rest of the cast is very solid (Rachel McAdams, Tilda Swinton, Chiwetel Ejiofor, etc.). I do have, however, a few complaints about the script, some details that didn’t quite click for me, but overall this was a very entertaining blockbuster. Can’t wait for the sequel!
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Es difícil creer que ha pasado casi una década desde que se estrenó la primera producción de Marvel Studios. Y desde entonces he sido un fiel espectador y, por supuesto, eso no ha cambiado ahora que estoy en Milwaukee. Fui con un par de amigos a Marcus Theatre en Menomonee Falls y vimos Doctor Strange (2016). Tenía grandes expectativas porque Doctor Strange es uno de mis superhéroes favoritos de Marvel y también porque el director, Scott Derrickson, ya me había impresionado con Sinister (una de las mejores películas de terror de los últimos 5 años). Derrickson consigue equilibrar el aspecto de la ciencia (el Dr. Stephen Strange, después de todo, es un cirujano de renombre) y los elementos fantásticos que definen el mundo del Hechicero Supremo. Tal vez, esa sea una de las cosas que más disfruto de este personaje: él es una combinación de ciencia y magia, y por lo tanto se ubica entre el Universo Marvel más orientado a la ciencia ficción y las posibilidades de la fantasía. Benedict Cumberbatch hace un gran trabajo como Stephen Strange, y el resto del elenco es muy sólido (Rachel McAdams, Tilda Swinton, Chiwetel Ejiofor, etc.). Tengo, sin embargo, algunas quejas sobre el guión, algunos detalles que no encajan del todo, pero en general este éxito de taquilla es muy entretenido. Estoy impaciente por ver la secuela.

Lately, I’ve been nurturing a somewhat incendiary theory: if the most popular writers of the 60s, 70s and 80s were still actively working in the American industry, then they would probably be forced by their editors to turn a single one of their comics into a 6-issue arc. Decompression seems to be almost mandatory now. Although, to be honest, I can’t be sure if the editors are the only ones to blame; surely, as readers, we also play the role of the accomplice.

11: Gil Kane

But I don’t want to sound like an excessively nostalgic reader, because it wasn’t all that peachy in the 70s. Back then delays were never accepted; comics had to be released month after month, no matter what. This means that creators had to constantly produce material without much time to take a pause and catch their breath, let alone give a second thought to what they were doing. Obviously, a lot of these comics have lost of some of their original appeal, and a sophisticated reader might find them a little too overstated, slightly clumsy and, quite often, downright politically incorrect.

I would say such is the case of Black Goliath’s first official appearance in “The Shadow From the Stars” (originally published in The Champions # 11, February 1977). When Bill Foster finally reveals his amazing powers he’s instantly nicknamed Black Goliath. Not Goliath, Black Goliath. That emphasis in color is quite typical in this era, in which African-American heroes would often have a ‘Black’ prefix connected to their name (Black Lightning in DC, Black Goliath and Black Panther, in Marvel, etc.). As if trying to overstate the obvious, these heroes constantly reminded us of their race with their peculiar monikers.

Obviously, white heroes were the norm, so none of the original Marvel characters had names such as White Spider-Man, White Human Torch or White Iron Man, but if at some point they would have encountered their African-American counterparts, then we wouldn’t need to be clairvoyants to guess how those names would have sounded like.

12: Dave Cockrum [] 13: Dave Cockrum

A couple of interesting things happen in this issue. Black Goliath shows up and proves to be a powerful and noble superhero, and yet he isn’t invited to join the Champions. Furthermore, during the rest of the issue, the protagonists battle against an extraterrestrial shadow-like creature. In other words, they fight against a dark enemy, a black menace. I’m absolutely convinced that Bill Mantlo wasn’t trying to be racist, but I wonder how today’s readers would react to this story.

14: Gil Kane [] 15: Al Milgrom

“Did Someone Say...the Stranger?” (The Champions # 12, March 1977) and “The Doom That Went On Forever!” (The Champions # 13, May 1977) is an action-packed adventure divided in two episodes. Black Widow, Hercules, Angel, Iceman, Ghost Rider and Darkstar join forces with the Stranger (a classic X-Men adversary) to save the world. In the process, the Champions battle against the villainous Kamo Tharnn.

