Arion's Archaic Art

Rick Veitch

Almost 30 years ago, “Scenes From the Nativity” (published in Eclipse’s Miracleman # 9, July 1986) became the most controversial comic book in the American industry. The problem wasn’t violence or swearing, neither could it be boiled down to ideologies or politics. The issue that caused an uproar in fans and comic book sellers perhaps was better described in the warning label that appeared on the original cover: “graphic scenes of childbirth”. Indeed, the idea of depicting a childbirth explicitly was seen as many as an effrontery, an audacious challenge to America’s most conservative morality.

I must say I had read several articles about what this issue meant for the history of the ninth art. It would be interesting to observe the evolution of the audience in the past 3 decades. Do readers still consider childbirth as something obscene? Is the birth sequence still seen as something disgusting? A human head protruding through a vagina continues to be a taboo? I cannot answer those questions, but I think it’s interesting to note that Marvel decided to include not one but two warnings on the cover, perhaps confirming with such caution that yes, after 30 years, American readers are still as puritan as ever.

Nevertheless, the birth sequence is a primordial element of Alan Moore’s narrative. This is a chapter that could not have been told in any other way: “In the careless and foggy continuum of our lives, these precious moments burn like suns: birth, death… these are the moments when we are real”. We had seen death before, and now it’s our turn to see a baby being born.

John Totleben

During 16 pages, Miracleman meditates about life and death, about his origin, his purpose, his miraculous powers and extraordinary abilities, and how this particular moment means so much to him. Michael Moran was sterile, Miracleman wasn’t. And Liz was more than happy to conceive his son. There has been so much death in previous issues, and now, all of a sudden, the presence of a new life puts a smile on Miracleman’s face.

It’s interesting to observe how violence never seems to pose much of a problem for the American entertainment industry, however, whenever sex or nudity are involved, the complaints begin. It’s still difficult for me to understand how a reader could find obscenity in that which is the most natural of acts: birth. Perhaps only those who are very afraid of the human body and its possibilities find all this quite frightening.

The penciler of this ninth issue is Rick Veitch; and the inker, Rick Bryant. Together they reaffirm the visceral elements of the birth, combining ferocity and tenderness in the same frame. The original cover was drawn by the magnificent John Totleben, and it is an amazing image, a peaceful expression of beauty, with just the necessary amount of details. Rick Veitch is in charge of the current cover.
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Miracleman & Liz

Hace casi 30 años, “Escenas de la natividad” (publicado en Miracleman # 9 de Eclipse, en julio de 1986) fue el cómic más controversial de la industria estadounidense. El problema no era la violencia ni las palabras inapropiadas, tampoco podría reducirse a ideologías o política. Lo que causó la ira de los fans y los vendedores de cómics tal vez quedó mejor descrito en la etiqueta de advertencia que aparecía en la portada original: “escenas gráficas de nacimiento”. Ciertamente, la idea de retratar un nacimiento explícitamente fue vista por muchos como una afrenta, un audaz desafío a la moral más conservadora de Estados Unidos.

Debo decir que había leído varios artículos sobre lo que significó este número para la historia del noveno arte. Sería interesante observar la evolución de la audiencia en las últimas 3 décadas. ¿Los lectores todavía consideran el nacimiento como algo obsceno? ¿La secuencia del parto aún es vista como algo repugnante? ¿Una cabeza humana que sale por una vagina continúa siendo un tabú? No puedo responder esas preguntas, pero creo que es interesante notar que Marvel decidió incluir no una sino dos advertencias en la portada, tal vez confirmando con semejante cautela que sí, después de 30 años, los lectores estadounidenses siguen siendo tan puritanos como siempre.

No obstante, la secuencia del nacimiento es un elemento primordial de la narrativa de Alan Moore. Este es un capítulo que no podría haber sido contado de otra forma: “En el insignificante y nebuloso continuo de nuestras vidas, estos momentos preciosos queman como soles: nacimiento, muerte… estos son los momentos en los que somos reales”. Habíamos visto a la muerte antes, y ahora es el turno de ver cómo nace un bebé.

explicit childbirth / nacimiento explícito

Durante 16 páginas, Miracleman medita sobre la vida y la muerte, sobre su origen, su propósito, sus milagrosos poderes y extraordinarias habilidades, y cómo este momento en particular significa tanto para él. Michael Moran era estéril, Miracleman no lo es. Y Liz estaba feliz de concebir su hijo. Hubo tanta muerte en números anteriores, y ahora, de pronto, la presencia de una nueva vida pone una sonrisa en el rostro de Miracleman.

Es interesante observar cómo la violencia nunca parece causar problemas en la industria del entretenimiento estadounidense; sin embargo, cada vez que hay sexo o desnudez involucrados, las quejas comienzan. Aún es difícil para mí entender cómo un lector podría encontrar obscenidad en el más natural de los actos: el nacimiento. Tal vez sólo aquellos que le tienen miedo al cuerpo humano y a sus posibilidades consideren esto como algo alarmante.

El dibujante de este noveno número es Rick Veitch; y el entintador, Rick Bryant. Juntos reafirman los elementos viscerales del nacimiento, combinando ferocidad y ternura en el mismo marco. La portada original fue dibujada por el magnífico John Totleben, y es una imagen asombrosa, una pacífica expresión de belleza, con la cantidad necesaria de detalles. Rick Veitch está a cargo de la portada actual.

I love horror films. I admire masters of suspense like Hitchcock and revolutionary filmmakers like George R. Romero with his unforgettable hordes of the living dead, I enjoy gore as much as the next guy, I respect Ridley Scott’s Alien and I find monsters –both old and new– enthralling. But if there is one horror subgenre that I do not like is exorcism.

Every time I make an effort and try to watch a movie about an exorcist, I get bored and I start yawning. I guess I find those movies ludicrous and unoriginal. To me, an exorcism is a bunch of superstitions held together by the faith of ignorant men and women. And I don’t find that interesting at all, not even in fiction.

So after having said all that you’re probably wondering why did I sit down to read Robert Kirkman’s new series. After all, it is a horror comic book that centers on exorcism. Well, let’s simply say that I trust the writer’s abilities and I was sure that he wouldn’t let me down. I read the first two issues of Outcast and I must say they were good.

Probably I wasn’t particularly interested in the actual exorcism scenes, but I quickly grew fond of the rest of it. I felt the despair of Kyle, the protagonist, a depressed man who has survived after watching his loved ones being victims of demonic possession. And that’s one of the things that I find interesting about Outcast. If you think about demonic possession then you’re thinking about a victim, someone who lives with you, a beloved family member, a daughter, a son, sometimes a father, a mother, a brother or a sister.

Being possessed by a demon is something that never happens to the protagonist of this sort of stories, the protagonist is always a participating witness, a man devoted to saving the lives of the innocent. And it is those innocents who are victims, who are possessed, who stop being a sibling or a parent to become a hollow shell temporarily inhabited by a supernatural and depraved monstrosity.

In the first chapter “A Darkness Surrounds Him”, Kirkman introduces several characters. A reverend, Kyle’s sister and her family, and it’s the contrast between these characters that somehow highlights the miserable aspects of the protagonist’s life. And it’s a life that Kirkman builds in a way that feels honest, without exaggerations, and it’s certainly much more interesting than anything I’ve seen in an exorcism movie.

In the next chapter, “From the Shadows it Watches”, we get to see a little bit more about Kyle’s life, his past and present. There is quite a bit of intrigue regarding Kyle’s past, especially the tragic fate suffered by his mother, wife and daughter. Was he the common denominator in these devastating events?

Although there are no horror scenes here, Kirkman doesn’t waste his pages. Instead of trying to shock the readers, the writer tries to show as much as he can about the protagonist, therefore allowing the audience to connect with Kyle. This pause is also a much needed element, so that when horror strikes back in subsequent issues the impact will be greater. It doesn’t matter if we’re talking about movies or comic books, a moment of calmness before the scary scene is always necessary.

Even if I’m not Paul Azaceta’s biggest fan, I must recognize his ability to create dark and scary scenarios, his raw style adds a necessary crudeness to this tale, and the coloring by Elizabeth Breitweiser complements Azaceta’s artistic choices quite nicely.
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Me encantan las películas de terror. Admiro a maestros del suspenso como Hitchcock y a cineastas revolucionarios como George R. Romero con sus inolvidables hordas de muertos vivientes, disfruto de lo sanguinario como cualquier otro, respeto al "Alien" de Ridley Scott y considero a los monstruos –tanto viejos como nuevos– cautivadores. Pero si es que hay un subgénero del terror que no me gusta es el exorcismo.

Cada vez que hago el esfuerzo y trato de mirar una película sobre un exorcista, me aburro y empiezo a bostezar. Supongo que califico estas películas como ridículas y poco originales. Para mí, un exorcismo es un montón de supersticiones reunidas por la fe de hombres y mujeres ignorantes. Y eso no me parece para nada algo interesante, ni siquiera en la ficción.

Así que después de haber dicho todo esto probablemente estén preguntándose por qué me senté a leer la nueva serie de Robert Kirkman. Después de todo, es un cómic de terror que se centra en el exorcismo. Bueno, digamos simplemente que confío en las habilidades del escritor y estaba seguro que no quedaría decepcionado. Leí los primeros dos números de "Outcast" y debo decir que fueron buenos.

Probablemente no estuve particularmente interesado en las escenas de exorcismo, pero rápidamente quedé prendado del resto. Sentí la desesperación de Kyle, el protagonista, un hombre deprimido que ha sobrevivido después de ver a sus seres queridos convirtiéndose en víctimas de posesión demoníaca. Y esa es una de las cosas interesantes de "Outcast". Si piensan en la posesión demoníaca entonces están pensando en una víctima, alguien que vive con ustedes, un bienhadado miembro de la familia, una hija, un hijo, a veces un padre, una madre, un hermano o una hermana.

Ser poseído por el demonio es algo que nunca le pasa al protagonista de este tipo de historias, el protagonista es siempre un testigo participante, un hombre con una devoción por salvar las vidas de los inocentes. Y son estos inocentes los que son las víctimas, los poseídos, los que dejan de ser un hermano o un padre para convertirse en una cáscara vacía habitada temporalmente por una monstruosidad depravada y sobrenatural.

En el primer capítulo “Una sombra lo rodea”, Kirkman presenta varios personajes. Un reverendo, la hermana de Kyle y su familia, y es el contraste entre estos personajes lo que de alguna manera resalta los aspectos miserable de la vida del protagonista. Y es una vida que Kirkman construye de una manera que se siente honesta, sin exageraciones, y es ciertamente mucho más interesante que cualquier cosa que haya visto en una película de exorcismo.

En el siguiente capítulo, “Desde las sombras nos mira”, podemos ver un poco más acerca de la vida de Kyle, su pasado y presente. Hay bastante intriga en relación al pasado de Kyle, especialmente el trágico destino sufrido por su madre, su esposa y su hija. ¿Él fue el común denominador en estos devastadores eventos?

Aunque aquí no hay escenas de terror, Kirkman no desperdicia páginas. En lugar de intentar asustar a los lectores, el escritor trata de mostrar tanto como puede sobre el protagonista, permitiendo por lo tanto que la audiencia se conecte con Kyle. Esta pausa es también un elemento necesario, para que cuando el terror retorne en números subsiguientes el impacto sea mayor. No importa si estamos hablando sobre películas o cómics, un momento de calma antes de la escena de miedo siempre hace falta.

Incluso si es que no soy un gran fan de Paul Azaceta, debo reconocer su habilidad para crear escenarios oscuros y aterradores, su estilo crudo añade una crueldad necesaria a este relato, y el coloreado de Elizabeth Breitweiser complementa muy bien las elecciones artísticas de Azaceta.

I grew up reading post-apocalyptical stories. I took a special pleasure in reading sci-fi novels or short stories about life after the great disaster, but I was also tremendously captivated by comic books that would explore this fascinating subject. I’m remembering extraordinary classics such as “Hombre” (which was published in the pages of “Cimoc”), written by Antonio Segura and with art by José Ortiz, or “Survival” (published in “Eagle”), written by Barrie Tomlinson and also illustrated by José Ortiz.

So, at least for me, the concept of a great disaster (a virus, a nuclear war, a zombie apocalypse) has always been a part of my usual readings. Let’s add to that the fact that I absolutely love zombie movies and you might probably be wondering why I wasn’t reading The Walking Dead back in 2003. A decade ago I wasn’t too keen on Image titles, so I totally missed out on the debut of Robert Kirkman’s most successful franchise.

As you can imagine, Kirkman is a zombie movies fan too. So much, in fact, that his initial draft for The Walking Dead was pretty much a remake of George A. Romero’s “Night of the Living Dead” (the original 1968 version). I wonder, sometimes, if the idea of having a series in black and white wasn’t also a homage to the master of horror (but then again, we all know that black and white was a much more affordable option than full color).

Nevertheless, the first chapter of “Days Gone Bye” (published in October 2003) establishes a post-apocalyptical outcome from the very beginning. Instead of relying on the emotion of starting in media res, as most zombie movies do, we get to see the world as it is after the great tragedy has occurred. Rick Grimes, the protagonist, has been in a comma for weeks. When he wakes up, he finds himself in an abandoned hospital (much like Cillian Murphy in Danny Boyle’s outstanding “28 Days Later”). It doesn’t take him long to realize there is something wrong going on.

Since the series had just started and Kirkman had no idea if sales would be good, he knew he had to tell a story as fast as possible. So it isn’t surprising that Rick finds his wife Lori and his son Carl in the second issue. And what took the TV series almost two seasons, id est, the conflict between Rick and his best friend Shane, who had been taking care of Lori in more than one way, is resolved here in the final pages of the sixth issue. In general, these issues have a lot of action and plot development, clearly, there is nothing here that feels slow or decompressed.

I’ve been reading The Walking Dead on and off for a few years now, and I think one of Kirkman’s greatest accomplishments is the way he makes his characters evolve. In these first issues, Rick is naïve, slightly clumsy, too sensitive. But as things grow darker, he will change considerably. It’s also interesting to see characters like Dale or Andrea who are first presented merely as part of the secondary cast, long before they acquire protagonic roles.

The first six issues of the series were drawn by Tony Moore, a talented artist that captured flawlessly the horror elements of a world conquered by a zombie plague. There are some brilliant pages, especially those showing large agglomerations of zombies.

In the introduction of the first volume, Kirkman explains his intentions: “I want to explore how people deal with extreme situations and how these events change them”. Perhaps that, in a nutshell, is the essence of The Walking Dead, not the rotten corpses, not the flesh-eating zombies, not the gore, the blood or the guts, but rather the reaction of normal people in completely abnormal circumstances. Furthermore, like the best zombie movies, The Walking Dead makes us question our society. In that regard, Kirkman is faithful to the legacy of Romero and his saga of the living dead.

There is, however, one point that I’ve never felt too convinced about, and it is the length of the series. “The Walking Dead will be the zombie movie that never ends”, affirms Kirkman. And today, after 130 issues it has become clear for many fans that the comic book is suffering from a certain fatigue, so much in fact that now the TV series is tremendously more intense and provocative than the original material.
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Crecí leyendo historias post-apocalípticas. Para mí era un gran placer leer novelas o cuentos de ciencia ficción sobre la vida después del gran desastre, pero también estaba tremendamente cautivado por los cómics que exploraban este fascinante tema. Recuerdo clásicos extraordinarios como “Hombre” (publicado en las páginas de “Cimoc”), escrito por Antonio Segura y con arte de José Ortiz, o “Survival” ("Superviviente" publicado en “Eagle”), escrita por Barrie Tomlinson y también ilustrada por José Ortiz.

Así que, al menos para mí, el concepto de un gran desastre (un virus, una guerra nuclear, un apocalipsis zombi) siempre ha sido parte de mis lecturas habituales. Añadamos a eso el hecho de que las películas de zombis me encantan y ustedes probablemente se preguntarían por qué no estaba leyendo "The Walking Dead" en el 2003. Hace una década no valoraba mucho los títulos de Image, así que me perdí por completo el debut de la franquicia más exitosa de Robert Kirkman.

Como pueden imaginarse, Kirkman también es fan de las películas de zombis. Tanto, de hecho, que su borrador inicial para “The Walking Dead” era básicamente un remake de “La noche de los muertos vivientes” de George A. Romero (la versión original de 1968). A veces me pregunto si la idea de realizar una serie a blanco y negro no fue también un homenaje al maestro del terror (claro que todos sabemos que el blanco y negro era una opción mucha más económica que el color).

No obstante, el primer capítulo de “Días pasados” (publicado en octubre de 2003) establece un desenlace post-apocalíptico desde el comiendo. En vez de apoyarse en la emoción de comenzar en media res, como sucede con la mayoría de películas de zombis, vemos al mundo tal como es después de que ha ocurrido la gran tragedia. Rick Grimes, el protagonista, ha estado en coma por semanas. Cuando despierta, descubre que está abandonado en un hospital (al igual que Cillian Murphy en la sobresaliente “28 Days Later” de Danny Boyle). No le toma mucho tiempo darse cuenta de que algo malo está sucediendo.

Como la colección recién empezaba y Kirkman no tenía cómo adivinar si es que las ventas iban a ser buenas, él sabía que tenía que contar la historia lo más rápido posible. Así que no es sorprendente que Rick encuentra a su esposa Lori y a su hijo Carl en el segundo número. Y lo que le tomó a la serie de televisión casi dos temporadas, es decir, el conflicto entre Rick y su mejor amigo Shane, quien se había estado encargando de Lori en más de un sentido, se resuelve aquí en las páginas finales del sexto número. En general, estos números tienen un montón de acción y desarrollo argumental, claramente, no hay nada aquí que se sienta lento o descomprimido.

He estado leyendo "The Walking Dead", con interrupciones, por algunos años, y creo que uno de los grandes logros de Kirkman es la forma en la que hace evolucionar a sus personajes. En estos primeros números, Rick es ingenuo, ligeramente torpe, demasiado sensible. Pero cuando todo se torna más oscuro, él cambiará considerablemente. También es interesante ver a personajes como Dale o Andrea quienes al principio son presentados meramente como parte del elenco secundario, mucho antes de que adquieran roles protagónicos.

Los primeros seis números de la colección fueron dibujados por Tony Moore, un talentoso artista que capturó impecablemente los elementos de terror de un mundo conquistado por una plaga zombi. Hay algunas páginas brillantes, especialmente aquellas que muestran grandes aglomeraciones de zombis.

En la introducción del primer volumen, Kirkman explica sus intenciones: “Quiero explorar cómo la gente lidia con situaciones extremas y cómo estos eventos los cambian”. Tal vez eso, en resumidas cuentas, es la esencia de "The Walking Dead", no los cuerpos podridos, ni los zombis devoradores de carne, ni la violencia, la sangre o las tripas, sino más bien la reacción de la gente normal en circunstancias completamente anormales. Más aún, como las mejores películas de zombis, "The Walking Dead" nos hace cuestionar nuestra sociedad. En ese aspecto, Kirkman es fiel al legado de Romero y su saga de los muertos vivientes.

Hay, sin embargo, un punto que nunca me ha convencido del todo, y es la extensión de la colección. “The Walking Dead será la película de zombis que nunca termina”, afirma Kirkman. Y hoy en día, después de 130 números es evidente para muchos fans que el cómic está sufriendo una cierta fatiga, tanto así que de hecho ahora la serie de televisión es tremendamente más intensa y provocadora que el material original.

Writing about the Endless would have been an impossible task for most writers. Perhaps it was also a difficult task for Neil Gaiman himself, right at the very beginning, when only Morpheus would grace the pages of “The Sandman”. The family portrait would not be seen until several issues after the inaugural chapter.

The Endless are the immortal notions that rule the lives of all living creatures throughout the universe. Dream, Death, Destiny and the others have outlived gods and galaxies. So as a writer it could be very complicated to think of possible threats and challenges for the Endless. Is fear a possibility for someone who has existed since the beginning of time? What could worry Morpheus? Certainly not death: “I did not die because I do not live. Not in any way that you understand”.

Perhaps the fears of the Dreamlord have more to do with his own desires than anything else. “The Floating Word Scratches” takes the reader into a strange land visited by the protagonist and his cat. There, they find a little girl whose father has been killed and they decide to make of her a travel companion.