Black Goliath

“The Creature Called...Swarm!” (The Champions # 14, July 1977) and “Death Drone!” (The Champions # 15, September 1977) have many of the elements that I always enjoy in superhero comics: a sinister villain (Swarm), a compelling secret origin (Swarm is Fritz Von Meyer, a former Nazi officer who fled to South America and came in contact with an alien radiation that turned him into a swarm of super-intelligent bees), and parallel storylines that complement each other rather nicely. While part of the Champions try to defeat Swarm, Iceman and Hercules are attacked by the defensive mechanisms of their own headquarters.

The Stranger

Iceman (Bobby Drake) had been presented as a sexually ambiguous character in the pages of X-Men. 40 years later, Bobby would come out of the closet, but here we can also find a few clues in regards to his true sexual orientation. First of all, Bobby is obsessed with his wardrobe (in a similar way, many stereotypical gay men were usually portrayed in movies or TV series as fashion-lovers), so the first thing he does to be considered a ‘man’ (instead of a boy) is to get a new costume, which he probably designed himself… Now if that isn’t manly enough, when the lights mysteriously go out he also gets to spend some quality time with Hercules (the same character who, decades later, was revealed to be bisexual, like most Greek heroes from the classic period). My favorite line here comes from Ghost Rider, who runs into them and says “What happened to the lights, Drake? You and the Man-God playing hide-n’ seek?”. Evidently, we don’t know for sure what happened between the youngster and the Greek demigod, but we could still come up with a hypothesis or two…

These 5 issues were penciled by John Byrne. At the time, he wasn’t the superstar responsible for the success of X-Men or Fantastic Four. The artwork is clean, effective and full of grace, despite the fact that Byrne was clearly still learning how to do his job. Bob Layton and Mike Esposito weren’t the ideal inkers for the refined pencils of Mr. Byrne, but they still made it work. Since Byrne was a relatively unknown penciler, the covers were illustrated by a fine selection of veteran artists such as Gil Kane, Dave Cockrum and Al Milgrom.
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Últimamente, he pensado en una teoría algo incendiaria: si los escritores más populares de los 60s, 70s y 80s aún trabajasen activamente en la industria estadounidense, entonces probablemente serían obligados por sus editores a convertir uno solo de sus cómics en un arco argumental de 6 capítulos. Alargar las historias parece ser casi obligatoria hoy en día. Aunque, para ser honesto, no puedo asegurar que los editores son los únicos culpables; seguramente, como lectores, también somos cómplices de esta situación.

The Stranger, Angel, Iceman & Darkstar

Pero no quiero sonar como un lector excesivamente nostálgico, porque no todo era tan maravilloso los 70s. En ese entonces los retrasos nunca eran aceptados; los cómics tenían que salir mes tras mes, sea como fuere. Esto significa que los creadores tenían que producir constantemente material sin mucho tiempo para tomar una pausa y recuperar el aliento, y mucho menos poder revisar lo que estaban haciendo. Obviamente, muchos de estos cómics han perdido algo de su atractivo original, y un lector sofisticado podría encontrarlos un poco exagerados, un poco torpes y, muy a menudo, políticamente incorrectos.

Iceman's new look / un nuevo traje para Iceman

Diría que tal es el caso de la primera aparición oficial de Black Goliath en “La sombra de las estrellas” (publicado originalmente en The Champions # 11, febrero de 1977). Cuando Bill Foster finalmente revela sus increíbles poderes, es instantáneamente apodado Black Goliath. No Goliat, sino Goliat Negro. Ese énfasis en el color es bastante típico en esta era, en la que los héroes afroamericanos tenían a menudo el prefijo “Negro” conectado a su nombre (Black Lightning en DC, Black Goliath y Black Panther, en Marvel, etc.). Tratando de exagerar lo obvio, estos héroes constantemente nos recordaban su raza a través de sus peculiares nombres.

Obviamente, los héroes blancos eran la norma, así que ninguno de los personajes originales de Marvel tenía nombres como White Spider-Man, White Human Torch o White Iron Man, pero si en algún momento hubieran encontrado a sus contrapartes afroamericanas, entonces wouldn no hace falta ser clarividentes para adivinar cómo serían esos nombres.

Un par de cosas interesantes ocurren en este ejemplar. Black Goliath se presenta y demuestra ser un superhéroe poderoso y noble, y sin embargo, no lo invitan a unirse a los Champions. Además, durante el resto del cómic, los protagonistas luchan contra una criatura extraterrestre parecida a una sombra. En otras palabras, luchan contra un enemigo oscuro, una amenaza negra. Estoy absolutamente convencido de que Bill Mantlo no estaba tratando de ser racista, pero me pregunto cómo reaccionarían los lectores de hoy frente a esta historia.