It is during this journey when Morpheus remembers his painful past and how he was temporarily apprehended by two powerful gods that tried to invade his kingdom. Trapped and desperate, the Lord of Dreams holds the vigil of his brothers and sisters, but most don’t even answer his call. Delight does, but she is at war with herself, losing her own mind and about to change into Delirium. Desire answers and explains that all she can do is play with his brother’s intimate desire, and so she gives him a lover, a lady of light that helps Morpheus escape. Together, as a couple, they triumph over the conquering gods. But after victory, love between them becomes more and more tenuous. They both have wishes, and their hearts desires are not in synchrony. Eventually, Morpheus must make a hard decision: to exile the woman who saved his life.

Fear and pain, therefore, are part of the life of an Endless. Neither fear of death, nor physical pain, but something far more profound and profane. Because for an immortal, a broken heart can last longer than the glow of the sun.

different artistic styles / estilos artísticos diferentes

In this third chapter, the entire universe is preparing for the ultimate war. Perhaps to prevent it or simply to understand its reasons, Morpheus is now heading to the City of Stars. Therein he might find something quite frightening: the possibility of a family reunion.

Waiting several months for the next issue of Sandman Overture makes perfect sense when one admires the gorgeous pages of J.H. Williams III. There is such an exquisite level of details side by side with amazing graphic experimentation. Furthermore, in some pages Williams seems to be able to channelize the style of legendary artists such as Bernie Wrightson, Moebius, Alex Ross and Burne Hogarth, among others.

Turning frames into part of the visual narrative is also a great idea. And the double page format certainly does lend strength to Williams proposal. Certainly, violence is also beautifully rendered by the artist as we can see on the pages that show the skirmish between Sandman and a couple of aliens that have eviscerated the little girl’s father. Finally, the landscape and the giant holding everything together, like a modern and extraterrestrial Atlas, was a strong and unforgettable illustration, and I consider it a true example of artistic imagination.
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clever use of frames / ingenioso uso de viñetas

Escribir sobre los Eternos habría sido una tarea imposible para la mayoría de escritores. Tal vez también fue una tarea difícil para el propio Neil Gaiman, justo al comienzo, cuando sólo Morpheus agraciaba las páginas de “The Sandman”. El retrato de la familia no sería visto sino hasta varios números después del capítulo inaugural.

Los Eternos son las nociones inmortales que gobiernan las vidas de todas las criaturas vivientes del universo. Sueño, Muerto, Destino y los demás, han sobrevivido dioses y galaxias. Así que como escritor podría ser muy complicado pensar en posibles amenazas para los Eternos. ¿Es el miedo una posibilidad para alguien que ha existido desde el inicio del tiempo? ¿Qué podría preocupar a Morpheus? Ciertamente no la muerte: “No morí porque no vivo. No de una manera que tú podrías entender”.

an eviscerated alien / un alienígena eviscerado

Tal vez los miedos del Amo de los Sueños tienen más que ver con sus propios deseos que con otra cosa. “El mundo flotante rasca” lleva al lector a una extraña tierra visitada por el protagonista y su gato. Allí, encuentran a una niña cuyo padre ha sido asesinado y deciden hacer de ella una compañera de viaje.

Es durante este viaje que Morpheus recuerda su doloroso pasado y cómo fue temporalmente apresado por dos poderosos dioses que intentaron invadir su reino. Atrapado y desesperado, el Amo de los Sueños sujeta el amuleto de sus hermanos y hermanas, pero la mayoría ni siquiera responde a su llamado. Delicia lo hace, pero ella está en guerra consigo misma, perdiendo su cordura y a punto de convertirse en Delirio.Deseo responde y explica que lo único que ella puede hacer es jugar con el deseo íntimo de su hermano, así que le da una amante, una dama de luz que ayuda a Morpheus a escapar. Juntos, como pareja, triunfan sobre los dioses conquistadores. Pero después de la victoria, el amor entre ellos se hace más y más tenue. Ambos tienen deseos, y el deseo de sus corazones no está en sincronía. Eventualmente, Morpheus debe tomar una difícil decisión: exiliar a la mujer que salvó su vida.

Miedo y dolor, por lo tanto, no son parte de la vida de un Eterno. Ni el miedo a la muerte, ni el dolor físico, sino algo más profundo y profano. Porque para un inmortal, un corazón rato puede durar mucho más que el brillo de un sol.

an impossible journey / un viaje imposible

En este tercer capítulo, el universo entero se prepara para la guerra definitiva. Tal vez para prevenirla o simplemente para comprender sus razones, Morpheus se dirige ahora a la Ciudad de las Estrellas. Allí podría encontrar algo bastante aterrador: la posibilidad de una reunión familiar.

Esperar varios meses hasta el próximo número de Sandman Overture tiene sentido cuando uno admira las preciosas páginas de J.H. Williams III. Hay un exquisito nivel de detalles al lado de una asombrosa experimentación gráfica. Más aún, en algunas páginas Williams parece capaz de canalizar el estilo de artistas legendarios como Bernie Wrightson, Moebius, Alex Ross y Burne Hogarth, entre otros.

Convirtiendo viñetas en parte de la narrativa visual es también una grandiosa idea. Y el formato de página doble ciertamente añade fuerza a la propuesta de Williams. Ciertamente, la violencia también está hermosamente retratada por el artista tal como podemos ver en las páginas que muestran la escaramuza entre Sandman y un par de alienígenas que han eviscerado al padre de la niña. Finalmente, el paisaje y el gigante que lo sostiene todo, como un Atlas moderno y extraterrestre, fue una poderosa e inolvidable ilustración, y la considero un verdadero ejemplo de imaginación artística.

Still reeling from the shock of recent events, the legionnaires decide to confront Earth’s president, a man who has ruined the government’s reputation and violated the laws of the United Planets. And that’s the beginning of “Terror Incognita”, a 3 part odyssey that chronicles the showdown between the Legion and Ra’s Al Ghul.

“Terrorform” (published in The Legion # 6, May 2002) shows the scope of Ra’s Al Ghul’s plans, an immortal man who has been preparing the destruction of humankind for centuries. After exterminating all humans, the Head of the Demon plans to replace them “with something infinitely better”.

The legionnaires defeat the Oversight Watch, an elite mercenary team designated to protect the president. However, Ra’s Al Ghul manages to outsmart the Legion. An understandable victory if one remembers that two thousand years ago, this villain had battled hundreds of times with Batman as well as with the world’s greatest superheroes. Meanwhile, in Xanthu, Star Boy and Xs realize that Robotica’s Baseworld is heading towards another sector of the galaxy, a fact confirmed by Dreamer’s precognitive abilities.

In “Fear of Change” (The Legion # 7), the second chapter, Kid Quantum, Cosmic Boy, Ultra Boy, Leviathan, Brainiac 5, Chameleon, Shikari, Gates and Triad try to do everything they can to prevent the terraforming of Earth. The evolutionary challenge presented by Ra’s Al Ghul is a tough one. Outclassed and overwhelmed by the attack of the Head of the Demon, the legionnaires fight desperately.

The final battle between the Legion and Ra’s Al Ghul takes place in “Hypersapiens” (The Legion # 8). Without his Oversight Watch and the assistance of the mysterious Venge, the Head of the Demon realizes that it’s time for him to actively participate in the struggle. And so he does. Dan Abnett and Andy Lanning designed an amazing fighting choreography in which Ra’s Al Ghul defeats most of the legionnaires; and just like Batman, his nemesis, he uses only his superior intellect and his agility.

The Legion challenges the president / la Legión reta al presidente

Cosmic Boy helps Brainiac 5 / Cosmic Boy ayuda a Brainiac 5

Personally, this is one of my favorite moments. The physical confrontation is not what really matters here but rather the mental duel between the galaxy’s favorite sons and daughters and an immortal man who is fed up with humanity. Ra’s Al Ghul knows exactly when and how to strike, and using only the strength of an average human he manages to subjugate Shikari, Chameleon, Cosmic Boy, Leviathan, Ultra Boy and Kid Quantum. Sequences like this surely inspired writers like Brad Meltzer, who in “Identity Crisis” also described how a human villain (Deathstroke) could overthrow the entire Justice League of America. In any case, it’s one of the best action scenes I could remember.

Finally, M’Onel engages in combat with Ra’s Al Ghul. For an entire year, the Daxamite had been following the orders of the Head of the Demon, disguised as the president of the world. Now he isn’t taking orders anymore. And he’s angry enough to defeat Batman’s archenemy.

The timely arrival of Legion World and the rest of the legionnaires allows the Legion to stop the Moon from colliding against our planet. Of course, “Terror Incognita” wouldn’t have been as impressive without the amazing art by Olivier Coipel. Coipel emphasizes the iconic nature of the heroes of the 31st century, while retaining a fresh and youthful atmosphere. His dominion over composition is made evident, for instance, in the fight between Ra’s Al Ghul and the legionnaires. And at last, but not least, I would like to mention his spectacular covers, from a delightfully villainous image in issue # 6, with the legionnaires crushed by the immortal’s fist, to a simple and yet effective concept in issue # 7, and to the incredible confrontation in issue # 8.
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The Legion with the Science Police / la Legión con la Policía Científica

Aunque apenas se han recuperado del impacto de eventos recientes, los legionarios deciden confrontar al presidente de la Tierra, un hombre que ha arruinado la reputación del gobierno y violado las leyes de los Planetas Unidos. Y ese es el comienzo de “Terror Incognita”, una odisea en 3 partes que relata la lucha entre la Legión y Ra’s Al Ghul.

“Terrorform” (publicado en "The Legion" # 6, mayo de 2002) muestra qué tan ambiciosos son los planes de Ra’s Al Ghul, un inmortal que ha estado preparando la destrucción de la humanidad por siglos. Después de exterminar a todos los humanos, la Cabeza del Demonio planea reemplazarlos “con algo infinitamente mejor”.

Los legionarios derrotan a la Oversight Watch, una agrupación de mercenarios de élite designada para proteger al presidente. Sin embargo, Ra’s Al Ghul se las arregla para vencer a la Legión con su astucia. Una victoria comprensible si uno recuerda que hace dos mil años este villano había batallado cientos de veces con Batman así como con los más grandes superhéroes. Mientras tanto, en Xanthu, Star Boy y Xs se dan cuenta de que el Mundo Base de Robotica se dirige hacia otro sector de la galaxia, un hecho confirmado por las habilidades pre-cognitivas de Dreamer.

En “Miedo al cambio” (The Legion # 7), el segundo capítulo, Kid Quantum, Cosmic Boy, Ultra Boy, Leviathan, Brainiac 5, Chameleon, Shikari, Gates y Triad intentan hacer todo lo posible para impedir que la Tierra sea terraformada. El reto evolucionario presentado por Ra’s Al Ghul es difícil. Sobrecogidos y abrumados por el ataque de la Cabeza del Demonio, los legionarios pelean desesperadamente.

Ra's Al Ghul defeats the legionnaires / Ra's Al Ghul derrota a los legionarios

La batalla final entre la Legión y Ra’s Al Ghul ocurre en “Hypersapiens” (The Legion # 8). Sin la Oversight Watch y sin la ayuda del misterioso Venge, la Cabeza del Demonio constata que es momento de participar activamente en la lucha. Y eso es lo que hace. Dan Abnett y Andy Lanning diseñaron una asombrosa coreografía de pelea en la que Ra’s Al Ghul derrota a la mayoría de los legionarios; y al igual que Batman, su némesis, él usa solamente su intelecto superior y su agilidad.

M'Onel versus Ra's Al Ghul

Personalmente, este es uno de mis momentos favoritos. La confrontación física no es lo que más importa aquí sino más bien el duelo mental entre los hijos e hijas favoritos de la galaxia y un inmortal que está harto de la humanidad. Ra’s Al Ghul sabe exactamente cuándo y cómo atacar, y usando solamente la fuerza de un humano promedio se las arregla para subyugar a Shikari, Chameleon, Cosmic Boy, Leviathan, Ultra Boy y Kid Quantum. Secuencias como esta seguramente inspiraron a escritores como Brad Meltzer, quien en “Identity Crisis” también describe cómo un villano humano (Deathstroke) podría derrotar a toda la Liga de la Justicia de América. En cualquier caso, es una de las mejores escenas de acción que puedo recordar.

Finalmente, M’Onel combate contra Ra’s Al Ghul. Por todo un año, el daxamita había estado siguiendo órdenes de la Cabeza del Demonio, quien se disfrazó como el presidente del mundo. Ahora ya no sigue órdenes de nadie. Y está lo suficientemente furioso como para vencer al archienemigo de Batman.

La oportuna llegada del Mundo Legion y el resto de los legionarios facilita que la Legión impida que la Luna choque con nuestro planeta. Por supuesto, “Terror Incognita” no hubiese sido tan impresionante sin el asombroso arte de Olivier Coipel. Coipel enfatiza la naturaleza icónica de los héroes del siglo XXXI, al tiempo que retiene una atmósfera fresca y juvenil. Su dominio sobre la composición se hace evidente, por ejemplo, en la pelea entre Ra’s Al Ghul y los legionarios. Y, por último, me gustaría mencionar sus espectaculares portadas, desde una imagen deliciosamente villanesca en el # 6, con los legionarios aplastados por el puño del inmortal, hasta un concepto simple pero efectivo en el # 7, y hasta la increíble confrontación del # 8.

With half a dozen of great comics, July proves to be a very fruitful month. Although nothing could be better than Miracleman, the second chapter of The Wicked + The Divine wins the award of best single issue of the month. I must say that the beginning of Kirkman’s Outcast was quite good, and Silver Surfer continues to be a fun title. And now without further ado, here are July’s comics as per solicitations:

MIRACLEMAN #8
(W) Various (A) Chuck Austen (CA) John Romita • Miracleman vs. Miracledog! • Miracleman and Gargunza. Their dreams have been intertwined since 1954. Tonight, one will realize his dream, and the other… • Including stories originally presented in MIRACLEMAN #7-8, plus bonus material.

OUTCAST BY KIRKMAN & AZACETA #1 (MR)
(W) Robert Kirkman (A) Paul Azaceta, Elizabeth Breitweiser (CA) Paul Azaceta. NEW HORROR SERIES FROM THE WALKING DEAD CREATOR ROBERT KIRKMAN! Kyle Barnes has been plagued by demonic possession all his life and now he needs answers. Unfortunately, what he uncovers along the way could bring about the end of life on Earth as we know it.

SILVER SURFER #4
(W) Dan Slott (A) Michael Allred, Michael Allred • In order to return alien abductee Dawn Greenwood home, the Surfer must travel to the one place in the galaxy he dreads the most... Planet Earth! • And what should be a quick drop off turns into turns into one very... strange adventure. • Featuring: DOCTOR STRANGE, THE INCREDIBLE HULK, and some surprise guest stars. Including those movie stars on the cover!

WAKE #7 (OF 10) (MR)
(W) Scott Snyder (A) Sean Murphy (CA) Andrew Robinson. Two hundred years in the future, things are not looking good for the human race. But a mysterious call from the deep could change everything. The epic, flooded future of THE WAKE continues here!

WICKED & DIVINE #2 (MR)
(W) Kieron Gillen (A) Jamie McKelvie, Matthew Wilson (CA) Matthew Wilson, Jamie McKelvie. Diabolically divine pop-god Lucifer is in trouble. She offers superfan Laura an unprecedented deal if she helps. It's a bargain. A Faustian bargain, and they always turn out so well. Who knows who Laura will turn to fulfill it? We do. Clearly. It's our comic. You can know too if you buy this fine pictorial narrative with your human money coins.

my drawing still in process / mi dibujo todavía en proceso

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Con media docena de cómics de primer nivel, julio demuestra ser un mes fructífero. Aunque nada podría ser mejor que Miracleman, el segundo capítulo de The Wicked + The Divine gana el premio al mejor número del mes. Debo decir que el inicio de Outcast de Kirkman fue bastante bueno, y Silver Surfer continúa siendo un título divertido. Y ahora, sin más preámbulos, ahí van los cómics de julio:

MIRACLEMAN #8
¡Miracleman versus Gargunza!

OUTCAST BY KIRKMAN & AZACETA #1 (MR)
Kyle ha sido asediado por posesiones demoníacas toda su vida y ahora necesita respuestas. Por desgracia, esas respuestas podrían ser su fin.

SILVER SURFER #4
Para regresar a un extraterrestre secuestrado a su hogar, SILVER SURFER deberá viajar al lugar de la galaxia que más le desagrada: la Tierra.

WAKE #7
Las cosas no pintan del todo bien para la raza humana 200 años en el futuro. Pero una misteriosa llamada desde la profundidad oceánica podría cambiarlo todo en este mundo inundado.

WICKED & DIVINE #2 (MR)
Lucifer, deidad diabólicamente divina del pop, está en un buen lío. Le ofrece a la súper fan Laura un trato sin precedentes. Un trato con el diablo. Un trato faustiano, de esos que siempre terminan tan bien. ¿A quién acudirá Laura para cumplir con este trato? Averiguadlo comprando esta grandiosa narrativa pictórica con vuestras monedas humanas.

my sketch (still in process) / mi boceto (todavía en proceso)

A funeral is the perfect opportunity to say goodbye. However you do not say goodbye to a person that is already gone, you simply bid farewell to the idea and the memories of the deceased. A funeral can also be the last chance you have to try to understand who that person was and why did their life mattered.

“To Be In England, In the Summertime” (published in January 2000) begins with the funeral of Jack Carter. A British bloke, an unrelenting smoker, a manipulative magician well versed in the dark arts. Certainly, Jack Carter is a reinterpretation of Alan Moore’s creation John Constantine. However his funeral is not about coming to terms with his death, but rather a meaningful way to reexamine the narrative of the 80s, to ascertain if it still remains valid or it needs updating.

When Elijah Snow, Jakita Wagner and Drummer walk into the cemetery, they immediately stumble upon some of the 80s vestiges. Sitting on a bench, we can clearly see Death of the Endless, and a peculiar amalgamation of Sandman with his own author Neil Gaiman.

Of course, there are many other refugees from the 80s attending the funeral. Perhaps the most prominent would be an alternative version of Grant Morrison’s Animal Man and a fusion between Alan Moore’s Swamp Thing and Poison Ivy. If you think clearly and objectively about the 80s, you will realize very quickly that it was a glorious decade for the 9th art. The American comic book industry blossomed thanks to the presence of British writers that revolutionized the superhero genre.

the cemetery / el cementerio

I’ve often wondered what was it about the 80s that inspired so many writers. For Warren Ellis, the political scenario provides more than enough enlightenment. The United States had substantial problems, but England was facing a serious debacle. In real life, Margaret Thatcher alienated England’s brightest writers. Alan Moore, Grant Morrison and Neil Gaiman publicly expressed their disappointment in the Iron Lady. Warren Ellis also shares his point of view: “She wanted concentration camps for AIDS victims, wanted to eradicate homosexuality even as an abstract concept, made poor people choose between eating and keeping their vote […] England was a scary place. No wonder it produced a scary culture”.

Time has passed and the question remains. Have these characters adapted to the new era or are they still stuck in the 80s? They are like an uncomfortable testimony that corroborates the ugliness of the past. A past that is still as mysterious as ever. So much, in fact, that Elijah Snow and the rest of the group decide to investigate Carter’s death, suspecting that he might have faked his own demise.

During their forensic procedure, they run into a strange superhero, perhaps the quintessential American superhero: a square-jawed adventurer, a traditional do-gooder… until the arrival of the 80s. Because if we pause for a moment to remember what the 80s meant for most superheroes, then we will realize that important changes were happening in that era. British authors transformed one-dimensional characters into complex individuals, with rich personalities; they eliminated the concept of purity and undisputed goodness, and added a much necessary darkness to balance things out. Obviously, many readers complained about it. They wanted their heroes to return to the idealistic although childish standards of the past.

Dream (Sandman) & Death

The anonymous superhero of this tale is an enraged man, someone who misses the clean and simple years of decades long gone. Instead of a classic superhero, in the 80s he was turned into something else. His history was rewritten and as a consequence his origin was modified: “I liked my life! There was nothing wrong with me! I wasn’t hip, I wasn’t trendy, I wasn’t edgy, and you know what? That was okay! I didn’t need the split personalities, the nervous breakdown, the shift in sexual orientation, my life being a lie”, he yells at Snow. It’s revealed that he had been photographed with underage male prostitutes by Jack Carter. Revenge, of course, was inevitable.

In the final pages Jack Carter reappears and kills this nameless superhero in cold blood. Although Carter has changed. Like he says, the 80s are dead. It’s time to embrace the future. And he erases those aspects that made him similar to John Constantine, and adopts a new look, almost identical to Spider Jerusalem, the protagonist of Warren Ellis impressive “Transmetropolitan” series.

John Cassaday’s art is absolutely amazing. We have dark and ominous moments, like the page that shows the protagonists entering into the cemetery; and we also have brighter and more powerful scenes, like the page that includes the sons and daughters of the 80s (I must highlight the fantastic design of the Swamp Thing / Poison Ivy hybrid and the alternative Animal Man). One of the best artists of the industry leaves his mark in a very creative story about the impact the 80s “British invasion” had on the superhero genre.
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Un funeral es la oportunidad perfecta para decir adiós. Sin embargo, no le dices adiós a la persona que ya no existe, simplemente te despides de la idea y las memorias del fallecido. Un funeral también puede ser la última oportunidad para tratar de entender quién era esa persona y por qué su vida era importante.

Alternative versions of Animal Man and Swamp Thing / versiones alternativas de Animal Man y Swamp Thing

“Estar en Inglaterra, en el verano” (publicado en enero del 2000) empieza con el funeral de Jack Carter. Un sujeto británico, un fumador empedernido, un mago manipulador inmerso en las artes oscuras. Ciertamente, Jack Carter es una reinterpretación de la creación de Alan Moore, John Constantine. Sin embargo su funeral no tiene como objetivo aceptar su muerte, sino más bien reexaminar de manera significativa la narrativa de los 80s, para determinar si aún es válida o si necesita actualizarse.

Cuando Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer caminan por el cementerio, inmediatamente encuentran algunos vestigios de los 80s. Sentados en una banca, podemos ver claramente a Muerte, de los Eternos, y una peculiar amalgama de Sandman con su propio autor Neil Gaiman.

Desde luego, hay muchos otros refugiados de los 80s que asisten al funeral. Tal vez los más prominentes serían la versión alternativa del Animal Man de Grant Morrison y una fusión entre el Swamp Thing de Alan Moore y Poison Ivy. Si piensan clara y objetivamente sobre los 80s, se darán cuenta muy rápidamente de que fue una década gloriosa para el noveno arte. La industria estadounidense del cómic floreció gracias a la presencia de escritores británicos que revolucionaron el género de los superhéroes.

Jack Carter = John Constantine

Me he preguntado a menudo por qué los 80s inspiraron a tantos escritores. Para Warren Ellis, el escenario político proporciona una aclaración más que suficiente. Los Estados Unidos tenían problemas sustanciales, pero Inglaterra estaba enfrentando una seria debacle. En la vida real, Margaret Thatcher alienó a los más brillantes escritores ingleses. Alan Moore, Grant Morrison y Neil Gaiman expresaron públicamente lo decepcionados que estaban con la Dama de Hierro. Warren Ellis también comparte su punto de vista: “Ella quería campos de concentración para las víctimas del SIDA, quería erradicar la homosexualidad incluso como un concepto abstracto, hizo que la gente pobre eligiera entre comer y seguir votando […] Inglaterra era un lugar que daba miedo. No es extraño que produjera una cultura que daba miedo”.

El tiempo ha transcurrido y la pregunta permanece. ¿Estos personajes se han adaptado a la nueva era o aún siguen atascados en los 80s? Ellos son como un incómodo testimonio que corrobora la fealdad del pasado. Un pasado que aún es tan misterioso como antes. Tanto que, de hecho, Elijah Snow y el resto del grupo deciden investigar la muerte de Carter, sospechando que él podría haber fingido su deceso.

Durante este procedimiento forénsico, ellos encuentran a un extraño superhéroe, tal vez la quintaesencia del superhéroe norteamericano: un aventurero de quijada cuadrada, un bienhechor tradicional... hasta la llegada de los 80s. Porque si nos detenemos por un momento para recordar lo que los 80s significaron para la mayoría de los superhéroes, entonces nos daremos cuenta de los importantes cambios que ocurrieron en esa era. Los autores británicos transformaron personajes unidimensionales en individuos complejos, con personalidades ricas; eliminaron el concepto de la pureza y la bondad indiscutible, y añadieron una muy necesaria oscuridad para equilibrar las cosas. Obviamente, muchos lectores se quejaron al respecto. Ellos querían que sus héroes regresen a los estándares idealistas aunque infantiloides del pasado.

El superhéroe anónimo de este relato es un hombre enfurecido, alguien que añora los años limpios y simples de décadas pasadas. En vez de un superhéroe clásico, en los 80s él fue convertido en algo distinto. Su historia fue rescrita y como consecuencia su origen fue modificado: “¡Me gustaba mi vida! ¡No tenía nada de malo! Yo no estaba a la moda, ni marcaba tendencias, no era innovador, ¿y saben qué? ¡Así estaba bien! No necesitaba una personalidad dividida, la crisis nerviosa, el cambio de orientación sexual, mi vida convertida en una mentira”, le grita a Snow. Se ha revelado que Jack Carter lo había fotografiado con chicos prostitutos menores de edad. La venganza, por supuesto, era inevitable.

En las páginas finales, Jack Carter reaparece y mata a sangre fría a este superhéroe sin nombre. Aunque Carter ha cambiado. Como él dice, los 80s han muerto. Es momento de aceptar el futuro. Y él borra aquellos aspectos que lo asemejaban a John Constantine, y adopta una nueva apariencia, casi idéntica a la de Spider Jerusalem, el protagonista de la impresionante serie de Warren Ellis “Transmetropolitan”.

El arte de John Cassaday es absolutamente asombroso. Tenemos momentos oscuros y ominosos, como la página que muestra a los protagonistas entrando en el cementerio; y también tenemos escenas más luminosas y poderosas, como la página que incluye a los hijos e hijas de los 80s (debo resaltar el fantástico diseño del híbrido Swamp Thing / Poison Ivy y el Animal Man alternativo). Uno de los mejores artistas de la industria deja su huella en una historia muy creativa sobre el impacto que tuvo la “invasión británica” de los 80s en el género superheroico.

I thought I would have the chance to watch at least half a dozen horror movies before Halloween, however, my final list proved to be rather eclectic. So let’s start with Pacific Rim (2013). Although this isn’t Guillermo del Toro’s finest production, it still is quite entertaining (after all, who doesn’t love fights between giant robots and huge monsters?). It was great to see Charlie Hunnam (famous for his role as a gay teenager in “Queer As Folk”) as the protagonist.

The Spectacular Now (2013) reunites Miles Teller and Shailene Woodley, two high school students who suddenly fall in love. However, this isn’t a typical teen movie. It sure starts like one but it quickly turns into something far more interesting.

The Kings of Summer (2013), directed by Jordan Vogt-Roberts, it’s an extraordinary coming of age tale centered on the lives of 3 teenage boys: Nick Robinson, Gabriel Basso (famous for his role in “Super 8”) and Moises Arias. Sick and tired of their parents, the 3 friends decide to escape to the woods to live there during the summer. Their friendship is put to a test as they struggle to adapt to a life outside the boundaries of civilization. There are really amazing scenes plus a lot of funny moments.

The best of the month is Roberto Faenza’s Someday this Pain Will Be Useful to You (2011). Toby Regbo (a talented young actor who had already surprised me in “Mr. Nobody”) is a sexually confused teenager, who discovers the joys and pains of life after high school. Instead of entering into the adult world, he lingers onto a limbo in which nothing seems to capture his attention or interest. A brilliant boy in search of a life goal, the protagonist finds himself more comfortable with his grandmother Ellen Burstyn than with his mother Marcia Gay Harden. At times I couldn’t stop identifying with the protagonist, with his frustration, with that feeling of being stuck in one place without a single idea of how to get out of there. I really recommend this one.

Based on a theater play, Roman Polanski’s Carnage (2011) is a celebration of good acting. So much drama and conflict takes place in the apartment of Jodie Foster and John C. Reilly, as they meet Kate Winslet and Christoph Waltz. They’re all concerned parents, and although they begin discussing about how their kids got into a fight, they soon start showing who they really are. Strange and yet fascinating, this is a must see.

Udayan Prasad’s The Yellow Handkerchief (2008) is a bittersweet chronicle of three misfits: William Hurt, a man who has just gotten out of jail, Kristen Stewart, a girl neglected by her parents, and Eddie Redmayne (famous for his role as a bisexual boy in “Savage Grace”), a lonely and awkward teenager, rejected by his peers. Together, they embark on a road trip that sheds a new light on their past, it’s an emotional journey that captivates the audience. The Yellow Handkerchief is surprisingly touching and deeply evocative.

In Brothers (2009) Tobey Maguire is kidnapped and tortured in Afghanistan, while his wife, Natalie Portman, waits for him; after a few weeks, however, she starts feeling attracted to Jake Gyllenhaal, her husband’s brother. Unable to deal with the horrors of war, Tobey Maguire returns home and destroys an already debilitated marriage.

The Call (2013) is the kind of fast-paced thriller I usually enjoy. Halle Berry is a 911 operator who tries to save Abigail Breslin, a girl kidnapped by a serial killer. There are good moments but also a few plot holes.

I love horror movies and I absolutely loved The Conjuring (2013). Director James Wan creates some truly scary sequences. When a couple of paranormal investigators try to help a family in a haunted house, all hell breaks loose. Ancient curses and evil artifacts intensify the suspense. This one really kept me at the edge of my seat.

In Bloom (2013) deals with infidelity and gay love. Kyle Wigent and Tanner Rittenhouse are a happy couple, until Tanner starts smoking pot and having sex with Adam Fane, an attractive college kid.

Andrew Haigh’s Greek Pete (2009), filmed as a documentary, focuses on Peter Pittaros, a homosexual male hustler in London. This is an honest although brutal portrayal of male prostitution in England.

From Netherlands comes Schemer (2010), based on a real life event. Matthijs van de Sande Bakhuyzen and Robert de Hoog decide to murder one of their friends. By reconstructing the relationships of a group of disturbed teens, we get to see why they would contemplate murder as an acceptable course of action.

I finally saw the Millennium trilogy, based on the novels by Swedish writer Stieg Larsson. Män som hatar kvinnor (2009), directed by Niels Arden Oplev, introduces the protagonists: Michael Nyqvist, an investigative reporter, and Noomi Rapace a very skillful hacker. Together they uncover an old mystery that involves pedophilia, murder and Nazis. In Daniel Alfredson’s Flickan som lekte med elden (2009), we learn more about the protagonist past and Luftslottet som sprängdes (2009) is the conclusion of this intriguing saga.

Obediencia perfecta (2014) reveals the secrets of a religious boarding school. The students, young boys, spend their time doing sports or masturbating in bed, ignoring that they are all potential victims of the headmaster, a well-respected priest. The protagonist is an innocent boy who is sexually abused by the priest, who demands a “perfect obedience”. Dark and sinister, this Mexican production is based on a real life case.

Pilar Távora’s Madre amadísima (2009) is a delightful representation of the memories of an old gay man, who remembers how difficult (and tragicomic) it was to be a young gay man in a small town in Spain, in the 50s.

Grande école (2004), directed by Robert Salis, highlights the privileges of rich French students, like Gregori Baquet, and the hardships of Algerian workers like Salim Kechiouche (an actor familiarized with gay themed movies such as “À toute vitesse”, “Les amants criminels”, “Le clan”, etc.). The two guys meet and quickly fall in love, however racial and socioeconomic differences between them are too great to be ignored.
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Creí que tendría la oportunidad de ver al menos media docena de películas de terror antes de Halloween; sin embargo, mi lista final resultó ser bastante ecléctica. Así que empecemos con "Pacific Rim" (2013). Aunque esta no es una de las mejores producciones de Guillermo del Toro, aun así es bastante entretenida (después de todo, ¿a quién no le encantaría las peleas entre robots gigantes y monstruos gigantescos?). Fue estupendo ver a Charlie Hunnam (famoso por su papel de adolescente gay en “Queer As Folk”) de protagonista.

"The Spectacular Now" (2013) reúne a Miles Teller y Shailene Woodley, dos estudiantes de secundaria que se enamoran repentinamente. Sin embargo, esta no es una típica película juvenil. Claro, empieza así, pero rápidamente se convierte en algo mucho más interesante.

"The Kings of Summer" (2013), dirigida por Jordan Vogt-Roberts, es un extraordinario relato sobre la juventud, centrado en las vidas de 3 adolescentes: Nick Robinson, Gabriel Basso (famoso por su papel en “Super 8”) y Moises Arias. Hartos de sus padres, los 3 amigos deciden escapar al bosque para vivir allí durante el verano. Su amistad es puesta a prueba mientras luchan por adaptarse a la vida fuera de los confines de la civilización. Hay escenas realmente asombrosas además de muchos momentos divertidos.

Lo mejor del mes es "Someday this Pain Will Be Useful to You" (2011), de Roberto Faenza. Toby Regbo (un talentoso actor joven que ya me había sorprendido en “Mr. Nobody”) es un adolescente sexualmente confundido, que descubre el goce y el dolor de la vida después de la secundaria. En vez de entrar al mundo adulto, se aferra a un limbo en el que nada parece capturar su atención o interés. Un muchacho brillante en busca de una meta para su vida, el protagonista se siente más cómodo con su abuela Ellen Burstyn que con su madre Marcia Gay Harden. Por momentos no pude dejar de identificarme con el protagonista, con sus frustraciones, con esa sensación de estar atascado en un lugar, sin tener ninguna idea de cómo salir de allí. Realmente la recomiendo.

Basada en una obra de teatro, "Carnage" (2011) de Roman Polanski, es una celebración de la buena actuación. Hay mucho drama y conflicto en el apartamento de Jodie Foster y John C. Reilly, quienes reciben a Kate Winslet y Christoph Waltz. Los cuatro son padres preocupados, y aunque empiezan discutiendo sobre cómo se pelearon sus hijos, pronto empiezan a mostrar quiénes son en realidad. Extraña y fascinante, merece ser vista.

"The Yellow Handkerchief" (2008), de Udayan Prasad, es una agridulce crónica de tres desadaptados: William Hurt, un hombre que acaba de salir de la cárcel, Kristen Stewart, una chica ignorada por sus padres, y Eddie Redmayne (famoso por su papel como un chico bisexual en "Savage Grace"), un adolescente solitario y torpe, rechazado por sus coetáneos. Juntos, se embarcan en un viaje por carretera que traerá una nueva luz sobre el pasado, es una travesía emocional que cautiva a la audiencia. "The Yellow Handkerchief" es sorprendentemente conmovedora y profundamente evocadora.

En "Brothers" (2009), Tobey Maguire es secuestrado y torturado en Afganistán, mientras que su esposa, Natalie Portman, lo espera; sin embargo, después de unas semanas, ella empieza a sentirse atraída por Jake Gyllenhaal, el hermano de su esposo. Incapaz de lidiar con los horrores de la guerra, Tobey Maguire regresa a casa y destruye un matrimonio ya debilitado.

"The Call" (2013) es el tipo de thriller trepidante que usualmente disfruto. Halle Berry es una operadora del 911 que trata de salvar a Abigail Breslin, una chica raptada por un asesino en serie. Hay buenos momentos pero también algunos puntos flojos en el argumento.

Me encantan las películas de terror y me realmente me encantó "The Conjuring" (2013). El director James Wan crea algunas secuencias que dan miedo de verdad. Cuando una pareja de investigadores de lo paranormal intentan ayudar a una familia en una casa asediada por espíritus malignos, el infierno se desata. Maldiciones antiguas y artefactos malignos intensifican el suspenso. Realmente me mantuvo en vilo.

my drawing (inking still in process) / mi dibujo (entintado aún en proceso)

"In Bloom" (2013) lidia con la infidelidad y el amor gay. Kyle Wigent y Tanner Rittenhouse son una pareja feliz, hasta que Tanner empieza a fumar hierba y a tener sexo con Adam Fane, un atractivo chiquillo universitario.

"Greek Pete" (2009), de Andrew Haigh, filmada como un documental, se enfoca en Peter Pittaros, un prostituto homosexual de Londres. Este es un retrato honesto aunque brutal sobre la prostitución masculina en Inglaterra.

"Schemer" (2010) viene de Países Bajos, y está basada en un evento de la vida real. Matthijs van de Sande Bakhuyzen y Robert de Hoog deciden asesinar a una de sus amigas. Al reconstruir las relaciones de un grupo de jóvenes perturbados, vemos por qué contemplan el asesinato como un curso de acción aceptable.

Finalmente vi la trilogía Millennium, basada en las novelas del escritor sueco Stieg Larsson. "Män som hatar kvinnor" (2009), dirigida por Niels Arden Oplev, presenta a los protagonistas: Michael Nyqvist, un reportero investigador, y Noomi Rapace una hacker muy hábil. Juntos, descubren un viejo misterio que involucra pedofilia, asesinato y nazis. En "Flickan som lekte med elden" (2009), de Daniel Alfredson, aprendemos más sobre el pasado de la protagonista y "Luftslottet som sprängdes" (2009) es la conclusión de esta saga llena de intriga.

"Obediencia perfecta" (2014) revela los secretos de un internado religioso. Los estudiantes adolescentes pasan su tiempo haciendo deportes o masturbándose en la cama, ignorando que todos son víctimas potenciales del director, un cura muy respetado. El protagonista es un chico inocente que es sexualmente abusado por el cura, que demanda una “obediencia perfecta”. Oscura y siniestra, esta producción mexicana está basada en un caso de la vida real.

"Madre amadísima" (2009), de Pilar Távora, es una deliciosa representación de las memorias de un gay viejo, que recuerda lo difícil (y tragicómico) que era ser un joven gay en un pequeño pueblito de España, en los 50s.

"Grande école" (2004), dirigida por Robert Salis, resalta los privilegios de los estudiantes franceses adinerados, como Gregori Baquet, y las dificultades de los obreros argelinos como Salim Kechiouche (un actor familiarizado con películas de temática gay tales como “À toute vitesse”, “Les amants criminels”, “Le clan”, etc.). Los dos chicos se conocen y rápidamente se enamoran, sin embargo las diferencias raciales y socioeconómicas entre ellos son demasiado grandes para ser ignoradas.

If I had to choose one word to describe my favorite British writers it would be versatility. For some reason, which I will not attempt to elucidate now, British writers who started their careers in 2000AD learned two important lessons: first, how to tell a good and compelling story in only 7 or 8 pages; second, how to explore different approaches to well established genres. Dan Abnett and Andy Lanning, faithful to their experience in 2000AD, prove how 22 pages are more than enough to surprise the reader, and at the same time, they prove that humor is more than welcome in the pages of The Legion.

“Baby on Board” (published in The Legion # 9, August 2002) is a strange amalgamation of cartoon sensibilities and what I would like to refer to as sci-fi gags. Timber Wolf, Apparition and her newly born baby are stuck in a malfunctioning spaceship. Disregarding his past as a gang member in Rimbor, Timber Wolf accepts his new duty as an improvised babysitter in charge of Apparition’s kid. The task proves to be quite a headache for the resourceful lupine adventurer, as a series of funny situations take place, one after another. Meanwhile, Apparition discovers the secret of the inner chambers of the vessel. She finds out about the illegal experiments on sentient beings endorsed by former president Ra’s Al Ghul, as seen on “Moonrise”. Guest artist Stephen DeStefano does a magnificent job here with his cartoonish and vibrant style.

The intergalactic threat of Robotica had already been glanced at in previous issues of The Legion. Now, the proximity of this large scale menace forces the Legion to reevaluate their plans. “Thresholds” (The Legion # 10) is divided into 3 days. It begins with the rescue of Xs and Star Boy from Xanthu (a planet ravaged by Robotica) and the victory of Kid Quantum in the elections for new leader of the Legion. Once again, Abnett and Lanning trust in their instincts as writers, balancing dramatic and serious moments with more lighthearted and comical situations. Perhaps my favorite moment is the one that shows Brainiac 5 complaining about the leader election: “Far be it from me to question the democratic process of a… popularity contest”. The art of Day 1 is by Kev Walker, a talented penciler that excels at facial expressions and innovative designs.