Icenam and Hercules... playing hide and seek? / Iceman y Hercules... jugando a los escondidas?

“Alguien dijo... el Extraño” y “La maldición que continuó por siempre” (The Champions # 13, mayo de 1977) es una aventura llena de acción dividida en dos episodios. Black Widow, Hercules, Angel, Iceman, Ghost Rider y Darkstar unen sus fuerzas con el Stranger (un clásico adversario de los X-Men) para salvar al mundo. En el proceso, los Champions combaten contra el villano Kamo Tharnn.

Swarm

“La criatura llamada... Enjambre” (The Champions # 14, julio de 1977) y “El zumbido de la muerte” (The Champions # 15, septiembre de 1977) tienen muchos de los elementos que siempre disfruto en los cómics de superhéroes: un villano siniestro (Enjambre), un extraño origen secreto (Enjambre es Fritz Von Meyer, ex oficial nazi que huyó a Sudamérica y entró en contacto con una radiación alienígena que lo convirtió en un enjambre de abejas súper inteligentes), y argumentos paralelos que se complementan entre sí bastante bien. Mientras algunos de los Champions tratan de derrotar a Enjambre, Iceman y Hércules son atacados por los mecanismos defensivos de su propio cuartel general.

Black Widow

Iceman (Bobby Drake) había sido presentado como un personaje sexualmente ambiguo en las páginas de X-Men. 40 años más tarde, Bobby saldría del closet, pero aquí también podemos encontrar algunas pistas con respecto a su verdadera orientación sexual. En primer lugar, Bobby está obsesionado con su guardarropa (de la misma manera, muchos hombres homosexuales estereotípicos suelen ser retratados en películas o series de televisión como amantes de la moda), así que lo primero que hace para ser considerado un “hombre” (en vez de un chiquillo) es conseguir un nuevo traje, que probablemente él mismo diseña... Y por si eso no fuese lo suficientemente viril, cuando las luces misteriosamente se apagan también pasa un buen rato con Hércules (el mismo personaje que, décadas más tarde, reveló ser bisexual, como la mayoría de los héroes griegos del período clásico). Mi línea favorita aquí viene de Ghost Rider, que se encuentra con ellos y dice: "¿Qué pasó con las luces, Drake? ¿Tú y el hombre-Dios están jugando a las escondidillas?". Evidentemente, no sabemos con certeza lo que sucedió entre el joven y el semidiós griego, pero podríamos aventurar alguna hipótesis...

Estos 5 números fueron dibujados a lápiz por John Byrne. En ese momento, él no era la superestrella responsable del éxito de X-Men o los Cuatro Fantásticos. Su arte es limpio, eficaz y lleno de gracia, a pesar del hecho de que Byrne claramente todavía está aprendiendo a hacer su trabajo. Bob Layton y Mike Esposito no eran los entintadores ideales para los lápices refinados de Byrne, pero aun así hicieron cumplieron con su trabajo. Ya que Byrne era un dibujante relativamente desconocido, las portadas fueron ilustradas por una fina selección de artistas veteranos como Gil Kane, Dave Cockrum y Al Milgrom.

2016 has been a fantastic. I knew that moving from Peru to the US would be a big change, and before coming here I wasn’t sure if I would be able to adapt easily. Fortunately, in only 4 months, I’ve already fell in love with the city of Milwaukee and I’ve made good friends.

At the beginning of the year I decided to translate Un-American Chronicles into Spanish. I thought it would be easy for me to do it, but for some reason I kept change entire dialogues and I realized I wasn’t impartial enough to translate my own word. Luckily, my friend Paco García Sánchez took charge of the translation and I must say I’m very satisfied with the result.

In February, Crónicas Insólitas (my first comic in Spanish) was available for sale on ComiXology:
https://www.comixology.com/Cronicas-Insolitas-1/digital-comic/334615

My first semester in UWM concluded last week, and although I’ve been extremely busy now I’m finally getting ready to do new projects with my usual collaborators (Juan Alarcón, Christian Castellanos, Alberto Aguado) but also with new ones (Kaskajo and Lucas Gattoni).