Stephen DeStefano

In Day 2, the Legion, under Kid Quantum’s guidance, prepares for the incoming invasion of Robotica. The calm before the battle, however, is not as relaxing for the legionnaires as one might assume. These pages were drawn by Kalman Andrasofszky, and although some of his frames are visually attractive, others are a bit off-putting; certainly, there are some rookie flaws that can be noticed in his pencils.

The decisive moment, id est, the crucial confrontation between the Legion and Robotica takes place on Day 3, and the artist is the extraordinary Olivier Coipel. In a clever plot twist, the big battle never takes place. Instead of a frontal assault, Robotica simply infects Earth’s technology, recreating itself on the surface at an alarming speed.

In “System Burn” (The Legion # 11), we find Brainiac 5, Kinetix and officer Shvaugn Erin from the Science Police trying to survive in a world that they can no longer recognize. Indeed, Robotica is spreading throughout the planet, infecting human technology and altering it forever. Not even Brainiac 5’s twelfth level intelligence is enough to save the day. And once he gets captured, Kinetix and Erin run away. Robotica has surrounded Earth with an indestructible force field, and the entire Legion is orbiting the planet, trying to find a way through the force field. In this moment of despair, M’Onel decides to head towards Pluto, to reactivate a millenary machine the size of a planet known as Warworld. Olivier Coipel once again surprises us with his amazing pages, filled with energy and dynamism.
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Kalman Andrasofszky

Si tuviera que elegir una palabra para describir a mis escritores británicos favoritos, sería versatilidad. Por alguna razón, que no pretendo dilucidar ahora, los escritores ingleses que empezaron sus carreras en "2000AD" aprendieron dos lecciones importantes: primero, cómo contar una historia buena y atrayente en sólo 7 u 8 páginas; segundo, cómo explorar diferentes enfoques para géneros bien establecidos. Dan Abnett y Andy Lanning, fieles a su experiencia en "2000AD", demuestran cómo 22 páginas son más que suficientes para sorprender al lector y, al mismo tiempo, prueban que el humor es más que bienvenido en las páginas de "The Legion".

“Bebé a bordo” (publicado en "The Legion" # 9, agosto de 2002) es una extraña amalgama de sensibilidades de dibujos animados y algo a lo que me referiría como bromas de ciencia ficción. Timber Wolf, Apparition y su bebé recién nacido están atascados en una nave estropeada. Olvidando su pasado como un miembro de las pandillas de Rimbor, Timber Wolf acepta su nuevo deber como un improvisado niñero a cargo del bebé de Apparition. La tarea resulta ser todo un dolor de cabeza para el recursivo aventurero lupino, y así ocurren una serie de situaciones divertidas, una tras otra. Mientras tanto, Apparition descubre el secreto de la recámara interna del bajel. Ella descubre los experimentos ilegales que afectan a seres extraterrestres, experimentos apoyados por el ex-presidente Ra’s Al Ghul, tal como vimos en “Luna elevada”. El artista invitado Stephen DeStefano hace un magnífico trabajo aquí con un estilo vibrante y caricaturesco.

The Legion is ready to attack / la Legión está lista para atacar

Brainiac 5 versus Robotica

La amenaza intergaláctica de Robotica ya había sido divisada en números anteriores de "The Legion". Ahora, la proximidad de este peligro a gran escala obliga a la Legión a reevaluar sus planes. “Umbrales” (The Legion # 10) se divide en 3 días. Comienza con el rescate de Xs y Star Boy en Xanthu (un planeta arruinado por Robotica) y la victoria de Kid Quantum en las elecciones para el nuevo líder de la Legión. Una vez más, Abnett y Lanning confían en sus instintos como escritores, equilibrando momentos serios y dramáticos con situaciones desenfadadas y cómicas. Tal vez mi momento favorito es el que muestra a Brainiac 5 quejándose de la elección de líder: “Que no se diga que cuestiono el proceso democrático de un… concurso de popularidad”. El arte de Día 1 es de Kev Walker, un dibujante talentoso que domina las expresiones faciales y los diseños innovadores.

En Día 2, la Legión, bajo la guía de Kid Quantum, se prepara para la inminente llegada de la invasión de Robotica. La calma antes de la batalla, sin embargo, no es tan relajante para los legionarios como uno podría asumir. Estas páginas fueron dibujadas por Kalman Andrasofszky, y aunque algunas de sus viñetas son visualmente atractivas, otras no lo son; ciertamente, hay algunos errores de novato que se notan en sus lápices.

El momento decisivo, es decir, la confrontación crucial entre la Legión y Robotica ocurre en el Día 3, y el artista es el extraordinario Olivier Coipel. En un astuto giro argumental, la gran batalla nunca ocurre. En vez de un asalto frontal, Robotica simplemente infecta la tecnología de la Tierra, recreándose a sí misma en la superficie a una velocidad alarmante.

The legionnaires fight against Robotica / los legionarios pelean contra Robotica

En “Sistema quemado” (The Legion # 11), encontramos a Brainiac 5, Kinetix y a la oficial Shvaugn Erin de la Policía Científica intentando sobrevivir en un mundo al que ya no pueden reconocer. De hecho, Robotica se está esparciendo por el planeta, infectando la tecnología humana y alterándola para siempre. Ni siquiera la inteligencia de nivel 12 de Brainiac 5 es suficiente para salvar lo que lo rodea. Y cuando es capturado, Kinetix y Erin huyen. Robotica ha rodeado a la Tierra con un campo de fuerza indestructible, y toda la Legión está orbitando el planeta, intentando encontrar una forma de penetrar el campo de fuerza. En este momento de desesperación, M’Onel decide dirigirse a Plutón, para reactivar una máquina milenaria del tamaño de un planeta conocida como Warworld. Olivier Coipel una vez más nos sorprende con sus asombrosas páginas, llenas de energía y dinamismo.

“I’ve always viewed Aquaman as a character of mythic proportions. To my mind, that’s the only way to think of someone with roots in that most legendary of cities, Atlantis”, explained Peter David. And I wholeheartedly agree with him. For some reason, in earlier decades, Aquaman was seen as a trivial hero, a character that paled in comparison to the likes of Superman or Batman. Nonetheless, there was something unique about him. Something that Peter David would rescue in his extraordinary Chronicles of Atlantis

Legends have always fascinated me. Ever since I was a little kid, Atlantis held a special sway over me. The idea of a city in the hidden depths of the ocean is something that would impress anyone. It is certainly something that impressed me and, apparently, Peter David as well. Cleverly, the writer connects the mythic aspects of Atlantis with the birth of Aquaman in “Flash Back”, the first chapter of this miniseries (published in Aquaman: Time and Tide # 1, December 1993).

Aquaman & Flash

“Flash Back” shows a reluctant hero, an Atlantean who cares little about the surface world, and yet intervenes in it. In his first superheroic adventure, Aquaman meets the Flash, and together they defeat the Trickster. A grateful city gives Aquaman a hero’s welcome, although the King of the Seas does not consider himself as such. In fact, he is disgusted by the opportunism of a group of businessmen who want to make a few bucks exploiting his popularity. The smoke of cigars and the bitter taste of alcohol convince Aquaman that he belongs to the sea. There is a clear dichotomy between Flash and Aquaman, while the former has embraced fame and recognition, the latter prefers to go under the radar. In a way, the protagonist’s refusal to act like a superhero reinforces the concept behind his origin: he is the heir of the Atlantis throne and not the typical superhero, and he is as much a human as a creature of the seas.

In “Fish Tales”, the author pays homage to Edgar Rice Burroughs and his Tarzan novels. This time, however, instead of being raised by monkeys the protagonist is adopted by dolphins. Indeed, the future King of the Seas is rescued by a dolphin. As time goes on, the young boy learns how to survive in the ocean, but once he reaches puberty he finds himself at an odd position. Mating with another dolphin isn’t physically possible, and yet there is a sexual awakening in him that forces him to seek out his own species. I must highlight the tenderness of the dolphins that take care of the child, and the patience and tolerance they have towards a mammal that is completely different from them.

Aquaman is already a teenager in “Snowball in Hell”, as he explores the arctic circle. After saving the life of an Inuit girl from an enraged polar bear, the boy must decide what to do: he can either return to the seas and forget about her, or he can accept her invitation and spend a few days with her, in a land covered by ice. The Inuit culture is being altered by the influence of the white men. The traditions of the past are now systematically replaced by Western values.

Raised by dolphins / criado por los delfines

Here, the battle is not of a hero against a villain, but rather of cultural hegemony against a powerless minority. In this struggle, the victory belongs only to the powerful white men, but that doesn’t prevent young Aquaman from falling in love with the girl he saved. They are both young, horny and befuddled by a hormonal turmoil that doesn’t stop. So they do what most teenagers want: they have sex. For some it may be hard to believe that DC was so audacious over 20 years ago, because today it would be almost impossible to publish a story about a superhero’s first sexual experience. Is easy to imagine the hysterical screams of readers complaining about underage nudity and unprotected teenage sex.

Certainly, Aquaman is not a role model in this tale, neither is he the decent, clean and righteous hero from the 50s. He’s barely a teen, prone to making mistakes and messing up situations that were already complicated to begin with. Although he saves the girl’s life, he fails in saving her community and specially her family. After getting caught having sex with her, the consequences are severe. And perhaps cowardly, he runs away, making a mistake he will later regret as an adult. By showing us an intimate moment in his life, the author turns Aquaman into a relatable and very human character, unlike anything we might have seen in previous comics.

“King of the Sea”, the fourth and last installment of “Time and Tide”, brings to us the first appearance of Ocean Master, a villain obsessed with becoming the new king of Atlantis. Still young and inexperienced, Aquaman celebrates the birth of his son, surrounded by his wife Mera and his sidekick Aqualad. Peter David recreates Ocean Master’s origin, linking him to the prophecy described in “The Atlantis Chronicles”. Aquaman “… will know joy and sorrow, darkness and light, for the blood of Orin and Shalako will run through him […] and he will battle his half-brother, whom I shall also sire, with a woman on the surface. For two brothers must always struggle for Atlantis”.

“Time and Tide” begun with Aquaman reading the final words written by her mother, “the last… and somewhat unofficial… keeper of the Atlantis Chronicles”, and taking the role of an improvised historian who tries to understand his Atlantean heritage and his life. In the final pages, he realizes that everything his mother wrote is true. After all, he is at war with his brother, Ocean Master, and the fate of Atlantis hangs on the balance.

The art, by Kirk Jarvinen and Brad Vancata, is slightly cartoonish but quite expressive, and it certainly adds the necessary dynamism to Peter David’s script. Talking about DC Comics, I’ve already stated, hundreds of times, that the 80s were a renaissance for the superhero genre. Seminal works such as Frank Miller’s Batman: Year One and John Byrne’s Man of Steel became extremely popular for both, the critics and the audience. However, sometimes we forget that there were also outstanding origin stories in the 90s, and Peter David’s Aquaman: Time and Tide should be regarded as a true classic. Few times have I had the chance to read such a creative, bold, touching and entertaining miniseries about a well-established superhero.
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Aquaman's first sexual experience / primera experiencia sexual de Aquaman

“Siempre he visto a Aquaman como un personaje de proporciones míticas. En mi mente, esa es la única manera de pensar en alguien con raíces en la más legendaria de las ciudades, Atlántida”, explicó Peter David. Y estoy totalmente de acuerdo con él. Por alguna razón, en décadas pasadas, Aquaman fue visto como un héroe trivial, un personaje que palidecía en comparación a Superman o Batman. No obstante, había algo único en él. Algo que Peter David rescataría en sus extraordinarias Crónicas de Atlántida.

Las leyendas siempre me han fascinado. Desde que era un niño, la Atlántida me cautivaba. La idea de una ciudad en las profundidades ocultas del océano es algo que impresionaría a cualquiera. Ciertamente es algo que me impresionó a mí y, aparentemente, también a Peter David. Ingeniosamente, el escritor conecta los aspectos míticos de Atlántida con el nacimiento de Aquaman en “Flash Back”, el primer capítulo de esta miniserie (publicado en "Aquaman: Time and Tide" # 1, diciembre de 1993).

“Flash Back” muestra a un héroe reluctante, un atlanteano al que le importa muy poco el mundo de la superficie, y no obstante interviene en él. En su primera aventura superheroica, Aquaman conoce a Flash, y juntos derrotan a Trickster. Una ciudad agradecida le da la bienvenida a Aquaman, aunque el Rey de los Mares no se considera a sí mismo un héroe. De hecho, le repugna el oportunismo de un grupo de hombres de negocio que quieren ganar dinero explotando su popularidad. El humo de los habanos y el sabor amargo del alcohol convencen a Aquaman de que él pertenece al mar. Hay una clara dicotomía entre Flash y Aquaman, mientras el primero ha abrazado la fama y el reconocimiento, el segundo prefiere pasar desapercibido. De algún modo, el rechazo del protagonista a actuar como un superhéroe refuerza el concepto detrás de su origen: él es el heredero del trono de la Atlántida y no un superhéroe típico, y es tanto un humano como una criatura de los mares.

En “Relatos de peces”, el autor rinde homenaje a Edgar Rice Burroughs y sus novelas de Tarzan. Esta vez, sin embargo, en vez de ser criado por monos el protagonista es adoptado por los delfines. El futuro Rey de los Mares es rescatado por un delfín. Conforme pasa el tiempo, el chico aprende cómo sobrevivir en el océano, pero cuando llega a la pubertad se encuentra en una posición extraña. Aparearse con otro delfín no es físicamente posible, pero aun así hay un despertar sexual que lo obliga a buscar a los de su propia especie. Debo resaltar la ternura de los delfines que cuidan a este niño, y la paciencia y tolerancia que tienen hacia un mamífero que es completamente diferente a ellos.

Aquaman ya es un adolescente en “Bola de nieve en el infierno”, cuando explora el círculo ártico. Después de salvar a una chica inuit de un enfurecido oso polar, el muchacho debe decidir qué hacer: puede regresar a los mares y olvidarse de ella, o puede aceptar su invitación y pasar algunos días a su lado, en una tierra cubierta de hielo. La cultura inuit está siendo alterada por la influencia del hombre blanco. Las tradiciones del pasado son ahora sistemáticamente reemplazadas por valores occidentales.

Aquaman & Aqualad versus Ocean Master

Aquí la batalla no es la de un héroe en contra de un villano, sino más bien la de la hegemonía cultural contra una minoría indefensa. En esta lucha, la victoria le pertenece sólo al poderoso hombre blanco, pero eso no impide que el joven Aquaman se enamore de la chica a la que salvó. Ambos son jóvenes, están cachondos y confundidos por un terremoto hormonal que no para. Así que hacen lo que la mayoría de adolescentes quiere: tienen sexo. Para algunos puede ser difícil de creer que DC fuese tan audaz hace más de 20 años, porque hoy en día sería casi imposible publicar una historia sobre la primera experiencia sexual de un superhéroe. Es fácil imaginar los gritos histéricos de lectores que se quejarían sobre la desnudez en menores de edad y el sexo adolescente sin protección.

Ciertamente, Aquaman no es ejemplo a seguir en este relato, tampoco es el héroe decente, limpio y correcto de los 50s. Él es apenas un adolescente, que comete errores y enreda situaciones que ya eran complicadas desde un inicio. Aunque salva la vida de la chica, fracasa en salvar su comunidad y especialmente su familia. Cuando el acto sexual es descubierto, las consecuencias son severas. Y tal vez con cobardía, él huye, cometiendo un error del que se arrepentirá después, de adulto. Al mostrarnos un momento íntimo de su vida, el autor convierte a Aquaman en un personaje muy humano con el que podemos identificarnos, a diferencia de versiones previas.

“Rey del mar”, la cuarta y última entrega de “Tiempo y marea”, nos trae la primera aparición de Ocean Master, un villano obsesionado con convertirse en el nuevo rey de Atlántida. Aún joven e inexperto, Aquaman celebra el nacimiento de su hijo, rodeado por su esposa Mera y su aliado Aqualad. Peter David recrea el origen de Ocean Master, vinculándolo con la profecía descrita en “The Atlantis Chronicles”. Aquaman “… conocerá el gozo y la congoja, la oscuridad y la luz, porque la sangre de Orin y Shalako corre en él […] y batallará con su medio-hermano, a quien yo también engendraré, con una mujer de la superficie. Porque dos hermanos han de luchar por la Atlántida”.

“Time and Tide” empezó con Aquaman leyendo las palabras finales escritas por su madre “la última… y en cierto modo no oficial… redactora de las Crónicas de Atlántida”, y tomando el rol de un historiador improvisado que intenta entender su herencia atlanteana y su vida. En las páginas finales, él se da cuenta de que todo lo que escribió su madre es cierto. Después de todo, él está en guerra con su hermano, Ocean Master, y el destino de la Atlántida pende de un hilo.

El arte, de Kirk Jarvinen y Brad Vancata, es ligeramente caricaturesco pero bastante expresivo, y ciertamente añade el dinamismo necesario al guión de Peter David. Hablando sobre DC Comics, ya he dicho, cientos de veces, que los 80s fueron un renacimiento para el género de superhéroes. Influyentes obras como "Batman: Year One" de Frank Miller y "Man of Steel" de John Byrne se hicieron extremadamente populares tanto para la crítica como para el público. Sin embargo, a veces olvidamos que también hubo historias de origen sobresalientes en los 90s, y "Aquaman: Time and Tide" de Peter David debería reconocerse como un verdadero clásico. Pocas veces he tenido la oportunidad de leer una miniserie tan creativa, audaz, conmovedora y entretenida sobre un superhéroe bien establecido.

Teen sidekicks are as much a part of the superhero genre as secret identities. It is a long-lasting tradition that can be traced back as far as 1940, when Robin, the Teen Wonder, appeared for the first time. The idea was simple and yet quite effective: readers who were the same age as Robin would automatically identify with him. This notion spread as fire on the prairie, and soon many superheroes started hanging out with underage allies: Wonder Woman had Wonder Girl, Flash had Kid Flash, Aquaman had Aqualad, Green Arrow had Speedy, and so on.

However, the independence of the teenage sidekick subgenre would not be obtained until later on, more specifically, in 1964 when Bob Haney and Bruno Premiani decided to team up Robin, Kid Flash and Aqualad. The Teen Titans were born but they still had a long way to go. As Marv Wolfman points out, these young heroes “used outdated slang no self-respecting real kid used” and they “were also respectful of all elders”. In short, they were idealized versions of boyhood, faithful only to the demands of adult writers who seemed to have forgotten the pains and joys of adolescence.

For Wolfman, the transition from childhood to adolescence was urgent. The teen heroes of yesteryear would have to do what every teenager so urgently does: to kill their parents (symbolically, of course). Robin (Dick Grayson) is more than dissatisfied with his life under Batman’s tutelage. He wants to break free, he wants to make his own decisions and answer to no one. He drops out of college and decides to prove to the world that he is a hero in his own right. Certainly, he is fed up with the “Batman and Robin” line, he doesn’t want that, he wants a line only for himself.

First mission of the New Teen Titans / primera misión de los New Teen Titans

Luckily, in “Where Nightmares Begin” (published in DC Comics Present # 26, October 1980), Robin has the opportunity to prove his leadership skills with a new iteration of the Teen Titans. Raven, an enigmatic and powerful girl, summons the Teen Wonder and other sidekicks to fight against an interstellar threat. In only 14 pages, Marv Wolfman and George Pérez come up with a fast-paced adventure, in which two narrative levels take place simultaneously (one in which Robin is fighting against a terrorist threat in a Star Labs building, and the other in which Robin and the New Teen Titans fight against a monstrous alien creature).

“The Birth of the Titans!” (published in The New Teen Titans # 1, November 1980) is the first chapter of the saga. And as the title beckons, we witness how the team is assembled for the first time. Raven asks for Robin’s assistance (as a footnote I must say this is one of the most bizarre scenes ever: Robin takes off his clothes in front of the girl, as if unaware of his nudity. Then he puts on his green underwear and the rest of his Robin costume, and storms out of his room while showing contempt towards Bruce Wayne).

Raven persuades Kid Flash (Wally West) to join the New Teen Titans; although the speedster’s first answer is ‘No’, as he’s trying to prioritize college, he quickly changes his mind. Then comes Changeling (Garfield Logan), formerly known as Beast Boy and one of the few surviving members of the original Doom Patrol. And to keep the testosterone levels at bay, Wonder Girl (Donna Troy) once again joins the group. Obviously, they are not called the ‘New’ Teen Titans without a reason. Wolfman not only created Raven, but also two other brand new characters such as Cyborg (Victor Stone) and Starfire (Princess Koriand’r). The seven teens meet for the first time in the pages of this issue, while battling the aliens that had kidnapped Starfire. Throughout the issue there are very interesting references to the Gordanians, the Warlords of Okaara and, most especially, to the Citadel, an evil empire that had seized control of an entire galaxy (as seen in the pages of Omega Men, one of my favorite titles from the 80s).

Cyborg, Kid Flash, Starfire, Robin, Raven, Changeling & Wonder Girl

“Today… The Terminator” (The New Teen Titans # 2, December 1980) marks the first appearance of Deathstroke, the Terminator (Slade Wilson), one of DC’s most emblematic villains. A ruthless mercenary and a lethal assassin, Deathstroke will prove to be an unrelenting nemesis for these young heroes. While the Teen Titans enjoy a sunny day in Garfield’s mansion in the Hamptons, they’re attacked by Deathstroke and the Ravager (Grant Wilson), who has gained powers after an experiment conducted by the H.I.V.E. After a tragic accident, Grant Wilson dies, and Deathstroke blames the Titans for his death.

Wolfman balances the drama with the necessary amount of humor, and there are priceless scenes like the one that shows Starfire naked, rejecting the bathing suit offered by Wonder Girl (as an alien, Starfire doesn’t understand Western traditional morals, hence nudity is completely acceptable for her). Another one of my favorite moments shows Starfire kissing Robin passionately, it’s her way to “absorb” information. Robin tries to complain about the kiss, but he is unable to resist Starfire’s charms.

George Pérez is the real superstar of the book. One of the most prestigious artists of the American industry, in 1980 Pérez was still a newbie. It’s impressive to see all that amazing talent even if his style wasn’t as refined as it became later on. This was a few years before “Crisis on Infinite Earths”, but like Wolfman affirms “George specialized in drawing group comics: the Avengers, the Fantastic Four, et cetera. The more characters the merrier. George was also one of the very best storytellers among the younger artists. He would be the perfect artist to bring the Titans to life”. George Pérez’s fabulous pages were inked by Dick Giordano and then Romeo Tanghal, and colored by Adrienne Roy. And that, my friends, is how “the Titans became a surprise hit”.
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Robin gets naked in front of Raven / Robin se desnuda frente a Raven

Los héroes juveniles son parte del género de los superhéroes tanto o más que las identidades secretas. Es una tradición duradera que puede ser rastreada hasta 1940, cuando Robin, el joven maravilla, apareció por primera vez. La idea era simple y no obstante bastante efectiva: los lectores que tenían la misma edad que Robin automáticamente se identificarían con él. Esta noción se extendió como el fuego por la pradera, y rápidamente muchos superhéroes empezaron a pasar tiempo con aliados menores de edad: Wonder Woman tenía a Wonder Girl, Flash tenía a Kid Flash, Aquaman tenía a Aqualad, Green Arrow tenía a Speedy, y así sucesivamente.

Sin embargo, la independencia del subgénero del aliado juvenil no se obtendría sino hasta décadas después, más específicamente en 1964, cuando Bob Haney y Bruno Premiani decidieron agrupar a Robin, Kid Flash y Aqualad. Los Jóvenes Titanes habían nacido pero todavía les faltaba un largo camino por recorrer. Tal como señala Marv Wolfman, estos jóvenes héroes “usaban jerga pasada de moda que ningún muchacho real, que se respetara a sí mismo, utilizaría jamás” y ellos también “era muy respetuosos con todos los viejecillos”. En breve, eran versiones idealizadas de la juventud, fieles únicamente a las demandas de escritores adultos que parecían haber olvidado los dolores y los goces de la adolescencia.

Para Wolfman, la transición de la niñez a la adolescencia era urgente. Los héroes juveniles del ayer tendrían que hacer lo que todo adolescente hace con tanta urgencia: matar a sus padre (simbólicamente, claro está). Robin (Dick Grayson) no está nada satisfecho con su vida bajo la tutela de Batman. Quiere liberarse, quiere tomar sus propias decisiones sin tener que responder ante nadie. Él abandona la universidad y decide demostrarle al mundo que es un héroe por derecho propio. Ciertamente, está harto de la frase “Batman y Robin”, él no quiere eso, lo que quiere es una frase que sea únicamente para él.

The young heroes enjoy a pool party / los jóvenes héroes disfrutan de la piscina

Afortunadamente, en “Donde empiezan las pesadillas” (publicado en DC Comics Present # 26, octubre de 1980), Robin tiene la oportunidad de demostrar sus habilidades como líder, con una nueva agrupación de los Teen Titans. Raven, una chica enigmática y poderosa, invoca al joven maravilla y a otros héroes adolescentes para pelear en contra de una amenaza interestelar. En tan sólo 14 páginas, Marv Wolfman y George Pérez logran una aventura de ritmo veloz, en la que se superponen dos niveles narrativos simultáneamente (uno en el que Robin pelea contra una amenaza terrorista en un edificio de Star Labs, y otro en el que Robin y los New Teen Titans pelean contra una monstruosa criatura alienígena).

“¡El nacimiento de los Titanes!” (publicado en The New Teen Titans # 1, noviembre de 1980) es el primer capítulo de la saga. Y como anuncia el título, somos testigos de la primera asamblea del equipo. Raven le pide ayuda a Robin (como nota a pie de página, debo decir que esta es una de las escenas más bizarras: Robin se desviste en frente de la chica, como si no fuera conciente de su desnudez. Luego se pone sus calzoncillos verdes y el resto del uniforme de Robin, y sale corriendo de su cuarto mientras muestra su desprecio hacia Bruce Wayne).

Raven persuade a Kid Flash (Wally West) para que se una a los New Teen Titans; aunque la primera respuesta del velocista es ‘No’, ya que quiere darle prioridad a la universidad, rápidamente cambia de parecer. Luego llega Changeling (Garfield Logan), también conocido como Beast Boy y uno de los pocos miembros supervivientes de la Patrulla Condenada original. Y para mantener a raya los niveles de testosterona, Wonder Girl (Donna Troy) una vez más se une al grupo. Obviamente, no son llamados los ‘Nuevos’ Jóvenes Titanes sin razón. Wolfman no solamente creó a Raven, sino también a otros dos personajes totalmente nuevos, como Cyborg (Victor Stone) y Starfire (princesa Koriand’r). Los siete jovencitos se reúnen por primera vez en las páginas de este ejemplar, mientras que entran en batalla contra los alienígenas que habían secuestrado a Starfire. A lo largo de este número hay referencias muy interesantes a los Gordanianos, los Amos de la Guerra de Okaara y, en especial, a la Ciudadela, un imperio maligno que se había apoderado de toda una galaxia (tal como vemos en las páginas de "Omega Men", uno de mis títulos favoritos de los 80s).

Deathstroke, the Terminator

“Hoy… el Exterminador” (The New Teen Titans # 2, diciembre de 1980) es la primera aparición de Deathstroke, el Exterminador (Slade Wilson), uno de los más emblemáticos villanos de DC. Un despiadado mercenario y un mortal asesino, Deathstroke demostrará ser un incansable némesis para estos jóvenes héroes. Mientras los Teen Titans disfrutan de un día soleado en la mansión de Garfield en los Hamptons, son atacados por Deathstroke y Ravager (Grant Wilson), quien gana sus poderes después de un experimento realizado por H.I.V.E. (la Colmena). Después de un trágico accidente, Grant Wilson muere, y Deathstroke culpa a los Titanes de su muerte.

Wolfman equilibra el drama con la cantidad necesaria de humor, y hay escenas que no tienen precio como la que muestra a Starfire desnuda, rechazando el traje de baño que le ofrece Wonder Girl (como extraterrestre, Starfire no comprende las tradiciones morales occidentales, de ahí que la desnudez es completamente aceptable para ella). Otro de mis momentos favoritos muestra a Starfire besando a Robin apasionadamente, es su manera de “absorber” información. Robin trata de que quejarse por el beso, pero es incapaz de resistir los encantos de Starfire.

George Pérez es la verdadera superestrella del cómic. Uno de los más prestigiosos artistas de la industria estadounidense, en 1980 Pérez todavía era un novato. Es impresionante ver todo ese asombroso talento incluso si su estilo no era tan refinado como lo sería después. Esto fue algunos años antes de “Crisis en Tierras Infinitas”, pero como afirma Wolfman “George se especializaba en dibujar cómics de grupos: Avengers, Fantastic Four, etcétera. Mientras más personajes, mejor. George también era uno de los mejores narradores visuales entre los artistas más jóvenes. Él sería el artista perfecto para darle vida a los Titanes”. Las fabulosas páginas de George Pérez fueron entintadas por Dick Giordano y luego Romeo Tanghal, y coloreadas por Adrienne Roy. Y así, amigos míos, es como “los Titanes se convirtieron en un éxito sorpresa”.

“Just because you’ve got a dick doesn’t mean that you’re invincible”. Truer words could not be found in the pages of “Unmanned” (published in Y: The Last Man # 1 through 5, from September 2002 to January 2003). Although, if we pause for a second, we’ll realize that, indeed, for most men, the possession of the phallus is always a way to legitimize their authority, to exert control or dominion over others. Now, I’ve never been the kind of guy that tries to impose his views or punch others in the face, but I understand macho rituals all too well.

“Unmanned” obliterates the alpha male concept, by eradicating billions of men around the world. In fact, every baby, child and adult with a Y chromosome simply dies at the beginning of the series. Not even male animals survive. Half the humans of the planet are gone, and with them millions of male mammals. Save for one exception. Well, two actually: Yorick Brown and his male monkey Ampersand.

The first chapter starts right before the great catastrophe. We get to meet the protagonist, Yorick Brown, a jobless twentysomething, an English major, an escape artist, and a guy deeply in love with a girl who is now living in Australia. I’ve read chapter one at least 3 times over the past few years, and it never ceases to amaze me. Brian K. Vaughan comes up with one of the best first issues I’ve read in my life, the kind that immediately makes you feel sympathetic towards the characters, intrigued by their secrets and dilemmas, fascinated by a whole new world, full of possibilities and conflicts. Because while we get to listen to Yorick’s conversation over the phone, we also have the opportunity to see what else is going on around the globe.

As an escape artist, Yorick does his Harry Houdini routine and, at the same time, talks with his girlfriend. He admits to her that he didn’t get the job he was applying for. It’s been over a year since his graduation and still he hasn’t been able to find a job. It doesn’t matter how many times I’ve read this issue, I can’t stop identifying with the protagonist. Maybe it’s because after studying Hispanic literature in college I’ve had the same career prospects as an English major (perhaps worse), maybe it’s because I’ve also been jobless for at least a year and I understand the frustration and the depression that comes with it. Or maybe, just maybe, it’s because I’ve also felt imprisoned, trapped, unable to go outside. Yorick Brown’s situation, however, is considerably more pathetic than mine: “Some days, I can’t even get past the front door. I’m the escape artist who can’t escape his apartment”.

Nevertheless, soon Yorick will have no other choice but to escape. And keep on fleeing. Because right in the middle of his phone call, all men in the world die simultaneously. To turn an already impressive premise into something even more shocking, Brian K. Vaughan shifts the focus of our attention. We get to see Washington DC and the political struggles of Congress representative Jennifer Brown (Yorick’s mother). In Nablus, north of Jerusalem, Colonel Alter Tse’Elon charges into battle. In Jordan, secret agent 355 recovers a strange and ancient amulet, she doesn’t understand why so many people would be willing to kill for it. In Boston, Massachusetts, Dr. Allison Mann attempts to give birth to a very special human clone. Hero Brown (Yorick’s sister) finds love in the firefighters department. All their lives, intertwined by the same disastrous event –the death of all men– are about to change drastically.

All men must die / todos los hombres deben morir

After the entire male population of the planet dies (except Yorick Brown), the world plunges into chaos. “495 of the Fortune 500 CEOs are now dead, as are 99% of the world’s landowners […] more than 95% of all commercial pilots, truck drivers and ship captains died […] Worldwide, 85% of all government representatives are now dead… as are 100% of Catholic priests, Muslim imams, and Orthodox Jewish rabbis”. Political and religious leaders are gone. It’s a brand new world. A world without leadership, but not a world without ambitions. Amidst the ruins of a civilization that has always revolved around the male figure, different political and civil groups start to coalesce.

Yorick fears he may be raped / Yorick teme ser violado

Yorick Brown immediately heads towards Washington. Throughout the journey, he must face against violent women. In some cases, he’s simply afraid he might get raped by them, in others his concerns are much worse. In Washington DC, the newly promoted Secretary of Agriculture, Margaret Valentine, assumes her role as President of the United States. The president and representative Jennifer Brown decide to assign agent 355 as Yorick’s personal bodyguard. Their mission: to find Dr. Allison Mann, a leading expert geneticist.

Every time someone discovers that Yorick is a man, problems begin. For instance, there is a fight against the Amazons, a group of radical women who are intent on destroying even the last vestiges of male influence in the world. Seen as a cult by some, and as a brainwashing society by others, the Amazons have quite a bad reputation. This, however, hasn’t prevented Hero Brown to join in and burn one of her boobs as part of the sacrificial rite demanded from all amazons. In Boston, Yorick and agent 355 find Dr. Mann, however her lab has been burned down. They don’t know it yet, but they are being hunted by a group of Amazons and by military leader Tse’Elon. The target is Yorick. They all want to kill the last man on Earth.

It’s hard to believe that over a decade ago I totally missed this. I didn’t buy Y: The Last Man and I regret that. Nevertheless, now I finally have the chance to read the critically acclaimed magnum opus of Brian K. Vaughan. Few times have I seen such a formidable example of narrative skills. Vaughan has always impressed me. Of course, he surrounds himself with talented people, such as cover artist J.G. Jones, a magnificent illustrator (probably one of the best cover artists in the American industry); and artist Pia Guerra surprises the readers with her splendid pencils (inked by José Marzán Jr. and colored by Pamela Rambo). “The best graphic novel I’ve ever read”, wrote Stephen King. Although I can’t agree with him until I finish reading the entire series, I have to say it is definitely one of the best inaugural arcs I’ve had the pleasure to read.
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Yorick and his overprotective mother / Yorick y su madre sobreprotectora

“Sólo porque tienes un pene no significa que eres invencible”. No podrán encontrar palabras más ciertas en las páginas de “Sin hombres” (publicado en "Y: The Last Man" # 1 a 5, desde setiembre del 2002 hasta enero del 2003). Aunque, si nos tomamos una breve pausa, nos daremos cuenta de que, en realidad, para muchos hombres la posesión del falo es siempre una forma de legitimar su autoridad, ejercer control o dominio sobre otros. Claro que no soy el tipo de hombre que intenta imponer su visión o darle de puñetazos a alguien, pero entiendo demasiado bien los rituales de macho.

“Sin hombres” elimina el concepto del macho alfa, al erradicar a billones de hombres alrededor del mundo. De hecho, cada bebé, niño y adulto con un cromosoma Y simplemente muere al inicio de la serie. Ni siquiera los animales sobreviven. Han dejado de existir la mitad de los humanos del planeta, y con ellos millones de mamíferos machos. Con una excepción. Bueno, en realidad dos: Yorick Brown y su mono macho Ampersand.

El primer capítulo empieza justo antes de la gran catástrofe. Nos familiarizamos con el protagonista, Yorick Brown, un veinteañero desempleado, con un título universitario en lengua inglesa, un artista de las fugas, y un chico profundamente enamorado de una chica que ahora está viviendo en Australia. He leído el capítulo uno al menos 3 veces en los últimos años, y nunca deja de asombrarme. Brian K. Vaughan logra uno de los mejores primeros números que he leído en mi vida, es un primero episodio que inmediatamente te hace sentir simpatía hacia los personajes, intriga por sus secretos y dilemas, fascinación por un mundo nuevo, lleno de posibilidades y conflictos. Porque mientras escuchamos la conversación telefónica de Yorick, también tenemos la oportunidad de ver qué más está pasando en el globo terráqueo.

Hero Brown, Yorick's sister / Hero Brown, la hermana de Yorick

Como buen escapista, Yorick hace su rutina de Harry Houdini y, al mismo tiempo, habla con su enamorada. Él admite que no consiguió el trabajo al que estaba postulando. Ha pasado más de un año desde su graduación y todavía no ha sido capaz de encontrar empleo. No importa cuántas veces haya leído este número, no puedo dejar de identificarme con el protagonista. Quizás es porque después de estudiar literatura hispánica en la universidad he tenido los mismos prospectos profesionales que los de un egresado de lengua inglesa (tal vez peores), quizás es porque también he estado sin trabajo durante un año y entiendo la frustración y la depresión que esto conlleva. O quizás, quién sabe, es porque yo también me he sentido apresado, atrapado, incapaz de salir. La situación de Yorick Brown, sin embargo, es considerablemente más patética que la mía: “Algunos días, ni siquiera puedo abrir la puerta principal. Soy el artista de las fugas que no puede escapar de su departamento”.

No obstante, pronto Yorick no tendrá otra alternativa más que escapar. Y seguir huyendo. Porque justo a la mitad de su llamada, todos los hombres del mundo mueren simultáneamente. Para convertir una premisa impresionante en algo incluso más impactante, Brian K. Vaughan desplaza el foco de nuestra atención. Vemos Washington DC y las luchas políticas de la congresista Jennifer Brown (la madre de Yorick). En Nablus, al norte de Jerusalén, la coronel Alter Tse’Elon se alista para la batalla. En Jordania, la agente secreta 355 recupera un extraño y antiguo amuleto, ella no entiende por qué tanta gente está dispuesta a matar por ese objeto. En Boston, Massachusetts, la doctora Allison Mann intenta dar a luz a un clon humano muy especial. Hero Brown (la hermana de Yorick) encuentra el amor en el departamento de bomberos. Todas sus vidas, entrelazadas por el mismo evento desastroso –la muerte de todos los hombres– están a punto de cambiar drásticamente.

Después de que muere toda la población masculina del planeta (excepto Yorick Brown), el mundo se hunde en el caos. “495 de los 500 empresarios más adinerados ahora están muertos, al igual que el 99% de los propietarios de tierras […] murieron más del 95% de todos los pilotos comerciales, conductores de camiones y capitanes de barco […] A nivel mundial, 85% de todos los representantes gubernamentales ahora están muertos... al igual que el 100% de los curas católicos, imanes musulmanes y rabinos judíos ortodoxos”. Los líderes políticos y religiosos ya no existen. Este es un nuevo mundo. Un mundo sin liderazgo, pero no un mundo sin ambiciones. Entre las ruinas de una civilización que siempre giró en torno a la figura masculina, diferentes grupos civiles y políticos empiezan a tomar forma.

Yorick and his girlfriend Beth / Yorick y su enamorada Beth

Yorick Brown se dirige inmediatamente hacia Washington. A lo largo de su viaje, debe enfrentarse contra mujeres violentas. En algunos casos, él simplemente teme que ellas lo puedan violar, en otros, sus preocupaciones son mucho peores. En Washington DC, la recientemente ascendida secretaria de agricultura, Margaret Valentine, asume su rol como presidenta de los Estados Unidos. La presidenta y la congresista Jennifer Brown deciden asignar a la agente 355 como la guardaespaldas personal de Yorick. Su misión: encontrar a la doctora Allison Mann, una experta en genética.