Since I started this blog I have always showcased my own artwork but I have also analyzed the artistic proposals of Peruvian artists. Despite the fact that I’ve completely missed the last 4 months of art exhibits (since in I’m no longer in Lima) I’ve decided to make a selection of the best of 2016 (or at least the best from January to August, 2016).

Best artist: Tomás Prochazka Núñez

Best solo exhibit: Antonio Pareja

Best collective exhibit: Celebración

Best new talent: Paola Franco

Best artistic proposal: Aissa Chrem (“Tregua de vidrio”)

Best retrospective: Pensemos bien con Liniers - MAC

Best international art exhibit: Baldomero Pestana. Retratos peruanos

In my next post you’ll discover the finest authors and best comic books of 2015. Yes, it’s the fifth edition of the famous and prestigious AAA (Arion's Achievement Awards). It’s always a lot of fun to do this list, and I hope it will inspire all of you to do similar lists (of course, you’re more than welcome to post them in the comments section).

Once the AAA is done, the year will be officially over (and I’ll be off for a few days, enjoying my well-deserved vacations). Stay tuned, my friends. And don’t forget to leave as many comments as you want.
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El2016 ha sido un año fantástico. Sabía que trasladarme de Perú a Estados Unidos sería un gran cambio, y antes de venir aquí no estaba seguro si sería capaz de adaptarme fácilmente. Afortunadamente, en sólo 4 meses, la ciudad de Milwaukee me ha cautivado por completo y he hecho buenos amigos.

Tomás Prochazka

Al principio del año decidí traducir Un-American Chronicles al español. Pensé que sería fácil hacerlo yo mismo, pero por alguna razón estuve cambiando diálogos enteros y me di cuenta de que no era lo suficientemente imparcial para traducir mi propia obra. Afortunadamente, mi amigo Paco García Sánchez se hizo cargo de la traducción y debo decir que estoy muy satisfecho con el resultado.

En febrero, Crónicas Insólitas (mi primer cómic en español) salió a la venta en ComiXology:
https://www.comixology.com/Cronicas-Insolitas-1/digital-comic/334615

Mi primer semestre en UWM terminó la semana pasada y aunque he estado muy ocupado ahora por fin estoy preparando nuevos proyectos con mis colaboradores habituales (Juan Alarcón, Christian Castellanos, Alberto Aguado), pero también con los nuevos (Kaskajo y Lucas Gattoni).

Desde que empecé este blog siempre he mostrado mis propias ilustraciones, pero también he analizado las propuestas artísticas de artistas peruanos. A pesar de que me he perdido los últimos 4 meses de exhibiciones de arte (ya que ya no estoy en Lima) he decidido hacer una selección de lo mejor del 2016 (o al menos lo mejor de enero a agosto del 2016). Para el 2017 quizá modifica esta sección del blog y la retitule como Lo mejor del arte en Milwaukee o algo así. Habrá que ver qué se me ocurre.

Como siempre, este año mi interés por el arte me llevó a innumerables muestras y creo que es justo, y hasta necesario, establecer en líneas generales un balance de lo mejor del arte en Lima.

Mejor artista: Tomás Prochazka Núñez

Mejor muestra individual: Antonio Pareja

Mejor muestra colectiva: Celebración

Mejor nuevo talento: Paola Franco

Mejor propuesta artística: Aissa Chrem (“Tregua de vidrio”)

Mejor retrospectiva: “Pensemos bien con Liniers” - MAC

Mejor muestra de arte internacional: Baldomero Pestana. Retratos peruanos

Tomás Prochazka Núñez es un personaje habitual en las páginas virtuales de este blog. Aunque no es un amigo cercano es, definitivamente, uno de los artistas a quien más respeto. No ha dejado de sorprenderme gratamente desde sus primeros trabajos como estudiante en Corriente Alterna y luego en muestras individuales y colectivas. Aplaudo al Centro Colich por presentar “La máquina” y por confirmar que Tomás Prochazka es un artista de enorme talento.

La Galería Enlace tuvo el acierto de cederle un espacio al gran maestro escultor Antonio Pareja. “El toro que soñé” es una selección de esculturas en la que no hay una sola pieza débil. El veterano artista logra conmover al espectador con sus animales tallados en madera, piedra y metal.

La Galería Forum, uno de los espacios limeños de más larga trayectoria en el mundo del arte limeño, celebró su 40 aniversario con la muestra “Celebración”. Decenas de los mejores artistas peruanos colaboraron en esta colectiva: Valeria Ghezzi, Roy Keitel, Maroé Susti, Luz Negib, Luis Lama, Nanny Cárdenas, Ivana Ferrer, Fernando Otero, Inés Grau, Alicia Cabieses, Yulia Katkova, Denise Mulanovich, Rosi Schwartzman, Gonzalo García Callegari, Maricruz Arribas, Moico Yaker, Gabriel Alayza, Mateo Alayza, Alejo Alayza, Ramiro Llona, Eduardo Tokeshi, Martín López de Romaña, Elías Alayza, Gam Klutier, Jaime Romero, Mónica Cuba, Marco Testino, Joseph Firbas, Pablo Patrucco, Fito Espinosa, Silvia Westphalen, Martha Cisneros, Toto Fernández Ampuero, Luz Letts, Ricardo Wiesse, Mariella Agois, Rhony Alalhel, Gianna Pollarollo, Maya García Miró, Nana de la Fuente, Sergio Fernández, Sonia Prager, Alberto Grieve, Marcos Palacios, Fernando Taboada, Augusta Barreda, Eduardo Moll, Miguel Angel Velit, etc.

Cuando conocí a Aissa Chrem en la redacción de la revista COSAS, era evidente que lo suyo era la fotografía. Y si bien es una fotógrafa profesional que se ha abierto camino en el competitivo mundo limeño, también es una artista con mucho que decir y, sobre todo, muchísimo que mostrar. Treguas de vidrio es para mí la mejor propuesta artística del 2016.

Paola Franco siente devoción por el dibujo y no tiene miedo a mancharse los dedos con carboncillo o a dibujar sin parar. Espero que siga consolidando sus talentos y que prepare en el futuro cercano alguna muestra individual.

Alfredo Bryce Echenique & Julio Ramón Ribeyro (foto de Baldomero Pestana)

Ver la obra de Liniers en el MAC fue una experiencia increíble. “Pensemos bien con Liniers” es un magnífico ejemplo de buen arte y, sobre todo, una propuesta coherente que nos permite apreciar del todo la gracia y la estética de este estupendo creador argentino.

Baldomero Pestana, español de nacimiento pero argentino de corazón, tuvo la suerte de conocer a los mejores novelistas, poetas y artistas del Perú hace medio siglo. Bajo su cámara y su mirada atenta han desfilado Mario Vargas Llosa, Alfredo Bryce Echenique, Julio Ramón Ribeyro, Martín Adán, Fernando de Szyzslo, Sabino Springett, Juan Manuel Ugarte Eléspuru, etc. Esta fue una muestra internacional firmemente anclada en los mejores exponentes culturales de nuestro país.

I have a confession to make. It’s something that has never happened to me before. I still have a huge amount of unread comics from this year, so until I finish reading them I can’t really make a list of the best comics of 2016. So it’ll take me a while to update this post. Meanwhile, I invite you to read my list of the best comics of 2015, 2014, 2013, 2012 and 2011:

http://artbyarion.blogspot.com/2015/12/2015-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2014/12/2014-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2013/12/2013-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2012/12/2012-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2013/09/2011-comic-books-arions-achievement.html

Enjoy!
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Debo confesar algo. Es la primera vez que me pasa. Todavía tengo una tremenda cantidad de cómics de este año que no he leído, así que mientras termino de leerlos no puedo hacer una lista de los mejores cómics del 2016. Me tomará un poco de tiempo actualizar este post. Por lo pronto, los invito a leer mi lista de los mejores cómics del 2015, 2014, 2013, 2012 and 2011:

http://artbyarion.blogspot.com/2015/12/2015-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2014/12/2014-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2013/12/2013-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2012/12/2012-comic-books-arions-achievement.html
http://artbyarion.blogspot.com/2013/09/2011-comic-books-arions-achievement.html

A disfrutar.

As the snow covers the street, and the cold increases, staying at home sounds like a good alternative. But there is something that sounds even better: watching a fine selection of independent short films! I’ll start with Slingshot (2015), written and directed by David Hansen, an interesting proposal that combines a boy’s first crush with questions about masculinity and immigration.

Marco van Bergen writes and directs Vattnet (2012), an impressive short film from the Netherlands. Tobias Kersloot is a boy coming to terms with his own sexuality, he feels isolated and estranged from his peers, until he meets Serge Mensink; although they speak different languages and come from different cultures, they share a special kind of complicity. The filmmaker subtly highlights the homoerotic tendencies of his characters, increasing the sexual tension between them as the story goes on. Vattnet is daring, smart and at the same time touching.