Cada vez que alguien descubre que Yorick es un hombre, los problemas empiezan. Por ejemplo, hay una pelea contra las Amazonas, un grupo de mujeres radicales que están determinadas a destruir incluso el último vestigio de influencias masculinas. Visto como un culto por algunos, y por otros como una sociedad que lava los cerebros, las Amazonas tienen una reputación bastante mala. Esto, sin embargo, no es impedimento para que Hero Brown se les una, luego de quemar una de sus tetas como parte del rito sacrificial demandado para todas las amazonas. En Boston, Yorick y la agente 355 encuentran a la Dra. Mann, sin embargo su laboratorio ha sido quemado. Ellos todavía no lo saben, pero están siendo cazados por un grupo de Amazonas y por la jefa militar Tse’Elon. El blanco es Yorick. Todas quieren matar al último hombre de la Tierra.

Es difícil creer que hace más de una década me perdiera de todo esto. No compré Y: The Last Man y me arrepiento de no haberlo hecho. No obstante, ahora finalmente tengo la oportunidad de leer el magnum opus de Brian K. Vaughan, aclamado por la crítica. Pocas veces he visto un ejemplo tan formidable de habilidades narrativas. Vaughan siempre me ha impresionado. Por supuesto, él se rodea con personas talentosas, como el portadista J.G. Jones, un magnifico ilustrador (probablemente uno de los mejores especialistas en portadas de la industria estadounidense); y la artista Pia Guerra sorprende a los lectores con sus espléndidos lápices (con tintas de José Marzán Jr. y colores de Pamela Rambo). “La mejor novela gráfica que he leído alguna vez”, escribió Stephen King. Aunque no puedo estar de acuerdo con él hasta que termine de leer toda la colección, debo decir que es definitivamente uno de los mejores arcos inaugurales que he tenido el placer de leer.

my drawing (still in process) / mi dibujo (todavía en proceso)

Six months ago, I was surprised to see I had almost 80,000 monthly visits. However, in subsequent months the amount of visits continued to increase. In September, I had already doubled the numbers I had in April or May. 163,000 visits were an even greater surprise.

However, as you can see in the attached graphic, my blog continues to experience an upward trend. Each month surpasses the one that came before (and sometimes by quite a large margin).

It’s very encouraging to see that all my hard work is rewarded by your preference. I really appreciate the simple fact that you came here to read this post. And I love even more to get comments from both English and Spanish speakers.

May figures / cifras de mayo

I guess this just proves that I should stick to my original plans, which is to feature less posts about Peruvian contemporary art (which hardly get any clicks at all) and focus on comic book reviews, mixing old and new releases. I know it is a bit ironic to say all this in a post devoted, if not to contemporary art, at least to one of the best Peruvian art galleries. But like I said before, I still plan to post once a month about whatever Peruvian artist that strikes my fancy.

September figures / cifras de setiembre

I have some interesting plans for next year, which will hopefully come to fruition. In the meantime, I leave you with one of my drawings (it should be completed in a few days). Enjoy!
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Esta semana, más concretamente el día jueves 20, se inauguró la edición XIX de la Exponatale de Dédalo. Al igual que en años anteriores, esta hermosa y espaciosa casona barranquina estuvo repleta de invitados. Sin duda, todos los presentes nos quedamos maravillados con las sorpresas y novedades para la temporada navideña del 2014.

Aunque un poquito tarde, igual llegué a tiempo para escuchar a Jean Pierre Magnet. Con saxofón y jazz de fondo, me tomé un par de chilcanos y copas de vino de La Xaloca.

Y en el transcurso de la noche me encontré con amigos como Pedro Casusol, Mónica Cuba e Isabelle Decencière, también saludé a Sebastián Lores y hablé brevemente con María Elena Fernández y con Eduardo Lores, quien lleno de jovialidad había asumido el papel de fotógrafo oficial del evento (reemplazando a Sofía Lores, que es la que usualmente se encarga de tomar fotos); de hecho, con el sentido de humor que lo caracteriza, Eduardo se refería a su cámara fotográfica como la cámara de los lores (chamber of lords).

Conversé con varios amigos a quienes no veía hacía tiempo, y quedé gratamente sorprendido con el entusiasmo de las docenas de personas que se animaron a bailar al ritmo de Jean Pierre Magnet (algo inédito, sin duda).

Este ha sido el quinto año consecutivo en el que escribo sobre la fiesta navideña de Dédalo. Y para aquellos que quieran enterarse de lo sucedido en las Exponotales del 2010, 2011, 2012 y 2013 basta con que hagan click en el año en cuestión.

October was a month full of surprises. First of all, I received the deluxe hardcover edition of The Last Temptation, an extraordinary graphic novel that deserves its own review. And, at the same time, I also got a few issues of my own comic book Un-American Chronicles (if you look closely, you can see my name on the cover, how cool is that?). I had fun reading Silver Surfer (although this will be the last issue for me) and Thor & Loki: the Tenth Realm. The first issue of Birthright was very good. And of course, Miracleman continues to be as impressive ever (if not more). So, without further ado, here are October comics as per solicitations.

AVENGERS AND X-MEN AXIS #1 (OF 9)
(W/A/CA) TBD ACT I: THE RED SUPREMACY • The Red Skull has exploited the gifts of the world's greatest telepath to broadcast pure hatred across the globe. Now, born of the murder of Charles Xavier, World War Hate has begun. • Tony Stark discovers a secret truth that will upend not only his life, but also the lives of everyone he cares for. • Can The Avengers and X-Men finally unite? Would their combined strength be enough to hold back the darkness of the Red Onslaught? • Magneto murdered the wrong man, releasing the greatest evil the Marvel Universe has ever known. Now Rogue and Scarlet Witch are all that stand in its way. Rated T+

AVENGERS AND X-MEN AXIS #2 (OF 9)
(W/A/CA) TBD ACT I: THE RED SUPREMACY • The heroes of the Marvel Universe storm the beaches of Red Skull's Genoshian Reeducation camps. What they discover within will lead to a bleak new era. • The revelation of Tony Stark's dark secret promises to shatter the fragile alliance between A and X. • Nova's attempt at solving the crisis leads to disaster. • Magneto betrays his alliance to join an army of evil. Rated T+

BIRTHRIGHT #1 (MR)
(W) Joshua Williamson (A/CA) Andrei Bressan, Adriano Lucas. For the Rhodes family, losing their son was the most devastating thing that could've ever occurred… but it couldn't prepare them for what happened when he returned. Skybound's newest original series turns fantasy into reality in this EXTRA-SIZED FIRST ISSUE for just $2.99, by creator/writer JOSH WILLIAMSON (GHOSTED, NAILBITER) and artist ANDREI BRESSAN.

BRILLIANT #5 (OF 6) (MR)
SUPER POWERS HAVE BEEN INVENTED. But with great power comes complete disaster. Albert gets the group back together so they can find a way to save Maria before what happened to Amadeus happens to her. A brand new creator-owned sensation from the men who brought you ULTIMATE SPIDER-MAN and the AVENGERS. Issue #1 sold out! Don't miss any shocking issue! PREORDER!! 40 PGS./Mature

MIRACLEMAN #11
(W) The Original Writer (A/CA) Rick Veitch • Book Three of the New York Times Bestseller begins! • From on high above London, Miracleman reveals the legends and tragedies that gave rise to - Olympus! • Gods and monsters walk the Earth as the aliens whose technology gave birth to Miracleman seek to exterminate the survivors of Project Zarathustra. • Including material originally presented in MIRACLEMAN (1985) #11, plus bonus content. Parental Advisory

MIRACLEMAN #12
(W) The Original Writer (A/CA) Rick Veitch • Gargunza's final two subjects, Rebbeck and Lear, revealed at last! • The origin of Miraclewoman! • Enter: the Warpsmiths! • Book Three continues in 'Aphrodite'! • Including material originally presented in MIRACLEMAN (1985) #12, plus bonus content. Parental Advisory

NEIL GAIMAN THE LAST TEMPTATION HC
Neil Gaiman, Alice Cooper & Michael Zulli

ORIGINAL SIN #5.2
(W) Jason Aaron, Al Ewing (A) Simone Bianchi, Lee Garbett (CA) Dale Keown

SILVER SURFER #6
(W) Dan Slott (A) Michael Allred, Michael Allred. 'Perfection'• Everything up till this point was chance and fate-- but now it's decided. Dawn's earned her spot on the board and she the Surfer are going to explore the universe together. And what better place to start than Planet Prime, the most perfect planet in the entire Universe? • Perfect food, perfect music, and... oh, right... the PERFECT SOLDIER-- out to stop any possible alien threat that might set foot on his world. • What chance does the Surfer have against WARRIOR ONE, the deadliest combatant in all of creation?!
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Octubre fue un mes lleno de sorpresas. En primer lugar, recibí la edición de lujo en tapa dura de “The Last Temptation”, una extraordinaria novela gráfica que merece una reseña aparte. Y, al mismo tiempo, también recibí algunos ejemplares de “Un-American Chronicles” mi propio cómic (si miran de cerca, podrán ver mi nombre en la portada ¿no es algo sorprendente?). Me divertí leyendo “Silver Surfer” (aunque esta será el último número que compro) y “Thor & Loki: the Tenth Realm”. El primer número de “Birthright” fue muy bueno. Y por supuesto “Miracleman” continúa siendo tan impresionante como siempre (o más). Así que, sin mayores preámbulos, aquí están los cómics de octubre.

AVENGERS AND X-MEN AXIS #1
RED SKULL ha explotado los dones de la más poderosa telepatía para transmitir odio al mundo. Ahora, originada por la muerte de Charles Xavier, la Guerra Mundial del Odio ha empezado. IRON MAN descubre un secreto que afectará su vida y la de todos sus seres queridos. ¿Podrán reunirse los X-MEN y los AVENGERS? ¿Podrá su fuerza combinaba hacer frente a RED ONSLAUGHT? Magneto asesinó al hombre equivocado, liberando un gran mal. Ahora, ROGUE y SCARLET WITCH se enfrentarán a él.

AVENGERS AND X-MEN AXIS #2
Los héroes asedian los campos de reeducación de RED SKULL. Lo que descubren dentro de ellos será el inicio de una gran calamidad. La revelación del secreto de IRON MAN podría destruir la frágil alianza entre los X-MEN y los AVENGERS. El intento de Nova para solucionar la crisis causa un desastre. Magneto traiciona la alianza para liderar al ejército del mal.

BIRTHRIGHT #1 (MR)
Para la familia, perder a su hijo fue lo más devastador que podría haber ocurrido… pero nada los preparó para lo que sucedería tras su retorno.

my drawing (still in process) / mi dibujo (todavía en proceso)

BRILLIANT #5 (MR)
Los súper poderes han sido inventados. Pero un gran poder implicará un completo desastre. Albert reúne a sus amigos para encontrar una manera de impedir que Maria sufra el mismo destino que Amadeus.

MIRACLEMAN #11
MIRACLEMAN (1985) #11 y material adicional.

MIRACLEMAN #12
MIRACLEMAN (1985) #12 y material adicional.

NEIL GAIMAN THE LAST TEMPTATION HC
Neil Gaiman, Alice Cooper & Michael Zulli

ORIGINAL SIN #5.2
(W) Jason Aaron, Al Ewing (A) Simone Bianchi, Lee Garbett (CA) Dale Keown

SILVER SURFER #6
Hasta ahora, todo había sido suerte y azar, ahora todo está decidido. Ella ha ganado su lugar en la tabla, y junto con SILVER SURFER explorarán el universo. ¿Y qué mejor lugar para empezar que el Planeta Prime, el planeta más perfecto de todo el universo? Comida perfecta, música perfecta y, claro está, el soldado perfecto, listo para detener cualquier amenaza alienígena. ¿Podrá SILVER SURFER enfrentarse contra este mortal guerrero?

After reading the previous issues of Planetary, it seems obvious to me that Warren Ellis and John Cassaday profess an unrestricted love towards B movies from the 50s and pulp novels from the 30s. This became evident as early as in the second issue, “Island”, which paid homage to the original Godzilla movies; or in the fifth issue, “The Good Doctor” in which Doc Savage is reinterpreted. One way or another, the authors have focused on sci-fi, either as an incipient genre in the 30s or as harmless entertainment for moviegoers in the 50s.

“The Day the Earth Turned Slower” (published in February 2000) is perhaps the most heartfelt homage to pulp publications and B movies from the past. Even the title is a tribute to “The Day the Earth Stood Still” (1951). Of course, if we take a look at the magnificent cover by John Cassaday we will immediately notice many other references to what may be better described as “atomic bomb cinema”. In his cover, Cassaday channelizes the aesthetic sensibilities of movie posters from the post WWII era: flying saucers shoot laser rays to defenseless people, as if they had come directly from “The Flying Saucer” (1950); space rockets and military airplanes share the same sky, just like in “Rocketship X-M” (1950); giant ants wreak havoc amongst a frightened multitude, exactly as it could be seen in scenes from “Them!” (1954); awful green Martians attempt to conquer the world, following the premises of “Invaders from Mars” (1953); a colossal woman destroys a bridge, reminding us all too well of “Attack of the 50 Foot Woman” (1958). There are many other exquisite details included in this cover, and frankly there are so many references to old science fiction productions that I couldn’t list them all, even if I tried to.

Allison

Alerted by a mysterious phone call, Elijah Snow, Jakita Wagner and Drummer land on City Zero, a secret government facility in the middle of the desert. There, they meet Allison. Her attire and demeanors reminds us of famous actresses from the 50s, but there is something even more peculiar about her: a radioactive glow covers her body entirely.

In Warren Ellis proposal, the cold war, the atomic fear and the dangers of science led the American government to carry out terrible, inhuman experiments in City Zero. Supported by the Hark corporation and instigated by Randall Dowling (leader of the Four, the deadliest enemies of humanity), City Zero became “first and foremost, an experimental concentration camp for American dissidents”. Intellectuals, innocent men accused of being communists and even Hollywood stars that had fallen in disgrace are imprisoned within City Zero. Allison herself is a beautiful actress, with blonde hair, blue eyes and a very recognizable mole just below her lips. She admits being guilty of having “slept with the wrong men”, hinting quite subtly to the possibility that she may be, in fact, Marilyn Monroe.

Randall Dowling kills Allison and resurrects her using radioactivity. He gives her a radioactive life-span of 50 years. Other victims of Dowling were not as lucky. In a black and white nightmare (more terrifying than any of the B movies that could inspire it) the prisoners become the monsters of the big screen. We get to see a tortured victim who can’t deal with being the invisible man; we see the giant woman, an unnatural monstrosity that can barely survive the physical pain of her new condition; we see a man “whose brain had been replaced by an ‘atomic snow flake field’”; we see all of that and more. Cassaday’s extraordinary art captures perfectly the horror of the experiments and the suffering of the prisoners. The cold black and white pages of this nightmare provide contrast to the initial 3 pages, with warm colors and soothing twilights, in which we get to see Allison for the first time.

Giant ants (as seen in "Them!") / hormigas gigantes (como las de "Them!")

And, in a way, all of it is combined in the final pages. Neither cold, nor warm, Allison confesses that her 50 years are up. She is proud of having told the truth about her captors, and meeting the Planetary team has made her happy. In a stunning five-panel page, we see her smiling for the last time, and then disintegrating. Elijah Snow kneels down and then looks up. She’s gone. And with her, the last vestiges of the fears and hopes of the 50s have also vanished.
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Prisoners of City Zero / prisioneros de la Ciudad Cero

Después de leer los primeros números de "Planetary", me parece obvio que Warren Ellis y John Cassaday profesan un amor irrestricto hacía películas de serie B de los 50s y novelas pulp de los 30s. Esto es evidente desde el segundo número, “Isla”, que rinde homenaje a las películas originales de Godzilla; o en el quinto número, “El buen doctor”, en el que Doc Savage es reinterpretado. De un modo u otro, los autores se han enfocado en la ciencia ficción, ya sea como un género incipiente en los 30s o un entretenimiento inofensivo para los espectadores del cine de los 50s.

“El día que la Tierra se volvió más lenta” (publicado en febrero del 2000) es tal vez el más conmovedor homenaje a las publicaciones pulp y las películas de serie B del pasado. Incluso el título es un homenaje a “The Day the Earth Stood Still” de 1951 (o "El día que la Tierra se detuvo"). Por supuesto, si echamos un vistazo a la magnífica portada de John Cassaday, notaremos de inmediato muchas otras referencias a lo que podría describirse mejor como “cine de la bomba atómica”. En su portada, Cassaday canaliza la sensibilidad estética de los afiches de películas posteriores a la Segunda Guerra Mundial: platillos voladores disparan rayos láser a personas indefensas, como si vinieran directamente de “The Flying Saucer” (1950); cohetes espaciales y aviones militares comparten el mismo cielo, al igual que en “Rocketship X-M” (1950); hormigas gigantes causan estragos en una aterrorizada multitud, exactamente como podría verse en escenas de “Them!” (1954); horribles marcianos verdes intentan conquistar el mundo, siguiendo las premisas de “Invaders from Mars” (1953); una mujer colosal destruye un puente, haciéndonos recordar a “Attack of the 50 Foot Woman” (1958). Hay muchos otros detalles exquisitos incluidos en esta portada, y francamente hay tantas referencias a viejas producciones de ciencia ficción que no podría enumerarlas todas, aunque hiciese el intento.

Alertados por una misteriosa llamada telefónica, Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer aterrizan en Ciudad Cero, una instalación secreta del gobierno en medio del desierto. Allí conocen a Allison. Su traje y sus gestos nos recuerdan a actrices famosas de los 50s, pero hay algo incluso más peculiar en ella: un brillo radioactivo que cubre su cuerpo por completo.

The death of a 50s icon / la muerte de un ícono de los 50s

En la propuesta de Warren Ellis, la guerra fría, el miedo atómico y los peligros de la ciencia llevaron al gobierno de Estados Unidos a realizar experimentos terribles e inhumanos en Ciudad Cero. Con el apoyo de la corporación Hark e instigado por Randall Dowling (líder de los Cuatro, los más mortales enemigos de la humanidad), Ciudad Cero se convirtió “primero y sobre todo en un campo de concentración experimental para estadounidenses disidentes”. Intelectuales, hombres inocentes acusados de ser comunistas e incluso estrellas de Hollywood que habían caído en desagracia fueron aprisionados en Ciudad Cero. Allison es una hermosa actriz, con pelo rubio, ojos azules y un lunar muy reconocible debajo de sus labios. Ella admite ser culpable de haber “dormido con los hombres equivocados”, sugiriendo con bastante sutileza la posibilidad de que ella pueda ser, de hecho, Marilyn Monroe.

Randall Dowling mata a Allison y la resucita usando radioactividad. Él le da un plazo de vida radioactiva de 50 años. Otras víctimas de Dowling no son tan afortunadas. En una pesadilla a blanco y negro (más espeluznante que cualquier película de serie B que podría haberla inspirado) los prisioneros se convierten en los monstruos de la pantalla grande. Vemos a una víctima torturada que no puede lidiar con ser el hombre invisible; vemos a una mujer gigante, una monstruosidad antinatural que apenas puede sobrevivir al dolor físico de su nueva condición; vemos a un hombre “con el cerebro reemplazado por un ‘copo de nieve atómico’”; vemos todo esto y más. El extraordinario arte de Cassaday captura perfectamente el horror de los experimentos y el sufrimiento de los prisioneros. Las frías páginas a blanco y negro de esta pesadilla contrastan con las 3 páginas iniciales, de colores cálidos y atardeceres relajantes, en las que vemos a Allison por primera vez.

Y, de algún modo, todo eso se combina en las páginas finales. Ni fría, ni cálida, Allison confiesa que sus 50 años han terminado. Ella está orgullosa de haber contado la verdad sobre sus captores, y conocer al equipo de Planetary le ha dado alegría. En una preciosa página de 5 viñetas, la vemos sonriendo por última vez, y luego se desintegra. Elijah Snow se arrodilla y luego mira al cielo. Ella se ha ido. Y así, los últimos vestigios de los miedos y esperanzas de los 50s también se han desvanecido.

Christopher Nolan, one of the best contemporary filmmakers, has once again fascinated everyone with Interstellar (2014). Matthew McConaughey and Anne Hathaway explore an uncharted galaxy in search for a new world that can be populated by humans. Nolan’s proposal is a magnificent combination of drama, science and character development. We witness the despair of the people who live in a dying world (Earth), and we are confronted with the time paradoxes of interstellar travels. Time has always been present in Nolan’s work (from Memento, a story told backwards to Inception, with the time difference experienced inside the dreams). With a non-linear narrative and a unique approach to sci-fi, Interstellar is sure to become a classic in its genre. The cast also includes some of my favorite veteran actors such Michael Caine and John Lithgow. Definitely one of the best productions of the year, I really recommend it.

The Hunger Games: Mockingjay part 1 (2014) is the third installment of the saga. Jennifer Lawrence has inspired a rebellion against the capital and the tyrannical president Snow (Donald Sutherland). Slowly but surely, the revolution spreads throughout Panem. At the same time, the protagonist must face a love dilemma. There are some truly extraordinary moments in Mockingjay. I really enjoyed it. By the way, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth and Philip Seymour Hoffman reprise their roles.

Directed and starred by Ben Stiller, The Secret Life of Walter Mitty (2013) is a meaningful meditation about life, about our expectations and dreams, and about how they fare against reality. The protagonist has worked for Life magazine for a long time, without getting any recognition, and always fantasizing about a more exciting reality. Until he is forced to chase a legendary photographer around the world.

47 Ronin (2013) was quite a let down. It’s very disrespectful with the original material. It takes only a few elements of a story that defined Japanese culture, deforms them and then forgets about the rest.

Stephen Cone’s The Wise Kids (2011) is a wonderful coming of age tale. Tyler Ross, a Christian teenager, has decided to embrace his sexuality. However, as a young homosexual he fears what others might think of him, after all, he lives in a very religious town. Cone manages to capture the doubts, the fears and also the joys of adolescence, and he portrays the vicissitudes of youth with the necessary lucidity and intensity.

Just Buried (2007) is a very funny comedy about Jay Baruchel, a young man who must turn a funeral home into a successful business. Rose Byrne helps him by murdering people, accidentally at first and then quite on purpose. Just Buried comes with a high dose of black humor and a lot of irreverence.

Director Paul Thomas Anderson creates an insightful view of the world of gambling. Hard Eight (1996), reunites Philip Baker Hall and John C. Reilly, the first is an expert in making money in casinos, the latter is a desperate man willing to follow any and all instructions in order to get some money. Their partnership is quite successful, until they run into Gwyneth Paltrow, a seductive waitress. Although it is different from his other works, Hard Eight is an example of Paul Thomas Anderson’s talent.

Stephen Herek’s Critters (1986) is quite a delightful production. Sure, the special effects might seem a bit old compared to today’s standards, but the Critters (monsters from another galaxy) are still as dangerous as ever. Devouring everything they find in their way, these creatures are wreaking havoc in a small and secluded American town. Only Scott Grimes, an average kid, finds the courage to defeat them. Herek’s filmic proposal may be childish at some points but it sure is entertaining.

Ronny & I (2013) is a peculiar short film about Adam Berry and Luke Humphrey, two young men who have been friends for years. Until one of them reveals he is gay. Although at first nothing seems to alter the relationship, eventually they share an unexpected night of passion.

Kompisar (2007), directed by Magnus Mork, is a short film from Sweden. Here, the protagonists are two flatmates: Sven Boräng and Jonas Eskilsson. From the beginning, there is an obvious although undeclared sexual tension between them. As time goes by, the tension increases, until one night, the two young men decide to sleep in the same bed, there they share an intimate moment of mutual masturbation, followed by regret and separation.
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Christopher Nolan, uno de los mejores cineastas contemporáneos, nuevamente ha fascinado a todos con "Interstellar" (2014). Matthew McConaughey y Anne Hathaway exploran una galaxia desconocida en busca de un nuevo mundo que pueda ser poblado por humanos. La propuesta de Nolan es una magnífica combinación de drama, ciencia y desarrollo de personajes. Somos testigos de la desesperación de la gente que vive en un mundo agonizante (la Tierra), y somos confrontados con las paradojas temporales de los viajes interestelares. El tiempo siempre ha estado presente en la obra de Nolan (desde "Memento", una historia contada al revés hasta "Inception", con la diferencia temporal experimentada dentro de los sueños). Con una narrativa no lineal y un enfoque único de ciencia ficción, "Interstellar" está destinada a convertirse en un clásico del género. El elenco también incluye a algunos de mis actores veteranos favoritos como Michael Caine y John Lithgow. Definitivamente, una de las mejores producciones del año. Realmente la recomiendo.

"The Hunger Games: Mockingjay part 1" (2014) es la tercera entrega de la saga. Jennifer Lawrence ha inspirado una rebelión contra la capital y el tiránico presidente Snow (Donald Sutherland). Lenta pero constantemente, la revolución se extiende por todo Panem. Al mismo tiempo, la protagonista debe enfrentar un dilema amoroso. Hay algunos momentos realmente extraordinarios en Mockingjay. Realmente la disfruté. Por cierto, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth y Philip Seymour Hoffman retoman sus papeles.

Dirigida y protagonizada por Ben Stiller, "The Secret Life of Walter Mitty" (2013) es una significativa reflexión sobre la vida, nuestras expectativas y sueños, y sobre cómo se comparan con la realidad. El protagonista ha trabajado para la revista Life por largo tiempo, sin recibir ningún reconocimiento, y siempre fantaseando sobre una realidad más emocionante. Hasta que se ve obligado a cazar a un fotógrafo legendario, dándole la vuelta al mundo.

"47 Ronin" (2013) fue una verdadera decepción. Una falta de respeto al material original. Toma solamente unos pocos elementos de una historia que definió la cultura japonesa, los deforma y luego se olvida del resto.

my drawing (still in process) / mi dibujo (todavía en proceso)

"The Wise Kids" (2011), de Stephen Cone, es un maravilloso relato sobre el reto de crecer. Tyler Ross, un adolescente cristiano, ha decidido aceptar su sexualidad. Sin embargo, al ser un joven homosexual teme lo que otros puedan pensar de él, después de todo, vive en un pueblo muy religioso. Cone logra capturar las dudas, los miedos y también los goces de la adolescencia, y retrata las vicisitudes de la juventud con la lucidez e intensidad necesarias.

"Just Buried" (2007) es una comedia muy divertida sobre Jay Baruchel, un joven que debe convertir una funeraria en un negocio próspero. Rose Byrne lo ayuda asesinando gente, al principio accidentalmente y luego a propósito. "Just Buried" tiene una alta dosis de humor negro y mucho de irreverencia.

El director Paul Thomas Anderson crea una íntima mirada del mundo de las apuestas. "Hard Eight" (1996), reúne a Philip Baker Hall y a John C. Reilly, el primero es un experto en ganar dinero en los casinos, el segundo es un hombre desesperado dispuesto a seguir todas las instrucciones para ganar algo de dinero. Su asociación es bastante exitosa, hasta que se encuentran con Gwyneth Paltrow, una seductora mesera. Aunque es distinta a otros trabajos suyos, "Hard Eight" es un ejemplo del talento de Paul Thomas Anderson.

"Critters" (1986), de Stephen Herek, es una producción que deleita. Seguramente los efectos especiales pueden parecer viejos comparados a los estándares de hoy en día, pero los Critters (monstruos de otra galaxia) siguen siendo tan peligrosos como siempre. Devorándolo todo a su paso, estas criaturas causan grandes destrozos en un pequeño y aislado pueblo estadounidense. Sólo Scott Grimes, un chiquillo común y corriente, encuentra el coraje para derrotarlos. La propuesta fílmica de Herek quizá sea infantil en algunos momentos, pero igual es absolutamente entretenida.

"Ronny & I" (2013) es un peculiar cortometraje sobre Adam Berry y Luke Humphrey, dos jóvenes que han sido amigos por años. Hasta que uno de ellos revela que es gay. Aunque al principio nada parece alterar la relación, eventualmente comparten una inesperada noche de pasión.

"Kompisar" (2007), dirigido por Magnus Mork, es un cortometraje de Suecia. Aquí, los protagonistas son dos compañeros de piso: Sven Boräng y Jonas Eskilsson. Desde el principio, hay una tensión sexual obvia aunque no declarada entre ellos. Conforme pasa el tiempo, la tension se incrementa, hasta que una noche, los dos jóvenes deciden dormir en la misma cama, allí comparten un momento íntimo de masturbación mutua, seguido de arrepentimientos y separación.

Comic book writers must develop a very specific set of skills. One of such abilities is to get inside the head of characters created decades ago while trying to remain faithful to their essence. When those characters speak we must be able to listen to their voices. Surely, this can be easier to achieve depending on the amount of pages or issues at the writer’s disposal. Nonetheless, when you only have a few frames, getting it right can be quite a challenge. Fortunately, Dan Abnett and Andy Lanning are able to accomplish just that, perfectly capturing the voice of legendary heroes in only a handful of pages.

“Choose Your Weapons” (published in The Legion # 12, November 2002) begins with an extraordinary fighting sequence between the legionnaires and the most famous members of the Justice League of America. Superman, assertive and firm as ever, finds his match in M’Onel, a Daxamite with the same level of powers as the Kryptonian; Martian Manhunter and Chamelon, both shape shifters, use their powers against each other; Ultra Boy, with enough strength to rival against Wonder Woman, finds how difficult it is to defeat the Amazon heroine; Batman finds in Shikari a worthy opponent; Green Lantern is baffled by Gear’s capacity to adapt his technorganic body; although Leviathan and Atom have the power to reduce their mass and size, only one of them is able to subjugate the other. Of course, I have to say that this battle wouldn’t have been as impressive without Olivier Coipel’s illustrations, a truly fantastic artist who understands the need for movement and expressiveness.

In the end, we discover that the Legion’s adversaries are actually artificial reconstructions of the members of the JLA, placed there to protect Warworld. At the same time, Dreamer and a fleet of Khund warships arrive to the solar system while Colu’s brightest minds calculate the weak spots of Earth’s force field. The attack against Robotica is about to happen. But what they don’t know yet is that the leader of Robotica is Computo, who had been disguised as Mr. Venge (Ra’s Al Ghul’s ally). Computo is Brainiac 5’s creation and a classic villain of the Legion that appeared for the first time in Adventure Comics #340 (January 1966).

“Meanwhile…” (The Legion # 13) reinterprets the traditional roots of Computo, who was first created as a supercomputer to help Brainiac 5 and who later on evolved to become an artificial life form, with thoughts complex enough to mimic the behavior of humans or other intelligent alien species. Trapped by Computo, Brainiac 5 has to follow the instructions given by the robotic mind. “I’m the archetype of every device that has been made, used and then thrown away by its creator”, affirms Computo. At the same time, in a distant solar system, we see how Singularity and his Credo are still ravaging worlds, always in search of Progeny refugees. Here, the guest artist is Kev Walker, who seems to channelize the stylistic characteristics of Mike Mignola and Sean Phillips. Although some of his pages look slightly rushed, others are an example of visual strength.

The Legion versus the JLA

“Flesh is Weak” (The Legion # 14) marks the final confrontation between the Legion and the forces of Robotica, led by Computo. In the end, victory depends only on Brainiac 5, who grants Computo its most coveted wish. He helps the robotic mind achieve a superior level, one in which violence becomes obsolete. Nevertheless, this turns to be an unsavory victory, as the newly generated Computo vanishes without leaving a trace, making the legionnaires question some of the most fundamental aspects of their opponent.

Superman versus M'Onel

The cliché of evil robots is as old as the superhero genre itself. In fact, some of my all-time favorite movies revolve around the notion of artificial intelligence trying to eliminate humanity (I’m thinking about the Terminator saga, for instance). Nonetheless, Abnett and Lanning come up with an unexpected outcome. In the 31st century, technology has evolved so much that artificial life forms can be created, and if those life forms feature complex thought patterns, such as Computo did, then they are legitimate sentient beings, and therefore they deserve the respect of the Legion. Instead of a mechanical war of humans versus machines, what we have here is the introduction of new possibilities regarding what is considered life and what isn’t. “When we were fighting Robotica… when we were destroying robots… were we violating the Legion’s most basic code?”, asks Kid Quantum. A question no one dares to answer. This is the last issue illustrated by Coipel, and once again his graphic imagination and his graceful figures turn an already interesting script into a fascinating visual narrative. Coipel’s departure is truly the end of an era.
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Brainiac 5 versus Computo (art by Kev Walker)

Los escritores de cómics deben desarrollar habilidades muy específicas. Una estas habilidades es meterse en la cabeza de personajes creados décadas atrás e intentar ser fieles a su esencia. Cuando estos personajes hablan, debemos ser capaces de escuchar sus voces. Seguramente, esto es más fácil de lograr dependiendo de la cantidad de páginas o números a disposición del escritor. No obstante, cuando solamente se tiene unas pocas viñetas, alcanzar esta meta puede ser todo un reto. Afortunadamente, Dan Abnett y Andy Lanning son capaces de cumplir con esta exigencia, capturando perfectamente la voz de los héroes más legendarios en tan sólo un puñado de páginas.

“Elegid vuestras armas” (publicado en "The Legion" # 12, noviembre de 2002) empieza con una extraordinaria secuencia de pelea entre los legionarios y los más famosos integrantes de la Liga de la Justicia de América. Superman, asertivo y firme como siempre, encuentra a un rival en M’Onel, un daxamita con el mismo nivel de poderes que el kriptoniano; Martian Manhunter y Chamelon, son seres que cambian de forma, y usan sus poderes para atacarse; Ultra Boy, con fuerza suficiente para competir contra Wonder Woman, descubre lo difícil que es vencer a la heroína amazona; Batman encuentra en Shikari a un oponente digno; Green Lantern se queda atónito ante la capacidad de Gear de adaptar su cuerpo tecnorgánico; aunque Leviathan y Atom tienen el poder de reducir su masa y tamaño, sólo uno de ellos puede subyugar al otro. Desde luego, tengo que decir que estaba batalla no hubiese sido tan impresionante sin las ilustraciones de Olivier Coipel, un artista verdaderamente fantástico que entiende la necesidad de la expresividad y el movimiento.

Fighting against Robotica / peleando contra Robotica

Al final, descubrimos que los adversarios de la Legión son de hecho reconstrucciones artificiales de los miembros de la JLA, colocados allí para proteger a Warworld. Al mismo tiempo, Dreamer y una flota de cruceros de guerra de Khund llegan al sistema solar, mientras que las más brillantes mentes de Colu calculan los puntos débiles del campo de fuerza de la Tierra. El ataque contra Robotica está a punto de suceder. Pero lo que ellos todavía no saben es que el líder de Robotica es Computo, que había estado disfrazado como Mr. Venge (el aliado de Ra’s Al Ghul). Computo es una creación de Brainiac 5 y un villano clásico de la Legión que apareció por primera vez en Adventure Comics #340 (enero de 1966).

“Mientras tanto…” (The Legion # 13) reinterpreta las raíces tradicionales de Computo, que fue creado primero como una supercomputadora para ayudar a Brainiac 5 y que después evolucionó hasta convertirse en una forma de vida artificial, con pensamientos lo suficientemente complejos como para imitar el comportamientos de los humanos y otras especies alienígenas inteligentes. Atrapado por Computo, Brainiac 5 tiene que seguir las instrucciones dadas por la mente robótica. “Soy el arquetipo de cada artefacto que ha sido hecho, usado y luego descartado por su creador”, afirma Computo. Al mismo tiempo, en un lejano sistema solar, vemos cómo Singularidad y su Credo siguen destruyendo mundos, siempre en busca de refugiados de la Progenie. Aquí el artista invitado es Kev Walker, quien parece canalizar las características artísticas de Mike Mignola y Sean Phillips. Aunque algunas de sus viñetas se ven ligeramente apresuradas, otras son un ejemplo de fuerza visual.

Brainiac 5 recovers from his injuries / Brainiac 5 se recupera de sus heridas

“La carne es débil” (The Legion # 14) marca la confrontación final entre la Legión y las fuerzas de Robotica, guiadas por Computo. Al final, la victoria depende solamente de Brainiac 5, quien otorga a Computo su más codiciado deseo. Ayuda a la mente robótica a alcanzar un nivel superior, en el que la violencia se convierte en algo obsoleto. No obstante, esto termina convirtiéndose en una victoria amarga, ya que el regenerado Computo se desvanece sin dejar rastros, haciendo que los legionarios cuestionen algunos de los aspectos más fundamentales de su oponente.

El cliché del robot maligno es tan viejo como el mismo género de superhéroes. De hecho, algunas de mis películas favoritas giran en torno a la noción de una inteligencia artificial que intenta eliminar la humanidad (estoy pensando en la saga de "Terminator", por ejemplo). No obstante, Abnett y Lanning presentan un desenlace inesperado. En el siglo XXXI, la tecnología ha evolucionado tanto que formas de vida artificial pueden ser creadas, y si estas formas de vida manifiestan patrones de pensamiento complejo, tal como era el caso con Computo, son seres legítimos, y por lo tanto merecen el respeto de la Legión. En vez de una mecánica guerra de humanos versus máquinas, lo que tenemos aquí es la introducción de nuevas posibilidades en relación a lo que se considera vida. “Cuando estábamos peleando contra Robotica… cuando estábamos destruyendo robots… ¿estábamos violando el código más básico de la Legión?”, pregunta Kid Quantum. Una pregunta que nadie se atreve a responder. Este es el último número ilustrado por Coipel, y una vez más su imaginación gráfica y sus figuras llenas de gracia convierten un guión ya de por sí interesante en una narrativa visual fascinante. La salida de Coipel es ciertamente el fin de una era.

If there is one thing that I admire about comic book creators from earlier decades, is their impressive ability to come up with new characters, both heroes and villains, almost on a monthly basis. Sure, sometimes in their hastiness they would come up with less than stellar ideas, but that doesn’t diminish their merit in the least. They were still in the frontline, month after month, churning out new concepts to surprise and delight their readers. That, in my opinion, deserves a round of applause.

Marv Wolfman is one those ‘old school’ authors, who did as much as he could to introduce new elements in the Titans saga. “The Fearsome Five!” (published in The New Teen Titans # 3, January 1981) reunites for the first time newcomers such as Mammoth, Shimmer, Gizmo and Psimon with the famous supervillain Doctor Light. These five dangerous villains fight against the New Teen Titan; the spectacular battle sequences, courtesy of artist extraordinaire George Pérez, are an example of full-fledged action, pure dynamism and movement, and above all, composition and visual harmony.

Although the confrontation between heroes and villains is entertaining, my favorite moment takes place in Wonder Girl’s apartment, where the heroic teenagers are simply hanging out, relaxing after a long day (even Robin is slightly undressed). Surrounded by her dearest friends, Starfire explains how her father, king of Tamaran, allowed her to be a bargaining chip while negotiating with the Citadel, an evil intergalactic empire. Wolfman explains it better in his introduction: “Starfire was an alien princess whose weak-willed father, Myand’r (meander) sold her into slavery in order to save his planet from destruction”. Finally, the Titans visit their headquarters for the first time: the Titans Tower, a building shaped like a giant ‘T’ that will become their second home for many years to come.

In “Against All Friends!” (The New Teen Titans # 4, February 1981), the spotlight is on Raven and her mysterious relationship with Trigon, a demon that has conquered an entire universe and plans to do the same with ours. “Raven’s mother was an Earth woman raped by an interdimensional demon”. After being defeated by the Fearsome Five, the Titans have been brainwashed by Psimon, a villain with psychic abilities. In this state of mental confusion they attack the Justice League of America (Batman, Wonder Woman, Hawkman, Green Lantern, Zatanna and the Atom).

A moment of relaxation for the young heroes / un momento de relajo para los jóvenes héroes

The Fearsome Five / los Cinco Fatales

Even if the Titans are a group of untrained teenagers, they’re still powerful enough to trounce the League. The greatest moment of the battle takes place between Batman and Robin. Having trained his ward for years, the Dark Knight immediately notices that someone is mind-controlling the Teen Wonder. “You’re being used”, says Batman. And Robin replies with a phrase that would ignite all comic book message boards, had it been printed today: “No way, Batman. Nobody is using me anymore -- Including you!”.

Of course, far be it from me to ascertain that there is a certain sexual connotation as the teenager accuses his adult mentor of “using” him. So let’s just pay attention to Wolfman’s interpretation: “The Titans’ origins all stemmed from parent/child differences. The theme of the Titans began and remained young versus old. Son and daughter versus father and mother. These universal conflicts, understood by all teens as they grow up and separate from their parents, could be revisited time and time again”.