Vincent Fitz-Jim’s Daniël (2012) is a Dutch production that revolves around Bas de Vries, a lonely and melancholic teenager who feels as trapped as the caged birds he so often admires. It’s difficult for him to accept that he has feelings for other boys, but the arrival of Frederik Stuut, a charismatic kid, teaches him why it’s so important to break free. Daniël is a captivating tale, full of details and nuances that add complexity to the protagonists.

Tamer Ruggli’s Hazel (2012) is a Swiss comedy about intolerance and the difficult transition from childhood to adolescence. Maxime Mori is a precocious, somewhat flamboyant boy, boasting a unique queerness that no one could expect from somebody so young; he’s constantly chastised by his mother, who finds the idea of having a gay son simply disgusting. Hazel is honest and bittersweet in equal parts.
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Mientras la nieve cubre las calles, y el frío aumenta, quedarse en casa suena como una buena alternativa. Pero hay algo que suena aún mejor: ver una buena selección de cortometrajes independientes. Comenzaré con “Slingshot” (2015), escrito y dirigido por David Hansen, una propuesta interesante que combina el primer enamoramiento de un muchacho con cuestiones sobre masculinidad e inmigración.

Marco van Bergen escribe y dirige “Vattnet” (2012), un impresionante cortometraje de Holanda. Tobias Kersloot es un chico que empieza a explorar su sexualidad, él se siente aislado y alejado de sus compañeros, hasta que conoce a Serge Mensink; aunque hablan diferentes idiomas y proceden de culturas distintas, comparten un tipo especial de complicidad. El cineasta destaca sutilmente las tendencias homoeróticas de sus personajes, aumentando la tensión sexual entre ellos a medida que avanza la historia. “Vattnet” es un corto atrevido, inteligente y al mismo tiempo conmovedor.

“Daniël” (2012), de Vincent Fitz-Jim, es una producción holandesa que se centra en Bas de Vries, un adolescente solitario y melancólico que se siente tan atrapado como los pájaros enjaulados que tan a menudo admira. Es difícil para él aceptar que tiene sentimientos por otros muchachos, pero la llegada de Frederik Stuut, un carismático chiquillo, le enseña por qué es tan importante romper las ataduras. “Daniël” es una historia cautivadora, rica en detalles y matices que dan complejidad a los protagonistas.

“Hazel” (2012), de Tamer Ruggli, es una comedia suiza sobre la intolerancia y la difícil transición de la infancia a la adolescencia. Maxime Mori es un muchacho precoz, un tanto extravagante, con rarezas particulares; él es constantemente reprendado por su madre, para ella la idea de tener un hijo gay es simplemente repugnante. “Hazel” es un corto honesto y agridulce.

Scarlet Witch and Quicksilver are some of the most enigmatic characters created by Stan Lee and Jack Kirby. They were first introduced as villains in the pages of X-Men, and later on decided to join the Avengers. In the first stories, they were simply orphans but, in time, the importance of finding the truth about their lineage became of paramount importance.

In “The Yesterday Quest!”, the powerful twins decide to travel to Europe with Django Maximoff, an old man who claims to be their father. For some critics, “Nights of Wundagore!” (originally published in The Avengers # 186, August 1979) is a seminal story because it involves an evil side rarely seen on a character like Scarlet Witch, for others, this is merely the conceptual preamble of The Dark Phoenix saga. Either way, in future decades, writers will further exploit the flaws of Scarlet Witch, in some cases turning her into an unstoppable force responsible for the decimation of mutants (as seen in “House of M”).

The secret origin of Scarlet Witch and Quicksilver is revealed in a story plotted by Mark Gruenwald and Steven Grant, and scripted by David Michelinie; they are also responsible for “The Call of the Mountain Thing!” (The Avengers # 187, September 1979), in which the Avengers defend themselves against a Scarlet Witch possessed by a demonic creature known as Chthon.

It’s interesting to observe how this action-packed issues are perhaps some of the less rewarding ones in terms of characterization and narrative consistency. It’s possible that with so many voices acting at the same time (Gruenwald, Grant and Michelinie) the essence of the story was lost at some point. There are, however, a few interesting moments, like the tender encounter between Quicksilver and Bova, a creature with strong maternal instincts created by the High Evolutionary. John Byrne’s pages are surprising and delightful, and this time Dan Green does a very satisfactory job as an inker. This is also the first time we get to see an Avengers cover illustrated by Byrne, an honor that proves how the (back then) young artist was already rising to prominence.

Quicksilver needs help / Quicksilver necesita ayuda

Jim Shooter and Bill Mantlo write “Elementary, Dear Avengers!” (The Avengers # 188, October 1979). In this chapter, the Avengers decide to visit (without authorization) the territories of the Soviet Union; their goal is as noble as ever: to prevent the destruction of a nuclear power plant, but before venturing into the Union of Soviet Socialist Republics, there is heated debate. At first, some of them feel uncomfortable helping the Soviets. But soon the Avengers remember that their main mission is to save lives, regardless of the political or ideological inclinations of the people they are about to rescue. The Soviet soldiers feel threatened by the presence of the American heroes, until an old colonel recognizes Captain America “as a hero who bravely fought alongside the Russian allies” during WWII. Although Byrne is the main artist of this issue, there are a couple of pages drawn by Frank Springer, which look quite rushed and rudimentary.

Scarlet Witch Versus The Avengers

“Wings and Arrows!” (The Avengers # 189, November 1979) is an episode entirely dedicated to Clint Barton (Hawkeye), so it’s quite peculiar to see so many writers focusing on a single character: Mark Gruenwald and Roger Stern are the co-plotters, while Steven Grant and David Michelinie are the co-scripters. Clint Barton discovers that finding a job in New York is very difficult, there are some great moments here, like the sequence in which Clint, optimistically, finds a check that Jarvis has sent him, only to find out that the money won’t be enough to pay the rent. Clearly Byrne was having a lot of fun while doing these pages, and he even includes some of the running gags that I always look for in comics from this period. For instance, we get a glimpse of Hawkeye perusing through the centerfold of a Playboy magazine (just like Wolverine used to do in the X-Men, or Deadshot in Legends).

Wanda & Pietro Maximoff

A senate investigation regarding the Avengers begins in “Heart of Stone” (The Avengers # 190, December 1979). Captain America stands against Henry Peter Gyrich, demanding more independence for him and the other superheroes. “Back to the Stone Age!” (The Avengers # 191, January 1980) marks the return of the Grey Gargoyle. Although the most relevant part of this chapter is the way Captain America outstmarts Gyrich, finally recovering the rights and priviliges of the Avengers. The fantastic cover of this issue is penciled by George Pérez and inked by Sal Buscema, but Byrne is in charge of all the other covers, some of which are now considered as contemporary classics.
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Scarlet Witch y Quicksilver son algunos de los personajes más enigmáticos creados por Stan Lee y Jack Kirby. Aparecieron por primera vez como villanos en las páginas de X-Men, y más tarde decidieron unirse a los Vengadores. En las primeras historias, eran simplemente huérfanos, pero con el tiempo, la importancia de encontrar la verdad sobre su linaje llegó a ser de suma importancia.

Pietro Maximoff & Crystal

En “The Yesterday Quest!”, los poderosos mellizos deciden viajar a Europa con Django Maximoff, un anciano que afirma ser su padre. Para algunos críticos, "Las noches de Wundagore" (originalmente publicado en The Avengers # 186, agosto de 1979) es una historia fundamental porque involucra el lado maligno (raramente visto) de Scarlet Witch, para otros, esto es simplemente el preámbulo conceptual de la saga de Dark Phoenix. De cualquier manera, en futuras décadas, otros escritores seguirán explotando los defectos de la Bruja Escarlata, en algunos casos convirtiéndola en una fuerza imparable capaz de diezmar la población mutante (como ocurre en "House of M").

Thor

El origen secreto de Scarlet Witch y Quicksilver se revela en una historia con argumento de Mark Gruenwald y Steven Grant, y guión de David Michelinie; los tres también son responsables de "La llamada de la cosa de la montaña" (The Avengers # 187, setiembre de 1979), en el que los Vengadores se defienden contra una Bruja Escarlata poseída por una criatura demoníaca conocida como Chthon.