In this issue, George Pérez does a splendid work designing Azarath and Trigon. In fact, all of Pérez’s designs had been amazing starting from issue # 1. “To say his designs were absolutely spot-on perfect would be to diminish his accomplishment […] There is no better artist partner in comics than George”.

Nevertheless, due to time constraints, “Trigon Lives!” could not be illustrated by Pérez. To replace him, editor Len Wein asked longtime collaborator Curt Swan to be the guest penciller. Perhaps inspired by Pérez’s spectacular work, Swan did a much better job here than in the pages of other DC titles he had been working on at the time. In this issue, the Titans defeat Goronn, the herald of Trigon. However, against the immeasurable power of Trigon, there is not much they can do. In the end, Raven decides to sacrifice her freedom thus returning with Trigon to the universe he has already conquered.
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Was Robin really "used" by Batman? (panel 4)
/ ¿Robin fue realmente "usado" por Batman? (viñeta 4)

Si hay algo que admiro de los creadores de cómics de décadas anteriores, es su impresionante habilidad para desarrollar personajes nuevos, tanto héroes y villanos, casi a un ritmo mensual. Seguramente, algunas veces, con tanto apresuramiento, ellos tenían ideas no tan brillantes, pero eso no disminuye su mérito en lo más mínimo. De todos modos, estaban en la primera fila, mes tras mes, ensamblando nuevos conceptos para sorprender y deleitar a los lectores. Eso, en mi opinión, merece una ronda de aplausos.

Marv Wolfman es uno de estos autores de la ‘vieja escuela’, quien hizo tanto como pudo para introducir elementos novedosos en la saga de los Titanes. “¡Los Cinco Fatales!” (publicado en "The New Teen Titans" # 3, enero de 1981) reúne por primera vez a novatos como Mammoth, Shimmer, Gizmo y Psimon con el famoso supervillano Doctor Light. Estos cinco peligrosos villanos pelean contra los Jóvenes Titanes; las espectaculares secuencias de batalla, cortesía del extraordinario artista George Pérez, son un ejemplo de acción a raudales, puro dinamismo y movimiento, y por encima de todo, composición y armonía visual.

Aunque la confrontación entre héroes y villanos es entretenida, mi momento favorito ocurre en el departamento de Wonder Girl, donde los heroicos adolescentes se han reunido para relajarse tras un arduo día (incluso Robin está ligeramente desvestido). Rodeada de sus más queridos amigos, Starfire explica cómo su padre, el rey de Tamaran, accedió a utilizarla como pieza de negociación con la Ciudadela, un maligno imperio intergaláctico. Wolfman lo explica mejor en su introducción: “Starfire era una princesa alienígena con un padre de voluntad débil, Myand’r (meandro), quien la somete a la esclavitud para salvar a su planeta de la destrucción”. Finalmente, los Titanes visitan su cuartel general por primera vez: la Torre de los Titanes, un edificio con la forma de una gigantesca ‘T’ que se convertirá en su segundo hogar durante los próximos años.

[] Atom, Hawkman, Green Lantern, Zatanna, Wonder Woman & Batman
[] Wonder Girl, Robin, Changeling, Starfire, Kid Flash, Cyborg & Raven

“¡En contra de todos los amigos!” (The New Teen Titans # 4, febrero de 1981), se enfoca en Raven y su misteriosa relación con Trigon, un demonio que ha conquistado un universo entero y planea hacer lo mismo con el nuestro. “La madre de Raven fue una mujer de la Tierra violada por un demonio interdimensional”. Tras ser derrotados por los Cinco Fatales, Psimon, un villano con habilidades psíquicas, domina las mentes de los Titanes. En esta estado de confusión mental, ellos atacan a la Liga de la Justicia de América (Batman, Wonder Woman, Hawkman, Green Lantern, Zatanna y Atom).

Goronn (art by Curt Swan) / Goronn (arte de Curt Swan)

Incluso si los Titanes son un grupo de adolescentes sin entrenamiento, aun así son lo suficientemente poderosos para darles una paliza a la Liga. El momento estelar de la batalla se desarrolla entre Batman y Robin. Al haber entrenado a su pupilo por años, el Señor de la Noche inmediatamente nota que alguien está controlando mentalmente al Joven Maravilla. “Te están usando”, dice Batman. Y Robin responde con una frase que soliviantaría a todos los foros de cómics en línea, si es que esto hubiese sido impreso hoy en día: “De ninguna manera, Batman. Ya nadie me está usando. -- ¡Incluyéndote a ti!”.

Desde luego, no pretendo afirmar que hay una cierta connotación sexual cuando el adolescente acusa a su mentor adulto de haberlo “usado”. Así que mejor prestemos atención a la interpretación de Wolfman: “Los orígenes de los Titanes provienen de las diferencias padre/hijo. El tema de los Titanes empezó y siguió siendo el de jóvenes versus viejos. Hijo e hija versus padre y madre. Estos conflictos universales, entendidos por todos los adolescentes al crecer y separarse de sus padres, podrían ser retomados una y otra vez”.

En este número, George Pérez hace un espléndido trabajo diseñando a Azarath y Trigon. De hecho, todos los diseños de Pérez habían sido asombrosos desde el primer número. “Decir que sus diseños daban en el blanco y eran de una perfección absoluta sería disminuir sus logros […] no hay mejor socio artístico en los cómics que George”.

No obstante, debido a problemas con las fechas, “¡Trigon vive!” no pudo ser ilustrado por Pérez. Para reemplazarlo, el editor Len Wein buscó a su colaborador de años, Curt Swan, para que fuese el artista invitado. Tal vez inspirado por la espectacular obra de Pérez, Swan hizo aquí un trabajo mucho mejor que en las páginas de otros títulos de DC para los que colaboraba en esa época. En este número, los Titanes vencen a Goronn, el heraldo de Trigon. Sin embargo, en contra del inconmensurable poder de Trigon, no hay mucho que puedan hacer. Al final, Raven decide sacrificar su libertad regresando así con Trigon al universo que él ya ha conquistado.

The fear of growing up is something we can all relate to. The journey to maturity is like a strange and unpredictable odyssey, of which nobody can be sure of its outcome or vicissitudes. Perhaps, then, the easiest way to describe the quintessence of adolescence is as an eternal instant of insecurity, as a feeling of longing and at the same time confusion, as an uncertainty that mildly warms our hearts in the coldest of nights.

Dave McKean

For Steven, the protagonist, growing up may be the scariest thing in the world. Indisputably much scarier than the monsters that lurk in the shadows of Halloween’s eve. And that fear will irrupt in his life, suddenly, inexorably, during an afternoon walk with his friends.

In a small town in which nothing surprising ever happens, Steven and his friends find themselves shocked by the presence of a sinister and decrepit theater. They don’t understand how this is the first time they come across such a place, having lived in this town since they were born. However, something lures them in. Or rather, someone does: the showman. An spectral figure that shares a certain resemblance with Alice Cooper (let’s remember that this graphic novel was based upon a story written by Neil Gaiman and Alice Cooper, and first published by Marvel Comics in 1994).

“Damn my eyes. What a fine-looking assemblage of young men. What a sweet little congregation of the flesh”, utters the showman. And he invites them to step inside the theater. But all the boys are scared. Intuition tells them that there is something wrong with the showman. He seems too keen on them, too fixated on their boyish looks. One by one, the boys make up excuses and decline the showman’s invitation, all of them save for Steven, who tries to prove he is not the wuss his friends take him for.

Boys are easy prey for the showman / los chicos son presa fácil para el teatro

That is Steven’s greatest mistake. To accept the invitation of the showman. Because as soon as he does, the horror begins. He’s, after all, in the theater of the real. The real instead of reality. The moment Steven entered the symbolic order, the immediacy of the pre-symbolic real was lost forever, the true object of desire became unattainable. Now, however, he is inserting himself into the real again. As I said in the beginning, Steven’s longings are also associated with the inherent confusion of his age. He wants deeply but he does not know what he wants. According to Jacques Lacan, every object we encounter in reality is already a substitute for the original that was lost in the real.

“Amongst my friends I agreed that girls were to be abhorred, that femininity was, on the whole, less welcome than nose-picking. But at home… in private… at night… perhaps… I had begun… to feel differently. I had found my temptation”. Enthralled by the decadent show of the theater of the real, Steven experiences sexual arousal for the first time in his young life. He has found in Mercy, an attractive lady, his Lacanian objet petit a, the chimerical object of fantasy, the object that causes his desire. While he goes through the fantasy of the sexy femme fatale, he experiences how this fantasy-object only materializes the void of his desire. That irreducible and constitutive lack is the foundation of desire.

The showman persuades Steven / el hombre del teatro persuade a Steven

In addition to the awakening of his sexuality, Steven is also confronted with the fears and frustrations of the adult world. In a nightmarish scene, the teenager sees his future. Years from now, he will have to answer a simple question: “what are you doing with your life?” And his answer will be disheartening: “nothing”. He has no job, no car, no money, no girl. Whatever talents he had as a young boy have now vanished. At this point in his life, he’s considering prostituting himself, either that or committing suicide.

Michael Zulli masterfully illustrates this nightmarish sequence. The decrepitude of the building extends to zombies and other rotten creatures. The unique texture of Zulli’s pencils and his delicate brushes help create a fascinating atmosphere. As Gaiman explained in his introduction, this was supposed to be “A campfire tale […] a comic for when the leaves begin to crisp and fall. Light reading for what Ray Bradbury called the October Country”; and indeed, the poetry of fall, the rivalry between light and darkness, the grand designs and compelling compositions are wonderfully painted by Zulli.

After stepping out of this phantasmagorical Grand Guignol theater, Steven tries to run as fast as he can. He goes home and later on to school, always seeking safety. But neither his parents nor his teachers will be able to protect him. Because the showman is still after him. He visits Steven in his dreams, turning them into nightmares. He invades the bodies of those who surround the teenager, and tries to persuade him to go to the theater again, for the grand finale.

The theater of the real / el teatro de lo real

Although Steven is frightened, he is still a smart boy. And conducts a thorough research about the theater’s victims. He finds out that for more than a century, boys have disappeared in town, always in the eve of Halloween. The showman has been kidnapping kids for years, corrupting their souls and bodies. Steven once again goes to the theater of the real. The showman makes him a solemn promise: if he joins the theater he will never age: “Never grow old, Steven. Never decay. Never end”, the showman highlights that there is nothing good about adulthood, nothing promising about his future.

Steven's nightmare begins / comienza la pesadilla de Steven

Perhaps the ultimate horror is to become an adult. To forget the dreams we had as young boys only to embrace a dull reality. To sacrifice the possibility of a good life only to survive in the cruel reality. When I was reading the final pages of “The Last Temptation” I couldn’t stop thinking about my own life. What did I fantasize about when I was Steven’s age? What did I desire the most back then? For how long could I keep trying before quitting? I’m sure every reader will come up with their own questions; the answers, however, are not guaranteed.

“My only regret is that I wish I had done better”, confesses Michael Zulli in the afterword. I share his same concern because, as a creator, I can rarely feel satisfied with my work. So it’s quite reassuring to see a legendary artist like Zulli expressing the same worries. For the record, I must say that Zulli’s art throughout this graphic novel is an absolute delight. A pleasure for sore eyes. And how could it be other way coming from the author that gave us “The Fracture of the Universal Boy”?

“The Last Temptation” is, undoubtedly, the best graphic novel I have read in 2014. Do yourselves a favor: find it and read it. And then, slowly, try to answer some of the questions. I’ll patiently wait here for your answers.
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El miedo a crecer es algo con lo que todos nos podemos identificar. El viaje hacia la madurez es como una extraña e impredecible odisea, y nadie puede estar seguro de su desenlace ni de sus vicisitudes. Tal vez, entonces, la forma más fácil de describir la quintaesencia de la adolescencia es como un instante eterno de inseguridad, como un sentimiento de anhelo y al mismo tiempo de confusión, como una incertidumbre que a duras penas entibia nuestros corazones en las noches más frías.

Steven's last temptation / la última tentación de Steven

Para Steven, el protagonista, crecer es quizás lo más terrorífico del mundo. Indisputablemente, es mucho más aterrorizador que los monstruos que acechan en las sombras de la víspera de Halloween. Y ese miedo irrumpirá en su vida, repentinamente, inexorablemente, durante una caminata con sus amigos.

En un pueblito en el que jamás sucede algo sorprendente, Steven y sus amigos quedan impresionados ante la presencia de un siniestro y decrépito teatro. No entienden cómo esta es la primera vez que encuentran un lugar así, sobre todo porque han vivido en este pueblo desde que nacieron. Sin embargo, algo los atrae. O más bien, alguien los llama: el dueño del teatro. Una figura espectral que comparte un cierto parecido con Alice Cooper (recordemos que esta novela gráfica se basó en una historia escrita por Neil Gaiman y Alice Cooper, publicada por primera vez por Marvel Comics en 1994).

“Malditos sean mis ojos. Vaya concurrencia de jovencitos tan atractivos. Qué dulce congregación de la carne”, expresa el dueño del teatro. Y los invita a entrar al teatro. Pero todos los chicos tienen miedo. La intuición les dice que hay algo maligno en este hombre. Él parece estar demasiado entusiasmado con ellos, demasiado obsesionado con el aspecto juvenil de sus rostros. Uno por uno, los muchachos inventan excusas y declinan la invitación del hombre del teatro, todos ellos excepto Steven, quien intenta demostrar que no es el miedoso que sus amigos piensan que es.

Ese es el mayor error de Steven. Aceptar la invitación del dueño del teatro. Porque apenas lo hace, el terror empieza. Después de todo, él está en el teatro de lo real. Lo real en vez de la realidad. El momento en el que Steven entró al orden simbólico, la inmediatez de lo real pre-simbólico se perdió para siempre, el verdadero objeto de deseo se convirtió en algo inalcanzable. Sin embargo, ahora él se está insertando de nuevo en lo real. Como dije al principio, los anhelos de Steven también están asociados con la confusión inherente de su edad. Él quiere profundamente pero no sabe qué es lo que quiere. De acuerdo con Jacques Lacan, todo objeto que encontramos en la realidad ya es de por sí un substituto del original perdido en lo real.

Steven must face the horror / Steven debe enfrentarse al horror

“Entre mis amigos, había acordado que las chicas debían ser aborrecidas, que la feminidad, en su totalidad, era menos bienvenida que meterse el dedo en la nariz. Pero en casa… en privado… en la noche… tal vez… había empezado… a sentir algo diferente. Había encontrado mi tentación”. Hipnotizado por el decadente show del teatro de lo real, Steven experimenta la excitación sexual por primera vez en su joven vida. Él ha encontrado en Mercy, una atractiva dama, a su objet petit a Lacaniano, el quimérico objeto de fantasía, el objeto que causa el deseo. Mientras entra en la fantasía de la femme fatale sexy, experimenta cómo este objeto-fantasía materializa únicamente el vacío de su deseo. Esa ausencia irreducible y constitutiva que es la base del deseo.

Además del despertar de su sexualidad, Steven también es confrontado con los miedos y frustraciones del mundo adulto. En una escena de pesadilla, el adolescente ve su futuro. Años más adelante, él tendrá que responder una simple pregunta: “¿qué estás haciendo con tu vida?”. Y su respuesta será descorazonadora: “nada”. Él no tendrá trabajo, ni carro, ni dinero, ni chica. Cualesquiera que fuesen los talentos que tenía de niño ahora se han desvanecido. En este momento de su vida, él está considerando prostituirse, es eso o cometer suicidio.

Michael Zulli ilustra magistralmente esta secuencia de pesadilla. La decrepitud del edificio se extiende a los zombis y otras criaturas putrefactas. La textura única de los lápices de Zulli y sus delicadas pinceladas ayudan a crear una atmósfera fascinante. Como explica Gaiman en su introducción, se suponía que esto era “Un relato de fogatas […] un cómic para cuando las hojas empiezan a crujir y a caer. Una lectura ligera para lo que Ray Bradbury llamaba el país de octubre”; y de hecho, la poesía del otoño, la rivalidad entre la luz y la oscuridad, los grandes diseños y las composiciones atrayentes son pintadas maravillosamente por Zulli.

Another fascinating double page spread by Zulli / otra de las fascinantes páginas dobles de Zulli

Después de salir de este fantasmagórico teatro Grand Guignol, Steven intenta correr tan rápido como puede. Va a casa y luego al colegio, siempre en busca de seguridad. Pero ni sus padres ni sus profesores serán capaces de protegerlo. Porque el dueño del teatro todavía está detrás de él. Él visita a Steven en sus sueños, convirtiéndolos en pesadillas. Invade los cuerpos de aquellos que rodean al adolescente, e intenta persuadirlo para ir al teatro una vez más, para el gran final.

The final battle for Steven's soul / la batalla final por el alma de Steven

Aunque Steven está asustado, sigue siendo un chico listo. Y realiza una minuciosa investigación sobre las víctimas del teatro. Descubre que por más de un siglo, muchos chicos desaparecieron del pueblo, siempre en la víspera de Halloween. El dueño del teatro ha estado secuestrando chiquillos por años, corrompiendo sus almas y cuerpos. Steven nuevamente va al teatro de lo real. El hombre le hace una solemne promesa: si se une al teatro nunca envejecerá. “Nunca crecerás, Steven. Nunca te deteriorarás. Nunca habrá fin”, el dueño del teatro resalta que la adultez no tiene nada de bueno, no hay nada prometedor en el futuro.

Tal vez el horror definitivo es volverse adulto. Olivar los sueños que teníamos de niños para aceptar la realidad gris. Sacrificar la posibilidad de una buena vida sólo para sobrevivir en la cruel realidad. Cuando estaba leyendo las páginas finales de “The Last Temptation” no pude dejar de pensar sobre mi propia vida. ¿Sobre qué fantaseaba yo cuando tenía la edad de Steven? ¿Qué era lo que más deseaba en ese entonces? ¿Llegué a rendirme en algún momento o seguí haciendo el esfuerzo? Estoy seguro que cada lector formulará sus propias preguntas; las respuestas, sin embargo, no están garantizadas.

“Mi único arrepentimiento es que desearía haberlo hecho mejor”, confiesa Michael Zulli en el epílogo. Comparto su misma preocupación, como creador rara vez me siento satisfecho con mi trabajo. Así que es reconfortante ver a un artista legendario como Zulli expresando las mismas inquietudes. Eso sí, debo decir que el arte de Zulli a lo largo de esta novela gráfica es una absoluta delicia. Un placer para ojos adoloridos. ¿Y cómo podría ser de otro modo viniendo del autor que nos dio “The Fracture of the Universal Boy”?

“The Last Temptation” es, indudablemente, la mejor novela gráfica que he leído en el 2014. Por favor, búsquenla y léanla. Y luego, lentamente, intenten responder algunas de las preguntas. Esperaré aquí pacientemente por las respuestas.

Miracleman # 9 - Alan Moore & Rick Veitch

Outcast # 1 & 2 - Robert Kirkman & Paul Azaceta

The Walking Dead # 1-6 - Robert Kirkman & Tony Moore

Sandman Overture # 3 - Neil Gaiman & J.H. Williams III

The Legion # 6, 7 & 8 - Abnett, Lanning & Coipel

July comic books / cómics de julio

September Comic Books / Cómics de setiembre

Planetary # 7 - Warren Ellis & John Cassaday

October Films / películas de octubre

The Legion # 9, 10 & 11 - Abnett, Lanning & Coipel

Aquaman: Time and Tide - Peter David & Kirk Jarvinen

The New Teen Titans # 1 & 2 - Marv Wolfman & George Pérez

Y: The Last Man # 1-5 - Brian K. Vaughan & Pia Guerra

Dédalo - Exponatale 2014

October comic books / cómics de octubre

Planetary # 8 - Warren Ellis & John Cassaday

November films / películas de noviembre

The Legion # 12, 13 & 14 - Abnett, Lanning & Coipel

The New Teen Titans # 3, 4 & 5 - Marv Wolfman & George Pérez

The Last Temptation - Neil Gaiman & Michael Zulli