Clint Barton ca't pay the rent / A Clint Barton no puede pagar el alquiler

Es interesante observar cómo estos números llenos de acción son algunos de los menos gratificantes en términos de caracterización y consistencia narrativa. Es posible que con tantas voces actuando al mismo tiempo (Gruenwald, Grant y Michelinie) la esencia de la historia se perdiese en algún momento. Hay, sin embargo, algunos momentos interesantes, como el tierno encuentro entre Quicksilver y Bova, una criatura con fuertes instintos maternales creada por el Alto Evolucionario. Las páginas de John Byrne son sorprendentes y deliciosas, y esta vez Dan Green hace un trabajo muy satisfactorio como entintador. Esta es también la primera vez que vemos una portada de los Vengadores ilustrada por Byrne, un honor que demuestra cómo el (entonces) joven artista ya estaba volviéndose más popular.

Hawkeye looking at a Playboy magazine / Hawkeye mira una revista Playboy

Jim Shooter y Bill Mantlo escriben "Elemental, queridos Vengadores" (The Avengers # 188, octubre de 1979). En este capítulo, los Vengadores deciden visitar (sin autorización) los territorios de la Unión Soviética; su objetivo es tan noble como siempre: evitar la destrucción de una planta de energía nuclear, pero antes de aventurarse en la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, hay un debate acalorado. Al principio, algunos de ellos se sienten incómodos ayudando a los soviéticos. Pero pronto los Vengadores recuerdan que su misión principal es salvar vidas, independientemente de las inclinaciones políticas o ideológicas de las personas que están a punto de rescatar. Los soldados soviéticos se sienten amenazados por la presencia de los héroes americanos, hasta que un viejo coronel reconoce al Capitán América "como un héroe que luchó valientemente junto a los aliados rusos" durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque Byrne es el principal artista de este número, hay un par de páginas dibujadas por Frank Springer, que son bastante apresuradas y rudimentarias.

The Avengers

"Alas y flechas" (The Avengers # 189, noviembre de 1979) es un episodio enteramente dedicado a Clint Barton (Hawkeye), así que es bastante curioso ver tantos escritores enfocados en un solo personaje: Mark Gruenwald y Roger Stern proporcionan el argumento, mientras que Steven Grant y David Michelinie son los co-guionistas. Clint Barton comprueba que encontrar un trabajo en New York es muy difícil; hay momentos muy bien logrados aquí, como la secuencia en la que Clint, con optimismo, encuentra un cheque que Jarvis le ha enviado, sólo para descubrir que ese dinero no será suficiente para pagar el alquiler. Claramente Byrne se estaba divirtiendo mucho mientras hacía estas páginas, e incluso incluye algunos de los gags típics que siempre busco en los cómics de este período. Por ejemplo, vemos a Hawkeye dándole un vistazo a las páginas centrales de una revista Playboy (al igual que Wolverine solía hacer en X-Men, o Deadshot en Legends).

Grey Gargoyle

El Senado abre una investigación sobre los Vengadores en "Corazón de piedra" (The Avengers # 190, diciembre de 1979). El capitán América se opone a Henry Peter Gyrich, exigiendo más independencia para él y los otros superhéroes. "De vuelta a la era de piedra" (Los Vengadores # 191, enero de 1980) marca el regreso de la Gárgola Gris. Aunque la parte más relevante de este capítulo es la forma en la que el Capitán América supera a Gyrich, recuperando finalmente los derechos y privilegios de los Vengadores. La fantástica portada de este número está dibujada a lápiz por George Pérez y entintada por Sal Buscema, pero Byrne está a cargo de todas las demás portadas, muchas de ellas ahora se consideran como clásicas contemporáneas.

Teen Titans / Legion - Johns, McKone, Reis & Prado

The Facts in the Case of the Departure of Miss Finch - Neil Gaiman & Michael Zulli

September films / películas de setiembre

Power Man versus Iron Fist - Chris Claremont & John Byrne

The X-Men: The Sentinels Trilogy - Roy Thomas & Neal Adams

The New Ant-Man - David Michelinie & John Byrne

September comics / Cómics de setiembre

X-Men: Second Genesis - Wein, Claremont & Cockrum

October films / películas de octubre

The Avengers versus Count Nefaria - Jim Shooter & John Byrne

X-Men: X-Sentinels - Chris Claremont & Dave Cockrum

The Avengers: Equal Opportunities - David Michelinie & John Byrne

October comics / cómics de octubre

November Films / películas de noviembre

The Champions: Black Goliath - Bill Mantlo & John Byrne

Lo mejor del arte en Lima - 2016

November Comics / Cómics de noviembre

2016 Comic Books: Arion's Achievement Awards

December Films / películas de diciembre

Avengers: Nights of Wundagore - David Michelinie & John Byrne